Julie. Ytelse F

TRAGIFARS I 16+

RETNING: SERGEY AZEEV

TRAGIFARS

Stykket "F. Julie" basert på stykket "Frène Julie" av August Strindberg.
Svenske klassikere i moderne russisk tolkning. Tragifarce i sin essens. Emosjonell, uttrykksfull, meningsfull. Syntetisk teater, hvor plast, tale, musikk, kulisser, kostymer, video, lys ikke kan eksistere uten hverandre.
Historien handler om hvordan samfunnet forvrenger verdier, om en mann som brøt under påvirkning av samfunnet og hans knuste drøm.

En dynamisk og sensuell forestilling regissert av Sergei Azeev og koreografert av Polina Mitryashina.

DIREKTØR: SERGEY AZEEV

KOREOGRAF: POLINA MITRYASHINA

ARTIST: NICK KAMOV

KOSTYMEDESIGNER: NINA SHTERENBERG

CAST: VERA LATYSHEVA/OLGA SEMENOVA, VARYA SHCHERBAKOVA/MARIYA SELEZNEVA, VITALY GUDKOV

TRAGIFARCE I VARIGHET: 1 TIME 10 MINUTTER UTEN AVBRUDD jeg 16+

VIDEOARTIST: MARIA AMELENKOVA

ASSISTENT DIREKTOR: KSENIA ZHURAVLEVA

LYDSIGNER: IGOR FOMIN

SMINKE-ARTIST: IRINA MOSYAGINA

MAGASIN "BRIDGE"

DJEVELEN I DETALJENE: BILLY MILLIGAN OG HISTORIEN TIL "SLIK TEATER"

Premieren på stykket har nettopp funnet sted: en frilansskribent for Kulick Magazine forteller uten spoilere hvordan tjuefire Milligans passer på en scene.

DETALJER ER DE VIKTIGSTE.

Det spiller ingen rolle hva du gjør: maler bilder, komponerer musikk eller scenespill. Bare detaljer og hensynsløs kjærlighet til dem vil skille deg fra en amatør.
«Billy Milligan» satt opp av Slikt teater er en forestilling man vil leve i – det var det jeg ville skrive helt i begynnelsen. Så kom tanken om en dobbel dag og kryss-betydninger med historien, sier de, få mennesker vil misunne slike hendelser. Men poenget er et annet. For første gang var jeg på en forestilling som varte i 3 timer og for første gang ønsket jeg så inderlig at handlingen aldri skulle ta slutt. Det hele er en ekte estetisk orgasme, der hver minste ting utgjør et gigantisk mesterverkmonster.

START.

Varya Svetlova og Igor Sergeev kommer ut til publikum og advarer ærlig om at det vi er i ferd med å se er den første gjennomkjøringen og skuespillerne vil vises i karakter for første gang fra begynnelse til slutt, og ber om å ikke ta hensyn til ev. feil og deres meningsløse kamp med teknologien.
Skuespilleren går allerede foran publikum og klipper scenen med åttetallet. Jeg liker denne moten i moderne teater, når skuespillere opptrer på scenen lenge før den tredje klokken. Dette gjør hendelsene mer realistiske, til og med skremmende.
Historien som dannet grunnlaget for forestillingen er enkel, men samtidig utrolig kompleks i lineær handling. I 1977 ble William Milligan arrestert og siktet for voldtekt og tre ran. Billy hevdet selv at det ikke var han som gjorde alt, men menneskene som noen ganger handler på ham. Det er Regin - han er "keeperen av hat", det er Sean - en døvstum gutt som okkuperer bevisstheten når Billy blir ropt på, det er Alan - en tenåring som oftest kommuniserer med omverdenen. Mr. Milligan ble sendt til et mentalsykehus for å avvente rettssak. I løpet av denne tiden måtte en uavhengig psykiater bekrefte eller avkrefte at 24 personligheter bor i William Stanley Milligan.

SKUESPILLER ELLER GAL?

Nå om detaljene, som det er så søt overflod av i denne produksjonen. Midtpunktet i settet er ofte en dobbel dør. Karakterer vandrer gjennom det i drømmer, som det er 7 av i produksjonen og som avslører hemmeligheten til Billys personligheter, og viser dem i all sin prakt. Etter 2. pause, før siste akt, ble døren installert slik at tilskuerne selv passerer gjennom den og tar plass. Denne handlingen, enkel og genial, passer veldig godt til hele tredje akt.
Alt er viktig. Det være seg det skiftende utseendet til psykiateren spilt av Svetlana Savenkova: fra en usikker og vulgær jente i rød skinnjakke og røde sko, til en streng og forretningsmessig dame med høy frisyre under rettssaken til Milligans. Eller Milligans personligheter, som ikke kan gå inn på scenens lysende firkant, overdrive og understreke dette, få noe ut av det.

Jeg kan ikke la være å legge merke til visualiseringen. Lyseffekter, inskripsjoner, lyd, til og med et gjennomtenkt program for forestillingen. Visjoner og drømmer er realistiske, lysets spill skygger for utsikten og gjør bildet uklart. Samordnet arbeid er en fryd. Det er tydelig at dette er et team og alle er en uerstattelig del av helheten.

Skuespillere er makt. Nedsenkingen er så fullstendig at du kanskje går glipp av hvordan lemmene dine er nummen av å sitte stille. Forvandlingene er så raske og tungtveiende at det virker som om det ikke er 12 skuespillere, men mye mer. Vitaly Gudkov trengte for eksempel ikke engang å skifte klær - et tilsynelatende vanlig trekk - nei, han ble gjenkjent i Milligans personligheter, forble seg selv, og formidlet tydelige undertoner. Igor Grabuzov er som en duck to water: utmerket rollespill av far Milligan og Arthur Weiss. Fra en typisk amerikaner til en sofistikert engelskmann er en kløft som Igor bygger bro med ett lite skritt.

Jeg er sikker på at slutten vil overraske deg. Det er uventet, men det prikker hele jeg-en, og bekrefter endelig at et slikt teater har skapt et mesterverk. Og jeg er klar til å svare for bruken av denne definisjonen i sin helhet.

"PETERSBURG TEATERMAGASIN"

SPAR PRIVATE MILLIGAN

Et av teatervitenskapenes postulat, som lærere alltid og gjentatte ganger gir uttrykk for gjennom hele studietiden ved RGISI, sier: skriv tekster slik at selv en som ikke har sett forestillingen, etter å ha lest anmeldelsen, kan forstå hva den handler om, forestill deg hva som skjer på scenen, som de sier, førstehånds.
Slik sett er det lett å snakke om det nye samarbeidet mellom Igor Sergeev og Varya Svetlova, "Billy Milligan". Husker du Milos Formans film One Flew Over the Cuckoo's Nest basert på romanen med samme navn av Ken Kesey, hvor handlingen foregår på et mentalsykehus? Her er alt nøyaktig det samme, bare hovedpersonens navn er ikke Randle Patrick McMurphy, men Billy Milligan. Og han ble ikke plassert på klinikken for en undersøkelse, men for obligatorisk behandling: Billy har en sjelden form for schizofreni, diagnostisert med "flerpersonlighet." Alt annet er ærlig talt lånt fra Formans film fra 1975: den jernkledde daglige rutinen; tvungen gruppeterapi akkompagnert av rolig musikk; diktaturet til den eldre søsteren Eva Grundig (Maria Amelenkova), som aktivt ligner Mildred Ratched spilt av Louise Fletcher i utseende og oppførsel; motbydelig behandling av klinikkens pasienter av vaktene (her er det forresten et lite avvik hos direktørene fra M. Formans estetikk mot S. Kubricks estetikk: Tony Rusolli utført av Alexander Khudyakov - en til en Alex av Malcolm McDowell fra A Clockwork Orange - frekt smil, frekk , en litt lat gangart, hvite trange bukser og skjorte, svarte seler, en gummibatong i beltet).
Gruppen av pasienter som under en terapisesjon erklærer om ulike psykiske lidelser, dekomponerer også ganske til en gruppe pasienter: det er også den sjenerte Billy Bibbit og den stammende Charlie Cheswick. Det er bare "Leder" Bromden - han som kunne bryte gjennom muren, ikke asfaltere - klippe en vei til frihet. Det er ingen, fordi alle heltene er et produkt av Billys syke fantasi, oppfinnelse, fiksjon. Selv antrekket deres, det samme for alle, indikerer deres "slektskap" med hovedpersonen: en hvit T-skjorte med opprullede ermer, jeans og en svart caps - nok et nikk fra regissørene mot McMurphy - Nicholson.

Det er alt som kan sies om ytelsen helt klart. Forvirring og vakling følger. Handlingen, hvis varighet er oppgitt i programmet som "3 timer 30 minutter", varte i mer enn fire. Regissørene som tidligere hadde satt opp stykket "The Charlie Gordon Effect" basert på Daniel Keyes' roman "Flowers for Algernon" på scenen til Such Theatre, forlot denne gangen ideen om å bruke teksten hans - Keyes har ikke til og med ett, men to verk om denne psykiske lidelsen: "Milligan's Warriors" og "The Many Minds of Billy Milligan." De skapte sitt eget skuespill, som tilsynelatende kombinerte beskrivelser av kliniske manifestasjoner av personlighetsforstyrrelse, elementer av biografier og rettssaker i Milligan-saken, og kommentarer hentet fra Wikipedia. Det var for mye informasjonsstoff - etter en stund forstår du ikke lenger hva som skjer, hvor og med hvem. I tillegg bygde regissørene en veldig smart komposisjon - handlingen foregår i to rom: rommet til en drøm og rommet til et sykehus i Lima. Nærmere mot slutten får vi vite at vi står overfor en galningsmorder med tre voldtekter og to ran. Og før det - en kontinuerlig rettssak med mange personligheter som lever i bevisstheten og underbevisstheten til hovedpersonen. Her har du engelskmannen Arthur Smith (Igor Grabuzov), og jugoslaven Rejen Vadaskovinich (Mikhail Lozhkin), og den 18 år gamle svindleren Allen (Vitaly Gudkov), den døve gutten Sean (Nadezhda Moshkina) og til og med den aktive lesbiske Adalana (Yulia Grishaeva) - totalt flere Billys tjue alterpersonligheter. Til tross for den tilsynelatende klare inndelingen i bevissthet (klinikk) og underbevissthet (drømmer), migrerer heltene fra en verden til en annen. Forståelsesprosessen er også betydelig komplisert av det faktum at den samme skuespilleren spiller flere roller samtidig: Alexander Khudyakov som både Philip og Tony, Yulia Grishaeva som Adalana og Billys mor, Stanislav Belozerov som Samuel og Bobby. Tvert imot, rollen som Billy spilles av to artister: Dmitry Belysh er ansvarlig for drømmer, Vitaly Gudkov er ansvarlig for virkeligheten.

Og her er en merkelig situasjon vi har: det er to Billys, som det er sikkert kjent om at hver av dem er ingen ringere enn Billy; Det er et stort mørke av andre helter, som vi intuitivt gjetter om i den fjerde timen av handling: de er alle Milligans også, men hovedspørsmålet som plager det medisinske personalet er hvor er Billys sanne "jeg"? Uendelige samtaler i klinikken er viet denne undersøkelsen, alle drømmer handler om dette - om veien til seg selv, å få en helhetlig oppfatning. En hær av pseudo-personligheter er opptatt med å redde menig Milligan. Men Milligan ville nyse av alt dette. I et avgjørende øyeblikk, når et nesten Hamlet-lignende spørsmål dukker opp foran ham: å være på denne siden av livet, å våkne opp, å innse at han er ekte, det vil si samtidig en voldtektsmann som drepte tre jenter, og et offer for vold fra stefaren sin (Chalmer Milligan misbrukte en gutt i en alder av åtte), eller for alltid å forbli i en tilstand av splittelse, vandre fra en selv til en annen, forlater Billy stille. Finalen av forestillingen er åpen. Slutten på dokumentarhistorien er tydelig indikert: Milligan ble skrevet ut fra klinikken mentalt frisk, han levde til han var 59 år gammel og døde av kreft på et sykehjem. Fragmenter av Billys biografi vises i bildetekster i bakgrunnen under buen.

Forestillingen til Igor Sergeev og Varya Svetlova, til tross for alle de åpenbare tekniske mangler og semantisk overkill, er ganske fascinerende. Først av alt, takk til skuespillerne. Det er en fornøyelse å se kunstnernes transformasjon når de beveger seg fra ett bilde til et annet. Runddansen av ansikter, ansikter og masker hypnotiserer, og det spiller ingen rolle lenger hva meningen ligger bak og hvorfor. Hovedsaken er å våge å gå inn i denne labyrinten av underbevisstheten, gå gjennom den til slutten og overleve.

KUNSTMAGASINET "OM"

TEATERET INNE I BILLY MILLIGAN

22. juni 2016 fant den siste gjennomkjøringen sted, og 23. juni den første visningen av forestillingen til et slikt teater på Skorokhod-stedet. Premieren var utsolgt.

William Stanley Milligan, kjent som Billy Milligan, er den første personen i amerikansk historie som ikke er funnet skyldig i en forbrytelse på grunn av psykisk lidelse i form av multippel personlighetsforstyrrelse.
Saken om Billy Milligan, den første saken nøye studert og beskrevet i detalj i psykiatriens historie, ble raskt kjent for allmennheten takket være en høyprofilert rettssak som involverte flere ran og tre voldtekter, som et resultat av at tiltalte ble frikjent, noe som ikke kunne annet enn å innebære interessetilkendegivelse fra samfunn og kunstnere. Billy Milligans sanne livshistorie blir fortalt i Daniel Keyes' sakprosaromaner The Many Minds of Billy Milligan og Milligans Wars. I 2015 ble det kjent at Leonardo DiCaprio fikk rollen som Milligan i filmen "The Crowded Room" basert på manuset til Jason Smilovic. Parallelt, i 4 år i St. Petersburg, klekket regissørene Igor Sergeev og Varya Svetlova ut ideen om å lage et teaterstykke. Ideen tok ikke form umiddelbart og ble lagt til side for å "modnes". Det første som dukket opp var et skuespill basert på romanen til Daniel Keyes, «Flowers for Algernon», som hadde lignende betydning og ble debutverket til regissørene ved Such Theatre under navnet «The Charlie Gordon Effect».

Regissørene kom tilbake til ideen om stykket "Billy Milligan" for et år siden og har jobbet aktivt med det hele året. På bare noen få måneder samlet crowdfunding-prosjektet for forestillingen på Planeta.ru inn to tredjedeler av beløpet som trengs for å leie lokalet og teknisk utstyr, noe som nok en gang bekreftet både publikums interesse og seriøsiteten i deltakernes intensjoner. Nå kan vi se tilbake og diskutere hva dette komplekse prosjektet handler om.
Grunnlaget ble først og fremst hentet fra dokumentararbeidene til Daniel Keyes. "Det vil være trist for fansen av denne historien, fordi vi nå lager en helt uavhengig historie, som vil være ganske vanskelig å finne ut, det virket riktig for oss. Vi prøvde å fange litt luft, atmosfæren i denne boken. Fordi det er så komplekst og forteller om hele hans liv i 30 år og prøvde å bygge historien vår rundt den andre romanen, som nesten ingen har lest, den er kun på japansk og er oversatt til forskjellige språk, inkludert vi fant en oversettelse på russisk, sier regissørene i et intervju.

Faktisk var den totale varigheten av forestillingen 3 timer og 30 minutter med to pauser. De inneholder livene til karakterene fra det øyeblikket Billy kommer inn på veggene på en psykiatrisk klinikk i byen Lima, til scenen i rettssalen der dommen leses opp, i tillegg er det flere scener der «personligheter» møter hverandre , disse scenene kalles "Dreams" og gir seeren en ide om personlighetene til karakterene som bor i Milligans hode. Totalt er 12 skuespillere fra forskjellige teatre involvert i stykket, inkludert de som tidligere har jobbet med regissører i "The Charlie Gordon Effect": Maria Amelenkova, Dmitry Belysh, Alexey Boston, Igor Garbuzov, Yulia Grishaeva, Vladimir Kuznetsov, Mikhail Lozhkin , Lydia Markovskikh, Nadezhda Moshkina, Svetlana Savenkova, Alexey Fomin, Alexander Khudyakov. Alle var opptatt med prosjektet i et helt år, gjennomgikk opplæring og hadde med seg egne skisser på øving, så vi kan si at hver av dem ble medforfatter av forestillingen.
Det er få dekorasjoner på scenen: halogenlamper, et bord, stoler, et skap - de er alle bevegelige og flyttbare, og skaper fra bunnen av et gruppeterapirom, en straffecelle, en rettssal eller en setting i Milligans sinn. Scenene er atskilt fra hverandre med forskjellige effekter: trykt tekst projiseres på et mursteinsbakteppe, tekst brukes til intern dialog og for å kunngjøre bjeller og pauser. Takket være lyddesigner Dmitry Madera, fikk produksjonen ikke bare musikalsk akkompagnement, men også spesifikke lydeffekter. Det brukes også spesialfilmet opptak, og noen scener er fremhevet med geometriske projeksjoner. Alt dette gjør produksjonen teknisk kompleks og fullstendig fengslende seerens oppmerksomhet.

Historien til den sentrale karakteren er tydelig sporet fra begynnelse til slutt, seeren må bestemme selv, hvem er han, Billy Milligan? Kriminell eller syk person? Og lag en intern dom basert på det du så. Det er verdifullt at historiene til hver karakter på scenen er logisk fullført. I tillegg til hovedhistorien reiser stykket en rekke presserende spørsmål. For eksempel: "Å inneholde ondskap eller å tillate det i seg selv og ikke holde det tilbake?" – det er det regissørene fortsatt tenker på.

Forestillingen viste seg å være kompleks både psykologisk og teknisk, designet for en flittig, nysgjerrig, tenkende, intelligent seer. Han fikk stående applaus fra publikum både på øvelsen og på premieren. Vi ønsker forestillingen fulle hus og et langt liv for prosjektet.

"AFTEN PETERSBURG"

EN MANN UTEN EGENSKAPER

Ideen om at «vår tids helt» i teatret skulle være en integrert og forståelig person, med en skarpt definert vilje og intensjoner, ser ut til å være ugjenkallelig en saga blott. I de senere årene har kunsten blitt stadig mer interessert i mennesket i dets indre splittelse, «ragged montage».
Slik sett er det naturlig at teatret viste interesse for livet til Billy Milligan. Et skuespill om ham, iscenesatt av unge regissører Igor Sergeev og Varya Svetlova med unge St. Petersburg-artister, utvidet repertoaret til Such Theatre (stykket er satt opp på Skorokhod-stedet på Moskovsky Prospekt).

Amerikaneren Billy Milligan er kjent som den første personen som ble frikjent i retten på grunn av en diagnose med flere personlighet. På 1970-tallet forårsaket Milligan-rettssaken utbredt kontrovers. Den unge mannen ble anklaget for ran og voldtekt, men en av psykologene som jobbet med ham kom til den konklusjon at dette var en fenomenal sak: flere personligheter sameksisterte i Milligan (maksimalt antall identifiserte "personer" var 24). Dette er menn, kvinner og barn med forskjellige biografier, utseende og til og med IQ-nivåer; og her er det ikke den tiltaltes bevisste hykleri, men de ukontrollerte manifestasjonene av «indre mennesker», slik at han ikke kan stilles til ansvar for det han har gjort. Tiltalte ble frifunnet, men sendt til tvangsbehandling.

Det er skrevet romaner om Milligan, TV-programmer er filmet; I mange år forble filmprosjektet, som James Cameron skulle regissere, suspendert i luften. Ønsket om å fremstå på skjermen som den mest kjente "flerpersonligheten" ble uttrykt av Johnny Depp, Brad Pitt og Colin Farrell. De sier at en film er rett rundt hjørnet med Leonardo DiCaprio, som har ønsket å spille Milligan i 20 år.
Regissørene for forestillingen til Et slikt teater er også identifisert i programmet som forfatterne av stykket, som for øvrig ble skapt under prøvene. Scenehistorien begynner med Billy Milligans innleggelse på en maksimal sikkerhetsklinikk i Lima (Ohio). I programmet, og det er designet på en slik måte at når du åpner det, ser det ut til at du trenger inn i det indre rommet til en person, karakterene er delt inn i to kolonner: "Drømmer" og "Lima". Når handlingen foregår i virkeligheten, ser vi faktisk Billy (Dmitry Belysh), andre pasienter og medisinsk personell. Belysh spiller en mann som, sammenlignet med de andre innbyggerne på klinikken, ser falmet og lite iøynefallende ut. Denne tilsynelatende objektive virkeligheten, som stadig glipper bort, oversvømmes hele tiden av en annen virkelighet – en drømmevirkelighet. I denne ganske folkerike forestillingen spiller de fleste av skuespillerne to roller: i "Lime" - en av pasientene, i "Dreams" - en av Billys karakterer. For eksempel fremstår den svært uttrykksfulle Nadezhda Moshkina som både Sean, den døve gutten i Billy, og Richard, en pasient med samme "gutteaktige" oppførsel som Sean.

I «Lime» ser vi det urolige forholdet mellom tittelfiguren og pasientene på den ene siden og klinikkpersonalet på den andre; Billys forskjellige personligheter krangler med hverandre i drømmene hans. Og det viser seg at der, i Billys «indre rom», er han ekte – sover. En av «personene» sovnet ham. Hvordan vekke han? En ung klinikkspesialist, Dorothy Gage, spilt av Svetlana Savenkova, prøver å løse dette problemet. Sykehusledelsen tildelte bevisst denne karakteren, som til å begynne med ser ut til å være en steinet kjæledyrjente, til Billy slik at hun skulle konkludere om at han lot til å være psykisk syk i et forsøk på å unngå fengsel. Etter hvert som Dorothy blir kjent med menigheten sin, innser hun at dette ikke er tilfelle, og en sterk personlighet modnes i henne som ønsker å motstå «systemet».

"Systemet" er personifisert av Maria Amelenkova, senior ved klinikken, Eva Grundig. Utad er Grundig den helt rolige, selve velviljen, men i hovedsak - en slags utspekulert rev (skuespillerinnens luksuriøse røde hår var veldig nyttig for bildet), i stand til å veve intriger for å beholde makten. Akkurat som Schillers Elizabeth av "American District". Episodene der Billy Milligan konfronterer henne og slår seg sammen med andre pasienter, er selvfølgelig et kulturelt nikk til One Flew Over the Cuckoo's Nest.

I finalen kollapser to realiteter: det viser seg at det ikke var noen andre pasienter enn Billy. Grundig avslører denne sannheten for ham ved å slå på opptakeren. Etter lydopptaket å dømme var de eneste på klinikken det medisinske personalet og Billy, som snakket med forskjellige stemmer.
Stykket må tydeligvis fortsatt ta form, det er fortsatt internt delt, akkurat som hovedpersonen. "Arbeidsnerven" har ennå ikke helt dukket opp, takket være at spenningen ville opprettholdes gjennom den fire timer lange forestillingen. Det er synd at det mest interessante i denne historien - stupet i det ubevisste, møtet mellom en person med sitt irrasjonelle jeg - kommer til uttrykk gjennom litterære virkemidler, at det ennå ikke er funnet en rent teatralsk ekvivalent for dette. Likevel er det interessant og ærlig arbeid. Et bevis på dette er publikums konsentrerte oppmerksomhet.

Etter rettssaken ble han sendt til en psykiatrisk klinikk for behandling, hvorfra han kom frisk ti år senere. Skaperne av St. Petersburg-skuespillet var interessert i en veldig spesifikk periode av Billys liv, nemlig tiden med forundersøkelser i en psykiatrisk klinikk.

De fillete murveggene på "Fleet Walker"-scenen, halvmørket gir plass for sterilt sykehuslys under gruppeterapiøkter. Flere og flere nye ansikter dukker opp fra dypet av ubebodd plass: enten produkter fra Billy Milligans syke hjerne, eller ekte leger, sykepleiere, pasienter.
Grensene for det virkelige/uvirkelige er forvirret.
Ifølge legen levde tjuefire personligheter i hodet til William Stanley Milligan. Blant dem er den arrogante engelskmannen Allen med høyest IQ (Vitaly Gudkov), den brutale jugoslaven Reijen (Alexey Vdovin), den døvstumme sjakkgutten Sean, den sadistiske lesbiske Adalana (Yulia Grishaeva).
I heltens drømmer dukker hans undertrykte mor (Yulia Grishaeva), hans far (Alexander Khudyakov), som begikk selvmord foran barnets øyne, og den sadistiske stefaren som voldtok Billy i en alder av åtte (Igor Grabuzov) frem.
Drømmer har tall. Og din egen tomt. I drømmene sine prøver Billy å rømme fra et merkelig sted, for å gå gjennom døren forbi vakten, som hardnakket nekter å slippe ham gjennom.
Dmitry Belysh, som spiller Billy fra drømmer, er sirkuslignende plastikk: kroppen hans bøyer seg i alle vinkler, begynner å pulsere i takt med enhver rytme. Lett, fleksibel, vektløs, denne Billy ser ut til å sveve over bakken og ser ut til å være et produkt av en drøm. Eller et mareritt.

Den psykiatriske klinikken der den virkelige Billy, spilt av Vitaly Gudkov, gjennomgår sin forskning, ser ut til å være det samme produktet av et mareritt.
Klinikken hvor Billy ble plassert kom tydeligvis rett ut av Milos Formans kultfilm One Flew Over the Cuckoo's Nest.
Den rødhårede manageren, Eva Grundig, vakkert fremført av Maria Amelova, ser ut til å være søsteren til den sadistiske Doctor Ratched. Pasienter ved Lima-klinikken ligner også på sine skjermkolleger. Til slutt, øyeblikket da Billy begynner å kommentere en fiktiv kamp med forbudt rugby og involverer hele avdelingen i spillet hans, er et direkte sitat fra Foremans mesterverk.

Skaperne vever dokumentarbevis, fiksjon, direkte sitater og sine egne oppfinnelser inn i et bisarrt virvar av plott. De kan grovt deles inn i: Billy og hans familie, Billy og klinikken. Billy og Dorothy Cages søster, Svetlana Savenkova, tildelt ham for observasjon, ble hans venn og beskytter. Til slutt, Billy og hans "flere personligheter."
Plottfloken er intrikat vevd, ofte er trådene i fortellingen sammenfiltret til et punkt av usammenheng. Et par ganger i tredje akt fryser handlingen og begynner å stoppe opp.

Men presset av teatralsk energi fra alle deltakerne er så stort at det overvinner komposisjonens feil.
Unge skuespillere skifter ansikt, og glir fritt mellom det groteske og naturalismen. Alle føler seg som medskapere av forestillingen (det er ikke for ingenting at teksten ble testet og polert ikke bare under øvingene, men også i den allerede pågående forestillingen).
De leker så godt med hverandre, de kjenner stemningen og rytmen til partneren sin så godt. At du på et tidspunkt virkelig føler dem som ett.
Ifølge legenden innser fuglene som flyr ut på jakt etter fuglenes konge, Semurg, på slutten av reisen at alle sammen er Semurg.
I finalen diskuterer Billy Milligans personligheter omfanget av deres uavhengighet fra ham og hverandre. Den private historien om en schizofren avslører plutselig sin lignelse. Hvem kan trygt si at ukjente og skjulte personligheter ikke bor i ham? Eller at han selv ikke er en del av en hittil skjult og ukjent helhet?
Den virkelige Billy Milligan døde av kreft etter å ha levd til en høy alder. Men er det mulig å si med sikkerhet at alle hans tjuefire personligheter døde sammen med ham?
"Billy Milligan" er en fullstendig og vellykket fordypning i verdenene til en person som lider av sykdommen "multippel personlighetsforstyrrelse." Det er fortsatt mange mennesker som lever i hodet hans som snakker og gjør for Billy, og han kan ikke kontrollere det. Og husker til og med senere hva de gjorde.
Denne sykdommen er så sjelden at det i lang tid ble stilt spørsmål ved selve muligheten for dens eksistens. Så beviste de at splittet personlighet oppstår etter alvorlige psykiske traumer, oftest vold i barndommen, når offeret prøver å forsvare seg og forestille seg at alt dette ikke skjedde med henne.
Den mest kjente personen i psykiatriens historie med denne diagnosen var amerikaneren William Stanley Milligan. På slutten av 70-tallet ble han anklaget for ran, kidnapping og voldtekt. Men advokater sa at hans alternative personligheter (totalt 24) begikk forbrytelsen, uten Milligans viten. Som et resultat ble Billy den første personen som ble funnet uskyldig av en amerikansk domstol basert på en diagnose av multippel personlighetsforstyrrelse.
Dette er i virkeligheten, men i stykket - leger tror ikke på pasienten. De er overbevist om at han later som mange andre kriminelle og prøver å unngå straff på denne måten. Spill eller sannhet, simulering eller sykdom, tilregnelig eller ikke? Leger leter etter svar på disse spørsmålene. Resultatet av historien vil avhenge av dem - helten vil bli sendt til den elektriske stolen eller til et psykiatrisk sykehus.
Samtidig utspiller konfrontasjonen seg i Billy selv. En religiøs jøde, en aggressiv jente, en baseballfan, en døvstum sjakkgutt, en begavet engelskmann... Billys mange personligheter er fiendtlige mot ham og ønsker å dominere tankene hans.

Hvor er Billy selv? Hvor gjemte han seg? Eller var det skjult? "Du må slutte å tenke at du vil ut herfra hvis du vil ut herfra." Å forene alle aspektene hans er enda vanskeligere enn å løse en Rubiks kube (helten gjør dette på scenen). Og ønsker Billy selv å bli funnet...
Temaet merkelige sykdommer er ikke nytt for dette teatret. Forrige gang ble de fascinert av skjebnen til en karakter i Daniel Keyes bok Flowers for Algernon. Charlie Gordon er en utviklingshemmet mann som gikk med på å gjennomgå et medisinsk eksperiment. Operasjonen, designet for å øke hans IQ, gjorde ham smartere enn mange, men ikke lykkeligere. En mest interessant tolkning av denne historien kan sees i stykket "The Charlie Gordon Effect."

Denne typen teater er ikke redd for komplekse temaer og leter ikke etter enkle måter: hvis teamet på den tiden tok boken av Daniel Keyes som grunnlag, skapte de nå stykket selv, selv om Keyes også har en bok om Billy Milligan . Men grunnlaget var de virkelige fakta om biografien til William Stanley Milligan, og da det mest interessante.

I vanlige repertoarteatre kommer tilblivelsen av en forestilling som regel fra teksten (analyse, rollefordeling osv.), men her kom verket fra mennesker. Tross alt er ikke teamet til et slikt teater en etablert tropp, de er skuespillere fra forskjellige teatre som kommer sammen for interessante prosjekter. Derfor begynte repetisjonene til «Billy Milligan», som startet sommeren 2015, med opplæring i tillit og åpenhet.
Så begynte skuespillerne å ta med skisser til repetisjoner om emner som var viktige for dem og ikke nødvendigvis relatert til Billys personlighet. Resultatet av denne kollektive kreativiteten var deres eget, veldig personlige spill. Musikken i stykket er også unik: den ble skrevet spesielt for produksjonen av medlemmer av gruppen "The Hox". De gikk foran showet på Skorokhod med sin opptreden.

Som et resultat av dette 100% eksperimentet skapte skuespillere og regissører (Varya Svetlova, Igor Sergeev) sin egen kunstneriske virkelighet, der alle former for Billy Milligan organisk sameksisterer ikke bare i hodet hans, men også på scenen. Dette er et detaljert lerret, og hver minste detalj betyr noe.
Teksten kan løpe over gulvet, karakterene på veggen blir hovedpersonen, og det visuelle – den rene personlighetens oppløsning – virker, som det skal, deprimerende. Forestillingen viste seg å være ekstremt konsentrert, rik på karakterer, hendelser og hentydninger (inkludert til Bibelen). Du vil ikke kunne hvile mens du ser på, du trenger å være fullstendig koblet til øyeblikket. Det er levert av førsteklasses skuespill.

Alexander Khudyakov, som briljant legemliggjorde den forsvarsløse og rørende Charlie Gordon i en annen teaterforestilling, dukker her opp i en helt annen rolle – en jock-sikkerhetsvakt. Tony Rusolli demper pasienter med en kjepp, og på fritiden underholder han seg selv med psykisk vold mot dem. Og i denne rollen er han ikke mindre overbevisende.
Den uforlignelige Igor Grabuzov, som er spesielt god på psykisk syke og tyranner, spilte motsatte karakterer (pasient, lege og Charlies far) med like stor suksess i «The Charlie Gordon Effect». I «Billy Milligan» har han også tre roller på en gang: en pasient med psykiske lidelser (Murray), en tyrann stefar (Chalmer Milligan) og den mektigste inkarnasjonen av Billy – engelskmenn med høyt IQ-nivå (Arthur Weiss). I hver av rollene ser skuespilleren like organisk ut.
Den unge (selv etter standardene til det unge Such Theatre) skuespillerinnen Maria Amelenkova spilte ypperlig tispesykepleieren med et morderesmil på leppene (frøken Grundig). Dmitry Belysh er faktisk Billy selv, som leter etter en vei ut til overflaten i endeløse drømmer. Den forbløffer med sin plastisitet og utenomjordiskhet. Vitaly Gudkov er den mest omgjengelige og sprudlende av Billys (Allen) inkarnasjoner. Den gjennomtrengende Yulia Grishaeva, som ikke kan glemmes etter «The Charlie Gordon Effect», spiller både Billys skremte mor og en aktiv lesbisk (Adalana). Den distraherte, men sexy Svetlana Savenkova er den eneste karakteren som prøver å hjelpe Billy (Dorothy Gage).

Fenomenet med et slikt teater: det er ingen skuespillere i det som ville spille bedre eller verre. Alle er så passende og naturlige at det som kjennetegner forestillingene ikke er kvaliteten, men kanskje rollens størrelse. Det er umulig å skille ut bare én. Tilsynelatende gjorde skuespillerne et slikt inntrykk på hele publikum: applausen stoppet ikke lenge, de ble bedt om en ekstranummer tre ganger.
Til tross for den dristige 4-timers spilletiden (forestillingen har to pauser), flyr den av gårde umiddelbart, det er ingen tretthet av å se og det er ingen tid til å kjede seg med handlingen. Noen tilskuere dro imidlertid etter andre akt. Og andre hvisket: "Hvorfor liker de grusomhet så mye?"

Ja, pasienter blir slått, mobbet, injisert med destruktive stoffer, og i stedet for å gjøre drømmene til virkelighet, kan de få den elektriske stolen her. Men av en eller annen grunn etterlater ikke alt dette et deprimerende inntrykk. Det er både godt og dårlig i livet - dette er essensen av universet. Dette vil forresten også bli diskutert i stykket.
Slik er det i hver enkelt av oss: ikke bare den lyse siden, men også den mørke siden, i ett eller annet forhold. Derfor ser all denne splittelsen av personlighet ut som en metafor for bevisstheten til vanlige mennesker. Men det er også sosiale roller: mødre, koner, sjefer, kjærester og så videre. Og alle disse inkarnasjonene er veldig forskjellige fra hverandre...

Til slutt vil jeg sitere regissørene av stykket: «Lurer på hvem jeg er, hva er jeg, hvorfor er jeg, hvorfor, hvem er personen ved siden av meg, hvem er du, hvem er han, hvem er hun Og så det på et tidspunkt stopper du kanskje opp og så på den andre personens situasjon, hans handlinger, fra den andre siden, og jeg innså at alt ikke er så klart som det ser ut ved første øyekast.»

« Frøken Julie«- et skuespill om motsetningene mellom en mann og en kvinne, mellom ulike lag i samfunnet. Freken, som en rik ung jente, ble forelsket i en vanlige. Den unge mannen jobber i huset deres og tjener faren hennes. Deres forening gir opphav til mange motsetninger blant publikum. Og det ser ut til at hele verden har vendt seg mot jenta og kjæresten hennes. På bakgrunn av alt som skjer rundt dem, har det unge paret konstant konflikter. Hver neste tvist indikerer forskjellen i deres sosiale status, noe som faktisk er grunnen til at de har forskjellige syn på livet. Seeren vil finne ut om ungdommene vil klare å holde sammen ved å se forestillingen til slutt.

Stykket av dramatiker August Strindberg ble grunnlaget for produksjonen av Frøken Julie på Vakhtangov-teatret. Og den viser ikke bare den sosiale konflikten i samfunnet, men også konflikten mellom en mann og en kvinne, som ser annerledes på verden, som føler, elsker og opplever annerledes. Til tross for den komplekse semantiske belastningen, er handlingen i produksjonen interessant. Han trekker seeren inn i hver eneste handling på scenen. Strindbergs stykke ble filmet og ble satt opp mange ganger på kino over hele verden. Så russiske seere tilbys en unik mulighet til å se produksjonen på Vakhtangov Theatre, alt de trenger å gjøre er å kjøpe billetter.

Premiere!

Ung til ung!

Premieren på stykket på scenen til det første studioet til Vakhtangov-teatret er planlagt til 28. oktober 2016.

En utdannet ved Rimas Tuminas-verkstedet, Gulnaz Balpeisova, forbereder seg på å gi ut et skuespill basert på August Strindbergs skuespill «Frès Julie». Forfatteren av scenedesign og kostymedesigner er E. Shikulya.

Deltar i prøvene: Polina Kuzminskaya, Natalya Vinokurova, Pavel Popov, Vladimir Shuliev.

Gulnaz Balpeisova ble født 23. juli 1989 i landsbyen Shyngyrlau (Vest-Kasakhstan-regionen, Republikken Kasakhstan).

I 2016 ble hun uteksaminert fra Boris Shchukin Theatre School (skuespill- og regikurs ved N.I. Dvorzhetskaya og R.V. Tuminas).

Som assistent-praktikant for regissør Rimas Tuminas, deltok hun i produksjoner av følgende skuespill: "Eugene Onegin" (scener fra romanen av A.S. Pushkin), "Smil til oss, Herre" basert på romanene til G. Kanovich, «Minetti» av T. Bernhard.

Siden 2015, som skuespiller og assistent for regissør Yuri Butusov, har hun deltatt i stykket "Running" av M.A. Bulgakov.

I 2016 deltok hun i produksjonen av stykket «The Imaginary Invalid» av J.B. Molière som assistent for den fremragende europeiske regissøren Silvio Purcarete.

Hennes første uavhengige verk - stykket "I Paris" basert på historiene til Ivan Bunin som en del av prosjektet "Performances of the Rimas Tuminas Workshop" i januar, mars og mai 2016 ble presentert på den nye scenen til Vakhtangov-teatret. Forestillingen var alltid utsolgt.

På tampen av forestillingen bestemte jeg meg for å få en generell idé om hva stykket handlet om. Og nesten alle kilder på Internett begynte med ordene: "Et skuespill av en av de mest skandaløse dramatikerne i sin tid" eller "utgiveren Bonier kalte dette stykket for dristig og for naturalistisk."
Dramaet «Fröken Julie» ble skrevet i 1888 i Danmark, der Strindberg hadde vært siden 1887, og forsøkte å finne sitt eget «eksperimentelle» teater som ville tillate ham å bryte med teatralsk rutine. I følge internettkilder betraktet samtidige dette stykket som naturalistisk fordi det berørte den intime, fysiologiske siden av forholdet mellom en mann og en kvinne.
Det er bare tre aktive karakterer: grevens datter, Frequin Julie, grevens fotmann, Jean, og Jeans forlovede, kokken Christina.
Frøken Julie, som er alene igjen den kvelden Ivan badet i et hus med tjenere, finner seg selv forført av farens vaktmann, Jean, eller forfører farens vaktmann, Jean (spørsmålet er tvetydig både i stykket og i forestillingen), og så, ute av stand til å motstå skammen, går seg vill i kjønnsforvirring og spørsmål om klasseulikhet, begår selvmord.
I stykket tok ikke Julie seg selv ihjel, men Jean hjalp henne med dette, og etter å ha kuttet halsen på seg selv, fulgte han etter sin elskerinne.
Forfatteren av stykket kalte selv frøken Julie en "halvkvinne", en ekkel, kortvarig art som vil ødelegge mye blod før det degenererer.
De tilsynelatende årsakene til Julies ekstravaganse: upassende oppdragelse pålagt datteren av hennes feministiske mor ("Av henne lærte jeg mistillit og hat mot menn, fordi hun, som du vet, hatet dem - og jeg sverget til henne å aldri være slave av en mann"), klasseulikhet, barndommens ødeleggelser. Resultatet er at jenta har vokst opp, men ikke kan bygge sunne relasjoner ("halvkvinne")
Strindberg var helt klart en visjonær: Etter 130 år degenererte ikke denne arten bare, men okkuperte det dominerende habitatet med en viss transformasjon fra «halvparten kvinner» til «halvparten menn».
Lackey Jean er heller ikke så enkel: han snakker om sin rørende kjærlighet til Julie fra barndommen, selv med et mislykket forsøk på å begå selvmord, og etter at jenta begynner å stole på ham og tilbringer natten med ham, viser det seg at ingenting egentlig skjedde Faktisk skjedde det aldri, og Jean fant på det hele.
De viktigste motivene i hovedpersonenes skjebner er Julies fall og Jeans fremvekst, som er mest åpenbart i unge menneskers besettende drømmer. En av dem faller ned hele livet i søvne, men holder fast i noe for ikke å falle i bakken, den andre klatrer opp i en koffert og kan ikke reise seg.
Den smarteste og mest selvbesittende av alle tre er kokken Christina på grunn av sin sjels enkelhet, hun drømmer ikke og kjenner tydelig til livets grunnleggende verdier. Da hun så grevinnens affære med sin forlovede, vendte hun seg ikke bort fra den sanne veien, og blandet seg ikke inn i parets synd. Hun er kanskje primitiv, men du kan umiddelbart føle den moralske kjernen i en enkel landsbyjente.

I kunngjøringen definerte skaperne av stykket sjangeren som tragisk farse, en veldig korrekt definisjon, etter min mening. Det er en klar følelse av ironi i stykket. Hovedpersonenes lidelser vil mest sannsynlig virke som en farse for en moderne seer.
Det som tidligere var for nyskapende og skandaløst er nå for vanlig, og etter min mening er det akkurat slik skuespillerne og regissøren ønsket å presentere stykket. Det er nok verdt å tenke på hverdagen. Fra å se på at du ikke føler tragedie, følelsesmessig eksplosjon, utrolig medfølelse; snarere er det en følelse av tvetydighet i alt som skjer: hvem av dem er et offer, som er en forræder, er det virkelig verdt å komplisere alt så mye, hvorfor alt dette aristokratiet, og er det virkelig så ille å leve det enkle filisterliv som kokk med alle de borgerlige grunnlagene i hodet.
Det jeg likte spesielt med denne produksjonen av stykket: symbiosen mellom moderne dans og tekst. Moderne dans er ikke alltid lett å forstå og oppfatte, men her er den en integrert del av forestillingen og har et plot. Det er takket være dansen at rytmen gis til hele produksjonen. Unge skuespillere eksisterer organisk i karakterene sine, forstår utmerket godt hva de spiller, og gjør det bra. Og som alltid er et integrert "triks" av forestillingene til et slikt teater på Skorokhod-scenen nøye utvalgt belysning, høykvalitetslyd og mange ikke-standard tekniske løsninger. Jeg vil ikke si hvilke, du kan se selv, men jeg vil si at alt sammen gir produksjonen fullstendighet og estetikk.

OPPMERKSOMHET! Frist for bestilling av billetter til alle forestillinger av teatret. Vakhtangov er 30 minutter!

August Strindberg

Scenesjef - Gulnaz Balpeisova
Produksjonsdesigner - Elizaveta Shikulya
Lydtekniker - Andrey Gerasimov

En utdannet ved Rimas Tuminas-verkstedet, Gulnaz Balpeisova, produserte et skuespill basert på August Strindbergs skuespill «Freken Julie».

På et tidspunkt ble stykket utestengt for publisering på grunn av dets sensitive emne og åpenlyst erotikk. Regissør Gulnaz Balpeisova og unge artister fra Teatrets første studio. Evgenia Vakhtangov, som forblir tro mot Strindbergs ånd, tilbyr sin tolkning av stykket.

Den unge grevinnen frøken Julie blir stående hjemme alene på midtsommeraften. Hun tilbringer denne natten sammen med mennesker som, det ser ut til, ingenting kan forbinde henne med - med tjenerne hennes: fotmannen Jean og kokken Christina. Alle av dem vil aldri kunne forstå hverandre, for mange ting skiller dem: status; oppdragelse; intelligens; tro; blod, tross alt. Men noen mystiske krefter tiltrekker dem og tvinger dem til å holde sammen på denne festlige natten. Og avgjørelsen blir fatal for dem.

Den unge regissøren leser stykket på sin egen måte. Hun understreker at konfliktens natur ikke ligger i den sosiale strukturen i noe samfunn, men på det eksistensielle planet, i selve den mannlige-kvinnelige opposisjonens natur. Det er ikke lenger en grevinne, en Footman eller en kokk på scenen, men det er to helt forskjellige kvinner og en mann. Denne mannen vil prøve å bygge en dialog med hver av dem, vil tilpasse seg, prøve å forstå begge deler. Og disse kvinnene er så forskjellige at det blir veldig vanskelig for Jean. Det som er akseptabelt for en er umulig for en annen; Det den ene verdsetter og respekterer, eksisterer ikke for den andre. Men likevel har de noe til felles: de er begge kvinner.

Betrakteren vil få muligheten til å forholde seg til karakterene på scenen og svare på dype, ubeleilige spørsmål i hverdagen: hva er egentlig viktig for meg i forbindelse med en mann/kvinne, kanskje jeg bare innser egoet mitt eller jeg er i dialog med partner er det Er det rom for personlige valg eller er alt bestemt for oss for lenge siden?

Karakterer og utøvere:

Frøken Julie - Polina Kuzminskaya
Christina - Yana Sobolevskaya
Jean - Pavel Popov / Vladimir Shuliev

Forestillingen ble laget med støtte fra Moskva-kulturdepartementet
Ung til ung!
Premieren på forestillingen på scenen til det første studioet til Vakhtangov-teatret er 28. oktober 2016.

Varighet:2 timer 20 minutter (med en pause)

Foto og video

Om forestillingen

National Theatre Live Project
Royal National Theatre produksjon

Strindbergs Frøken Julia er et av de stykkene som aldri vil forlate verdensscenen. Alle styrkene til moderne teater samles i dette kammermesterverket av hensynsløs skandinavisk naturalisme. Tiden og stedet for handlingen til stykket og rollebesetningen er ekstremt kompakt: alt skjer i løpet av en sommernatt på kjøkkenet til en edel eiendom med tre karakterer - mesterens datter, betjenten og kokken. Den psykologiske autentisiteten til det sentrale kvinnelige bildet er slående selv i dag; Dette er en klassiker av modernistisk dramaturgi av den "nye kvinnen" og en av de deiligste rollene for enhver dramatisk skuespillerinne.

Til slutt, i det sammenfiltrede virvar av forhold mellom frøken Julia (også kjent som frøken Julie eller, som i dette stykket, bare Julie) og tjener Jan, er det alt - sex, tvetydige maktspill, å overvinne komplekser og realisere tenåringsdrømmer, det eksistensielle dramaet av tilværelsens tomhet, intriger fremgang på den sosiale rangstigen. Følgelig kan denne floken løses fra enhver ende: sosioøkonomisk, psykoanalytisk, konvensjonelt teatralsk. Vidunderbarnet til det moderne britiske dramaet Polly Stanham og den unge, men allerede veldig kjente Carrie Cracknell, valgte den første veien og overførte handlingen til stykket til det moderne London. Strindbergs heltinne i deres versjon blir en oppløst ung dame fra det høye samfunnet, betjenten Jan blir migrantsjåfør, og kokken Christina blir brasiliansk hushjelp.

Etter å ha oppdatert og forkortet stykket betraktelig (enakters produksjon varer bare 85 minutter), bekreftet skaperne av stykket den unike tilpasningsevnen til Strindbergs mesterverk til enhver stil. Og ikke bare teatralsk: I løpet av de siste to tiårene har publikum allerede sett to filmatiseringer (av Mike Figgis og Liv Ullman), en opera av Philippe Busmans og minst tre radikale flyttinger av "Julia" - til Nord-Irland på 1800-tallet (i en tilpasning av Frank McGuinness for Peter Hall Company), moderne Russland (versjon av Mikhail Durnenkov for Theatre of Nations) og moderne Sør-Afrika (produksjon av Yael Farber for Edinburgh-festivalen).

Som alltid i produksjoner av Miss Julia ble forestillingen en fordelsforestilling for den unge teaterstjernen. Denne gangen var hun 31 år gamle Vanessa Kirby, som gjengangere på TheatreHD husker godt for rollen som Stella i A Streetcar Named Desire av Benedict Andrews.

Gjennomgå

"Freken Broken"

Reduksjonisme, konsisitet, design er de tre pilarene i moderne teater, som arbeidet til mange av dets ledende spillere er basert på, fra Robert Wilson til Ivo van Hove. I sin tolkning av Strindbergs skuespill Miss Julia, forblir 38 år gamle Carrie Cracknell andektig trofast mot den «hellige treenigheten».

En moderne forestilling må renses for teatertradisjonenes arkaiske skall; å være en høykaloridestillasjon av det dramatiske hovedsaken, en collage av kun de mest livsdannende gestene i det tolkede stykket. Det moderne showet bryr seg ikke om overskuddet av buffeer med en kopp kaffe for 250 rubler og smørbrød for 400; dens varighet bør ikke overstige den gjennomsnittlige spilletid for en film, fortrinnsvis uten pause. En moderne forestilling skal være en feiring av design; dens scenografi skal vekke assosiasjoner til interiøret og gjenstandene til moderne kunstgallerier.

En lærebokentusiast av et slikt moderne teater er den belgiske og snart feirede Ivo van Hove, hvis tre forestillinger ble satt opp som en del av TheatreHD-prosjektet. Hans to år gamle Hedda Gabler, satt opp på samme scene på Nationalen, fungerte tydeligvis som et ledelys for Carrie Cracknell – akkurat som stykkene til hans eldre samtidige Ibsen var ledelys for Strindberg selv. I deres søken etter å "rekvirere et kvinnefiendtlig skuespill og overlate det til den moderne kvinnen," tar Cracknell, sammen med sin medforfatter, dramatikeren Polly Stanham, på noen måter trendene som interesserer oss til det ekstreme. La oss starte med det faktum at deres «Julie» tar omtrent en time og tjue, og minner dermed om dirigenten til Richard Strauss, som klarte å løpe gjennom Beethovens niende symfoni på 45 minutter i stedet for standardtimen og femten.

Cracknell gjør de beryktede Stirenbergske spillene om sex, makt, selvavsløring, sosiale heiser og kvinnelige nevroser til en spesiell sak i tverrsnittet av den sosiale pyramiden i det moderne London. For Stanham ( som forresten for flere år siden gikk med på å skrive manuset til Refns "The Neon Demon", ifølge henne, bare for å "overvinne hennes manglende evne til å skape kvinnelige karakterer") den primære intrigen til "Mistesse Julia" er forholdet mellom to tjenere - den afrikanske sjåføren Jan og den brasilianske kokken Christina - som er gjenstand for misalliansetesting av eierens datter Julie, som er lei av ensomhet.

Ian, som drømmer om å reise til Kapp Verde og åpne sin egen restaurant der, og alenemoren Christina, hvis munn Stanham legger nesten nymarcistiske monologer i munnen, interesserer dramatikeren og regissøren nesten mer enn tittelfiguren til produksjonen. I deres forståelse er det de – de økonomisk sårede tannhjulene i et lagdelt samfunn, som drømmer om en klasseløs, «ren» tilværelse – som er de sanne heltene i moderne teater.

Og frøken Julie er et slags fantom som de har arvet fra nettopp den teatertradisjonen. Denne fantomismen til Julie, den abstrakte banaliteten i problemene hennes, alle disse gråtende berusede bablingene til en hånende jente-major understrekes av scenedesignet til forestillingen.

Stuen i huset, der den dekadente off-screen-festen finner sted - og hvorfra en grotesk beruset mimanse med jevne mellomrom dukker opp i forgrunnen - er ikke annet enn et periodisk animert bakteppe for den eneste plasseringen av stykket, et romslig kjøkken med et stort bord og to inn- og utganger. Sexscenen mellom Julie og Ian, som antydes i det originale stykket, løses på en ritualistisk og koreografisk måte – også her nektes heltinnen individualitet. Og til og med Julies selvmord, på samme måte bare antydet av Strindberg, men her trukket frem, viser seg å være på en eller annen måte upåfallende stille og et tilsynelatende ubetydelig element i det totale dramaet. Denne særegne ideologiske marginaliseringen av tittelfiguren påvirket imidlertid ikke i det minste hennes "skjermtid" eller statusen til rollen skrevet for unge primadonnaer.

Vanessa Kirby - sannsynligvis den mest bemerkelsesverdige britiske skuespillerinnen i den tretti år gamle generasjonen, som foran våre øyne gjør, etter sin eldre venn Claire Foy, en imponerende karriere ikke bare på scenen, men også innen film og TV - bringer karakteren hennes til livet, all hennes skjørhet og promiskuitet, alle hennes høysamfunns krumspring og hopp, med selvtilliten til en teatralsk superstjerne, som hun allerede definitivt er etter denne forestillingen. "Å torturere deg selv er en luksus," sier Christina i en scene, og denne luksusen av kvinnelig psykologisk masochisme, gitt av de store skandinaviske modernisatorene av drama til deres heltinner, fortsetter å fylle moderne teatre.

Men dagens teaterskapere, kvinnelige dramatikere og kvinnelige regissører, vet prisen på denne luksusen.