Alle epoker i orden i kunsten. Presentasjon om kostymehistorien om emnet "kronologi av historiske epoker i kunst"

Epokenavn:	Tidsperiode for epoken:	Karakteristiske trekk ved epoken:
en). Antikkens verden	1. århundre f.Kr - 5. århundre e.Kr	Synkretisme av kunst (den uatskillelige enheten av flere typer kunst - dans, musikk, sang).
2). Middelalderen	5. - 16. århundre.	Teosentrisme (Gud har ansvaret for alt).
3). gjenfødelse	15. - 16. århundre (i Italia - fra 1300-tallet).	antroposentrisme(mannen i sentrum av alt)
fire). Barokk	2. halvdel av 1600-tallet - første halvdel av 1700-tallet.	pretensiøsitet, oppfinnsomhet, akselerasjon av livets tempo, et omvendt verdensbilde.
5). Klassisisme	2. halvdel av 1700-tallet - 1. halvdel av 1800-tallet.	Fornuft og orden i spissen for alt.
6). Romantikk	2. halvdel av 1800-tallet.	Konflikten mellom den indre verden og den ytre, beundring natur, egenomsorg, økt følelse av verden.
7). Multistyle	XX århundre.	Pluralitet av holdninger, forvrengning av grunnleggende menneskelige begreper.

Antikkens verden (1. århundre f.Kr. - 5. århundre e.Kr.).

Musikk i primitive samfunn : en). rituell natur (ledsagede ritualer og seremonier av fredelig eller militær karakter); musikk på et tidlig utviklingsstadium var hovedsakelig av rytmisk og påkallende karakter. 2) Synkretisk karakter (uoppløselig enhet av sang, dans og musikk).

Musikk i gamle stater spilte en betydelig rolle i kirkens ritualer (innvielse i herskere, prester, kriger) og sekulær natur (medfølgende festligheter og begravelsesprosesjoner). Musikkens viktige rolle i eldgamle stater er først og fremst bevist av fresker som skildrer musikere og dansere, og referanser i den tidens litterære kilder.

Egypt.

"Pasjonsmysterier"- den høyeste prestasjonen til den seriøse musikalske kunsten i Egypt, som forteller om guder og helter, lærerik i naturen. Verktøy: messing, perkusjon, strykere (forfedre til harpen).

Hellas.

Musikkfunksjoner: 1). akkompagnement av seremonier; 2). akkompagnement av teaterforestillinger; 3). ledsager lesing av poetiske tekster; 4). musikk som en medisin for ånden (visse moduser oppdro sjelen på en bestemt måte); 5). musikk som en del av matematisk vitenskap (intervaller målte avstandene mellom planetene).

Antikkens største musikkteoretiker:PYTHAGORAS- oppfant monokordet (6. århundre f.Kr.) - et enkeltstrengsinstrument for å måle tonehøyden. Pythagoras utviklet teorien "harmonier i de himmelske sfærer" og musikkens estetiske innvirkning på en person.

gammelt teater - den viktigste kulturelle prestasjonen til Hellas, som ga opphav til mange teatralske og musikalske tradisjoner. Funksjoner ved teaterforestillinger i Hellas: en). tekstene ble sagt i en sang = senere, fra gjenopplivingen av denne tradisjonen kom opera; b). bare spilt av menn som brukte masker og katurna- sko på en høy plattform; i). navnene på teatersteder ga opphav til moderne teaterbegreper; G). seter for tilskuere var plassert i en sirkel med høyden av hver neste rad over den forrige.

Teatralske antikke termer:

orkester(en plattform der koret sto og kommenterte hendelsene) - et orkester;

skena(teltet der skuespillerne skiftet) - scenen.

Kjente komponister av tragedier (de var også regissører og ofte skuespillere av skuespillene deres):Aischylos, Sofokles, Euripides. Laget en kategori katarsis - rensing av sjelen gjennom lidelse.

Kjente komedieforfattere:Aristoteles, Archilochus.

I antikken var tragedier mye mer populære som å bære høye moralske idealer.

Paradokset til gammel musikalsk kunst: musikk inneholder flest referanser innen litterær og historiske kilder, mange skulpturelle og freskomalerier av mennesker som spiller musikk og musikalsk prøvene er nesten borte. De som er dechiffrert gir ikke en idé om storheten til musikkkunsten i Hellas.

Middelalderen (5. - 16. århundre).

Verdensbilde, psykologi, idealer.

Vanlige menneskers verdensbilde utviklet seg i tråd med stemningene som kirken påla. Middelaldermennesket følte seg verdiløst i møte med kraften til den straffende Skaperen, følte hans endeløse syndighet, som ble styrket av kirkens prester i deres egne interesser (monetære rekvisisjoner).

Innstilling til livet: som en prøvelse, lidelse, venter på den siste dommen.

Karakteristiske trekk ved middelalderkunst: 1). askese, svak emosjonalitet (spesielt i første halvdel av middelalderkunsten); 2). symbolikk, konvensjonalitet (dette gjenspeiles spesielt sterkt i ikonmaleriet fra de tidlige stadiene av middelalderen) 3). uforsonlige antiteser (godt-ondt, Gud-djevel); 4). fraværet av personlighet som et kreativt ideal - alt er skapt i Guds navn (derfor var musikk og maleri fra middelalderen i veldig lang tid anonym, dvs. uten å angi forfatterne); 5) introduksjonen av en person til forståelsen av det guddommelige vesens mysterier -oppgaven til middelalderskaperen(dette påvirket det strenge utvalget av sjangere og uttrykksmåter0.

Musikk i kirken.

Strenge stil - et stivt system for å komponere en melodi (selv quarts ble ansett som dissonanser og hopp til disse intervallene var forbudt i lang tid). Sang i kirken holdt seg lenge monodisk, dvs. monofonisk. Senere, med utviklingen av musikalsk kunst, dukket det opp kontrapunkter, antyder tilstedeværelsen av flere stemmer og deres omarrangering. Den tidligste formen for polyfoni er organum(slutten av det 9. århundre, mesterne i denne sjangeren er Leonin og Perotin).

gregoriansk sang - middelalderens viktigste meta, som gjenspeiler bevissthetens enhet i ansiktet til Gud. GH er en mannlig korsang unisont av en løsrevet karakter på latin (i lang tid ble gudstjenester i kirken holdt bare på dette språket, uforståelig for vanlige mennesker). GH ble opprettet fra en rekke sanger som eksisterte på den tiden, bestilt av paven Gregory 1 på begynnelsen av 600-700-tallet.

Sekvens "Dies irae" ("Vredens dag") - sjanger av middelaldermonodi, utvidende strenge kirkemelodier. Systematiseringen av sekvenser krediteresNotker Zaika."Dies irae" dukket opp rundt 1200-tallet som en refleksjon av toppen av verdensbildet i middelalderen med forventning om den siste dommen og formidabel gjengjeldelse for synder. Denne sekvensen ble svært ofte sitert i verdensmusikalsk litteratur enten som et tegn på middelalderen, eller som et symbol på det uunngåelige, det uunngåelige (Rakhmaninov, Tchaikovsky) eller til og med det demoniske (Berlioz, "Fantastic Symphony", 5. sats, "Heksenes sabbat").

Notasjon.

I lang tid ble ikke koralene spilt inn, da de var i den muntlige tradisjonen. Så begynte de å bruke nevma, angir ikke en tone, men en hel melodi. Gradvis begynte herskere å dukke opp, hvor antallet varierte fra 1 til 18. Staven ble forbedret på 1000-tallet Guido Aretinsky, som, i stedet for mange alternativer, legaliserte 4 linjer.

Senmiddelalderens viktigste sjanger er Masse( den første av dem som har kommet ned til oss - 1364. G. de Macho) - et syklisk vokalt eller vokal-instrumentalt verk basert på tekstene til den katolske liturgien med samme navn. De 5 delene av massen er ordinariumog er bindende og uforanderlige. Deler dedikert til enkelte helligdager og søndager erproprium- variabel del av massen.Proprium deler: 1). Kyrie eleison (Kyrie eleison - "Herre, forbarm deg");2). Gloria (Gloria - "Glory");3). Gredo (Credo - "Jeg tror");4). Sanctus, Benedictus (Sanctus, Benedictus - "Hellig, salig");5). Guds lam (Agnus Dei - "Guds lam"). Sjangeren av messen nådde sin høyeste perfeksjon i arbeidet medO.Lasso og D. Palestrino.

Musikk i middelalderslott(domstolskultur).

Appellerte til en person, dyrket beundring for vakker dame(bildet er ofte fiktivt, kollektivt). I tråd med sekulær slottskunst utviklet det seg vokal- og instrumentalsjangere. høflig kjærlighet("høflig") - antok overholdelse av visse regler for versifisering, oppførsel og musikalsk akkompagnement.

Sjangere av høvisk kultur(poetisk og musikalsk): 1). kansone(et slags lyrisk dikt); 2). server(sang om ridderlige bedrifter); 3). alba(sang ved daggry); fire). pasturella eller beitemark(en sang i naturens favn, priser den enkle kjærligheten til en gjeterinne); 5). ballata(episk sang - narrativt innhold) 6). rondo (runddansesang).

The Art of the Vagants, Trubadours and Trouvers.

Art de trobar (kunsten å finne opp) - kunsten å frie kjærlighetssangere, som oppsto i Provence på 1000- og 1100-tallet.Trubadurer var ofte velstående mennesker(for eksempel riddere), som vandret rundt i sitt hjemland og komponerte sanger (albs, kansoner, etc.) til ære for Den vakre Damen. Noen trubadurer var av ydmyk opprinnelse og tjente på å fremføre sangene sine.Trouvers(fra root trover - finne, oppfinne) dukket opp i Nord-Frankrike på 1200-tallet. Omtrent 2000 sanger har overlevd, noen av de mest kjente komponistene av kjærlighetssanger er kjent, for eksempel,Adam de la Al. I Tyskland kjærlighetens sangere ble kaltminnesangere.I arbeidet til disse sangerne var det i tillegg til temaet kjærlighet også moralske og lærerike motiver. Minnesinger etablertsangkonkurranser (meistersang), som demonstrerte sine vokale og poetiske ferdigheter. Han reflekterte konkurransen til tyske sangere i operaen sinR. Wagner "Nürnberg Meistersingers". Historien kjenner navnene på slike tyske minnesangere somTannhäuser(Wagner har en opera med samme navn),Wolfram von Eschenbach, Walther von Vogelweide.

I tillegg til trubadurer og minnesangere var det vandrende sangere av en annen karakter – det var defolk fra folket, hvis kunst var akutt sosial og kontroversiell, fordømte politikk og kirken, inneholdt tekstene til disse vandrende kunstnerne ofte useriøse, vulgære historier, noe som forklares med opprinnelsen til disse kunstnerne og det faktum at de arbeidet for behovene til en lav- offentlig nivå. I forskjellige land ble disse vandrende kunstnerne kalt annerledes:shpilmans(spillere) i Tyskland,sjonglører i England, bøfferi Russland. Ofte brukes et generalisert begrep for disse musikerne -VAGANTER, betegner vandrende sangere og komponister av frie poetiske tekster. Ofte ble halvutdannede studenter (skolebarn) som ikke klarte å bestå de vanskelige eksamenene og forlot universiteter, på vandringer og tjente sitt eget brød ved å lære den ervervede visdommen (latin, matematikk) til de som kunne betale, ofte vaganter. Men vagantene kunne også stjele, jukse og drepe, avhengig av hvor sterkt det moralske grunnlaget for hver av disse representantene var. Ekskommuniserte eller løpske munker, fattige adelsmenn ble også vaganter. Dermed var kontingenten overveiende intellektuell og observerte undersiden av livet - grådigheten og bedraget til kirkens prester, raseopptøyer. Livet til mange modige vaganter endte enten i fengsel eller på bålet, som f.eks.Hugh av Orleans.

Bemerkelsesverdige verk basert på tekster av Vagants:

"På den franske siden" i behandlingen av D. Tukhmanov;

“Carmina Burana» av K.Orff.

gjenfødelse (15. - 16. århundre; i Italia - fra 1300-tallet).

Verdensbilde, psykologi, gjenfødelsens emne.

Gjenoppliving av eldgamle former for kunst (skulptur, maleri. Arkitektur). Nær oppmerksomhet til en person = større psykologisk innhold i malerier og skulpturer, større nøyaktighet i overføring av anatomi og perspektiv. Tid med store oppdagelser (H. Collumb, Magelan), dannelsen av den europeiske nasjonen.

Art Nova. FLOTTE NAVN:

Maleri, skulptur, arkitektur:

bernini, Leonardo da Vinci, Rafael Santi, Michelangello Buanorotti, Jan van Eyck, P. Veronese, Giotto, Lucas Cranach, A. Durer, Titian, I. Bosch.

Litteratur, poesi:

Dante("Den guddommelige komedie"), petrark(sonetter), Boccacho (fristilspill), E. Rotterdam("Pris av dumheten"), T.Mor (poesi), F. Rabelais("Gargantua og Pantagruel"), Lope de Vega (skuespill, teaterkunst).

Musikken har tilegnet seg uavhengig mening, Etter å ha sluttet å bare brukes (det vil si å akkompagnere festligheter og ritualer), begynte musikk å dukke opp av seg selv. Som en slags profesjonell kunst.

Storhetstiden til renessansens polyfoni i arbeidet til komponister fra den nederlandske skolen - F. Landino, G. Dufay, Okegema, J. Despres, Obrecht.

Utvikling instrumentell ytelse, utvikling av sjangere kun for instrumentalspill (bratsj, lutt).

Sjangere av sekulær musikkkunst:

madrigaler, chanson, villanels, frottolas, ballader, motetter.

Uvanlig komponist fra renessansen - Gesualdo da Venosa(slutten av 1500-tallet - begynnelsen av 1600-tallet), som skapte en kompleks kromatisk stil og dristige tonale sammenstillinger som reflekterte de motstridende stemningene i komponistens musikalske komposisjoner. Venosa - madrigalens største mester (sanger inn morsmål). Den dystre historien om drapet på hans kone og barn er også knyttet til ham, hvoretter komponisten begikk selvmord. Denne historien var basert på den sovjetiske komponistens opera A. Schnittke (opera "Gesualdo").

Barokk (2. halvdel av 1600-tallet - første halvdel av 1700-tallet).

Betydningen av begrepet barokk.

Oversatt fra portugisisk - "perle med uregelmessig form" - bisarr, merkelig = oppfinnelse av nye sjangre og instrumenter, som beskriver nyansene til musikk.

Verdensbilde, psykologi.

Karakteristiske trekk ved tiden: en). "Forbindelsestråden har brutt. Hvordan kan jeg koble sammen delene av dem? .. "( Shakespeare,"Hamlet") = "revet" bilde av verden (oppfinnelse mikroskop og teleskop utvidet folks ideer om verden); 2). akselerasjon av livets tempo (Gud er den evige urmaker; lagt til tempo dynamisk notasjon i verk; Madonnaer i maleriene sitter ikke, men "svever" i stoler); 3). tid forstås som en veksling kontrastprosesser; 4). blanding av tragisk og komisk, brudd på lovene i antikkens gresk tragedie(Shakespeares skuespill, for eksempel. I tragedier inneholder de alltid en komisk farse, og i komedier er det alvor); 5).trend til brudd på kanonene, oppfinnsomhet; 6). frihet i tolkningen av enhver sjanger.

Funksjoner av musikalsk kunst.

en). ødeleggelse av ideer om logikken til den gamle stemmen, introduksjonen av parallelliteter, tritoner, uventede overganger til fjerne tangenter (spesielt i musikk J.S. Bach).

2). utvikling polyfonisk kunst (i oversettelse - polyfoni) - en type musikk der hver av stemmene har en viss uavhengig bevegelsesbane, og samtidig adlyder visse regler for å komponere kontrapunkt;

3). musikk er utropt til en selvstendig kunst.

Komponister: J.S. Bach, G.F. Handel(Tyskland); G. Caccini, C. Monteverdi, O.Chesti (Italia); tidligere polyfoniske komponister: Gabrieli, Frescobaldi, Kunau, Buxtehude, Pahebel.

Sjangere av musikalske verk:

1). fuge(i oversettelse - "løping") - en sjanger av polyfonisk musikk der et visst antall stemmer (fra 3 til 10) konsekvent utfører et tema, og deretter begynner å omorganisere i forhold til hverandre i henhold til reglene for kontrapunktisk teknikk;

2). toccata(fra "tokkare" - å streike) - en sjanger av preludium-improvisatorisk karakter, ofte en introduksjon til den strenge delen av verket (for eksempel fuga);

3). oppfinnelse (oversatt("oppfinne", "oppfinne") - gratis navn på skuespill av fri-imitert konstruksjon;

4). opera(i oversettelse - "arbeid", "skapelse") - en sjanger av scenekunst som kombinerer sang, instrumentell fremføring, ballett, dekorative ferdigheter og iscenesettelser.

5). suite(i oversettelse - "rad", "sekvens") - en sekvens av obligatoriske (4 gamle danser) og valgfrie skuespill;

6). oratorium(i oversettelse - veltalenhet) - et monumentalt verk for kor, solister og orkester på en viss handlingsbasis, beregnet på konsertfremføring;

7). kantate - en komposisjon for sangere-solister, et orkester og eventuelt et kor, bestående av fullførte nummer-episoder, beregnet for konsertframføring. Kantater er mindre enn oratorier når det gjelder plottets skala og når det gjelder varighet i tid;

8). sonate(oversatt som "å lyde") - i barokktiden - ethvert instrumentalt verk for fire instrumenter med en obligatorisk keyboardspiller som fremførte basso continua-delen;

9). konsert(i oversettelse - "konkurranse", "konkurranse") - et virtuost verk for orkester og solist (i barokktiden konkurrerte forskjellige grupper av orkesteret - store og små, ikke alle komponister hadde en uttalt solodel av solisten),

Musikkinstrumenter:

klavikord, cembalo, fiolin(Amati, Guarneri, Stradivari), bratsj, cello.

Klassisisme (2. halvdel av 1700-tallet - 1. halvdel av 1800-tallet).

Retningen som har utviklet seg i Frankrike og har blitt den ledende for dette landet og Tyskland.

Verdensbilde, psykologi.

Sinnet er i spissen for alt.Ønsket om en rasjonell løsning av konflikter, oppbyggelse i skuespill, litterære verk (tilbake til eldgamle former for harmoni i skuespill). Nye former for bydesign som en refleksjon av en ny psykologi: rette veier, trimmet til visse geometriske figurer busker osv.

Utseende leksikon(J.-J. Rousseau, D. Diderot etc.), som systematiserte enorm kunnskap i den første leksikon.

Funksjoner av musikalsk kunst.

Ordningen i formen til hovedsjangre, bringer deres mangfold til en felles standard. Klassisk - oversatt som "eksemplarisk".

Aktiv utvikling av instrumentelle sjangere.

dominans sonateform - en av de mest komplekse musikalske formene, sammenlignbar i dramatisk kompleksitet med romanen. Sonateform antyder nærværet eksponering, utvikling og gjentar, der det er en visning, utvikling og tilbakeføring av temaer til deres opprinnelige tonalitet.

Sjangere:

1). symfoni(i oversettelse - "konsonans") - vanligvis - en 4-delt syklus for et symfoniorkester, der minst en av delene er skrevet i sonateform.

2). sonate(oversatt som "å lyde") - Et 3-sats stykke for piano eller for soloinstrument(er) og piano, der minst en av satsene er skrevet i sonateform.

3). kvartett(i oversettelse - "fjerde") - et 4-delt verk for 4 instrumenter (oftest er disse strenger - fiolin, bratsj, cello, kontrabass), der minst en av delene er skrevet i sonateform.

4). konsert(i oversettelse - "konkurranse", "konkurranse") - et 3-delt virtuost verk for orkester og solist, der minst en av delene er skrevet i sonateform.

5). tema med variasjoner en sjanger designet for å demonstrere den virtuose mestringen til en komponist eller utøver i å håndtere et tema (komponister eller utøvere improviserte ofte på konserter med et tema gitt av publikum). Temaet kunne lånes fra en hvilken som helst komposisjon (selv fra en opera) ens egen eller andres.

Komponister:

D. Scarlatti (tidlig klassisisme), J. Haydn("far" til sjangrene symfoni, sonate og kvartett - det vil si at han brakte disse sjangrene inn i en eksemplarisk, klassisk form), W. Mozart,L. van Beethoven.

Romantikken (2. halvdel av 1800-tallet).

Verdensbilde, psykologi.

1). En romantiker er en person med økt oppfatning av omverdenens hendelser, sårbar, følsom, utsatt for dramatisering eller idealisering av hendelser.

2). Motsetningen mellom den indre og ytre verden;

3). følelse av ensomhet;

fire). Føler fiendtligheten fra omverdenen;

5). Beundring for naturen, gir den animerte kvaliteter;

6). Interesse for folkekultur (bearbeiding av folkemelodier, bruk av folketekster).

Funksjoner av musikalsk kunst.

en). økt emosjonalitet av musikk eller dens meditativ-reflekterende karakter;

2). betydelig forbindelse med litterære og kunstneriske bilder (fra programoverskrifter til ledemotiver som har spesifikke figurative uttrykk);

3). tendens til å velge små former (impromptu, musikalske øyeblikk, ecossaises) = tillit til uttalelsen, designet for en liten krets av de nærmeste, forståelsesfulle menneskene;

fire). følelse av improvisasjon;

5). komplekst emosjonelt og dramatisk grunnlag for musikk;

6). teksturkomplikasjon (ofte blandet type med flere solostemmer i form av dialog - Schumann, Chopin) og harmoni (overganger til fjerne tonearter, komplikasjon av komposisjonen av harmoniske funksjoner).

Forfattere:

G. Heine, E. Hoffman, V.Hugo, O. Balzac, A. Dumas.

Komponister:

Tidlig romantikk: K.-M. Von Weber, F. Mendelssohn, F. Schubert, G. Rossini.

Moden romantikk:R. Schubert, F. Chopin, B. Smetana, R. Wagner, G. Verdi.

Senromantikk:A. Dvorak, R. Wagner, G. Verdi, G. Mahler, G. Puccini.

Multistyle (XX århundre).

Verdensbilde, psykologi.

1. sosiohistoriske katastrofer (verdenskriger, revolusjoner);

2. NTCP(vitenskapelig og teknisk fremgang);

3. mangfold av holdninger;

4. pluralisme - permissivitet; alt er relativt, til og med de evige kategoriene godhet, skjønnhet og sannhet = kynisme, persepsjonsgrusomhet;

5. generell akselerasjon av livets tempo.

Forskjellen mellom retninger og stil: stil manifesterer seg i alle former for kunst, retning- i en eller flere (for eksempel i litteratur og maleri). Stil har en mer omfattende betydning enn en retning og kan gi navn til en hel epoke (for eksempel middelalder og barokk).

Funksjoner av musikalsk kunst.

1. nær forbindelse av alle typer kunst, overgangen av egenskapene til en kunst til egenskapene til en annen(for eksempel kalte symbolistiske diktere ofte diktene sine for musikk eller musikalske sjangere);

2. transformasjon og nytenkning (endring) av musikalske sjangere;

3. oppfinnelse av nye sjangere og teknikker.

Komponister:

Fremmed:

C. Debussy, M. Ravel, A. Schoenberg, A. Berg, A.Webern, K.Orff, B. Bartok, D. Millau, F. Poulenc, J. Taifer, P. Hindemith, P. Boulez, D. Lighetti, K. Penderetsky.

Innenlands:

S. Prokofiev, D. Sjostakovitsj, G. Sviridov, V. Gavrilin, A. Schnittke, S. Gubaidulina, Ustvolskaya.

Moderne tider (21. århundre, Ural og russiske komponister):

O. Viktorova, V. Yakimovsky, O. Payberdin, V. Kobekin, A. Zhemchuzhnikov, D. Pavlov, L. Tabachnik, L. Gurevich.

Navnet på denne perioden ble gitt av renessansens historikere, og definerte det midtre "gapet" mellom den ideelle antikken og gjenopplivingen av dens tradisjoner i 14-16 århundrer. Begrepet "middelalder" hadde i lang tid en negativ og avvisende karakter.

Komedie er ikke i den forstand at teksten inneholder noe morsomt, men etter det eldgamle prinsippet: den starter dårlig og ender godt (i en tragedie er det omvendt).

Maleri, som en del av en omfattende kunst, kan ikke eksistere utenfor historien; i alle fall korrelerer det med en spesifikk epoke, tid, reflekterer hovedtrekkene, formidler spesifikke tanker, følelser og følelser fra den tidens kunst.

Maleriets tid - hva er det?

Først av alt kan vi si at hver epoke med maleri er designet for å gjenspeile funksjonene i den tiden den eksisterte. Så, i henhold til maleriet av en eller flere perioder, kan følgende kjennetegn ved perioden der det ble skrevet:

åndelig;
historisk;
politisk;
Kulturelt og mer.

Maleriets æra er et slags speil, som reflekterer verden og dens liv i en bestemt historisk periode. Og dette er riktig /, dette er interessant og må forbli for våre etterkommere, fordi det er nettopp slike ting som er designet for å holde generasjoner sammen, for å gjøre livet som en gang var det mest forståelige for de som lever i den moderne verden. I tillegg bør det bemerkes at hver av kunstens epoker på en eller annen måte påvirker livene til mennesker, hver enkelt av oss spesifikt og, selvfølgelig, samfunnet som helhet.

gammelt maleri

Maleri, som all annen form for ekte kunst, hadde sin begynnelse. På et bestemt tidspunkt begynte den å gjenopplives i verden, og deretter utvikle seg og ta en fast plass på stigen til alle typer kunst i dag. Hvis vi snakker om hvilken epoke av maleri som er den eldste, kan vi huske hvordan eldgamle mennesker elsket å tegne på steinene. Kan bergmalerier kalles maleri, og til og med i den forstand vi forstår det i i dag? Det ser ut til at svaret på spørsmålet er ganske negativt, for i slike tegninger er det ingen tegn til maleri, men de kan ikke utelukkes, fordi de kan ha vært forløperne til maleriets utseende. Det er mulig å si at maleriet begynte å dukke opp bare samtidig med fremveksten av slike majestetiske tilstander som f.eks. Det gamle Egypt, Hellas, Roma.

Gamle tider med maleri

Dette er et ganske lyst lag i historien til alt maleri, som med ganske stor sannsynlighet kan kalles den aller første epoken der maleriet begynte å utvikle seg. Når vi snakker om denne epoken, kan det først og fremst bemerkes at her ble maleriet representert ved å male på steiner, interessante fresker. For at bildene ikke skulle forringes over tid, var det vanlig å dekke dem med vanlig harpiks. Det er takket være dette at noen av freskene er så perfekt bevart den dag i dag. Hvis vi snakker om naturen til maleriet fra den perioden, så var det ganske religiøst.

Middelalderen

Dette er akkurat den perioden da kristendommen begynte å blomstre, noe som ikke kunne annet enn å påvirke utviklingen av maleriet og dannelsen av dets funksjoner.

Først av alt, fra det øyeblikket middelalderen begynte, blir maleri et viktig ledd i all kunst, og kunstverk i denne perioden blir mer nøyaktige og realistiske. Dette skjedde på grunn av det faktum at kunstnere mestret nye tegneteknikker i denne perioden, og det skjedde betydelige endringer i datidens samfunn, som også påvirket maleriet. Slike realistiske kunstneriske bilder har blitt en reell plattform for et gjennombrudd i vesteuropeisk kunst.

Vi kan også si at maleriet fra middelalderen ble preget ikke bare av en betydelig forbedring i kvaliteten, men også av ideen om humanisme, som var gjennomsyret av nesten alle kreasjonene på den tiden.

Det er viktig å merke seg at 1200-tallet også åpnet ganske gode utsikter for kunstnere. På den tiden var hvert slott, palass, veldig kjedelig uten dekorasjoner i form av malerier. Til å begynne med skrev kunstnere spesielt for denne anledningen maleriene sine utelukkende om religiøse temaer, men senere ble horisonten deres betydelig utvidet, noe som gjenspeiles i maleriene, fra det øyeblikket begynte kunstnere å dekorere palasser med verk av sekulær natur. Bøker fra den tiden ble også dekorert, dette skjedde ved hjelp av miniatyrer. Selvfølgelig var det ikke typisk for vanlige mennesker å ha slike ting, men for prinser, konger ble bøker hele tiden dekorert med miniatyrer.

Det var på 1200-tallet at kunstnere sluttet å leve innenfor murene til klostre, de ble selvstendige og åpnet egne verksteder.

Over tid begynte veggmaleri å utvikle seg aktivt, det ble hovedsakelig brukt til å dekorere kirker. Hun erstattet mosaikken, som var mye vanskeligere å utføre og dyrere.

Det tok kunstnerne ganske lang tid før maleriene ble omfangsrike, begynte å ligne konturene til en bestemt person. Det er viktig å merke seg at på slutten av 1300-tallet begynte malere å komme til en spesiell stil i maleriene sine, som senere ble kalt internasjonal gotikk. Det var i middelalderen at slike skrivestiler som bysantinsk, gammelrussisk dukket opp.

renessanse, romantikk

Renessansetiden har et slikt navn nettopp fordi maleriet i løpet av denne perioden begynte å endre seg betydelig, det begynte å bli mettet med de trendene som allerede hadde vært der, men med tiden ble de en ting fra fortiden. Så i renessansen begynte humanistiske synspunkter å bli verdsatt. Andre trekk ved maleriet fra denne tiden kan bemerkes:

Demonstrasjon av oppmerksomhet til antikken;
Tilstedeværelsen av sekulære motiver.

Det var i denne perioden landskap og portretter ble populære. Resultatet av fortsettelsen av renessansens motiver er barokkens fødsel. Fansen hans sa at det er nødvendig å bøye seg for alt vakkert, dessuten er dette ikke nok. Det er viktig å bringe alt vakkert til en slik tilstand at det blir perfeksjon. Dette kan spores i de maleriene der pretensiøsitet er notert, tegningen av fantastiske former og linjer. Klassisismen returnerer så maleriet igjen til det eldgamle verdensbildet.

Når vi snakker om romantikk, mener vi scenen av maleri, da kunstnere motarbeidet kreativitet, individualisme, skapelse til vitenskap og fornuft i utgangspunktet.

Moderniteten og det siste 1900-tallet kan karakteriseres som en æra av eksperimenter.

(sammenstilt i henhold til forelesningsløpet)

«Vi er knust av arv. Det moderne mennesket er utslitt av overfloden hans tekniske midler, men like fattig av en overflod av deres rikdom ... Vi blir overfladiske. Eller vi blir lærde. Men i kunstsaker er lærdom en slags svakhet... Den erstatter sensasjoner med hypoteser og et møte med et mesterverk, utallige minner... Venus blir et dokument.»

P. Valerie

"Uansett hvor perfekt en teori er, er den bare en tilnærming til sannheten."

A. M. Butlerov

«Kunst er ikke en måte å tenke på, men en måte å gjenopprette verdens håndgripelighet. Kunstformer endres for å bevare livets håndgripelighet.»

V. Sjklovskij

PRIMITIVT SAMFUNN
Omtrent 40 tusen år f.Kr	Paleolittisk (gammel steinalder). Fremveksten av kunst
Omtrent 25 tusen år f.Kr	Paleolittisk. De første bildene på veggene til huler. Paleolittiske venuser.
Omtrent 12 tusen år	Paleolittisk. Malerier og helleristninger i La Madeleine, Altamira, Font de Gome.
Omtrent 5-4 tusen år f.Kr	Neolitikum (ny steinalder). Bilder og helleristninger på steinene ved Lake Onega og Hvitehavet.
DET Gamle Østen
5-4 tusen år f.Kr e.	Art of the Early Kingdom i Egypt. Art of Mesopotamia før dannelsen av stater
28.-26. århundre f.Kr	Kunst eldgamle rike i Egypt. Pyramider ved Saqqara og Giza: Cheops, Khafre Mikkerin. Tidlig dynastisk periode i Mesopotamia Sumerisk kunst.
24. århundre f.Kr	Art of Akkad
22. århundre f.Kr	Kunst fra den sene sumeriske perioden. Statue av Gudea.
21. århundre f.Kr	Kunst fra Midtriket Egypt. Graver av nomarker, bilder av konger, byste av Senusret, Sfinx.
1800-tallet f.Kr	Kunst fra den gamle babylonske perioden. Stella Hammurabi. Hetittenes kunst.
16-14 århundre f.Kr	Art of the New Kingdom i Egypt. Amarna kunst. Tempelkomplekser av Karnak og Luxor. Bilder av Akhenaten og Nefertiti. Tutankhamons grav.
13.-11. århundre f.Kr	Kunst fra tidlig Iran. Sen kunst i Egypt. Ramesside-dynastiet. Settets tempel i Abydos, tempelet i Abu Simbel.
9.-7. århundre f.Kr	Art of the New Assyrian Kingdom. Palaces of Sargon II, Ashurnatserpal, hengende hager, zigguraten til Marduk-Etemenanki
6.-5. århundre f.Kr	. Kunsten til Urartu. Ny-babylonske rike. Ishtar-porten.
ANTIKKEN
30-13 århundre f.Kr	Egeerhavets kunst. Kretisk-mykensk kunst. Palass ved Knossos, Løveporten i Mykene, Atreus grav.
11. århundre f.Kr	Homeriske Hellas
8.-7. århundre f.Kr	Etruskisk kunst. Graver i Tarquinia
7.-6. århundre f.Kr	gresk arkaisk. Apollon-tempelet i Korint, statuer av Cleobis og Biton, kouros og bark.
5.-4. århundre f.Kr	Gresk klassiker. Athenske Akropolis, statuer av Phidias, Myron, Polykleitos. Mausoleet av Halikarnassus.
3.-2. århundre f.Kr	Hellenistisk Hellas. Statuer av Praxiteles, Nike av Samothrace, Zevs-alteret i Pergamon. Den romerske republikkens kunst. Pantheon.
1.-4. århundre f.Kr	Kunst fra Romerriket. Pompeianske malerier. Statuer av Augustus, Cæsar, Colosseum, romerske bad, Basilica of Maxentius.
MIDDELALDER OG RENESSANSE
1.-5. århundre e.Kr	Tidlig kristen kunst. Maleri av katakombene - Mosaikk av mausoleet til Santa Constanta, basilikaen Santa Maria Maggiore i Roma, dåpskapellet i Rovenna.
313	Offisiell anerkjennelse av kristendommen
.6-7 århundre e.Kr	Tiden til Justinian i Byzantium. St. Sophia-kirken i Konstantinopel, San Vitale i Rovenna. Tiden for barbariske riker i Europa. Theodorikus mausoleum, Echternach-evangeliet
8.-9. århundre e.Kr	Tiden med ikonoklasme i Byzantium. Styrke rollen til sekulær kunst, brukskunst. Empire of Charlemagne i Europa. Karolingisk vekkelse. Kapell i Aachen, Utrecht Psalter.
ser. 9.-10. århundre	Makedonsk renessanse i Byzantium. eldgamle tradisjoner. Mosaikker av St. Sophia av Konstantinopel. Miniatyrer. Ottonisk tid i Europa. Gospel of Otto, korsfestelse av Hero, Westwerk kirke i Köln.
10.-12. århundre	Midtbysantinsk kultur. Tverrkuppel arkitektur. Konsolidering av den ikonografiske kanonen. Mosaikker i Phocis, på Chios og Daphne, fresker av Nerezi, Paris-psalteren, Vår Frue av Vladimir. Romansk kunst i Europa. Church of Saint-Etienne in Nover, relieffer av kirken i Toulouse, Notre Dame i Poitiers, katedraler i Mainz og Worms. Før-mongolsk arkitektur av Dr. Rus. St. Sophia-katedralene i Kiev og Novgorod, Mirozhsky-klosteret i Pskov, Dmitrovsky og Assumption-katedralene i Vladimir, Forbønnskirken på Nerl, St. George-katedralen i St. George-klosteret nær Novgorod, Frelserens kirke på Nereditsa.
13.-15. århundre	senbysantinsk kunst. Palaiolog renessanse. Hesykasme. Fresker av Studenice, Sapochan, mosaikker av Kahrie-Jami, fresker av Theophan den greske. Gotisk kunst i Europa. Notre Dame i Paris, katedraler i Chartres, Reims, Amiens, Salisbury, Köln, skulptur i Naumburg, rådhus i europeiske hovedsteder og byer (Brugge, etc.). Post-mongolsk arkitektur av Dr. Rus. Kreml gamle russiske byer, kirken i Izborsk, St. George-katedralen i Yuryev-Polsky, freskene til Snetogorsky-klosteret, Frelserens kirke i Ilyin-gaten i Novgorod med fresker av Theophanes den greske, Himmelfartskirken på Volotovo-feltet i nærheten av Novgorod. Ikonmaleriets storhetstid i Novgorod og Pskov.
1453	Fall of Byzantium
1200-tallet	Proto-renessanse i Italia. Giotto (1266-1337), Duccio (1250-1319), Simone Martini (1284-1344).
1300-tallet-1400-tallet	Tidlig renessanse i Italia. Arkitektur av Brunelleschi (1377-1446), skulptur av Donatello (1386-1466), Verrocchio (1436-1488), maleri av Masaccio (1401-1428), Filippo Lippi (1406-1469), Domenico Ghirlandaio (1449-1949). Pierro della Francesca (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506). Sandro Botticelli (1445-1510), Giorgione (1477-1510)
1400-tallet	Begynnelsen av renessansen i Nord-Europa.
1500-1700-tallet	Konsolidering av Moskva-staten. Moskva Kreml og katedraler, Ivan det store klokketårnet, Solovetsky kloster, Himmelfartskirken i Kolomenskoye. Andrey Rublev, Dionysius (Ferapontovo). Pogankin-kamrene i Pskov, Moskva-kamrene i Kirillov. Naryshkin barokk. Forbønnskirken i Fili, Sukharev-tårnet, Kizhi kirkegård. Simon Ushakov (1626-1686), Procopius Chirin Godunovsky og Stroganov stiler i ikonmaleri.
tidlig på 1500-tallet	Høyrenessanse i Italia. Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphael (1483-1520), Michelangelo (1475-1564), Titian (1477-1576)
2. halvdel av 1500-tallet	Sen renessanse og mannerisme i Italia. Tintoretto (1518-1594), Veronese (1528-1568)
15.-begynnelsen av 1600-tallet	Renessanse i Nord-Europa. Nederland: Van Eyck-brødrene (c.14-ser.15c). Rogier van der Weyden (1400-1464), Hugo van der Goes (1435-1482), Hieronymus Bosch (1450-1516), Pieter Brueghel den eldre (1532-1569). Tyskland: Hans Holbein den yngre (1477-1543), Albrecht Durer (1471-1528), Matthias Grunewald (1475-1530). Frankrike: Jean Fouquet (1420-1481), Jean Clouet (1488-1541). Spania: El Greco (1541-1614)
NY OG MODERNE TID. EUROPA
17. århundre
BAROKK
	Italia. Romersk barokk: M. Fontana, L. Barromini, Lorenzo Bernini (1596-1680). Flandern: P-P. Rubens (1577-1640), A. van Dyck (1599-1641), J. Jordans (1593-1678), F. Snyders (1579-1657). Frankrike: Versailles-palasset. Lenotre, Lebrun
AKADEMISM OG KLASSISME
	Italia, Bologna-akademismen: Caracci-brødrene (midten av 1500-begynnelsen av 1600-tallet), Guido Reni. Frankrike: N. Poussin (1594–1665), C. Lorrain (1600–1652)
REALISME
	Italia: Caravaggio (1573-1610). Spania: J. Ribera (1551-1628), D. Velasquez (1599-1660), E. Murillo (1618-1682), F. Zurbaran (1598-1664). Frankrike: Le Nain-brødrene (sent 16.-ser. 1600-tallet) Georges de Latour (1593-1652), Holland: F. Hals (1680-1666), Ruisdael (1603-1670), Jan Steen (1620-1679) , G Metsu (1629-1667), G. Terborch (1617-1681), Jan Vermeer av Delft (1632-1675), Rembrandt (1606-1669)
18 århundre.
BAROKK
	Italia: J. Tiepolo (1696-1770). Russland. Petrine barokk: D. Trezzini (1670-1734), A. Schluter, I. Korobov. Russisk barokk: F. - B. Rastrelli (1700-1771)
ROKOKO
	Frankrike: A. Watteau (1684-1721), F. Boucher (1703-1770), J. Fragonard (1732-1806). Russland: I. Vishnyakov (n.18-ser.18v.)
AKADEMISM OG KLASSISME
	England: D. Reynolds (1723-1792), T. Gainsborough (1727-1788) Frankrike: revolusjonær klassisisme J.-L. David (1748-1825), Russland: D. Levitsky (1735-1822). Strenge klassisismearkitektur: A. Kokorinov (1726-1772), M. Kazakov (1738-1812), I. Starov (1745-1808), D. Quarenghi (1744-1817), J.-B. Wallin-Delamot (1729-1800). Skulptur: M. Kozlovsky (1753-1802)
REALISME
	Italia: A. Canaletto (1697-1768), F. Guardi (1712-1793). England: W. Hogarth (1697-1764). Frankrike: Chardin (1699-1779), J.-B. Grez (1725-1805). Russland: I. Nikitin (1680-1742), A. Matveev (1702-1739), A. Zubov. (c.17-ser.18v), M. Makhaev (1718-1770), A. Antropov (1716-1795), I. Argunov (.1729-1802), F. Shubin. (1740-1805)
ROMANTISME
	Italia: S. Rosa (ser.17-k.17c), A. Magnasco (1667-1749). Russland: V. Bazhenov (1738-1799), C. Cameron (1740-1812), F. Rokotov (1730-1808), V. Borovikovsky (1757-1825), S. Shchedrin (1745-1804)
1800-tallet
ROMANTISME
	Frankrike: T. Gericault (1791-1824), E. Delacroix (1798-1863). England: D. Constable (1776-1837). Tyskland: Nasareerne: K-D. Friedrich (1774-1840), F. Overbeck (1789-1869), P. Cornelius (1783-1867). Russland: O. Kiprensky (1782-1836)
KLASSISME OG AKADEMISM
	Frankrike: J.-D. Ingres (1780-1807). Russland. Høyklassisismearkitektur: A. Voronikhin (1759-1814), A. Zakharov (1761-1811), Thomas de Thomon (1760-1813), C. Rossi (1778-1849), V. Stasov (1769-1848). Skulptur. I. Martos (1752-1835) Akademiisme. Maleri: P. Klodt (1805-1867), K. Bryullov (1799-1852), F. Bruni (1799-1875), A. Ivanov (1806-1858)
REALISME
	Frankrike: O. Daumier (1808-1879), J. Millet (1814-1875), G. Courbet (1819-1877), C. Corot (1796-1875), Barbizon - T. Rousseau (1812-1867), J. Dupré (1811-1889), C. Troyon (1810-1865), C.-F. Daubigny (1817-1878). Tyskland: A. Menzel (1815-1905), Biedermeier - M. Schwindt (1804-1871), K. Spitsvet (1808-1885). Russland: V. Tropinin (1776-1857), A. Venetsianov (1780-1847), P. Fedotov (1815-1852), V. Perov (1834-1882). Vandrer: I. Kramskoy. (1837-1887), N. Ge (1831-1894), N. Yaroshenko (1846-1898), V. Vereshchagin (1842-1904), A. Savrasov (1830-1897), I. Shishkin (1832-1898), A. Kuindzhi (1842-1910), I. Repin (1844-1930), V. Surikov (1848-1916), I. Levitan (1860-1900), V. Serov (1865-1911) ) )
SYMBOLISM
	England. Pre-rafaelitter (pre-rafaelitt brorskap-1848-53) D.-G. Rosetti (1828-1898), J.-E. Milles (1829-1896), W. Morris (1834-1896). Frankrike: Puvis de Chavannes (1824-1898), G. Moreau (1826-1898), O. Redon (1810-1916). Gruppe "Nabis": P. Bonnard (1867-1947), E. Vuillard (1868-1940), M. Denis (1870-1943). Russland: M. Vrubel (1856-1910), M. Nesterov (1862-1942), World of Art": M. Somov (1869-1939), A. Benois (1870-1960), M. Dobuzhinsky (1875-1942) ), N. Roerich (1874-1947), A. Ostroumova-Lebedeva (1871-1955), "Blue Rose": V. Borisov-Musatov (1870-1905), P. Kuznetsov (1878-1968), skulptur av A. Matveev (1878-1960), S. Konenkov (1874-1971) Tyskland: M. Klinger (1857-1920)
2. halvdel av 1800-tallet
IMPRESSJONISME
	Frankrike (1 utstilling-1874, siste 1884): E. Manet (1832-1883), C. Monet (1840-1926), O. Renoir (1841-1919), E. Degas (1834-1917), O. Rodin (1840-1907). Russland: K. Korovin (1861-1939), I. Grabar (1871-1960), A. Golubkina (1864-1927)
k.19-n. Det 20. århundre
MODERNE. SEKSJON
	Arkitektur. Russland: F. Shekhtel (1859-1926). Spania: A. Gaudí y Cornet (1852-1926)
POSTIMPRESSIONISME
	A. Toulouse-Lautrec (1864-1901), A. Modigliani (1884-1920), P. Cesani (1839-1906). W. Van Gogh (1853–1890), P. Gauguin (1848–1903)
NEOIMPRESSIONISME
	J. Seurat (1859-1891), P. Signac (1863-1953)
Det 20. århundre
FUNKSJONALISME.
	W. Gropius (1883-1969), Le Corbusier (1887-1965), Mies Van Der Rohe (1886-1969), F.-L. Wright (1869-1959).
KONSTRUKTIVISME
	Russland:. Arkitektur: Vesnin-brødrene (Leonid 1880-1933, Victor 1882-1950, Alexander 1883-1959), K. Melnikov (1890-1974), I. Leonidov (1902-1959), A. Shchusev (1878-19) Painting. OST-gruppe: A. Deineka (1899-1969), Yu. Pimenov (1903-1977), D. Sternberg (1881-1948), A. Labas (1900-1983)
FAVISME
	Frankrike: A. Matisse (1869-1954), A. Marquet (1875-1947)
EKSPRESJONISME
	Tyskland: "Den blå rytteren" F. Marx (1880-1916). G. Gross (1893-1954), O. Dix (1891-1969), E. Barlach (1870-1938), Grundig H. (1901-1958) og L. (1901-1977), O. Nagel (1894- 1967). Skulptur: W. Lembruck (1881-1919), K. Kollwitz (1867-1945).
KUBISME,
	Frankrike: P. Picasso (1881-1973), J. Braque (1882-1963), F. Leger (1881-1955).
KUBO-FUTURISME
	Russland: "Jack of Diamonds" (1910-1916): I. Mashkov (1881-1944), A. Lentulov (1882-1943), P. Konchalovsky (1876-1956), M. Larionov (1881-1964), N. Goncharova (1881-1962), -N. Falk (1886–1958)
FUTURISME
	Italia: W. Boccioni (1882-1916), C. Carra (1881-1966), D. Balla (1871-1958), F.-T. Marinetti (1876–1944)
PRIMITIVISME
	Frankrike: A. Rousseau (1844-1910). Russland: M. Chagall (1887-1985), N. Pirosmani (1862-1918)
ABSTRAKSJONISME
	Russland: V. Kandinsky (1866-1944), K. Malevich (1878-1935), P. Filonov (1883-1941), V. Tatlin (1885-1953), O. Rozanova (1885-1918). Amerika: P. Mondrian (1872-1944), D. Pollock. (1912-1956)
SURREALISME
	S. Dali (1904-1989), A. Breton (1896-1966), D. DeChirico (1888-1978), R. Magritte (1898-1967)
POP ART 60-g.20v
	Amerika: R. Rauschenberg (1925-90-tallet), D. Rosenquist, E. Warhol R. Lichtenstein (f. 1923),
REALISME 20. århundre
	Italia. Nyrealisme: R. Guttuso (1912-1987), A. Pizzinato (1910-80-tallet), C. Levy (1902-1975), D. Manzu (født 1908-90-tallet). Frankrike. Nyrealisme: A. Fougeron (f. 1913), B. Taslitsky (f. 1911). Mexico: D.-A. Siqueiros (1896-1974), H.-K. Orozco (1883-1942), D. Rivera (1886-1957). USA: R. Kent (1882-1971). Sovjetunionen. sosialistisk realisme. Maleri: K. Petrov-Vodkin (1878-1939), I. Brodsky (1883-1939), B. Grekov (1882-1934), A. Plastov (1893-1983), V. Favorsky (1886-1964), S. Gerasimov (1885-1964), P. Korin (1892-1967), Kukryniksy (M. Kupriyanov 1903-1993, P. Krylov 1902-1990, N. Sokolov f. 1903), M. Saryan (1880-1972). Skulptur: Andreev N. (1873-1932), I. Shadr (1887-1941), V. Mukhina (1889-1953). Alvorlig stil på 60-tallet (analog med neorealisme). Maleri: G. Korzhev (f.1925), T. Salakhov (f.1928), Smolin-brødrene, V. Popkov (1932-1974), N. Andronov (1929-1998), Dm. Zhilinsky (f. 1928), M. Savitsky (f. 1922), P. Ossovsky (f. 1925), T. Yablonskaya (f. 1917), D. Bisti (f. 1925). Leningrad skole: E. Moiseenko (1916-1988), V. Oreshnikov (1904-1987), A. Rusakov (1898-1952), A. Pakhomov (1900-1973), V. Pakulin (1900-1951), V. Zvontsov (f. 1917), J. Krestovsky (f. 1925), V. Mylnikov, M. Anikushin (1917-1997) m.fl. Baltisk skole: Zarin I. (f. 1929), Skulme D., Krasauskas S. (1929-1977). Arkitektur: V.Kubasov Posokhin M., brødrene Nasvitas Grotesk realisme på 70-tallet: Nazarenko T. (f1944), Nesterova (f.1944), Ovchinnikov V.. Salongrealisme (kitsch, naturalisme): I. Glazunov I. (f. . 1930), Shilov A., Vasilyev V.
POSTMODERNISME	80-90-tallet Det 20. århundre

Opplegg for kunsthistoriens generelle syklisitet

(ifølge F. I. Schmit og V. N. Prokofiev)

Den generelle spiralen av utviklingen av kunst i tid viser hvordan stadiene av dominans av det EXPRESSIVE og imitasjonsprinsippet veksler i ekte kunstnerisk praksis. Dermed representerer hele venstre side av I) kreative metoder basert på ekspressivitet (symbolsk og abstrakt kunst, ikke graviterende mot former virkelige verden), den høyre delen av II) - om imitasjon (naturalistisk realistisk, klassisk kunst, streber etter å legemliggjøre ideene sine i former nær virkeligheten). Men dette betyr ikke at det ikke er noen "imitative" trender i "ekspressive" epoker, og omvendt. Det handler om om den ledende trenden. For en mer nøyaktig karakterisering av et bestemt stadium, er det nødvendig å introdusere slike konsepter som kanoniske og ikke-kanoniske stiler i kunst (i annen terminologi, normative og ikke-normative stiler). Disse parametrene kan kombineres med både "imitasjon" og uttrykksfullhet, noe som skaper en ekstra rekke alternativer og fratar denne ordningen monotoni. For eksempel i New Age er det flere stiler. i ett tilfelle er det kanonisk imitasjon, og i annet - ikke-kanonisk.Det er nødvendig å merke seg den spesielle posisjonen til en slik retning som realisme.I form av en viss trend eksisterer den fra selve øyeblikket av fremveksten av kunst til i dag (fra 1600-tallet som en metode og fra 19. som en fullverdig kunststil). I kjernen er det en slags syntese av imitasjon og uttrykksfullhet, kanonitet og ikke-kanonisitet, noe som sannsynligvis forklarer dens universalitet og konstante tilstedeværelse i enhver tidsalder.

Merknader:

1. Konseptet kanonisitet - fra begrepet kanon (gresk norm, regel), det vil si et system av regler som fikser de viktigste strukturelle mønstrene til spesifikke typer kunst. 2. Hovedverkene, som gjennomgikk og kommenterte den foreslåtte ordningen med kunstutviklingssykluser: Schmit F. I. Kunst - dens psykologi, dens stil, dens evolusjon. Kharkiv. 1919, hans egen: Art. Grunnleggende begreper om teori og historie. L. 1925, Prokofiev V. Om kunst og kunsthistorie. M. 1985, Klimov R. B. Notes on Favorsky. Sovjetisk kunsthistorie - 74, - 75. M. 1975 og M. 1976.

Kulturbegrepet brukes til å karakterisere historiske epoker) Antikken, renessansen), individuelle land (kulturen i det gamle Egypt, Kievan Rus), noen ganger betegner det et sett med materielle og åndelige verdier skapt av det menneskelige samfunn i visse tidsepoker eller i bestemte land. Kunst gjenspeiler ikke bare det virkelige liv, den fungerer som et tillegg, noen ganger en erstatning for det virkelige liv, samtidig som den formidler tidsånden, dens idealer. PÅ stil registrert høyere mening tidens åndelige liv.

Hele historien til MHC kan sees på som en historie med stiler (Wölfflin). Stil - dette er originaliteten som lar deg umiddelbart bestemme i hvilken historisk epoke et kunstverk ble skapt. Flotte stiler: antikken - arkaisk og klassisk, middelalder - romansk stil, gotisk. Renessansen er en overgangsperiode fra ons. århundrer til moderne tid. Ny tid - barokk og klassisisme. Ved begynnelsen av XIX-XX århundrer. - Art Nouveau 0 forsøk på å gjenopplive enheten i arkitektur, kunst og håndverk. Romansk, gotisk, renessanse - disse stilene manifesterte seg i alle typer kunst, påvirket verdensbildet, filosofien, livet. Alle utmerkelser er nært beslektet i deres utvikling. Etter å ha dannet seg i en viss tid, ble de gjenfødt på et nytt stadium. Stil er tilstede i alle former for kunst, men i utgangspunktet den er formet av arkitektur.

For første gang skjer stildannelsen i Det gamle Egypt.egyptisk stil (5-4 tusen f.Kr. - de første århundrene e.Kr.). Store prestasjoner er knyttet til arkitektur og monumental skulptur. Han hadde en dyp innflytelse på arkitektur og kunst. kunst dr. Hellas og andre middelhavsland. D.E. kunst er i hovedsak ment å tjene religionens behov, inkl. begravelseskult og kulten til den guddommelige farao. Mange klassikere er utviklet. archit. former og typer (pyramide, obelisk, kolonne), typer bilder. kunst (sirkelskulptur, relieff, monument, maleri, etc.). det fantes en kanonisert form av menneskebildet. figurer på flyet - både foran (øyne, skuldre) og i profil (ansikt, bryst, ben). Prinsippene om monumentalitet og statisk karakter råder (det sosiale systemets ukrenkelighet og faraos overmenneskelige storhet). En ny bue. type grav - en pyramide, den ultimate enkelheten i form og gigantisk størrelse. I veggmalerier og relieffer dukket akutt observasjon, en følelse av rytme og skjønnhet opp. kontur linje, silhuett, fargeflekk. Typer i bildet av mennesker (gå, sittende) kjennetegnes ved klarhet og nøyaktighet i overføring av karakteristiske trekk og sosiale. bestemmelser. Steingraver - jfr. kongedømme. På bildet. kunst - en trend i plausibilitet, bildet av hverdagsscener, planter, dyr. Skulptur avslører karakter. Symbolikk F.eks. kunst, noen av hans bilder og spesifikke verk (Pyramider, Sfinx, Fayum-portrett, etc.) var av stor betydning for utviklingen av Europa. dårlig tenkning av påfølgende årtusener.

Asiatisk stil. Liten innvirkning på fremtidige historiske stiler. Skille. Funksjoner: monumentalitet, luksus, storhet. Templer - ziggurats (trappede pyramider). Innvendig etterbehandling - relieffer, plater og der. Nettbrett med kileskrift, spalter med versaler i form av personer. hoder, narrative relieffer (som egyptisk), profilbilde, lotuspynt, blomster. Stilen utviklet seg i Sumer og Akkad. All tempelkonstruksjon, skulptur er underordnet gudene. Symbol - hodet til en okse - et symbol på styrke.

gresk stil. Rammeverk: 11. -1. århundre. f.Kr. 3 perioder: arkaisk, klassisk, hellenistisk. Kreativiteten til andre grekere. mestere var basert på mytologiske ideer, men det er gjennomsyret av nær oppmerksomhet til virkeligheten, en følelse av harmoni og proporsjonalitet i verden, skjønnheten i naturlig vesen, fysisk. og åndelig perfeksjon av mennesket. Chelov. den metriske begynnelsen er til stede ikke bare i fig. kunst, men også i arkitektur (proporsjonene til templene er i samsvar med menneskefiguren). Arkaisk - et tempel dannes - en peripter (som et resultat av evolusjon - fra en annen bolig - en megaron til et tempel i antah, prostyle og amphiprostyle). Bygget felles. fasiliteter (teatre, stadioner). Det finnes varianter av arkitektur. ordrer - dorisk (Hera-tempelet i Olympia, Apollo i Korint), jonisk - strengt sofistikert, harmoni (Artemis-tempelet i Efesos). Skulptur pryder templer (relieffer av friser, pedimenter). Alvorlige statuer av guder og myter. helter som kjemper mot forferdelige monstre. Statuarskulpturen er det atletiske idealet til en ung mann (kuros) og en kvinne (kora). Ekstremt begrensede ansiktsuttrykk (arkaisk smil). Utviklingen av de viktigste andre greske. vaser: amfora, krater, kylix, hydria, etc. Svart-figur og rød-figur. Kunsten å gyptere. Klassisk . (5-4 århundrer f.Kr.). Nådde storhetstiden til andre grekere. by, var det et reguleringssystem. oppsett. Skulptører, vasemalere og malere begynner å skape bilder nærmere virkeligheten, for å skildre mennesker mer perfekt. figur, dens struktur og bevegelse. I arbeidet til Myron (Discobolus) og Polikleitos ble det dannet en idé om perfekt bilde harmonisk utviklet perfekt mann. Toppen av is-va-klassikere - Perikles regjeringstid, flott. billedhugger Phidias, arkitektene Iktin og Kallikrat - skaperne av den athenske Akropolis. Den klassiske perioden avsluttes kreativt. Praxiteles, Scopas, Leochar og Lysippus, hvis verk er preget av oppmerksomhet til den menneskelige verden. følelser og lidenskaper, brudd på indre harmoni og harmoni med omverdenen. Hellenisme . Bygging av nye byer. egenskapen er storhet. Faros fyr. Majestetisk arkitektur. ensembler (Akropolis i Pergamon). Templet er en peristyle (helheten er omgitt av søyler). Skulptur - Venus av Melos, Nike fra Samothrace, kampen til gigantene i frisen til Pergamonalteret, Laocoön-gruppen - er gjennomsyret av indre spenninger, bevegelser og angst, malt med verdensbildets tragedie. Det harmoniske idealet om en menneskelig borger erstattes av forherligelsen av herskerne, guddommen (statuen av Helios - Kolossen på Rhodos). I maleriet, som i skulpturen, utvikles det en friere ekspressiv måte å skildre på.

romersk stil. Av avgjørende betydning for dannelsen av den romerske stilen er den etruskiske arkitekturen, som oppnådde suksess i etableringen av hvelvede strukturer. Antikkens Roma ga menneskeheten et ekte kulturmiljø: vakkert planlagte, beboelige byer med asfalterte veier, praktfulle broer, bibliotekbygninger, arkiver, nymfeer (helligdommer dedikert til nymfer), basilikaer, akvidukter, broer, triumfbuer, palasser, bad, villaer og bare gode hus med flotte møbler av god kvalitet - alt som er karakteristisk for et sivilisert samfunn.

Kunstnerne i det gamle Roma tegnet først nøye oppmerksomhet på den indre verdenen til en person og reflekterte den i portrettsjangeren, og skapte verk som ikke hadde like i antikken.

Svært få romerske navn har overlevd til i dag. tynn-kov. Imidlertid er monumentene etterlatt av dem inkludert i statskassen for verdenskunst.

Romas historie er delt inn i 2 stadier - republikkens og det keiserlige æra (regjeringa til Octavian August til det 4. århundre e.Kr.)

Arkitektur(slutt av 6.-sent 1. århundre f.Kr.). I løpet av den republikanske perioden utviklet hovedtypene av romere. arkitekter. Den harde enkelheten i livsstilen er den konstruktive logikken til monumentale ingeniørstrukturer (defensive murer i Roma).

Forfining og luksus penetrerte Roma fra Hellas og de hellenistiske statene. ble importert til stort antall kjente greske statuer og malerier av greske mestere. Romerske templer, palasser har blitt til en slags kunstmuseer. Vi henvendte oss til det greske ordenssystemet (for dekorative formål). De støttende funksjonene i romersk arkitektur ble vanligvis utført av veggen. Et stort sted hørte derfor til buen, basert på massive søyler. En storslått korintisk orden og en streng toskansk orden, arvet fra etruskerne, ble brukt. Den toskanske ordenskolonnen skiller seg fra den doriske orden ved tilstedeværelsen av en base, fraværet av en frise og fløyter. Runde (monopter omgitt av en søylegang) og firkantede pseudo-periptere ble bygget med inngang kun fra hovedfasaden. Et system med svært kunstneriske veggmalerier er under utvikling. En antikk freskomaleri ble brukt (Pompeianske malerier - 4 grupper).

Innen monumental skulptur skapte ikke romerne monumenter like betydningsfulle som grekerne. Men de beriket plastisiteten med avsløringen av nye aspekter av livet, utviklet hverdagslig og historisk relieff med en nøyaktig narrativ begynnelse. Relieffet var en integrert del av den arkitektoniske utsmykningen. Det beste i den romerske skulpturens kunstneriske arv var et portrett. En ny forståelse av denne sjangeren. I motsetning til de greske mesterne, som underordnet det enkelte bildet idealtypen i portrettet, Roma. thin-ki studerte nøye og årvåkent ansiktet til en bestemt person med hans unike egenskaper. I portrettsjangeren, original realisme (statue "Orator"). De skapte ikke bare portrettbyster og statuer av individuelle romere, men også gruppemidje.

Storhetstiden til Roma-kulturen faller på det 1. århundre e.Kr. - naz. imperiets kunst. August dedikerte nye templer til gudene. Det ble lagt vekt på den dekorative effekten. Innovasjon - reiste en mur av murstein og betong, deretter hengte en marmorkledning og festet søyler. Under flavianerne er pompøsitet karakteristisk, tidlig. byggingen av Colosseum (amfiteateret) ble fullført under Titus. triumfbuer.

Bysantinsk stil(fra det 4. århundre til 1453). Historien til bysantinsk kunst er perioden for dannelsen av kristen kunst, dens figurative struktur, temaer og kanoner. De høyeste prestasjonene er knyttet til tempelarkitektur, freskomaleri, mosaikk, ikonmaleri, miniatyr . Hovedtempelet i Byzantium var Grand. St. Sophia-kirken i Konstantinopel (6. århundre). mosaikk av Ravenna (5-7 århundrer) ble høydepunktet i historien til denne typen bilder. Kunst.

I kultarkitekturen allerede på 400-tallet. det er typer templer som er fundamentalt forskjellige fra de gamle - basilikaer og sentrale kuppelbygninger. Enkelheten til det ytre utseende står i kontrast til storheten til den dekorative dekorasjonen av interiøret. Hovedrollen - veggmalerier, ikonmaleri. Kirker ble dekorert med kristne symboler og ornamenter. Arkitektur har gjort en overgang til type tverrkuppelkirke. På 900-1000-tallet. - veggmalerier av templer bringes inn i et harmonisk system. Vegger og hvelv - mosaikk og freskomaleri. Det ideelt opphøyde bildet av mennesker dominerer. Det beste arbeidet med ikonmaleri, preget av en dyp menneskelighet av følelser - "Vladimir Guds mor".

Middelalderen. romersk stil. Han dominerte middelalderens kunst. Europa fra det 10. til det 12. århundre. begrepet ble introdusert i naturfag i 1. etasje. 1800-tallet. I tiden med R.s. åndelig liv, utdanning og kultur var konsentrert i klostre, hvor dannelsen av kunst fant sted - kunsten å ord, musikk, arkitektur, skulptur, monumental maleri (fresker, glassmalerier), bokkunst (type, miniatyrer). Stilen manifesterte seg spesielt sterkt i arkitekturen representert av kirker, klostre, slott. Disse massive steinkonstruksjonene ble plassert på forhøyede steder, omgitt av en vollgrav. Utseende - monolittisk integritet og høytidelighet, bygningen besto av enkle, tydelig identifiserte volumer, inntrykket av tykkelsen på veggene ble forsterket av smale vindusåpninger, innfelte portaler, imponerende tårn. Type - basilikaer. Til tross for vanlige stiltrekk har R.s. er preget av en rekke figurative løsninger: i Frankrike - mye archit. skoler - noen foretrakk glatte steinoverflater, andre - dekorativt utformede fasader, høye tårn. I Italia - under påvirkning av gammel kunst - kan monumentene i Pisa, i Firenze knapt kalles harde, tunge; Bolognas monumenter er strenge, og minner om arkitekturen til katedralene i Moskva. Kreml.

Hvis i tidlig R.s. hovedrollen i innredningen ble spilt av veggmalerier, da i kon. 11-begynnelse På 1100-tallet, da hvelvene og veggene fikk en mer kompleks konfigurasjon, ble monumenter den ledende typen tempeldekorasjon. relieffer som prydet portalene, og ofte hele fasadeveggen. Inn i en roman. maleri- og skulptursenter. stedet var okkupert av emner relatert til ideen om Guds grenseløse og formidable kraft. Kristi skikkelse dominerte, de narrative syklusene om bibelske og evangeliske historier fikk en friere og mer dynamisk karakter. Romansk skulptur er preget av en monumental generalisering av former, et avvik fra reelle proporsjoner, på grunn av hvilket menneskebildet ofte blir en bærer av uttrykk. I alle typer kunst ble en viktig rolle spilt av ornament, geometrisk eller sammensatt av motiver av flora og fauna (begynnelsen av "dyrestilen").

Gothick stil(Omtrent fra 1100- til 1300-1400-tallet.) Begrepet oppsto i renessansen som et negativt kjennetegn ved hele middelalderens kunst, som virket barbarisk. For stil karakteristisk: letthet, delikatesse, aspirasjon til himmelen, til Gud, lansettbuer. Monarkienes rolle økte, makten gikk i hendene på konger. Klostrene mister makten. Byer ble selvstendige. Byene huset palasser av aristokrater, boliger høyere presteskap, kirker, klostre, universiteter. sentrum for det offentlige liv i middelalderen. byen er blitt rådhus ( bybygging. selvstyre) og katedralen(stor kristen kirke). rådhus 2-etasjes bygninger med tårn er et symbol på byens frihet. katedraler skulle romme hele byens befolkning. Katedraler ble bygget av urbane mestere (ikke kloster, som før).

Gotiske katedraler skilte seg betydelig fra klosterkirkene i den romanske perioden: den romanske kirken er tung og huk, den gotiske katedralen er lett og streber oppover. Dette skyldes den nye utformingen av hvelvene. Hvis i en romansk kirke hviler massive hvelv på tykke vegger, så hviler hvelvet i en gotisk katedral på buer, og de på sin side på søyler. Sidetrykket til hvelvet overføres flygende buttanam(ytre halvbuer) og støtteben(ytre støtter, en slags "krykker" av bygget). I den gotiske katedralen forsvant den glatte overflaten av veggen, så veggmaleriet ga plass for glassmalerier. Inne og utenfor katedralen var dekorert med mange statuer og relieffer. Rommet til katedralen - skapte et bilde himmelsk fred, legemliggjorde drømmen om et mirakel.

Skulpturell og billedlig dekorasjon av katedraler, laget om religiøse og sekulære emner. Mobilitet kom til stivhet og isolasjon, figurene vendte seg mot publikum. De viste en ekte person, uten generaliseringer. I den gotiske perioden endret bildet av Kristus seg - temaet martyrdød kom i forgrunnen: de skildret Gud som sørger og lider. Gotisk kunst vendte seg stadig mot bildet av Guds mor - forbederen og begjæringen. Kulten av Guds mor utviklet seg nesten samtidig med tilbedelsen av en vakker dame, karakteristisk for middelalderen. Samtidig ble troen på mirakler, fantastiske dyr, fabelaktige monstre bevart. Bildene deres er veldig vanlige i gotisk kunst, så vel som i romansk i form av skulpturer av kimærer.

I forskjellige land har den gotiske stilen særegne trekk. I Frankrike - fødestedet til gotikken - er verkene i denne stilen preget av klarhet i proporsjoner, en følelse av proporsjoner, klarhet, eleganse av former ( Notre Dame de Paris- Notre Dame-katedralen, katedralen i Chartres (XII-XIV århundrer)). Fremragende verk av moden gotisk arkitektur inkluderer katedralene i både Reims og Amiens. I England utmerker de seg ved deres tyngde, overbelastning av komposisjonslinjer, kompleksitet og rikdom av arkitektonisk dekorasjon. (Canterbury katedral, katedraler i Lincoln, Salisbury 1200-tallet). Stedet for kroningen konger - kap. westminster katedral klostre i London - lik den franske typen. I Tyskland fikk gotikken en mer abstrakt, mystisk, men lidenskapelig uttrykkskarakter. Arkitekter økte dramatisk høyden på hvelvene, og kronet dem med tårn med spir. Det var ingen rosevinduer; lansettvinduer ble brukt i stedet. Katedraler i Marburg, Naumburg, Freiburg, Ulm. Et enestående verk av tysk arkitektur er katedralen i Köln (1248 - XIX århundre), høyde - 46 m, dekorert med mange buer, spir, åpne utskjæringer, lansettvinduer. Skulptur i Tyskland, som i den romanske perioden, prydet hovedsakelig ikke fasadene, men det indre av templene. Utført mindre elegant. I Spania ble gotiske former beriket med elementer av muslimsk kunst introdusert av araberne. Italiensk kultur var mer sekulær enn religiøs. Bare separate, hovedsakelig dekorative elementer av den gotiske stilen trengte inn i Italia: lansettbuer, "rosevinduer". Katedralene i Firenze Santa Croce, Santa Maria Novella, Santa Maria del Fiore. Gotisk er representert i sivil arkitektur - palasser, loggiaer, fontener. I Venezia ble Dogepalasset bygget av marmor. Men på 1300-tallet Gotikk spredt over hele Italia. Flaming Gothic (linjer av de mest forskjellige bilder tok form av flammetunger, krumlinjede former ble mye brukt, et komplekst mønster, åpent ornament) nådde sin høyeste fullføring i katedralen i Milano, katedralen i Rouen, klosterkirken Mont Saint-Michel.

Renessanse (renessanse). Epoken som dekker i Italia 1300-1500-tallet, i landene nord for Alpene (nordøst) - 1400-1600-tallet; er viktig for gjenopplivingen av interessen for antikken. Opprinnelsen til V. er i humanismen som tidens verdensbilde. Kryss. hud-ki er universelle personligheter innen vitenskap, forskjellige typer kunst. Humanismen var ikke i motsetning til religion: verden ble skapt av Gud, dens omfattende studie er et middel til å kjenne Gud i alle naturfenomener og fremfor alt i mennesket. De brukte "direkte perspektiv", studerte menneskelig anatomi. Gospelscener ble avbildet mot fjell i bakgrunnen. arkitekturen eller naturen til landet deres. Ved siden av helgenene er et portrett av kunden og kunstneren. Et mytologisk tema inntok en spesiell plass; bildet av den nakne kroppen ble gjenstand for studier og den verste inkarnasjonen (Donatello, Michelangelo, Titian, Durer). Portrettet ble definert som en egen sjanger og nådde sitt høydepunkt i arbeidet til skulptørene Donatello, malerne Raphael, Leonardo, Titian, Van Eyck, Dürer.

Syntesen av kunst fikk ledende betydning, der arkitektur inntok en ledende posisjon - et urbant ensemble, der Ch. var tempelet, offentlige bygninger, forskjellige sekulære bygninger (palasser, loggiaer). I løpet av V.s tid ble stedet for det skulpturelle monumentet på torget bestemt (følgende eldgamle tradisjoner). Det dominerende stedet ble okkupert av monumentale utsikter over bildet. kunst (freskomaleri, skulptur) som prydet palasser og templer. Den klassiske ordenen gjenopplives.

Italiensk kunst fra storhetstiden på begynnelsen av 1400- og 1500-tallet. - dette er High V. Artister - Bramante, Leonardo, Raphael, Michelangelo. Senere - Giorgione, Titian, Palladio. De to siste friksjonene på 1500-tallet - senere V. Kunstnere, som regel, tydde til å låne motiver og teknikker (manerer) ledet. mestere, som bestemte navnet på retningen - "Mannerisme": i raffinerte, raffinerte former klarte de å uttrykke den komplekse verdenen til en person i denne perioden.

Barokk (kunstnerisk, merkelig)- en stil som ble utviklet på 1600- og første halvdel av 1700-tallet. I kunsten til en rekke europeiske land, kap. måte i Italia, så vel som i Spania, Tyskland, Frankrike.

Kunstneriske trekk B.-stilen ble bestemt av en ny (i sammenligning med B.-æraen) forståelse av menneskets plass i universet, blomstringen av religiøse følelser, gjenopprettelsen av kirkens rolle i å forme menneskets åndelige verden, som gjenspeiles i alle typer kunst, og fremfor alt i arkitekturen. Som i middelalderen, et prioritert sted i mange arkitektoniske komplekser okkuperer tempelet, organisk forbundet med det nye palasset og parkensembler; som et resultat i løpet av 17-18 århundrer. utformingen og utseendet til store europeiske byer – Roma, Paris, Madrid og andre – tar form. Kunsten til B. er preget av grandiositet, pomp og dynamikk, patetisk oppstemthet, følelsesintensitet, avhengighet av spektakulære briller, sterke kontraster av skalaer og rytmer, materialer og teksturer, lys og skygge. Palassene og kirkene i B., takket være den luksuriøse, bisarre plastisiteten til fasadene, det rastløse spillet av chiaroscuro, komplekse krumlinjede planer og konturer, skaffet seg maleriskhet og dynamikk, strømmet inn i det omkringliggende rommet. Det seremonielle interiøret i B.s bygninger var dekorert med flerfarget listverk og utskjæringer; speil og veggmalerier og plafonder utvidet illusorisk plassen. På bildet. kunsten til B. er dominert av dekorative komposisjoner av religiøs, mytologisk og allegorisk karakter. I maleri - følelser, slagets ubegrensede frihet, i skulptur - formens pittoreske flyt, en følelse av variasjon. Den berømte mesteren B. - arkitekten og billedhuggeren Bernini; dekoratørmester. maleri - Pietro da Cartona. I maleriet dukket B.s trekk opp i verkene til Tiepolo og Rubens.

Russisk barokk utviklet seg i første halvdel av 1700-tallet (russisk arkitektur på slutten av 1600-tallet kalles bare foreløpig Naryshkin-barokken), kap. bilde i arkitekturen til Rastrelli og mesterne nær ham. Strålende eksempler på ballett er ensemblene til Vinterpalasset i St. Petersburg, Katarinapalasset i Tsarskoye Selo (Pushkin, 0, skulpturelle verk av Faderen Rastrelli (Monument til Peter 1 i St. Petersburg, portrett av Menshikov, "Anna Ioannovna) med et svarthåret barn").

R okoko- den verste retningen på 1700-tallet. kap. arr. i Frankrike i perioden til Ludvig XV. Navnet betyr "mønster av steiner og skjell." R. Var den siste fasen av barokken. Det er preget av styrkingen av det dekorative prinsippet i alle typer kunst, først og fremst innen arkitektur. Mister tektonisitet. Størrelsen på de fremre rommene er redusert, veggene er foret med trepaneler med utskjæringer i form av ruller: planteskudd og girlandere. Desudeporter, speil. Bildet av et skall (rocaille) blir det sentrale motivet i hver dekorative komposisjon. I løpet av R.-perioden faller betydningen av det historiske og mytologiske bildet. Religiøse emner er gjennomsyret av en sekulær ånd. Lekenhet, lett underholdning, lunefull ynde er funksjonene til R. Maleri og grafikk R. - galante scener, kammer i ånden, erotisk-mytologiske og pastorale plott, asymmetriske komposisjoner er karakteristiske. Watteau, Fraganar, Boucher. R.s skulptur var dominert av relieffer og statuer designet for interiør, små figurer, grupper og byster. Det beste fungerer R. ble skapt i Frankrike, men stilen ble utbredt både i Tyskland og i Russland (Rinaldi Marble Palace i St. Petersburg).

Klassisisme("eksemplarisk") - retning på hebr. er-ve con. 16 - begynnelse. 1800-tallet i løpet av denne lange tiden inngikk K. komplekse forhold til mange kunstneriske og ideologiske retninger. Opprinnelig ble K. assosiert med ideen om et absolutt monarki; senere, i form av den såkalte. revolusjonære K., - med ideene om tyranni og statsborgerskap, konsonant med Fran. revolusjon; på det siste stadiet av utviklingen dukket opp, i form av stil "Imperium" - stilen til Napoleonriket (kald storhet, klare linjer, akademiskisme). I forskjellige land fikk K. også noen nasjonale kjennetegn. Men det er også fellestrekk. Kunsten k. er preget av orden, proporsjonalitet av deler, klarhet i ideer og konstruksjoner, gravitasjon mot balanse og symmetri. Fra dette synspunktet er symbolet til K. den geometriske utformingen av kongeparken i Versailles. Den ideelle helten K. er fremmed for individualismen, underordner private interesser felles - nasjonale, statlige, åndelige impulser - til fornuftens stemme; han utmerker seg ved moralsk standhaftighet, sannferdighet, mot, urokkelig plikttroskap. Gammel ("klassisk"), hovedsakelig romersk kultur, tjener som den høyeste modellen for klassisk kultur. Plotter og karakterer er lånt fra gammel mytologi og historie.

Orientering mot en fornuftig begynnelse, til varige mønstre bestemte reguleringen kunstneriske regler, et strengt hierarki av sjangere - fra "høy" (historisk, myte., religiøs) til "lavere", eller "liten" (landskap, portrett, stilleben); hver sjanger hadde strenge grenser og klare formelle trekk.

Fordelen med K. er ideen om kunstens viktige samfunnsoppdrag. Kanoner til høy level ferdighet. På den annen side ble artistens individualitet dempet, og ledet bort fra mangfoldet i det virkelige liv. Disse negative sider K. ble mer og mer merkbar i sen periode dens eksistens, som vanligvis kalles - akademiskisme. K.s begrensninger begynte å bli overvunnet av andre tynne. retning: sentimentalisme, romantikk, fremvoksende realisme.

K. på bildet. is-ve på 1600-tallet. representerer maleriet til Poussin, Lorrain og i 18-19 århundrer. - David, Ingra, skulptørene Falcone, Houdon, den italienske Canova. Majestetiske monumenter av arkitekt K. ble Versailles, residensen til kong Louis XIV.

I Russland ble k. etablert først på 1700-tallet, etter reformene av Peter 1. Støpearbeidet til Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov, Derzhavin er forbundet med distribusjonen; opprettelsen av russisk profesjonelt teater. Malerne A. Ivanov, Losenko og Ugryumov, etter lovene til K., skildret hendelsene i gammel slavisk historie. Kunstnere - Nikitin, Matveev, Rokotov, Levitsky. Skulptører: Martos, Kozlovsky, Gordeev, Shchedrin, Shchubin, Pimenov. Arkitekter (klarhet, majestetisk enkelhet, menneskelighet): Bazhenov, Kazakov, Voronikhin, Stasov, Rossi, Zakharov, Thomas de Thomon, Gilardi, Beauvais, Cameron, Quarenghi.

Romantikk(1. halvdel av 1800-tallet). R. 1800-tallet veldig motsatt klassisisme tidligere æra og normene for akademisk kunst. R. er preget av økt oppmerksomhet til rolig til sinns menneskelig, men ulikt sentimentalisme , romantikere er ikke interessert i en vanlig person, men eksepsjonelle karakterer under eksepsjonelle omstendigheter. romantisk helt opplever voldelige følelser, «verdenssorg», streber etter perfeksjon, drømmer om et ideal. Romantikeren elsker og idealiserer noen ganger den fjerne middelalderen, den "urnaturlige" naturen, i de kraftige manifestasjonene som han ser en refleksjon av de sterke og motstridende følelsene som overveldet ham. Avvisning av hverdagen, derav den indre splittelsen. R. fanget alle sfærer av åndelig kultur: litteratur, musikk, teater, filosofi, estetikk osv., men han var ikke den universelle stilen som klassisismen var. I motsetning til klasse-ma, påvirket ikke R. arkitekturen vesentlig, og påvirket hovedsakelig landskapsarkitektur, arkitektur av små former og retningen til den såkalte. pseudo-gotisk. Romantikk på bildet. er-ve - fr. malere Delacroix, Géricault, tysk. – Friedrich, Runge, Rus. - Kiprensky, Blyullov, Aivazovsky og andre Falsk gotikk var en manifestasjon av R. i arkitekturen - en etterligning av middelalderens karakteristiske former. bygninger. For R. er uttrykket for en persons indre verden viktigere enn bilder av den ytre, objektive verden, så musikk og litteratur ble den «hoved» romantiske kunsten.

Eklektisisme(fra gresk - å velge) - en kombinasjon av ulike kunstneriske elementer. I kunsthistorien er den mest fremtredende plassen besatt av E. art-ry ser. -2. etasje. 1800-tallet, ekstremt vidt og ofte ukritisk ved bruk av ulike kilders former. stiler (gotisk, renessanse, barokk, rokokko, etc.). han påvirket dannelsen av en helhetlig stil i sin essens - "moderne".

Moderne(nyeste, moderne), stil i Europa. og amerikansk. krav-ve slutten av 1800-tallet - begynnelsen av 1900-tallet. forskjellige navn: i Frankrike og Belgia - "art nouveau", i Tyskland - "art nouveau", i Østerrike - "løsrivelse", i Italia - "frihet". M. ble tydeligst uttrykt i arkitekturen til private hus - herskapshus, i bygging av virksomhet, industri. og forhandlinger. bygninger, stasjoner, leiegårder. Det nye er avvisningen av bestillingssystemet for utsmykning av fasade og interiør. Den avgjørende verdien i bygningens struktur er konstruksjonen av det indre rommet. Fasadene til bygninger i Moskva er dynamiske og flytende, noen ganger nærmer de seg skulptur eller ligner et orgel. naturfenomener(bygningene til Guadi, Orta, Shekhtel i Russland). Noen arkitekter av M. forventet funksjonalisme, og forsøkte å avsløre bygningens rammestruktur, for å understreke tektonikken til masser og volumer. En av de viktigste uttrykksmiddel – ornament av karakteristiske krumlinjede konturer, ofte gjennomsyret av en uttrykksfull rytme. Den dekorative begynnelsen forener alle typer kunst (i interiøret - vegger, gulv, tak). Maleri- og skulpturverk mister sin uavhengige karakter, og blir inkludert i det samlede ensemblet. Lobbyene ble dekorert glassmalerier, interiør - pittoreske, og fasadene majolica eller mosaikkpaneler, lettelser. Målet er å skape en syntetisk, hel prov. rettssak. Særlig bred bruk M. mottatt i dekor.-prikl. art-ve (keramikk- og jernprodukter fra Gaudi, gjerder til Guimard-metroen). Tiltrekningen til konstruktivisme, renhet av linjer, lakonisme av former manifesterte seg i Macintosh-møbler. Grafikken ble sterkt utviklet i Moskva (den ledende representanten var engelske Beardsley, norske Munch og i Russland Benois, Somov og franske Toulouse-Lautrec). Grafikk er nært forbundet med blomstringen av bokbransjen.

Denne artikkelen vil diskutere hovedstadiene i verdenshistorien: fra antikken til vår tid. Vi vil kort gjennomgå hovedtrekkene for hvert trinn og skissere hendelsene / årsakene som markerte overgangen til neste utviklingsstadium.

Epoker for menneskelig utvikling: generell struktur

Det er vanlig for forskere å skille fem hovedstadier i utviklingen av menneskeheten, og overgangen fra den ene til den andre var preget av kardinale endringer i strukturen i det menneskelige samfunn.

Primitivt samfunn (paleolitisk, mesolitisk, neolitisk)
Antikkens verden
Middelalderen
ny tid
Nyeste tid

Primitivt samfunn: paleolittisk, mesolitisk, neolitisk

Paleolittisk- eldgamle steinalder, det lengste stadiet. Scenens grenser anses å være bruken av primitive steinverktøy (ca. 2,5 millioner år siden) og før begynnelsen av jordbruket (ca. 10 tusen år f.Kr.). Folk levde hovedsakelig av sanking og jakt.

Mesolittisk- Mellomsteinalder, fra 10 tusen år f.Kr. til 6.000 år f.Kr Dekker perioden fra sist istid til havnivået stiger. På denne tiden blir steinverktøy mindre, noe som gjør omfanget bredere. Fisket utvikler seg mer aktivt, antagelig på dette tidspunktet ble hunden domestisert som jaktassistent.

Neolitisk– den nye steinalderen har ikke klare tidsbegrensninger, siden ulike kulturer passerte dette stadiet inn annen tid. Den er preget av overgangen fra samling til produksjon, d.v.s. jordbruk og jakt, avslutter yngre steinalder med begynnelsen av metallbearbeiding, d.v.s. begynnelsen av jernalderen.

Antikkens verden

Dette er perioden mellom det primitive samfunnet og middelalderen i Europa. Selv om perioden i den antikke verden kan tilskrives sivilisasjoner der skriften har sin opprinnelse, for eksempel sumerisk, og dette er omtrent 5,5 tusen år f.Kr., betyr vanligvis begrepet "antikkens verden" eller "klassisk antikken" gammel gresk og romersk historie som fra ca 770 f.Kr. til ca 476 e.Kr. (året Romerriket falt).

Den antikke verden er kjent for sine sivilisasjoner - Egypt, Mesopotamia, India, Det persiske riket, Det arabiske kalifatet, det kinesiske riket, det mongolske riket.

Hovedtrekkene i den antikke verden er et skarpt hopp i kultur, assosiert først og fremst med utviklingen av landbruket, dannelsen av byer, hærer, handel. Hvis det i det primitive samfunnet fantes kulter og guddommer, så på den tiden eldgamle verden religion utvikler seg og filosofier dukker opp.

Middelalder eller middelalder

Når det gjelder tidsrammen, er forskere uenige, siden slutten av denne perioden i Europa ikke betydde slutten på verdensbasis. Derfor er det generelt akseptert at middelalderen varte fra omtrent 500-tallet (sammenbruddet av Romerriket) e.Kr. til 1400-1500-tallet eller til og med til 1700-tallet (teknologisk gjennombrudd)

Karakteristiske trekk ved perioden er utviklingen av handel, lovverk, stabil utvikling av teknologi og styrking av byenes innflytelse. Samtidig skjedde det en overgang fra slaveri til føydalisme. Vitenskapen går videre, religionens makt øker, noe som fører til korstog og andre sektbaserte kriger.

ny tid

Overgangen til en ny tid er preget av et kvalitativt sprang menneskeheten har gjort innen teknologifeltet. Takket være dette gjennombruddet, flytter agrariske sivilisasjoner, hvis velvære ble bygget på tilstedeværelsen av et stort territorium som gjorde det mulig å fylle på proviant, til industri, til fundamentalt nye livsbetingelser og forbruk. På dette tidspunktet stiger Europa, som har blitt kilden til dette teknologiske gjennombruddet, og utvikler seg humanistisk holdning for verden er det en aktiv økning innen vitenskap og kunst.

Nyeste tid

Den siste tiden inkluderer perioden fra 1918, d.v.s. siden første verdenskrig. Perioden er preget av økende globaliseringstakt, informasjonens økende rolle i samfunnets liv, to verdenskriger og mange revolusjoner. Generelt er moderne tid karakterisert som et stadium der individuelle stater er klar over sine global innvirkning og global eksistensskala. Ikke bare enkeltlands og herskeres interesser, men også den globale eksistensen kommer i forgrunnen.

Du kan også være interessert i andre artikler