Subjektiv mening eller hvordan jeg ser på arbeidet mitt som designer. Fordypning i dypet av Vladimir Sverdlovs kreativitet Som designeren ser

Ofte er årsaken til en mislykket reparasjon en banal misforståelse: klienten ber om en ting, designeren hører en annen - og nå viser prosjektet seg å være helt annerledes enn det vi ønsker. Det er ikke så vanskelig å snakke det samme språket med en spesialist, det er nok å forberede seg nøye og følge enkle regler. Hvilken vil designeren fortelle.

Anastasia Orlova ble uteksaminert fra ArtFuture Design School med en grad i interiørdesign. For øyeblikket er hun student ved fakultetet for arkitektur ved et av de eldste universitetene i verden - Roman La Sapienza. Nå fortsetter han å engasjere seg i privat praksis i Russland, og leder prosjekter eksternt og med hjelp av et team av likesinnede. Jobber på både privat interiør av leiligheter, hytter, og prosjekter av restauranter og hoteller.

La oss si at jeg fant noen å kontakte og gjorde en avtale. Hva bør vurderes på forhånd? Trenger du å komme med klare ønsker eller en slags felles visjon, eller dannes den fortsatt i ferd med å kommunisere med designeren?

Det vil være nyttig å begynne å "drømme" på forhånd, bære ideen om et fremtidig hjem i hodet, bla gjennom bilder på Internett og lagre dem, skrive ned eller sende deg selv meldinger med tanker om nødvendig funksjonalitet. Når du undersøker dine daglige vaner, vil du legge merke til nyansene, og sammen med designeren vil du kunne finjustere ditt fremtidige hjem for deg selv. Det er veldig viktig på drømmestadiet å se på og lagre bilder. Dette er ikke alltid klare "jeg vil ha sånne" bilder - du kan like et bestemt element i dem, eller et fargeskjema eller en funksjonell løsning - alt som resonerer med deg på en eller annen måte. Hvorfor spiller det noen rolle? I tillegg til å hjelpe designeren til å forstå dine stilistiske preferanser, er det like viktig at i prosessen med å se på eksempler, er det en kvalitativ utvikling av smakspreferanser. Og det som helt i begynnelsen virker fryktelig originalt for deg, oppfattes etter hvert som knaket og smakløst. Så la denne veksten skje gjennom eksempler på Internett og før du lager ditt eget interiør.

Hvis du føler for å lage en kort eller detaljert ønskeliste før du møter en designer, flott! Men samtidig, hvis det virker for deg at det er fullstendig kaos i hodet ditt og du ikke er i stand til å strukturere tankene dine, bør du ikke være redd eller skamme deg over dette. Fortell designeren om dine ønsker i den rekkefølgen de huskes, eller kommer til ordet, eller er skrevet ned av deg. Deretter vil designeren behandle informasjonen fra samtalen din, systematisere og danne en teknisk oppgave basert på den - en integrert del av kontrakten.

I tillegg vil designeren stille ytterligere spørsmål eller tilby et spørreskjema – de vil også lede deg til tanker som kanskje ikke har falt deg opp. Til syvende og sist vil mandatet bli født i prosessen med dialog.

Sannsynligvis er det fortsatt verdt å legge til en flue i salven og merke seg at en utilstrekkelig detaljert teknisk oppgave er skadelig for kunden: for å omarbeide et vidtrekkende prosjekt på grunn av ønsker som ikke ble uttrykt på forhånd, kan designeren be om en ekstra betaling , og selv bor i et interiør som ikke dekker alle behov, liten glede.

Bør jeg krangle med en spesialist? For eksempel vil jeg virkelig ha én stor lysekrone, men de tilbyr meg spotlights?

Ingen grunn til å krangle. Både designeren og kunden skal alltid huske at målet er det samme. Vi må lytte nøye til hverandre og ikke la stahet og egne ambisjoner ta overhånd. "Skal jeg insistere?" - Spørsmålet er for tvetydig: å være inne i situasjonen, vil du ikke finne et objektivt svar på den. For å prøve å skille mellom områdene der den ene eller den andre har privilegiet, vil jeg veldig generelt si dette:

Når det gjelder estetikk:

hvis du er i tvil om det generelle bildet av interiøret, insister på videre søk;
hvis du er forvirret av individuelle elementer i interiøret og designeren forsikrer at det er slik det skal være, bør du kanskje lytte mer til en fagperson, for i motsetning til kunden, som ofte ser de bestanddelene, har designeren en visjon om prosjektet som helhet.

Som en del av den funksjonelle siden av saken er etter min mening kundens mening avgjørende. Men husk likevel: foran deg er en person som regelmessig møter problemer med å organisere plass - mest sannsynlig har han noe å gi deg råd.

– Hvis jeg ikke kan de spesielle vilkårene, vil vi forstå hverandre?

Akkurat som du ikke trenger å være flytende i medisinsk terminologi når du går til en legetime, vil det ikke være noe problem når du snakker med en designer. Designeren vil aldri begynne å "diagnostisere" basert på hvordan du kaller favorittstilen din - konklusjonen vil bli trukket fra bildene og mange andre indirekte tegn. Og selvfølgelig er designeren interessert i å formidle ideen sin til deg på et normalt språk.

- Hva, foruten de tekniske parametrene til rommet, betyr noe? Mine vaner, kjæledyr?

Bokstavelig talt betyr alt: vanene og interessene til hvert familiemedlem, deres liv i og utenfor hjemmet, kretsen av husstandsmedlemmer, gjester og slektninger. Vekst, mulige allergier, kjæledyr er viktig - listen er uendelig og diskuteres på stadiet for å utarbeide referansevilkårene (den kan fylles på i prosessen). Og jo flere av disse parameterne du og designeren klarer å bruke, jo mer gjennomtenkt og skreddersydd vil interiøret ditt være.

– Hva er de vanligste feilene kundene gjør når de kommuniserer?

Du bør alltid huske på at du og designeren er ett team som går til realiseringen av prosjektet, og deres felles mål er å realisere dette prosjektet på best mulig måte. Hvis det er motstand i et forhold, er det noe som ikke fungerer som det skal.
Du ansetter en designer for å gi deg en tjeneste for å skape et boareal. Hvis du samtidig ikke lytter til hans råd, gjør emosjonelle kjøp av materialer eller elementer som ikke samsvarer med ideen, gjør endringer i prosjektet selv, vil du få mindre nytte av den bestilte tjenesten.
Jeg vil anbefale å alltid bestille et prosjekt med valg av materialer og arkitektonisk tilsyn. Dette disiplinerer designeren, tillater ikke kreativiteten å bryte bort fra jordiske realiteter, og sikrer deg legemliggjøring av ideer ikke bare på papiret, men også i livet. En svært liten andel av kundene kan utføre dette arbeidet på egen hånd.

Ta vare på designere og husk at du må jobbe sammen med ham fra flere måneder til flere år (avhengig av omfanget av prosjektet) - i løpet av denne tiden klarer folk ofte å komme ganske nært.

Bilder: jennifercovingtondesigns.weebly.com, gallery-ot.ru, storyhouse.pw

Vladimir Borisovich Sverdlov - designer, skulptør, medlem av Union of Designers of St. Petersburg, styreleder for kunstdesignseksjonen, utdannet ved St. Petersburg State Academy of Art and Industry. Baron A.L. Stieglitz (Mukhinskoye skole). Skulpturer av forfatterskapet hans er verdsatt ikke bare i Russland, men også i utlandet. Vladimir Borisovich er forfatteren av portrettet av Joseph Brodsky donert til US Library of Congress. For tiden er Sverdlov engasjert i å lage kunstgjenstander, kammerplast og glyptiker.

Den 15. desember 2015 vil det bli holdt et møte med Vladimir Borisovich i Moika-8 forelesningssalen. På tampen av denne begivenheten klarte vi å kommunisere med ham i den unike atmosfæren til et kreativt verksted, hvor veien viste seg å være veldig symbolsk. Forståelsen og erkjennelsen av forfatterens kreative ideer var like dyp som å gå gjennom inngangsdørene inn i dypet av St. Petersburgs gårdsplass, og renheten til ideen og formen er som et opplyst rent verksted på en mørk skyet kveld.

Vladimir Borisovich, hva er kunstdesign for deg, hvordan ser du det?

Kunstdesign ble født mye tidligere enn meg, og ingen kan si nøyaktig hvor mange årtusener det er snakk om. Det er en slik ekspert på Egypt, Jorge Angel Livrago Rizzi, en ledende spesialist i verden. Han sa at strukturer som den store egyptiske pyramiden er minst 17 tusen år gamle. Vi vil vurdere at en slik struktur er begynnelsen på kunstdesign, fordi dusinvis av konsepter er samlet i en struktur: vitenskapelig, teknisk, arkitektonisk, kunst, medisin og rom. Pyramiden er både en mottaker og en sender på samme tid. Jeg var alltid bekymret for dette, og jeg bestemte meg for å lage en pyramide, som bare kan kalles en pyramide av konturer, men faktisk er det mer enn en pyramideformet form, og det er ingen faraoer inni. Det er rom og tid. Forresten, moderne vitenskap forklarer konvergensen av disse to parameterne, rom og tid, med akkurat en slik geometrisk formel: gjensidig vinkelrette to sylindriske hull. Det vil si at hvis du tar et ark og bøyer det langs radien, er dette bare ett hull, og da er dannelsen av det andre hullet tid. Her er konvergensen av disse to hullene - en veldig tynn genser. Det er praktisk talt ingen forskjell mellom tid og rom. Og lys modellerer formen slik at den flyter fra et stoff til et annet.

Fortell oss om "pyramiden" din?

I 2003 ble det utlyst en konkurranse om et monument dedikert til 300-årsjubileet for St. Petersburg på Mytninskaya-vollen. Jeg ville bygge en pyramide.

I det gamle Egypt sa de at alt er redd for tid, men tiden er redd for pyramidene. Hvorfor er den redd for pyramideformen? Dette er ikke bare sagt for 4 årtusener siden. Fordi alt materiell i denne verden blir, før eller siden, til en pyramideformet form - til en haug. Og i lys av det faktum at organiseringen av enhver sak er rettet mot de fire retningene i rommet, blir alt absolutt til en pyramideformet form med tiden, og tiden kan ikke gjøre noe med det. Den bygger selve pyramiden. Disse sivilisasjonene som eksisterte før oss visste dette veldig godt. Boris Demin, da han først så pyramiden, sa: "Det føles som om jeg allerede har sett det i en lærebok." Fra designeren skal alt være likt sluttproduktet. Det virkelige designet er et kunstverk. På slutten av 1900-tallet trodde mange av verdens ledende designere at det sanne produktet av design er et kunstverk. Men det er apologeter som mener at kunst er kunst og design er design. Men faktum er at funksjonen «skjønnhet» er iboende i den samme filosofiske ideen som funksjonen «å være nødvendig». En spade har vært nødvendig i flere årtusener, men til slutt lærer en person å klare seg uten spade, og uten skjønnhet på noen måte. Det vil si at den dominerende funksjonen fortsatt er skjønnhet. Skjønnhet redder verden hele tiden. Selv om det er vandaler som hele tiden er engasjert i ødeleggelsen av skjønnhet. Men her er den eneste kampen mellom Gud og djevelen. Djevelen må ødelegge det som er skapt av stort arbeid. Hvis ikke for Gud, ville ingenting blitt skapt av mennesket.

Formes ideene til arbeidet ditt umiddelbart i hodet ditt eller underveis?

Nei, pågår. Å tenke og tegne er enkelt og enkelt. Du trenger bare å sovne, og for at en idé skal dukke opp i en drøm, kan jeg allerede tegne den om morgenen, som den var med pyramiden, forresten. Men da jeg begynte å skulpturere den, er det ikke klart hvordan man bygger disse veggene uten støtte. Og jeg må forme dem for å støpe en pyramide. Jeg måtte forbanne. Først laget jeg kun vinduer i pyramiden, men uten radier. Og da jeg mottok denne monolitten i gips med gjensidig vinkelrette vinduer, begynte jeg å foredle radiene i gips. Og jeg har en modell. Jeg støpte den igjen og støpte den allerede i gips, men med radier. Brakte dem veldig nær perfekt stand. Men da jeg støpte i metall skjønte jeg at jeg ikke hadde gjort noe enda. Og i mer enn 2 år brakte jeg pyramiden til en ideell tilstand.

I bunn og grunn, min teori: det skal være luft overalt i skulpturen, slutt å stjele den. Ved hjelp av tradisjonell skulptur blir hele det indre rommet stjålet av alle verdens skulptører. Stein tas, bronse tas, og plassen presses. I alle mine verk er det luft. Og mens vi reiste figurative monumenter, fortsetter vi å reise dem.

Det er en så dyp filosofisk mening i verkene dine.

Design uten filosofi finnes ikke! Der det snakkes om design uten filosofi, er det kunst og håndverk. Og design er nødvendigvis en filosofi.

Da kan vi spørre deg om det er plass for intuisjon i design?

Alt er basert på intuisjon, men populært kalt fantasy. Egentlig er det intuisjon. Designeren trenger å se mye lenger enn alle andre rundt seg. Og generelt er min definisjon av design alt menneskeheten trenger etter en tid. Det som er nå - dette er teknokrati, ingeniørkunst - dette trengs allerede nå. Gjør noe med datamaskiner, med bærbare datamaskiner og så videre. Dette er nå nødvendig, denne virksomheten krever fra alle spesialister: gi det akkurat nå - jeg skal selge det. Og designeren bør se mye lenger. Og en kunstdesigner må også føle skjønnheten, som det har blitt sagt så mye om i tusenvis av år, det ser ut til at det er noe å legge til. Så det gjenstår å helle over dørene og sette fyr på dem, men dette er ingen vei ut. Du må lete etter skjønnhet hele tiden.

Når det gjelder intuisjon: har du mye av det i verkene dine?

Og det er ikke opp til meg å dømme. Jeg er i et annet område. Hvor mye, hvor lite? Det viktigste er at du føler det eller ikke. Hvis du føler det, avgjør hvor mye av det - igjen, tid er nødvendig, hvor mye av denne intuisjonen jeg har. Brodsky Joseph skrev i sine romerske elegier:
Jeg lærte om min egen – og om enhver – fremtid fra brevet, fra den svarte malingen.
Så dypt

I arbeidet ditt er det mange verk dedikert til Joseph Brodsky. Hvorfor kommer du tilbake til det?

Jeg går tilbake til Pushkin.
Og rosepikene drikker pusten, - Kanskje ... fulle av pesten! (A.S. Pushkin "Feast under pesten")
Dette er seere. Og det ene og det andre. Bare en - XIX, og den andre - XX århundre.

Brodskys datter spurte da hun så skulpturen: "Kan jeg røre den?" Jeg svarte: "Du kan, hvis jeg kan ta på deg." Og jeg rørte ved Brodskys datter. Brodskys avkuttede hode. Ser du den taggete kanten? Hun er ikke avskåret, men avskåret fra noe stort. Geni. Mannen som sa: «I friksjonens tid er lysets hastighet synshastigheten. Selv om det ikke er lys.
Et annet konsept som ingen kjenner til. Jeg ville drømme om å sette et stort hode i Venezia, og du kan gå inn i Brodskys hode. Og når du har blitt voksen, kan du ikke lenger gå inn, du kan ikke engang krype inn, og når du er liten kan du klatre inn. Så, når en person vokser opp, sier han: "Og jeg var sammen med Brodsky som barn." Og alle bokstaver, akkurat som poesi, er skrevet inne i et speil. Med Brodsky er det motsatt.

Hvor mange portretter av ham har du?

Jeg vil ikke snakke, ellers vil du tro at jeg er gal.

Påvirket Brodsky deg og arbeidet ditt i stor grad?

Mange mennesker påvirket meg: pappa, mamma, storebror.

Det er vanskelig å avstå fra et spørsmål knyttet til familien din. Siden du vokste opp i et kreativt miljø, hvordan har dette påvirket fremtiden din? Du hadde et valg: et kreativt yrke eller for eksempel en matematiker, kjemiker, regnskapsfører?

Nå skal jeg fortelle deg en episode fra livet mitt. Jeg går på en kunstskole for barn. Læreren min er en elev av min far. Og han sier: «Vova, i morgen vil vi ikke tegne lett på et ark, men på et nettbrett. Det er nødvendig å strekke papiret på nettbrettet. Fortell foreldrene dine, de skal lære deg det og komme til skolen med et nettbrett.» Jeg kommer, jeg forklarer foreldrene mine, de sier: "Ikke bekymre deg, vi skal gjøre alt." Og de drar meg et nettbrett. Jeg har aldri sett hva det er, men da foreldrene dro nettbrettet, var det seil i hjørnene. Jeg gråt. Min far sa til min mor stille, hviskende, slik jeg husker nå: «Det var det. Med dette er alt klart! Så, da jeg før hæren jobbet på et arkitektverksted, en arkitekt-praktikant - dette var min første oppføring i arbeidsboken, måtte jeg sette på minst 30 nettbrett for arkitekter om dagen. Jeg kan allerede trekke nettbrettet med lukkede øyne.

Så jobbet du og broren din?

Nei, broren min tok meg aldri under sine vinger. Han så bare fra siden hva jeg gjorde. Så begynte han å si til barna sine: "Se på onkelen din, alt er ikke det samme med ham som med meg, og dette må også læres."

Hvorfor gikk du ikke inn i arkitektur?

Og jeg gikk inn i arkitektur. Jeg studerte et år ved Arkitektfakultetet. Jeg så at det bare var en Labuda og dro til hæren. Etter hæren gikk han inn i Kharkov Institute of Art and Industry, det samme eldste som akademiet. A.L. Stieglitz.

Hvorfor gikk du over til akademiet? A.L. Stieglitz?

Jeg kom til min venns bryllup etter mitt andre år og møtte min fremtidige kone. Faren hennes sa til meg: "Hvordan vil du bo i Kharkov, og hun er her i Leningrad?" "Vel, ingenting, det vil bli overført," sa jeg, "det er 47 universiteter i Kharkov." Og kona sa: "Nei, det er bedre for deg å flytte."

Angrer du på dette valget?

Beklager. Flua er svakere enn Kharkov Institute.

Fikk du et godt inntrykk av Stieglitz-akademiet?

Vel, selvfølgelig gjorde de det. Det er en del av livet mitt, 4-5 kurs bestått. Alle gikk for å se på tegningen min. Leder for tegneavdelingen var da Vladimir Ivanovich Shistko, han tilbød seg å bli på Mukhinsky-skolen. Jeg sa nei. Jeg er en designer". Han sa: «Det er synd. Du har den beste tegningen på kurset."

Hvilken avdeling ble du uteksaminert fra?

Industriell design. Jeg jobbet som industridesigner i 17 år etter Mukhinsky-skolen. Fra en ung spesialist til en ledende designer i bransjen. Statsråden overrakte meg MRP-medaljen (departementet for radioinstrumentering). Og så kom Gorbatsjov og sa at vi ikke trenger alt, slike produkter som Leningrad, Galaxy, Amphiton, Blues og så videre. Jeg har en mappe med rene designerting.

Hva er temaet for oppgaven din?

Et romskip og det er astronauter inne. Disse kosmonautene må definitivt engasjere seg i fysisk arbeid slik at musklene, leddbåndene og beinene deres ikke atrofierer. Det var nødvendig å lage en rehabiliteringssone. Husk romskipet: den store sylinderen, kjeglen og deretter den lille sylinderen. Og i den koniske delen kom jeg opp med omkretsen som et "ekornhjul". Det er verdt å feste deg til basen med gummistropper på dette "ekornhjulet", og du kan bare løpe langs banen. Du kan også legge ut den svenske veggen, “velo ergonomics”-enheten for roing er fjernet fra den svenske veggen. Og alt er veldig kompakt, multifunksjonelt, og viktigst av alt, det er ingen strømkostnader, ingen grunn til å ta med deg flere motorer ut i verdensrommet.

Hva slags fabrikk jobbet du?

TsNPO "Leninets". Der ble det laget superutstyr for navigasjon.
Mottakeren "Leningrad-10" er et av mine første verk på anlegget. Så var det en båndopptaker med to kassetter, en teller for drosjesjåfører, en mottaker med akustikk med avstand, en kassettspiller for lydkassetter, "Argo", en radiobåndopptaker "Galaktika", som jeg fikk medalje for.

Tower "XX-XXI" - et monument dedikert til 100-årsjubileet for den russiske avantgarden. Hva inspirerte deg til å lage den?

Jeg ble inspirert av det faktum at i vårt land er det ingenting så dypt som Black Square. Dette var ikke inspirasjon, men noe annet, kanskje en fornærmelse. Jeg er fryktelig fornærmet. All moderne kunst: vestlig, vesteuropeisk, amerikansk, alt ble dannet bare takket være for eksempel Malevich, Kandinsky, Leonidov i arkitektur og andre.

Det viser seg at den russiske avantgarden tjente utviklingen av vestlig kunst?

Ja! Absolutt! Senest var Eremitasjen vertskap for en utstilling av Zaha Hadid. Hun sa at den russiske avantgarden er hennes ikon. Men vi har ikke satt noe og forholder oss ikke til det på noen måte.

Hvorfor bruker du dette materialet? Hvorfor glans?

Her er Eremitasjens ledende spesialist innen samtidskunst D.Yu. Ozerkov. Jeg ble også spurt: "Hvorfor har du ikke en faktura?" Jeg personlig tror at alt relatert til tekstur er en bløff. "Dekorativ". Du kan ikke lure et skjema med en faktura. Vannet er glatt i en rolig tilstand - vårt mest hemmelige våpen. Uten vann og uten luft kunne menneskeheten ikke eksistere. Jeg lærer naturlig av naturen. Den glatte formen til vann, ideelt glatt, kan man bare misunne hvor lett det gjør kolossale fly perfekt jevne. Dessuten organiserer den seg selv. Jorden kan ikke, men vann er lett. Og hva er denne glatte formen for noe? Kanskje er det en kolossal energi på overflaten, men vi kan ikke bruke denne energien.

Skjer det i den kreative tankeflukten at du står overfor restriksjoner pålagt av naturen selv? Det er for eksempel tiltrekningskraften.

Jeg skal fortelle deg hvilke begrensninger jeg møter. Nå, hvis alle disse tankene og ideene og konseptene - alt dette ville komme til meg i en alder av 20, ville jeg vært glad. Men dessverre var det allerede det 6. tiåret da jeg begynte å tenke seriøst på hva som skjedde rundt meg. Og dette er den største vanskeligheten. Ikke løs deg en annen gang...

Her kom vi inn på tidsperioden for 20 år siden og nå. Jeg vil gjerne spørre om betrakteren: Betrakteren av den tiden av din første skulptur og betrakteren nå. Hvordan påvirker generasjonsskiftet?

Grunnleggende endres ikke. De stønner, gisper, dreper meg med spørsmålet - "Hvorfor gjorde du dette?"

Anser du alt arbeidet ditt som fullført?

Nei. Jeg har alltid en konstant følelse av misnøye. Jeg vil gjerne gjøre det annerledes, ikke fundamentalt annerledes, men et sted i detaljene, men på en annen måte. Visjonen er i stadig endring. Det var en slik professor Shaposhnikov M.A. i Kharkov, han studerte ved Bauhaus med Kandinsky. Han var allerede over 80 da jeg studerte. Han satte merker på enden av nettbrettet. Tak går langs veggen og ser på hvordan nettbrettet strekkes, og satser 3-2. Jeg går til nettbrettet mitt, og jeg har 5. Gennady Stepanovich, min første kurator, sa: «Hvis jeg var deg, ville jeg kuttet ut disse fem fra nettbrettet, gått opp til Shaposhnikov og tatt en autograf. Du vet ikke hva Shaposhnikov er. Ingen har noen gang hatt en A i historien. Du er den første". Vaks I.A. da han fant ut at Shaposhnikov var læreren min, håndhilste han og bukket. Men generelt, alt relatert til studier, ville jeg samle alt på teorien til disse arkitektene, kunstnerne, designere fra det tidlige 20. århundre. De skrev så mye. Vi, vår generasjon, har blitt ranet med forferdelig makt. Det var så mange unike teorier om konstruktivisme.

Siden når gikk du over til slik forming fra industridesign?

Siden barndommen. Har alltid gjort det.

Og hva er prinsippet for teknikken for å utføre arbeidet ditt?

Teknikken for utførelse er som følger: Dette er sinnet. Den må være utstyrt med alle forviklingene av teknologi som fantes før meg. Min kunnskap er mitt hovedverktøy. Så intuisjon. Hva skal man gjøre med dem? Hvordan komprimere all denne kunnskapen slik at den blir til en form, til et bilde. Men da jeg begynte å skulpturere (om et tårn, en pyramide), ble jeg nesten gal, av hvor mye jeg lærte nye ting i prosessen. Det vil si at alt som er nytt i kunsten er bare det øverste laget, som et isfjell.

Det er nødvendig å lage en slik ting slik at den er mer betydningsfull enn de forrige. Ord er født på grunnlag av form, som i Brodskys:

Her i åsene, blant den tomme himmelen,
Blant veiene som bare fører til skogen,
Livet trekker seg tilbake fra seg selv
Og ser med forundring på skjemaene.

Først med overraskelse, og så begynner oppfatningen av kvintessensen, hva det er - formen, hva som står bak den.
Jeg vil gjerne at alt du ser skal realiseres ikke bare på biologinivået "liker - misliker", men på grunnlag av sinnet, slik at oppfatningen går gjennom det primære - gjennom sinnet. For at du skal ha forståelse.

Tusen takk for en interessant samtale. Du kan lytte i det uendelige. Heldig er den som kommer til forelesningen din.

Var glad.

Møtet var hjertelig og varmt. Under samtalen delte Vladimir Borisovich ikke bare sine syn på hva som skjer i samtidskunsten, men avslørte også den dype essensen av verkene hans, viste veien han går gjennom hver gang han skaper mesterverkene sine. Å høre førstehånds hvordan en idé ble født og hvordan et kunstobjekt ble skapt er en av de sjeldneste mulighetene vi får i livet. Vi håper at Vladimir Borisovich vil glede og inspirere oss med sin kreativitet i mange år fremover.

10 gylne regler som alle kreative mennesker bør lære
Celebrity New York-designer Milton Glaser delte hva alle kreative talenter trenger å lære.
1. Arbeid kun med folk du liker.
****
Det tok meg lang tid å formulere denne regelen for meg selv. Da jeg startet tenkte jeg det motsatte, at profesjonalitet er evnen til å jobbe med alle klienter. Men med årene ble det klart at det mest meningsfylte og gode designet ble oppfunnet for de kundene som senere ble mine venner. Det ser ut til at sympati i arbeidet vårt er mye viktigere enn profesjonalitet.
2. Hvis du har et valg, ikke få en jobb.
****
En gang hørte jeg et intervju med den fantastiske komponisten og filosofen John Cage. Han var da 75. Verten spurte: «Hvordan forberede seg på alderdommen?». Jeg vil for alltid huske Cages svar: «Jeg har ett råd. Gå aldri på jobb. Hvis du går på kontoret hver dag i livet ditt, vil du en dag bli kastet ut døren og pensjonert. Og da vil du absolutt ikke være klar for alderdom - det vil overraske deg. Se på meg. Siden jeg var 12, har jeg gjort det samme hver dag: Jeg våkner og tenker på hvordan jeg skal tjene til livets opphold. Livet har ikke endret seg siden jeg ble en gammel mann."
3. Unngå ubehagelige mennesker.
****
Dette er en videreføring av den første regelen. På 1960-tallet var det en gestaltterapeut ved navn Fritz Perls. Han foreslo at folk på alle måter enten forgifter hverandres liv eller gir energi til dem. I dette tilfellet avhenger alt ikke av personen, men på forholdet. Du vet, det er en enkel måte å sjekke hvordan du samhandler med noen. Tilbring litt tid med denne personen, spis middag, ta en tur eller ta en drink sammen. Og vær oppmerksom på hvordan du vil føle deg etter dette møtet – inspirert eller sliten. Og alt vil bli klart. Bruk alltid denne testen.
4. Erfaring er ikke nok.
****
Jeg har allerede sagt at jeg i min ungdom var besatt av profesjonalitet. Faktisk er erfaring en annen begrensning. Trenger du en kirurg vil du mest sannsynlig gå til en som har gjort akkurat denne operasjonen mange ganger. Du trenger ikke en mann som har tenkt å finne opp en ny måte å bruke en skalpell på. Nei, nei, ingen eksperimenter, vær så snill, gjør alt slik du alltid har gjort det og slik du gjorde det før deg. I vårt arbeid er alt omvendt – den som ikke gjentar etter seg selv og andre er god. En god designer ønsker å bruke en skalpell på en ny måte hver gang, eller bestemmer seg til og med for å bruke en hagekanne i stedet for en skalpell.
5. Mindre er ikke alltid bedre.
****
Vi har alle hørt uttrykket "mindre er bedre". Dette er ikke helt sant. En vakker morgen våknet jeg og innså at dette mest sannsynlig er fullstendig tull. Det høres kanskje bra ut, men på vårt felt gir ikke dette paradokset mening. Husk persiske tepper, ville "mindre" vært bedre i deres tilfelle? Det samme kan sies om arbeidet til Gaudi, art nouveau-stil og mye mer. Derfor formulerte jeg en ny regel for meg selv: det er bedre når det er akkurat så mye du trenger.
6. Livsstil endrer måten du tenker på.
****
Hjernen er det mest følsomme organet i kroppen vår. Det er mest gjenstand for endring og regenerering. For noen år siden blinket en nysgjerrig historie i avisene om jakten på absolutt tonehøyde. Som du vet er det sjelden selv blant musikere. Jeg vet ikke hvordan, men forskere har funnet ut at mennesker med perfekt tonehøyde har en annen hjernestruktur - noen lapper er på en eller annen måte deformert. Dette er allerede interessant. Men så fant de ut en enda mer interessant ting - hvis barn på 4-5 år blir lært å spille fiolin, er det sannsynlig at en av dem vil begynne å endre strukturen til hjernebarken og utvikle absolutt tonehøyde. Jeg er sikker på at tegning påvirker hjernen ikke mindre enn å spille musikk. Men i stedet for å høre, utvikler vi oppmerksomhet. En person som trekker oppmerksomhet til det som skjer rundt ham - og dette er ikke så enkelt som det ser ut til.
7. Tvil er bedre enn visshet.
****
Alle snakker om hvor viktig det er å være trygg på det man gjør. Yogalæreren min sa en gang: "Hvis du føler at du har nådd opplysning, løper du bare inn i dine egne grenser." Dette gjelder ikke bare i åndelig praksis, men også i arbeid. For meg er alle dannede ideologiske posisjoner tvilsomme, for perfeksjon er en uendelig utvikling. Jeg blir nervøs når noen tror på noe på forhånd. Alt må stilles spørsmål ved. For designere dukker dette problemet opp selv på kunstskolen, hvor vi blir undervist i teorien om avantgarde og det faktum at en person kan forandre verden. På en måte stemmer dette, men ender oftest opp med store problemer med kreativ selvfølelse. Kommersielt samarbeid med noen er alltid et kompromiss og bør aldri motstås. Du bør alltid ta hensyn til muligheten for at motstanderen din kan ha rett. For et par år siden leste jeg Iris Murdochs beste definisjon av kjærlighet: «Kjærlighet er den ekstremt komplekse erkjennelsen av at noen andre enn oss er ekte». Dette er genialt, og beskriver absolutt enhver sameksistens mellom to personer.
8. Det spiller ingen rolle.
****
En gang, til bursdagen min, fikk jeg en bok av Roger Rosenblatt, Aging Beautifully. Jeg likte ikke tittelen, men innholdet fascinerte meg. Den aller første regelen foreslått av forfatteren viste seg å være den beste. Det høres slik ut: "det spiller ingen rolle." Uansett hva du synes - følg denne regelen, og den vil legge tiår til livet ditt. Det spiller ingen rolle om du kommer for sent eller kommer i tide, om du er her eller der, om du har tiet eller sagt om du er smart eller dum. Det spiller ingen rolle hvilken frisyre du har og hvordan vennene dine ser på deg. Om du får opprykk på jobben, om du kjøper nytt hus, om du vinner en nobelpris, det spiller ingen rolle. Dette er visdom!
9. Ikke stol på stiler.
****
Stil er et irrelevant konsept. Det er dumt å gi deg selv til en stil, fordi ingen av dem fortjener deg helt. For gammeldagse designere har dette alltid vært et problem, fordi håndskrift og visuelle ordforråd utvikles med årene. Men moten for stiler er formidlet av økonomiske indikatorer, det vil si nesten som med matematikk - du kan ikke argumentere med det. Marx skrev om dette. Derfor byttes stilparadigmet hvert tiende år ut, og ting begynner å se annerledes ut. Det samme skjer med fonter og grafikk. Hvis du planlegger å eksistere i yrket i mer enn ett tiår, anbefaler jeg på det sterkeste at du er forberedt på denne endringen.
10. Fortell sannheten.
****
Noen ganger føler jeg at design ikke er det beste stedet å lete etter sannheten. Visst er det en viss etikk i samfunnet vårt som ser ut til å være nedskrevet et sted. Men det står ikke et ord om designerens forhold til samfunnet. De sier at for 50 år siden var alt som ble solgt med etiketten «kalvekjøtt» faktisk kylling. Siden den gang har jeg vært plaget av spørsmålet, hva ble da solgt som kylling? Designere har ikke mindre ansvar enn slaktere. Derfor må de være forsiktige med hva de selger til folk under dekke av kalvekjøtt. Leger har en ed "Gjør ingen skade". Jeg mener at designere også bør ha sin egen ed – «Fortell sannheten».
Milton Glaser er en av de mest kjente designerne i USA, en kunstner som har skapt et stort antall grafiske mesterverk, inkludert den berømte I NY-logoen. I tillegg til praksis er den 80 år gamle Glaser også engasjert i teori: han foreleser ved universiteter, skriver essays og teoretiske diskusjoner om forholdet mellom design og kunst og deres innflytelse på hverandre, om designyrket og kompleksiteten i den kreative prosessen.