ศิลปินยังคงมีชีวิตอยู่ด้วยดอกไม้ สิ่งมีชีวิตที่ดีที่สุด

I. Mashkov "ยังคงมีชีวิต" (1930)

คำว่า "ชีวิต" ภาษาฝรั่งเศสแปลว่า "ธรรมชาติที่ตายแล้ว" (fr. ธรรมชาติมรณะ)

เกี่ยวกับ สติล ไลฟ์

ทุกสิ่งที่ไม่มีชีวิตอีกต่อไป, หายใจ, ที่ถูกฉีกขาด, ตัดออก แต่ยังคงทำให้คนพอใจกับการดำรงอยู่ - ทั้งหมดนี้เป็นเรื่องของชีวิตนิ่ง

ในฐานะที่เป็นประเภทจิตรกรรมอิสระ ชีวิตเริ่มมีอยู่ในศตวรรษที่ 17 ในผลงานของศิลปินชาวดัตช์และเฟลมิช และก่อนหน้านี้เป็นเพียงเครื่องประดับและทำหน้าที่เป็นประโยชน์

สิ่งมีชีวิตในยุคแรกมักมีอุปมานิทัศน์ซ่อนอยู่ (อุปมานิทัศน์) ซึ่งแสดงออกผ่านสิ่งของในชีวิตประจำวันที่ประกอบด้วย ความหมายเชิงสัญลักษณ์. บางครั้งมีภาพกะโหลกศีรษะอยู่ในสิ่งมีชีวิตซึ่งควรจะเตือนถึงความไม่ยั่งยืนของชีวิตและความตายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้

สิ่งมีชีวิตเชิงเปรียบเทียบเรียกว่า Vanitas (ลาดพร้าว vanitas lit.: "โต๊ะเครื่องแป้ง, โต๊ะเครื่องแป้ง") ศูนย์กลางการเรียบเรียงของมันคือกะโหลกศีรษะมนุษย์

Bartholomeus Brain the Elder (ครึ่งศตวรรษที่ 16) Vanitas

“อนิจจังอนิจจัง” ปัญญาจารย์กล่าว “อนิจจังของอนิจจัง ล้วนอนิจจัง!”

วิลเลม เคลสซ์ เฮด้า. Vanitas

กะโหลกเป็นสัญลักษณ์ของความอ่อนแอ ชีวิตมนุษย์. ท่อสูบบุหรี่เป็นสัญลักษณ์ของความสุขทางโลกที่หายวับไปและเข้าใจยาก แก้วเป็นสัญลักษณ์ของความเปราะบางของชีวิต กุญแจสำคัญคือพลังของแม่บ้านในการจัดการสินค้าคงคลัง มีดเตือนถึงความอ่อนแอของบุคคลและการตายของเขา กระดาษแผ่นหนึ่งมักมีคำพูดที่มีศีลธรรม (มักมองโลกในแง่ร้าย) ว่า ตัวอย่างเช่น:

Hodie mihi cras tibi - วันนี้สำหรับฉัน พรุ่งนี้สำหรับคุณ

ความทรงจำ โมริ - ของที่ระลึกโมริ;

Aeterne pungit cito volat et occidit - สง่าราศีของการกระทำที่กล้าหาญจะหายไปในลักษณะเดียวกับความฝัน

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum - ทุกอย่างถูกทำลายด้วยความตาย, ความตาย - ชายแดนสุดท้ายทุกสิ่ง;

ไม่มี omne - ทุกอย่างไม่มีอะไร

แต่บ่อยครั้งมากขึ้นในชีวิตที่ยังคงรู้สึกชื่นชมวัตถุของศิลปิน: เครื่องครัว, ดอกไม้, ผลไม้, ของใช้ในครัวเรือน - ลูกค้าซื้อภาพวาดดังกล่าวเพื่อตกแต่งภายในบ้าน

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ XVII ยังมีชีวิตอยู่ในภาพวาดดัตช์ที่ได้รับ ใช้กันอย่างแพร่หลายเป็นประเภทอิสระอยู่แล้ว และหนึ่งในครั้งแรกคือภาพนิ่งของดอกไม้โดยเฉพาะในผลงานของ Ambrosius Bosschaert the Elder และ Balthasar van der Ast จากนั้นจึงพัฒนาต่อในภาพนิ่งที่หรูหราของ Jan Davidsz de Heem ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 . ภาพนิ่งดอกไม้ยังได้รับความนิยมในหมู่ศิลปินในยุคของเรา

หัวข้อของสิ่งมีชีวิตยังคงกว้างขวาง: สิ่งเหล่านี้คือสิ่งมีชีวิตของดอกไม้ที่กล่าวถึงแล้ว รูปภาพของอาหารเช้า โต๊ะเสิร์ฟ ภาพนิ่งของนักวิทยาศาสตร์ ซึ่งแสดงหนังสือและวัตถุอื่น ๆ ของกิจกรรมของมนุษย์ เครื่องดนตรีและอื่น ๆ.

พิจารณาภาพนิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดบางส่วน

Willem Claesz Heda (1594-1682) "ยังมีชีวิตอยู่กับแฮมและเครื่องเงิน" (1649)

Willem Claesz Heda "ยังมีชีวิตอยู่กับแฮมและเครื่องเงิน" (1649)

ในภาพนี้ ทักษะอัจฉริยะของศิลปินในการถ่ายโอนสิ่งของในครัวเรือนธรรมดาๆ ในชีวิตประจำวันนั้นสามารถสังเกตเห็นได้ชัดเจน Kheda พรรณนาพวกเขาในลักษณะที่เห็นได้ชัดว่าเขาชื่นชมพวกเขา: ความรู้สึกที่จับต้องได้ของวัตถุแต่ละชิ้นถูกสร้างขึ้น

บนโต๊ะเล็กๆ ที่ปูด้วยผ้าปูโต๊ะหนาๆ เราเห็นมะนาวและชื่นชมความนุ่มของสีเหลืองอำพัน กลิ่นแฮมสด ๆ และได้ยินเสียงกริ่งของเงินเป็นประกาย อาหารเช้าหมดแล้ว สิ่งของบนโต๊ะจึงผิดธรรมชาติ

เครื่องเงิน หมายถึง ความมั่งคั่งทางโลก แฮม - ความสุขทางกามารมณ์ มะนาว - ความงามภายนอกภายในซึ่งมีความขมขื่น ภาพสะท้อนถึงความจำเป็นในการดูแลร่างกายไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงจิตวิญญาณด้วย

ภาพนิ่งได้รับการออกแบบในโทนสีน้ำตาลเทาเดียว ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของภาพวาดชาวดัตช์ทั้งหมดในสมัยนั้น ผืนผ้าใบไม่เพียงแต่สวยงามเท่านั้น แต่ยังบอกถึง "ชีวิตที่เงียบสงบ" ที่ซ่อนเร้นของสิ่งของต่างๆ ที่มองเห็นได้ด้วยสายตาที่เอาใจใส่ของศิลปิน

ชีวิตยังคงอยู่ในพิพิธภัณฑ์แห่งรัฐ ศิลปกรรมพวกเขา. A. S. Pushkin ในมอสโก

Paul Cezanne (1830-1906) ลูกพีชและลูกแพร์ (1895)

Paul Cezanne "ลูกพีชและลูกแพร์" (1895)

Paul Cezanne เป็นจิตรกรชาวฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ปลายXIXใน. หลังจากประสบกับอิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสม์แล้ว Cezanne คัดค้านพวกเขาด้วยวิธีของเขาเอง เขาพูดต่อต้านความปรารถนาที่จะติดตามงานศิลปะเพียงความประทับใจทางสายตา - เขาชอบที่จะถ่ายทอดความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์ตามรูปแบบในธรรมชาติ เขาต้องการที่จะเห็นคุณสมบัติที่ไม่เปลี่ยนแปลง แต่คงที่ Cezanne กล่าวว่า: "ฉันต้องการฟื้นฟูความเป็นนิรันดร์ให้กับธรรมชาติ" ศิลปินทำการค้นหาอย่างสร้างสรรค์ผ่านการสังเคราะห์รูปแบบและสี รูปแบบและพื้นที่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งการค้นหานี้สามารถตรวจสอบได้ในชีวิตของเขา

วัตถุแต่ละชิ้นในสิ่งมีชีวิตนี้แสดงให้เห็นจากมุมมองที่แตกต่างกัน เราเห็นโต๊ะจากด้านบน ผ้าปูโต๊ะและผลไม้จากด้านข้าง โต๊ะจากด้านล่าง และเหยือกพร้อมๆ กัน จุดต่างๆวิสัยทัศน์. Cezanne มุ่งมั่นที่จะแสดงลักษณะรูปร่างและปริมาตรของลูกพีชและลูกแพร์ให้ได้มากที่สุด เทคนิคของเขาอยู่บนพื้นฐานของกฎแห่งการมองเห็น: สีโทนอุ่น (แดง ชมพู เหลือง ทอง) ดูเหมือนเราจะยื่นออกมา และสีเย็น (น้ำเงิน ฟ้า เขียว) จะค่อยๆ ลดลงในส่วนลึกของผืนผ้าใบ

รูปแบบของวัตถุในภาพนิ่งของ Cezanne ไม่ได้ขึ้นอยู่กับแสงแบบสุ่ม แต่จะกลายเป็นค่าคงที่ซึ่งมีอยู่ในแต่ละวัตถุ ดังนั้น ชีวิตของ Cezanne จึงดูยิ่งใหญ่

ภาพวาดอยู่ในพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐ A. S. Pushkin ในมอสโก

Henri Matisse (1869-1954) ผ้าปูโต๊ะสีน้ำเงิน (1909)

Henri Matisse "ผ้าปูโต๊ะสีฟ้า" (1909)

Henri Matisse ศิลปินชาวฝรั่งเศสผู้โด่งดังในศิลปะต่างประเทศแห่งศตวรรษที่ XX ครองตำแหน่งผู้นำคนหนึ่ง แต่ที่นี่มีความพิเศษ

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 Matisse กลายเป็นหัวหน้ากลุ่มใหม่กลุ่มแรกในการวาดภาพยุโรปซึ่งเรียกว่า ลัทธิโฟวิส(จากภาษาฝรั่งเศส "ป่า") คุณลักษณะของเทรนด์นี้คืออิสระในการใช้สีใดๆ ที่ศิลปินเลือกโดยพลการ ความปรารถนาในการตกแต่งที่มีสีสัน นี่เป็นความท้าทายต่อบรรทัดฐานที่กำหนดไว้ของศิลปะอย่างเป็นทางการ

แต่หลังจากนั้นไม่นานกลุ่มนี้ก็เลิกกันและ Matisse ไม่ได้อยู่ในทิศทางใดอีกต่อไป แต่เลือกเส้นทางของเขาเอง ด้วยศิลปะที่ชัดเจนและร่าเริงของเขา Matisse พยายามให้ความสงบสุขแก่วิญญาณที่ทรมานของผู้คนในบรรยากาศทางอารมณ์ของศตวรรษที่ 20

ในผ้าปูโต๊ะสีน้ำเงินยังคงมีชีวิต Matisse ใช้เทคนิคการแต่งเพลงที่เขาโปรดปราน: ผ้าที่ลงมาจากด้านบน สสารที่อยู่เบื้องหน้าจะปิดช่องว่างของผืนผ้าใบ ทำให้มันตื้นขึ้น ผู้ชมชื่นชมการเล่นที่แปลกประหลาดของเครื่องประดับสีน้ำเงินบนพื้นหลังสีฟ้าครามของผ้าปูโต๊ะ ซึ่งเป็นแนวเส้นของวัตถุที่ยังมีชีวิตอยู่ ศิลปินสรุปรูปแบบของหม้อกาแฟสีทองขวดเหล้าสีเขียวและแอปเปิ้ลสีแดงก่ำในแจกันพวกเขาสูญเสียปริมาตรและวัตถุชิ้นเล็ก ๆ ก็ตามจังหวะของผ้าพวกเขาเสริมสีสันให้กับภาพ

ยังคงมีชีวิตในภาพวาดรัสเซีย

ยังคงมีชีวิตในฐานะภาพวาดอิสระที่ปรากฏในรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 18 แต่ในขั้นต้นถือว่าเป็นประเภท "ต่ำกว่า" ส่วนใหญ่มักใช้เป็น สถานศึกษาและได้รับอนุญาตในความหมายจำกัดเท่านั้น เช่น การระบายสีดอกไม้และผลไม้

แต่ในตอนต้นของศตวรรษที่ยี่สิบ ยังคงมีชีวิตในภาพวาดรัสเซียเฟื่องฟูและเป็นครั้งแรกที่กลายเป็นประเภทที่เท่าเทียมกัน ศิลปินมองหาโอกาสใหม่ ๆ ในด้านสี รูปทรง องค์ประกอบของภาพนิ่ง ในบรรดานักธรรมชาติวิทยาชาวรัสเซียสามารถเรียกได้ว่า I.F. ครุตสกี้, I.E. กราบาร์, พี.พี. Konchalovsky, I. Levitan, A. Osmerkin, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, V. Nesterenko และคนอื่น ๆ

โดยมากที่สุด ยังมีชีวิตอยู่ที่มีชื่อเสียง P. Konchalovsky คือ "Lilac" ของเขา

พี. คอนชาลอฟสกี "ไลแลค" (1939)

P. Konchalovsky ในภาพวาดเป็นลูกศิษย์ของ Cezanne เขาพยายามแสดงงานรื่นเริงของสีที่มีอยู่ในรัสเซีย ศิลปะพื้นบ้านด้วยความช่วยเหลือของการสร้างสีของ Paul Cezanne ศิลปินได้รับชื่อเสียงอย่างแม่นยำด้วยภาพนิ่งของเขาซึ่งมักถูกประหารชีวิตในรูปแบบที่ใกล้เคียงกับลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและลัทธิฟาวนิยม

ภาพนิ่ง "Lilac" ของเขาเต็มไปด้วยสีสันแห่งเทศกาลนี้ ดึงดูดสายตาและจินตนาการ ดูเหมือนว่ากลิ่นฤดูใบไม้ผลิของไลแลคจะมาจากผืนผ้าใบ

กลุ่มของไลแลคถูกพรรณนาในลักษณะทั่วไป แต่ความทรงจำภายในบอกเราถึงโครงร่างของดอกไม้แต่ละดอกในกระจุก ดังนั้นภาพวาดของคอนชาลอฟสกีจึงดูสมจริง

I. Mashkov ผู้ร่วมสมัยของ Konchalovsky ไม่มีน้ำใจในการวาดภาพความสำคัญของโลกซึ่งเป็นสีสันของจานสี

I. Mashkov "ผลเบอร์รี่กับพื้นหลังของถาดสีแดง" (1910)

นอกจากนี้ยังมีสีสันที่มีชีวิตชีวาในสิ่งมีชีวิตนี้ ความสามารถในการเพลิดเพลินไปกับทุกช่วงเวลาที่ชีวิตมอบให้ เพราะทุกช่วงเวลานั้นสวยงาม

เราคุ้นเคยกับทุกวิชาของภาพนิ่ง แต่รู้สึกว่าศิลปินชื่นชมความเอื้ออาทรของธรรมชาติความร่ำรวยของโลกรอบข้างและเชิญชวนให้เราแบ่งปันความสุขนี้กับเขา

V. Nesterenko "บิดาแห่งปิตุภูมิ" (1997)

นี่คือภาพนิ่งโดยศิลปินร่วมสมัย V. Nesterenko หัวข้อของภาพวาดแสดงอยู่ในชื่อและเนื้อหาถูกเปิดเผยในรูปของวัตถุที่มีชีวิต - สัญลักษณ์ของอำนาจจักรพรรดิของ Peter I. ภาพเหมือนของจักรพรรดิตั้งอยู่บนฉากหลังของฉากต่อสู้ซึ่งมีอยู่มากมายในชีวิตของเขา ไม่มีเหตุผลที่จะเล่าเรื่องการกระทำทั้งหมดที่ปีเตอร์ฉันเรียกว่าบิดาแห่งปิตุภูมิ คุณสามารถได้ยินความคิดเห็นที่แตกต่างกันเกี่ยวกับกิจกรรมของจักรพรรดิรัสเซียองค์แรก แต่ใน กรณีนี้ศิลปินแสดงความคิดเห็นของเขาและความคิดเห็นนี้แสดงโดยเขาอย่างน่าเชื่อถือ

ยังคงมีชีวิตอยู่ในเครมลินในห้องรับแขกของประธานาธิบดีแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย

ทัศนคติต่อชีวิตยังคงเปลี่ยนไปในยุคต่างๆ กัน บางครั้งเกือบลืมไปแล้ว และบางครั้งก็เป็นประเภทการวาดภาพที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ในฐานะที่เป็นประเภทจิตรกรรมอิสระ ปรากฏในผลงานของศิลปินชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 ในรัสเซียเป็นเวลานานชีวิตยังคงเป็นประเภทที่ต่ำกว่าและเฉพาะในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เท่านั้นที่กลายเป็นประเภทที่เต็มเปี่ยม กว่าสี่ศตวรรษประวัติศาสตร์ ศิลปินได้สร้างมาก จำนวนมากของยังมีชีวิตอยู่ แต่ถึงแม้จะเป็นหนึ่งในจำนวนนี้ก็สามารถแยกแยะผลงานที่มีชื่อเสียงและสำคัญที่สุดสำหรับประเภทนี้ได้

"ยังมีชีวิตอยู่กับแฮมและเครื่องเงิน" (1649) Willem Claesz Heda (1594-1682)

ศิลปินชาวดัตช์เป็นปรมาจารย์ด้านภาพนิ่ง แต่เป็นภาพวาดที่โดดเด่นในงานของเขา ที่นี่ความเชี่ยวชาญอัจฉริยะของ Kheda ในการถ่ายโอนของใช้ในครัวเรือนทุกวันนั้นสังเกตได้ชัดเจน - ความรู้สึกของความเป็นจริงของแต่ละคนถูกสร้างขึ้น มีเลมอนสีเหลืองอำพัน แฮมสด และเครื่องเงินบนโต๊ะปูด้วยผ้าปูโต๊ะ พรุ่งนี้เพิ่งเสร็จ เลยมีเลอะเล็กน้อยบนโต๊ะ ทำให้ภาพดูสมจริงยิ่งขึ้น เช่นเดียวกับสิ่งมีชีวิตชาวดัตช์ส่วนใหญ่ในยุคนี้ วัตถุแต่ละชิ้นมีความหมายบางอย่าง ดังนั้นเครื่องเงินพูดถึงความมั่งคั่งทางโลก แฮมหมายถึงความสุขทางราคะ และมะนาว - ความงามภายนอกที่ซ่อนความขมขื่นภายใน ด้วยสัญลักษณ์เหล่านี้ ศิลปินเตือนเราว่าเราควรคิดถึงจิตวิญญาณมากขึ้น ไม่ใช่แค่เกี่ยวกับร่างกายเท่านั้น รูปภาพทำในมาตราส่วนเดียวสีน้ำตาลเทา ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของภาพวาดดัตช์ทั้งหมดในยุคนี้ นอกจากการตกแต่งที่มองเห็นได้ชัดเจนแล้ว ชีวิตนี้ยังมี "ชีวิตที่เงียบสงบ" ที่ไม่เด่นสะดุดตาของสิ่งของต่างๆ ซึ่งสังเกตได้จากการจ้องมองอย่างใส่ใจของศิลปิน

"ลูกพีชและลูกแพร์" (1895) Paul Cezanne (1830-1906)

ประเภทของภาพนิ่งนั้นค่อนข้างอนุรักษ์นิยมมาโดยตลอด ดังนั้นเกือบจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 มันดูเหมือนกับในศตวรรษที่ 17 จนกระทั่ง Paul Cezanne เข้ารับตำแหน่ง เขาเชื่อว่าภาพวาดควรสื่อถึงความเป็นจริงอย่างเป็นกลาง และภาพวาดควรอยู่บนพื้นฐานของกฎแห่งธรรมชาติ Cezanne พยายามสื่อถึงสิ่งที่เปลี่ยนแปลงไม่ได้ แต่เป็นคุณภาพคงที่ของตัวแบบ ผ่านการสังเคราะห์รูปแบบและสี การผสมผสานของรูปแบบและพื้นที่ และประเภทของสิ่งมีชีวิตได้กลายเป็นวัตถุที่ยอดเยี่ยมสำหรับการทดลองเหล่านี้ วัตถุแต่ละชิ้นใน Peaches and Pears ยังมีชีวิตอยู่ถูกพรรณนาจากมุมที่ต่างกัน เราจึงเห็นโต๊ะจากด้านบน ผลไม้และผ้าปูโต๊ะ - จากด้านข้าง โต๊ะเล็ก - จากด้านล่าง และเหยือกโดยทั่วไปในเวลาเดียวกัน ด้านต่างๆ. Cezanne พยายามถ่ายทอดรูปร่างและปริมาตรของลูกพีชและลูกแพร์อย่างแม่นยำที่สุด ในการทำเช่นนี้เขาใช้กฎแห่งแสงดังนั้นเราจึงมองว่าเฉดสีที่อบอุ่น (สีแดง, ชมพู, เหลือง, ทอง) เป็นลำโพงและสีเย็น (สีน้ำเงิน, น้ำเงิน, เขียว) จะลดลงในส่วนลึก ดังนั้นรูปแบบของวัตถุในสิ่งมีชีวิตของเขาจึงไม่ได้ขึ้นอยู่กับแสง แต่จะคงที่ นั่นคือเหตุผลที่ Cezanne ดูยิ่งใหญ่

ผ้าปูโต๊ะสีน้ำเงิน (1909) Henri Matisse (1869-1954).

เรามาดูรูปกันต่อดีกว่าไหม
สิ่งมีชีวิตที่ไม่คาดคิด - เนื่องจากเรามักจะคาดหวังเรื่องที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากผู้เขียน ตามเนื้อผ้า ศิลปินเหล่านี้ทำงานในประเภทที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิง โดยเลือกการวาดภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล หรือประเภท มีบางอย่างเท่านั้นที่เข้ามาในหัวของพวกเขาและพวกเขาอุทาน: "และฉันจะวาดแจกันนี้ด้วยซ่อนกลิ่น!" จริงสิ่งนี้เกิดขึ้นน้อยมาก หายากมากจนผมต้องควานหาแหล่งต่างๆ เป็นเวลาครึ่งวันเพื่อค้นหาซากศพของพวกมัน

เริ่มต้นด้วยเรา:

Marc Chagall "ดอกไม้สีขาวบนพื้นหลังสีแดง". 1970. มาร์คมีสิ่งมีชีวิตเพียงไม่กี่ตัวที่ทาสีอยู่แล้ว วัยผู้ใหญ่จากนั้นเขาก็คุ้นเคยกับการพรรณนาถึงภาพหลอนของมนุษย์และสัตว์ไม่สามารถต้านทานได้แม้แต่ชิ้นโหงวเฮ้งของมนุษย์อย่างน้อยก็ที่ไหนสักแห่งที่มีขนมปังชิ้นหนึ่งให้เขาใส่เข้าไป

ตัวอย่างเช่น ฉันยังคงรักชีวิตอยู่มาก แต่ศิลปินส่วนใหญ่กลับไม่เป็นเช่นนั้น อย่างไรก็ตาม เรื่องนี้ไม่มั่นคงสำหรับผู้สร้างที่น่าเคารพ นักเรียนทุกคนเรียนรู้พื้นฐานของการวาดภาพจากภาพนิ่งที่จัดฉาก

ยังคงมีชีวิตที่ไม่เป็นที่นิยมโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ในระดับที่ยิ่งใหญ่ที่สุด - ในบรรดาผู้ประพันธ์อิมเพรสชั่นนิสต์ผู้พเนจรของเราก็ไม่ชอบเช่นกัน บางส่วนของพวกเขาฉันไม่พบชีวิตเดียว ไม่มีงานดังกล่าวและตัวอย่างเช่น Nesterov, Kuindzhi, Aivazovsky, Perov, Grigory Myasoedov (ใครพบบอกฉันฉันจะเพิ่ม)

Viktor Vasnetsov "ช่อดอกไม้". เรื่องราวที่เหลือเชื่อหรือยิ่งใหญ่ - ได้โปรด วิหาร Kyiv Vladimir นั้นง่ายต่อการทาสี แต่ศิลปินไม่มีสิ่งมีชีวิตมากมาย อย่างไรก็ตาม พวกเขาเป็น!

แน่นอนว่ามีข้อยกเว้นในหมู่ผู้ประพันธ์อิมเพรสชั่นนิสต์ - Cezanne ชอบสิ่งมีชีวิตที่ยังคงมากแม้ว่าเขาจะไม่คิดว่าตัวเองเป็นอิมเพรสชั่นนิสต์ก็ตาม โพสต์อิมเพรสชันนิสต์ Van Gogh และ Matisse "หลุดออกมา" กับสิ่งมีชีวิตที่ยังคง (ฉันจะไม่ครอบคลุมรายการที่นี่ - เรากำลังตามล่าหาผลงานหายากของ "ไม่ชอบ" ที่ยังมีชีวิตอยู่) แต่โดยพื้นฐานแล้ว ตัวแทนของแนวโน้มเหล่านี้ไม่ชอบธุรกิจดอกไม้และผลไม้ - ชนชั้นกลางและปรมาจารย์โดยไม่มีอากาศที่ชื่นชอบ - ความเบื่อ! แม้แต่ Berthe Morisot ก็เป็นผู้หญิงคนเดียวในกลุ่ม Impressionists และเธอไม่ชอบแนว "girly" เล็กน้อยนี้

Ilya Repin "แอปเปิ้ลและใบไม้", 1879 . ยังคงมีชีวิต - ไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับ Repin แม้แต่ที่นี่ การจัดองค์ประกอบภาพก็ดูไม่เหมือนงานสร้างแบบคลาสสิก ทั้งหมดนี้สามารถวางอยู่ที่ไหนสักแห่งบนพื้นใต้ต้นไม้ ไม่มีแว่นตาและผ้าม่าน

ชีวิตไม่ได้ผ่านช่วงเวลาที่เลวร้ายเสมอไป มันเริ่มปรากฏในศตวรรษที่ 16 ในขณะที่เป็นส่วนหนึ่งของภาพวาดประเภท และในศตวรรษที่ 17 ต้องขอบคุณชาวดัตช์ มันจึงเติบโตเป็นประเภทการวาดภาพอิสระ เป็นที่นิยมอย่างมากในช่วงศตวรรษที่ 18 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 และด้วยการเคลื่อนไหวที่เป็นนวัตกรรมทางศิลปะ ความนิยมจึงเริ่มลดลง การฟื้นคืนชีพของแฟชั่นสำหรับชีวิตยังคงเริ่มต้นขึ้นราวๆ ทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 20 ตัวแทนศิลปินมากมาย ศิลปะร่วมสมัยพวกเขาหยิบแจกันและลูกพีชขึ้นอีกครั้ง แต่สิ่งเหล่านี้เป็นรูปแบบใหม่อยู่แล้ว แน่นอนว่าแนวเพลงไม่เคยหมดไปอย่างสิ้นเชิง และยังมี (และยังคงเป็น) กาแล็กซี่ของจิตรกรที่ยังมีชีวิตอยู่ เราจะพูดถึงเรื่องนี้ในภายหลัง แต่สำหรับตอนนี้ฉันจะเงียบฉันจะแสดงความคิดเห็นในบางสิ่งและคุณเพียงแค่ดูสิ่งมีชีวิตที่หายากของผู้เขียนที่เขียนเป็นครั้งคราวเท่านั้น:

Valentin Serov "Lilac ในแจกัน", 2430
ในผลงานที่มีชื่อเสียงของเขา คุณสามารถเห็นเพียงชิ้นส่วนของหุ่นนิ่ง - ลูกพีชต่อหน้าหญิงสาว เห็นได้ชัดว่าจิตรกรภาพเหมือนที่เจาะลึกที่สุดรู้สึกเบื่อกับการวาดภาพดอกไม้และซากนก

ไอแซก เลแวน. "ป่าสีม่วงและอย่าลืมฉัน" 2432อัจฉริยะของภูมิทัศน์รัสเซียบางครั้งวาดสิ่งมีชีวิตที่ยอดเยี่ยม แต่หายากมาก! มีดอกแดนดิไลออนเป็นเหยือกด้วย - น่ารัก!

Vasily Surikov "ช่อดอกไม้"
ผู้เขียน The Morning of the Streltsy Execution ชอบขอบเขตและละคร แต่สิ่งนี้ยังคงได้รับการเก็บรักษาไว้ - ดอกกุหลาบที่ไร้เดียงสาและมีเสน่ห์เล็กน้อย

บอริส คุสโตดิเยฟ. "ยังมีชีวิตกับไก่ฟ้า", 1915 . บ่อยครั้งในงานของเขายังมีสิ่งมีชีวิตจำนวนมาก - เขาวาดภาพพ่อค้าและชาวนาสีแดงก่ำที่โต๊ะที่เต็มไปด้วยอาหารอย่างแท้จริง โดยทั่วไปแล้ว ผืนผ้าใบที่สดใสร่าเริงของเขาดูเหมือนภาพนิ่ง แม้ว่าจะเป็นภาพเหมือน แต่มีภาพบุคคลไม่กี่ภาพที่ไม่ใช่ภรรยาของพ่อค้า แต่เป็นอาหารเช้าของเธอ

วิกเตอร์ โบริซอฟ-มูซาตอฟ "ไลแลค", 2445
ผมชอบแบบเดิมของเขาที่หนาแน่นไม่มีใครเหมือน คุณสามารถจำเขาได้เสมอและในชีวิตนี้ - ด้วย.

Mikhail Vrubel "ดอกไม้ในแจกันสีน้ำเงิน", 2429
พรสวรรค์อะไรอย่างนี้! เวลาน้อยดูถูก! ดอกไม้ยังงดงามราวกับปีศาจ

Vasily Tropinin "นกปากซ่อมและ Bullfinch" ยุค 1820
ดูเหมือนว่าศิลปินรับใช้จะปฏิบัติต่อประเภทของสิ่งมีชีวิตโดยปราศจากความเคารพอย่างสูง ดังนั้นจึงแทบไม่เคยวาดภาพนั้นเลย สิ่งที่คุณเห็นไม่ใช่ผืนผ้าใบที่เต็มเปี่ยม แต่เป็นภาพร่าง

คาซิเมียร์ มาเลวิช "ยังมีชีวิตอยู่". และคุณคิดว่าแอปเปิ้ลของเขาเป็นสี่เหลี่ยมจัตุรัส?

Ivan Kramskoy "ช่อดอกไม้. ต้นฟลอกส", 2427
ฉันต้องการตรงไปที่เดชา - ฉันยังมีต้นฟลอกสที่นั่นในฤดูร้อน

Wassily Kandinsky "ปลาบนจานสีน้ำเงิน" ไม่ใช่ทุกอย่างที่เป็น squiggles อย่างสมบูรณ์ ตาและแม้แต่ปากยังถูกลากอยู่ในภาพและพวกมันอยู่ใกล้ ๆ !

นาธาน อัลท์มัน "มิโมซ่า", พ.ศ. 2470
ฉันชอบ. มีบางอย่างเกี่ยวกับมัน

อีวาน ชิชกิน ค.ศ. 1855.
แล้วหมีกับป่าล่ะ!

ฉันต้องการแทรก Petrov-Vodkin ด้วย แต่เขามีชีวิตค่อนข้างมากอย่างที่เห็น และ Mashkov, Lentulov, Konchalovsky ดังนั้นพวกเขาจึงไม่เหมาะกับโพสต์นี้

ต่างชาติ:

Egon Schiele "Still Life", 2461
และคุณคิดว่าเขารู้แค่วิธีวาดผู้เยาว์ที่เปลือยเปล่าเท่านั้นเหรอ?

อัลเฟรด ซิสเล่ย์. "ยังมีชีวิตอยู่กับนกกระสา". นกตาย - ละครในชีวิตประจำวัน

มากกว่า ซิสเล่ย์. ก็ฉันรักเขา!

กุสตาฟ กูร์เบต์. แอปเปิ้ลและทับทิมบนจาน พ.ศ. 2414

Edgar Degas "ผู้หญิงนั่งบนแจกันดอกไม้", 2408
แม้จะมีชื่อ แต่ผู้หญิงใช้พื้นที่ 30 เปอร์เซ็นต์ของผืนผ้าใบ ดังนั้นเธอจึงคิดว่ามันเป็นสิ่งมีชีวิต โดยทั่วไปแล้ว เดอกาส์ชอบดึงดูดผู้คนมากกว่าดอกไม้ โดยเฉพาะนักบัลเล่ต์

ยูจีน เดลาครัวซ์. "ช่อดอกไม้".
ขอบคุณพระเจ้า ไม่มีใครกินใครและไม่มีใครยิง!

Theodore Géricault "ยังมีชีวิตอยู่กับสามกะโหลก"
โดยทั่วไปแล้ว Gericault ชอบศพสีน้ำเงินและ "การแยกส่วน" ทุกประเภทอย่างน่าสงสัย และชีวิตของเขาก็เหมาะสม

Camille Pissarro, Still Life with Apples and a Jug, พ.ศ. 2415

Claude Monet "ยังมีชีวิตอยู่กับลูกแพร์และองุ่น", 2410
เขายังมีชีวิตอยู่ พวกมันมี แต่ค่อนข้างน้อย

ออกุสต์ เรอนัวร์, Still Life with Large Flower Vase, 1866
เมื่อเทียบกับคนอื่นๆ ที่นำเสนอในที่นี้ เขามีหุ่นนิ่งค่อนข้างมาก และอะไร! หนึ่งในผู้ร่วมสมัยของเขากล่าวว่าเขาไม่มีงานที่น่าเศร้าและฉันก็รักเขาดังนั้นฉันจึงผลักพวกเขามาที่นี่ และเพราะว่าสิ่งมีชีวิตของเขายังไม่ค่อยมีใครรู้จัก น้อยกว่านักอาบน้ำทั้งหมด ฯลฯ

และคุณรู้ไหมว่าใคร? ปาโบล ปีกัสโซ! พ.ศ. 2462

ปาโบลมีประสิทธิผลอย่างน่าอัศจรรย์! รูปภาพจำนวนมาก! และในหมู่พวกเขา สิ่งมีชีวิตยังคงมีสัดส่วนที่น้อยกว่าทุกสิ่งทุกอย่าง และถึงกระนั้นพวกเขาก็ส่วนใหญ่เป็น "ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม" นั่นคือเหตุผลที่เขาถูกรวมอยู่ในการคัดเลือก เพื่อให้คุณได้ทราบว่าเขาบ้าแค่ไหน (แต่มีพรสวรรค์อย่างแน่นอน!) และดูไม่แน่นอนลองดูที่ภาพด้านล่าง นี่คือเขาและในปีเดียวกัน!

Pablo Picasso "ยังมีชีวิตอยู่บนลิ้นชัก", 2462

พอล โกแกง "แฮม" 2432
ต่อมาผู้หญิงตาฮิติไปเขาออกเดินทางไปตาฮิติหลังจาก 2 ปี (ตอนนี้ฉันจะเพิ่มและไปขุดในตู้เย็น)

Edouard Manet, ดอกคาร์เนชั่นและไม้เลื้อยจำพวกจางในแจกันคริสตัล, 1882
นอกจากนี้ยังมีผลงานที่ยอดเยี่ยม เช่น "กุหลาบในแก้วแชมเปญ" แต่มาเนต์ยังคงมีชีวิตในมรดกของเขาอยู่เบื้องหลังเสมอ และเปล่าประโยชน์ใช่ไหม

ฟร็องซัว มิลเล็ต ค.ศ. 1860
เป็นเพียงอาหารเย็นสำหรับชาวนาและคนเกี่ยวของเขาทั้งหมด

Berthe Morisot "แจกันสีน้ำเงิน", พ.ศ. 2431
ยังทนไม่ได้!

เฟรเดอริก เบซิล. "ยังมีชีวิตอยู่กับปลา" 2409
เรียบง่ายและหยาบคาย แต่ฉันคิดว่าฉันได้กลิ่นปลาด้วยซ้ำ! ฉันควรไปทิ้งขยะหรือไม่?

อองรี "เจ้าหน้าที่ศุลกากร" รุสโซ "ช่อดอกไม้", 2453

ไม่คาดคิดในประเภท แต่คงเส้นคงวาในสไตล์ เจ้าหน้าที่ศุลกากรผู้เรียบง่ายมีความจริงใจต่อตนเองอยู่เสมอ

ทุกคน ขอบคุณสำหรับความสนใจของคุณ!
คุณเป็นอย่างไรบ้าง

ป.ล. และยัง Kuzma Petrov-Vodkin เพราะเขาสวย!:

Kuzma Petrov-Vodkin "ไวโอลินในเคส", 2459, พิพิธภัณฑ์ศิลปะโอเดสซา
เขายังมีสิ่งมีชีวิตอยู่ค่อนข้างน้อย วิเศษมาก วิเศษมาก! ฤดูร้อนที่สดใสเช่นนี้ - อย่าลืมดูเว็บ ย้ายม้าแดงและอุปกรณ์ปฏิวัติอื่น ๆ ออกไป! แต่เนื่องจากเรามีโพสต์เกี่ยวกับสิ่งมีชีวิตที่ไม่ธรรมดา ฉันจึงเลือกสิ่งที่ไม่ธรรมดาที่สุดสำหรับผู้เขียนคนนี้

ขอขอบคุณอีกครั้งสำหรับความสนใจของคุณ!

มาต่อกันที่ขั้นตอนสุดท้ายของโพสต์ชุดนี้เกี่ยวกับประเภทภาพนิ่งกัน จะอุทิศให้กับผลงานของศิลปินรัสเซีย

เริ่มจาก Fyodor Petrovich Tolstoy (1783-1873) กราฟิกภาพนิ่งโดย F.P. ตอลสตอย ประติมากรชาวรัสเซียผู้มีชื่อเสียง ผู้ชนะเลิศ นักเขียนแบบร่าง และจิตรกร อาจเป็นส่วนที่โดดเด่นและมีค่าที่สุดของเขา มรดกสร้างสรรค์แม้ว่าศิลปินเองจะบอกว่าเขาสร้างผลงานเหล่านี้ "ในเวลาว่างจากการศึกษาอย่างจริงจัง"

คุณสมบัติหลักของภาพวาดภาพนิ่งของตอลสตอยคือธรรมชาติที่ลวงตา ศิลปินคัดลอกธรรมชาติอย่างระมัดระวัง เขาพยายามตามเขา คำของตัวเอง, “ด้วยความชัดเจนอย่างยิ่ง โอนดอกไม้ที่คัดลอกจากชีวิตไปยังกระดาษตามที่เป็นอยู่ พร้อมรายละเอียดที่เล็กที่สุดของดอกไม้นี้” เพื่อหลอกล่อผู้ชม ตอลสตอยใช้เทคนิคลวงตาเช่นภาพหยดน้ำค้างหรือกระดาษโปร่งแสงที่ปิดภาพวาดและช่วยลวงตา

Ilya Efimofich Repin (พ.ศ. 2387-2473) ได้หันมาใช้ลวดลายมีชีวิตเช่นดอกไม้ซ้ำแล้วซ้ำอีก ผลงานเหล่านี้รวมถึงภาพวาด "Autumn Bouquet" (1892, Tretyakov Gallery, Moscow) ซึ่งศิลปินวาดภาพภูมิทัศน์ในฤดูใบไม้ร่วงด้วยความเอาใจใส่เท่าเทียมกัน หญิงสาวคนหนึ่งยืนอยู่บนฉากหลังของต้นไม้สีทอง และช่อดอกไม้สีเหลืองและสีขาวจำนวนเล็กน้อยใน มือของเธอ

I. เรพิน. ช่อดอกไม้ฤดูใบไม้ร่วง ภาพเหมือนของ Vera Repina พ.ศ. 2435 Tretyakov Gallery

ประวัติของภาพวาด "แอปเปิ้ลและใบไม้" ค่อนข้างผิดปกติ ภาพนิ่งที่รวมผลไม้และใบไม้ไว้สำหรับนักเรียนของ Repin, V.A. เซรอฟ ครูชอบองค์ประกอบเรื่องมากจนตัดสินใจเขียนภาพนิ่งด้วยตัวเอง ดอกไม้และผลไม้ดึงดูดศิลปินหลายคนที่ชอบสิ่งเหล่านี้ เหนือสิ่งอื่นใด ให้แสดงโลกแห่งธรรมชาติอย่างงดงามและไพเราะที่สุด แม้แต่ I.N. Kramskoy ผู้ซึ่งไม่สนใจประเภทนี้ได้จ่ายส่วยให้ยังมีชีวิตอยู่ด้วยการสร้างภาพวาดที่งดงาม "Bouquet of Flowers" ต้นฟลอกส” (1884, Tretyakov Gallery, มอสโก)

Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911) เป็นที่รู้จักของพวกเราส่วนใหญ่ในฐานะศิลปินที่ให้ความสนใจในงานของเขาในด้านภูมิทัศน์ ภาพเหมือน และภาพวาดประวัติศาสตร์ อย่างไรก็ตามควรสังเกตว่าเรื่องในงานของเขาเล่นเสมอ บทบาทสำคัญและมักจะอยู่ในตำแหน่งที่เท่ากันกับองค์ประกอบอื่นๆ ขององค์ประกอบ สูงขึ้นเล็กน้อย ฉันได้กล่าวถึงงานนักเรียนของเขา "Apples on the Leaves", 2422 ซึ่งสร้างภายใต้การดูแลของ Repin หากเราเปรียบเทียบงานนี้กับงานที่เขียนโดย Repin ในธีมเดียวกัน เราจะเห็นได้ว่าชีวิตของ Serov มีความเฉลียวฉลาดมากกว่าผ้าใบของครูของเขา ศิลปินเริ่มต้นใช้ จุดต่ำมุมมอง ดังนั้นแผนแรกและแผนที่สองจึงถูกรวมเข้าด้วยกัน และพื้นหลังจะลดลง

เป็นที่รู้จักของทุกคนตั้งแต่วัยเด็ก ภาพวาด "Girl with Peaches" เป็นมากกว่าประเภทภาพเหมือน และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ถูกเรียกว่า "Girl with Peaches" และไม่ใช่ "Portrait of Vera Mamontova" เราจะเห็นได้ว่าคุณลักษณะของภาพเหมือน การตกแต่งภายใน และชีวิตยังคงรวมกันอยู่ที่นี่ ศิลปินให้ความสนใจเท่าๆ กันกับภาพลักษณ์ของหญิงสาวในเสื้อเบลาส์สีชมพูและวัตถุสองสามชิ้น แต่จัดกลุ่มอย่างชำนาญ ลูกพีชสีเหลืองซีด ใบเมเปิ้ล และมีดแวววาววางอยู่บนผ้าปูโต๊ะสีขาว สิ่งอื่น ๆ ในพื้นหลังก็ถูกดึงออกมาด้วยความรักเช่นกัน: เก้าอี้ จานกระเบื้องขนาดใหญ่ที่ตกแต่งผนัง รูปแกะสลักของทหารของเล่น เชิงเทียนบนขอบหน้าต่าง แสงแดดส่องลงมาจากหน้าต่างและตกกระทบวัตถุที่มีแสงจ้าทำให้ภาพดูมีเสน่ห์

Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) เขียนว่า:“ และอีกครั้งที่มันกระทบฉัน ไม่ มันไม่ตีฉัน แต่ฉันได้ยินบันทึกประจำชาติที่ใกล้ชิดที่ฉันอยากจะจับบนผ้าใบและในเครื่องประดับ นี่คือดนตรีของบุคคลทั้งมวล ไม่ถูกรบกวนโดยความฟุ้งซ่านของตะวันตกที่มีระเบียบ แตกต่าง และซีดเซียว”

ที่ Academy of Arts ครูคนโปรดของ Vrubel คือ Pavel Chistyakov ผู้สอนจิตรกรรุ่นเยาว์ให้ "วาดด้วยรูปแบบ" และแย้งว่าไม่ควรสร้างรูปแบบสามมิติในอวกาศที่มีการแรเงาและรูปทรง ควรสร้างด้วยเส้น ขอบคุณเขา Vrubel เรียนรู้ไม่เพียง แต่จะแสดงธรรมชาติ แต่ราวกับว่ามีการสนทนาที่จริงใจและเกือบจะรักกับเธอ ด้วยจิตวิญญาณนี้ จึงมีการสร้างภาพนิ่งที่ยอดเยี่ยมของปรมาจารย์ “Wild Rose” (1884)

ศิลปินวางแจกันทรงกลมอันสง่างามที่วาดด้วยลวดลายตะวันออกไว้บนฉากหลังของผ้าม่านที่มีลวดลายดอกไม้สวยงาม ละเอียดอ่อน ดอกไม้สีขาวกุหลาบสะโพกย้อมด้วยผ้าสีน้ำเงินแกมเขียว และใบของพืชเกือบจะผสานเข้ากับคอแจกันสีดำที่ส่องแสงระยิบระยับ องค์ประกอบนี้เต็มไปด้วยเสน่ห์และความสดที่อธิบายไม่ได้ ซึ่งผู้ชมก็อดไม่ได้ที่จะยอมจำนน

ในช่วงที่เจ็บป่วย Vrubel เริ่มวาดภาพจากธรรมชาติมากขึ้นและภาพวาดของเขามีความโดดเด่นไม่เพียง แต่จากรูปแบบการไล่ล่าเท่านั้น แต่ยังรวมถึงจิตวิญญาณที่พิเศษอีกด้วย ดูเหมือนว่าทุกการเคลื่อนไหวของมือของศิลปินจะทรยศต่อความทุกข์ทรมานและความหลงใหลของเขา

ที่น่าสังเกตเป็นพิเศษในเรื่องนี้คือภาพวาด “Still Life. เชิงเทียน, ขวดเหล้า, แก้ว”. มันเป็นชัยชนะที่บดขยี้ของความเป็นกลางที่รุนแรง ภาพนิ่งแต่ละชิ้นมีพลังระเบิดที่ซ่อนอยู่ วัตถุที่ใช้ทำสิ่งของ ไม่ว่าจะเป็นสีบรอนซ์ของเชิงเทียน แก้วของขวดเหล้า หรือเงาด้านของเทียน สั่นสะเทือนอย่างเห็นได้ชัดจากความใหญ่โต ความเครียดภายใน. ศิลปินถ่ายทอดการเต้นเป็นจังหวะสั้นๆ ที่ตัดกัน ซึ่งทำให้พื้นผิวระเบิดและตึงเครียด ดังนั้น วัตถุจึงได้รับความคมชัดอย่างไม่น่าเชื่อ ซึ่งก็คือ แก่นแท้ของสิ่งที่.

จีเอ็น Teplov และ T. Ulyanov ส่วนใหญ่มักจะวาดภาพผนังไม้กระดานซึ่งมีการวาดปมและเส้นเลือดของต้นไม้ สิ่งของต่างๆ ถูกแขวนไว้บนผนังหรือเสียบไว้หลังริบบิ้นที่ตอกไว้: กรรไกร หวี จดหมาย หนังสือ สมุดโน้ตดนตรี นาฬิกา อ่างหมึก ขวด เชิงเทียน จาน และของเล็กๆ น้อยๆ วางอยู่บนชั้นวางแคบๆ ดูเหมือนว่าชุดของไอเท็มดังกล่าวจะสุ่มโดยสมบูรณ์ แต่อันที่จริงสิ่งนี้ยังห่างไกลจากกรณี เมื่อพิจารณาจากสิ่งมีชีวิตเหล่านี้แล้ว เราสามารถคาดเดาความสนใจของศิลปินที่เล่นดนตรี อ่านหนังสือ และชื่นชอบงานศิลปะได้ อาจารย์พรรณนาถึงสิ่งที่เป็นที่รักของพวกเขาด้วยความรักและขยันหมั่นเพียร ภาพวาดเหล่านี้สัมผัสได้ถึงความจริงใจและความทันทีทันใดในการรับรู้ถึงธรรมชาติ

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) ยังอุทิศงานมากมายของเขาให้กับประเภทของภาพนิ่ง บนผืนผ้าใบอันร่าเริงของเขา เราสามารถเห็นผ้าซาตินสีสดใส กาโลหะทองแดงเป็นประกาย ความสดใสของไฟและเครื่องลายคราม แตงโมชิ้นสีแดง พวงองุ่น แอปเปิ้ล มัฟฟินชวนน้ำลายสอ หนึ่งในภาพวาดที่โดดเด่นของเขาคือ "The Merchant for Tea", 1918 เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่ชื่นชมความงดงามของวัตถุที่แสดงบนผืนผ้าใบ กาโลหะระยิบระยับ เนื้อแตงโมสีแดงสด แอปเปิ้ลมันวาวและองุ่นใส แจกันแก้วพร้อมแยม ชามน้ำตาลปิดทอง และถ้วยที่วางอยู่ตรงหน้าภรรยาของพ่อค้า สิ่งเหล่านี้นำอารมณ์รื่นเริงมาสู่ภาพ

ในประเภทภาพนิ่ง ความสนใจอย่างมากถูกมอบให้กับสิ่งที่เรียกว่า "หุ่นจำลองชีวิต" สิ่งมีชีวิตจำนวนมากเป็น "กลอุบาย" แม้ว่าพวกเขาจะ งานหลักเป็นการหลอกลวงของผู้ชมพวกเขามีข้อดีทางศิลปะอย่างไม่ต้องสงสัยโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดเจนในพิพิธภัณฑ์ที่แขวนอยู่บนผนังแน่นอนว่าองค์ประกอบดังกล่าวไม่สามารถหลอกลวงประชาชนได้ แต่ก็มีข้อยกเว้น ตัวอย่างเช่น “Still Life with Books” จัดทำโดย P.G. Bogomolov ถูกแทรกเข้าไปใน "ตู้หนังสือ" ลวงตาและผู้เยี่ยมชมไม่ได้ตระหนักในทันทีว่านี่เป็นเพียงภาพ

ดีมาก “Still Life with a Parrot” (1737) G.N. เทปลอฟ ด้วยความช่วยเหลือของเส้นที่ชัดเจนและแม่นยำกลายเป็นรูปทรงที่นุ่มนวลนุ่มนวลแสงเงาโปร่งใสความแตกต่างของสีที่ละเอียดอ่อน ศิลปินแสดงวัตถุที่หลากหลายที่แขวนอยู่บนผนังไม้กระดาน ไม้ที่เรนเดอร์อย่างเชี่ยวชาญ เฉดสีฟ้า ชมพู และเหลืองช่วยสร้างความรู้สึกที่เกือบจะเหมือนจริง กลิ่นหอมสดชื่นไม้ตัดสด

จีเอ็น เทปลอฟ "ยังมีชีวิตอยู่กับนกแก้ว", 1737, พิพิธภัณฑ์รัฐเซรามิกส์ อสังหาริมทรัพย์ Kuskovo

รัสเซียยังคงมีชีวิต- "ลูกเล่น" ของศตวรรษที่ 18 เป็นพยานถึงความจริงที่ว่าศิลปินยังคงไม่สามารถถ่ายทอดพื้นที่และปริมาณได้อย่างเชี่ยวชาญ การแสดงพื้นผิวของวัตถุมีความสำคัญมากกว่าสำหรับพวกเขาราวกับว่าถ่ายโอนจากความเป็นจริงไปยังผืนผ้าใบ ต่างจากภาพนิ่งของชาวดัตช์ซึ่งสิ่งต่าง ๆ ถูกดูดกลืนโดยสภาพแวดล้อมที่มีแสงเป็นหนึ่งเดียวกับมัน ในภาพวาดของปรมาจารย์ชาวรัสเซีย วัตถุที่วาดอย่างระมัดระวัง แม้แต่เรื่องเล็กน้อย ดูเหมือนจะอยู่ได้ด้วยตัวของมันเอง โดยไม่คำนึงถึงพื้นที่โดยรอบ

ที่ ต้นXIXศตวรรษ โรงเรียนของ A.G. Venetsianov ผู้ต่อต้านการแบ่งประเภทอย่างเข้มงวดและพยายามสอนลูกศิษย์ของเขาถึงวิสัยทัศน์แบบองค์รวมของธรรมชาติ

เอ.จี. เวเนเซียนอฟ ยุ้งข้าว 1821-23

โรงเรียนเวเนเชียนเปิดแนวใหม่สำหรับศิลปะรัสเซีย - การตกแต่งภายใน ศิลปินได้แสดงห้องต่าง ๆ ของบ้านผู้สูงศักดิ์: ห้องนั่งเล่น, ห้องนอน, ห้องทำงาน, ห้องครัว, ห้องเรียน, ห้องของผู้คน ฯลฯ ในงานเหล่านี้ มีการมอบสถานที่สำคัญให้กับการพรรณนาวัตถุต่าง ๆ แม้ว่าสิ่งมีชีวิตนั้นจะไม่ค่อยสนใจตัวแทนของวงกลม Venetsianov (ในกรณีใด ๆ ยังคงมีชีวิตน้อยมากที่นักเรียนของจิตรกรชื่อดังรอดชีวิตมาได้) อย่างไรก็ตาม Venetsianov ได้กระตุ้นให้ลูกศิษย์ของเขาศึกษาอย่างรอบคอบ ไม่เพียงแต่ใบหน้าและรูปร่างของผู้คน แต่ยังรวมถึงสิ่งต่างๆ รอบตัวพวกเขาด้วย

วัตถุในภาพวาดของ Venetsianov ไม่ใช่อุปกรณ์เสริม แต่เชื่อมโยงกับรายละเอียดที่เหลือของภาพอย่างแยกไม่ออก และมักเป็นกุญแจสำคัญในการทำความเข้าใจภาพ ตัวอย่างเช่นเคียวในภาพวาด "The Reapers" (ครึ่งหลังของยุค 1820, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) ทำหน้าที่คล้ายคลึงกัน สิ่งต่าง ๆ ในศิลปะเวนิสดูเหมือนจะเกี่ยวข้องกับชีวิตที่ไม่เร่งรีบและเงียบสงบของตัวละคร

แม้ว่า Venetsianov จะไม่ได้วาดภาพสิ่งมีชีวิต แต่เขารวมประเภทนี้ไว้ในระบบการสอนของเขา ศิลปินเขียนว่า: สิ่งไม่มีชีวิตไม่อยู่ภายใต้การเปลี่ยนแปลงต่าง ๆ ที่เป็นลักษณะของวัตถุเคลื่อนไหว พวกมันยืนสงบนิ่ง ไม่เคลื่อนไหวต่อหน้าศิลปินที่ไม่มีประสบการณ์และให้เวลาเขาเจาะอย่างแม่นยำและรอบคอบมากขึ้นเพื่อมองความสัมพันธ์ของอีกฝ่ายหนึ่ง ทั้งในเส้นและในแสงและเงาตามสี ซึ่งขึ้นอยู่กับสถานที่ที่วัตถุครอบครอง”.

แน่นอนว่าชีวิตยังคงมีบทบาทสำคัญใน ระบบการสอน Academy of Arts ในศตวรรษที่ XVIII-XIX (ใน ห้องเรียนนักเรียนทำสำเนาจากภาพนิ่งของปรมาจารย์ชาวดัตช์) แต่ Venetsianov เป็นผู้ที่สนับสนุนศิลปินรุ่นเยาว์ให้หันมาใช้ธรรมชาติซึ่งแนะนำชีวิตนิ่งในปีแรกของการศึกษาซึ่งประกอบด้วยสิ่งต่าง ๆ เช่นรูปปั้นปูนปลาสเตอร์จาน , เชิงเทียน ริบบิ้นหลากสี ผลไม้และดอกไม้ Venetsianov เลือกวิชาสำหรับสิ่งมีชีวิตเพื่อการศึกษาเพื่อให้เป็นที่สนใจของจิตรกรมือใหม่ มีรูปแบบที่เข้าใจได้ สีสันสวยงาม

ในภาพวาดที่สร้างสรรค์โดยนักเรียนที่มีพรสวรรค์ของ Venetsianov สิ่งต่าง ๆ ได้รับการถ่ายทอดตามความเป็นจริงและสดใหม่ นี่คือภาพนิ่งของ K. Zelentsov, P.E. คอร์นิลอฟ ในงานของชาวเวเนเชียนยังมีงานที่ไม่ใช่สิ่งมีชีวิตอยู่ด้วย แต่อย่างไรก็ตาม บทบาทของสิ่งต่างๆ ในผลงานนั้นก็มีมากมายมหาศาล ตัวอย่างเช่น คุณสามารถตั้งชื่อภาพเขียนว่า “Study in Ostrovki” และ “Reflection in the Mirror” โดย G.V. Magpies เก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์รัสเซียในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

จีวี นกกางเขน. "สำนักงานใน Ostrovki". ชิ้นส่วน ค.ศ. 1844 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

สิ่งมีชีวิตในงานเหล่านี้ไม่ได้ทำหน้าที่อย่างอิสระ แต่เนื่องจากบางส่วนของการตกแต่งภายในจัดในลักษณะที่แปลกประหลาดโดยอาจารย์ซึ่งสอดคล้องกับโครงสร้างองค์ประกอบและอารมณ์ทั่วไปของภาพ องค์ประกอบเชื่อมต่อหลักที่นี่คือแสง ค่อย ๆ ส่งผ่านจากวัตถุหนึ่งไปยังอีกวัตถุหนึ่ง มองผืนผ้าใบก็เข้าใจความน่าสนใจ โลกศิลปินผู้พรรณนาถึงทุกสิ่งด้วยความรัก ทุกสิ่งที่เล็กที่สุด

ภาพนิ่งที่นำเสนอใน "Study in Ostrovki" แม้ว่าจะอยู่ในสถานที่เล็ก ๆ ในองค์ประกอบโดยรวม แต่ก็ดูมีนัยสำคัญผิดปกติซึ่งเน้นย้ำเนื่องจากผู้เขียนปิดกั้นพื้นที่ที่เหลือด้วยส่วนหลังสูงของ โซฟาแล้วตัดออกทางซ้ายและขวาด้วยโครง ดูเหมือนว่านกกางเขนจะหลงไปกับสิ่งของที่วางอยู่บนโต๊ะจนเกือบลืมรายละเอียดที่เหลือของภาพ อาจารย์เขียนทุกอย่างอย่างระมัดระวัง: ปากกาขนนก, ดินสอ, เข็มทิศ, ไม้โปรแทรกเตอร์, มีดปากกา, ลูกคิด, แผ่นกระดาษ, เทียนในเชิงเทียน มุมมองจากด้านบนทำให้คุณมองเห็นทุกสิ่ง ไม่มีอะไรมาบดบังอีกสิ่งหนึ่ง คุณลักษณะต่างๆ เช่น กะโหลกศีรษะ นาฬิกา ตลอดจนสัญลักษณ์ของ "ความไร้สาระทางโลก" (รูปแกะสลัก กระดาษ ลูกคิด) ทำให้นักวิจัยบางคนจัดประเภทภาพนิ่งเป็นวานิทัส แม้ว่าความบังเอิญนี้จะเป็นเรื่องบังเอิญล้วนๆ ศิลปินใช้สิ่งที่อยู่บนโต๊ะเจ้านายของเขา

ต้นแบบที่มีชื่อเสียงขององค์ประกอบเรื่องแรก ครึ่งหนึ่งของXIXศตวรรษที่เป็นศิลปิน I.F. Khrutsky ผู้วาดภาพที่สวยงามมากมายด้วยจิตวิญญาณของชาวดัตช์ ยังคงมีชีวิต XVIIศตวรรษ. ผลงานที่ดีที่สุดของเขา ได้แก่ "ดอกไม้และผลไม้" (1836, Tretyakov Gallery, Moscow), "Portrait of a Wife with Flowers and Fruits" (1838, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเบลารุส, มินสค์), "Still Life" (1839, พิพิธภัณฑ์แห่ง Academy of Arts, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก)

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในรัสเซีย "สิ่งมีชีวิตทางพฤกษศาสตร์" ซึ่งมาจาก ยุโรปตะวันตก. ในฝรั่งเศส สมัยนั้น ผลงานของนักพฤกษศาสตร์พร้อมภาพประกอบสวยงามถูกตีพิมพ์ มีชื่อเสียงมากขึ้นในหลาย ๆ ประเทศในยุโรปได้รับโดยศิลปิน P.Zh ไม่ต้องสงสัยซึ่งถือเป็น "จิตรกรดอกไม้ที่โด่งดังที่สุดในยุคของเขา" "การวาดภาพทางพฤกษศาสตร์" เป็นปรากฏการณ์ที่สำคัญไม่เพียง แต่สำหรับวิทยาศาสตร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะและวัฒนธรรมด้วย ภาพวาดดังกล่าวถูกนำเสนอเป็นของขวัญ อัลบั้มที่ตกแต่งแล้ว ซึ่งทำให้พวกเขาเทียบได้กับงานจิตรกรรมและกราฟิกอื่นๆ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 P.A. เฟโดตอฟ แม้ว่าเขาจะไม่ได้วาดภาพสิ่งมีชีวิต แต่โลกของสิ่งต่าง ๆ ที่เขาสร้างขึ้นนั้นเต็มไปด้วยความสวยงามและความจริง

วัตถุในผลงานของ Fedotov นั้นแยกออกจากชีวิตของผู้คนไม่ได้พวกเขาเกี่ยวข้องโดยตรงกับเหตุการณ์ที่น่าทึ่งที่ศิลปินวาด

เมื่อมองดูภาพวาด "The Fresh Cavalier" ("Morning after the Feast", 1846) เรารู้สึกทึ่งกับวัตถุมากมายที่อาจารย์วาดอย่างระมัดระวัง ชีวิตจริงที่น่าแปลกใจด้วยการพูดน้อยถูกนำเสนอในภาพวาดที่มีชื่อเสียงโดย Fedotov "Courtship of a Major" (1848) แก้วที่สัมผัสได้จริง: แก้วไวน์ที่ขาสูง ขวด และขวดเหล้า ที่บางและโปร่งใสดูเหมือนว่าจะเปล่งเสียงคริสตัลที่อ่อนโยน

Fedotov P.A. การแต่งงานของเมเจอร์ พ.ศ. 2391-2492 GTG

Fedotov ไม่ได้แยกวัตถุออกจากภายใน ดังนั้นสิ่งต่าง ๆ จึงไม่เพียงแสดงได้อย่างน่าเชื่อถือเท่านั้น แต่ยังแสดงอย่างประณีตงดงามอีกด้วย วัตถุธรรมดาที่สุดหรือไม่น่าดึงดูดใจทุกอย่างที่เกิดขึ้นในพื้นที่ส่วนกลางนั้นดูน่าทึ่งและสวยงาม

แม้ว่า Fedotov จะไม่ได้วาดภาพสิ่งมีชีวิต แต่เขาแสดงความสนใจในประเภทนี้อย่างไม่ต้องสงสัย สัญชาตญาณกระตุ้นให้เขาจัดสิ่งนี้หรือวัตถุนั้น จากมุมมองใดที่จะนำเสนอ สิ่งใดจะดูต่อไปไม่เพียงแต่มีเหตุผลตามหลักเหตุผลเท่านั้น แต่ยังแสดงออกอย่างชัดเจนอีกด้วย

โลกแห่งสิ่งต่าง ๆ ซึ่งช่วยแสดงชีวิตของบุคคลในทุกรูปแบบทำให้งานของ Fedotov มีการแสดงดนตรีพิเศษ เช่นภาพเขียน "Anchor, more anchor" (1851-1852), "The Widow" (1852) และอื่น ๆ อีกมากมาย

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ศิลปินประเภทภาพนิ่งแทบจะหยุดความสนใจของศิลปินแม้ว่าจิตรกรประเภทหลายคนจะรวมองค์ประกอบชีวิตไว้ในองค์ประกอบของพวกเขาด้วยความเต็มใจ สิ่งต่าง ๆ ในภาพวาดของ V.G. Perov (“ ดื่มชาใน Mytishchi”, 1862, Tretyakov Gallery, Moscow), L.I. Solomatkin (“Slavilshchiki-gorodovye”, 1846, รัฐ พิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์, มอสโก).

ภาพนิ่งถูกนำเสนอในฉากประเภทโดย A.L. Yushanova (“ Seeing off the chief”, 2407), M.K. Klodt (“The Sick Musician”, 1855), V.I. จาโคบี (“Pedlar”, 1858), A.I. Korzukhin (“ ก่อนสารภาพ”, 2420; “ในโรงแรมอาราม”, 2425), K.E. มาคอฟสกี (“Alekseich”, 1882) ผืนผ้าใบทั้งหมดเหล่านี้ถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันของ Tretyakov Gallery

เค.อี. มาคอฟสกี “Alekseich”, 2425, Tretyakov Gallery, มอสโก

ในยุค 1870-1880 ชีวิตประจำวันยังคงเป็นประเภทหลักในการวาดภาพรัสเซียแม้ว่าภูมิทัศน์และภาพบุคคลจะครอบครองสถานที่สำคัญเช่นกัน บทบาทที่ยิ่งใหญ่สำหรับ พัฒนาต่อไปศิลปะรัสเซียเล่นโดย Wanderers ซึ่งพยายามแสดงความจริงของชีวิตในผลงานของพวกเขา ศิลปินเริ่มให้ สำคัญมากทำงานจากธรรมชาติจึงหันมาใช้ภูมิทัศน์และสิ่งมีชีวิตมากขึ้น แม้ว่าหลายคนจะมองว่าสิ่งหลังเป็นการเสียเวลาเปล่า เนื้อหาภายใน. ดังนั้น I.N. Kramskoy กล่าวถึงจิตรกรชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงซึ่งไม่ละเลยสิ่งมีชีวิตในจดหมายถึง V.M. Vasnetsov: “คนที่มีความสามารถจะไม่เสียเวลากับภาพ เช่น แอ่ง ปลา ฯลฯ เป็นการดีที่จะทำสิ่งนี้ให้กับผู้ที่มีทุกอย่างแล้ว แต่เรายังมีงานอีกมากที่ต้องทำ”

อย่างไรก็ตาม ศิลปินชาวรัสเซียหลายคนที่ไม่ได้วาดภาพสิ่งมีชีวิตยังคงชื่นชมพวกเขา มองดูผืนผ้าใบของปรมาจารย์ชาวตะวันตก ตัวอย่างเช่น V.D. Polenov ซึ่งอยู่ในฝรั่งเศสเขียนถึง I.N. Kramskoy: “ดูซิว่าสิ่งต่างๆ จะเป็นอย่างไรที่นี่ เหมือนกับเครื่องจักร ทุกคนทำงานในแบบของตัวเอง ไปในหลากหลายทิศทาง ใครๆ ก็ชอบ และทั้งหมดนี้เป็นที่ชื่นชมและจ่ายเงิน กับเรา สิ่งที่สำคัญที่สุดคือสิ่งที่ทำเสร็จแล้ว แต่นี่คือวิธีการทำ ตัวอย่างเช่น สำหรับอ่างทองแดงที่มีปลาสองตัว พวกเขาจ่ายสองหมื่นฟรังก์ และนอกจากนี้ พวกเขาถือว่าช่างฝีมือทองแดงคนนี้เป็นจิตรกรคนแรก และบางทีอาจไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผล

เยี่ยมชมในปี 1883 ที่นิทรรศการใน Paris V.I. Surikov ชื่นชมทิวทัศน์ สิ่งมีชีวิต และภาพวาดดอกไม้ เขาเขียนว่า: “ปลาของ Gibert นั้นดี น้ำเมือกปลาถูกถ่ายทอดออกมาอย่างเชี่ยวชาญ มีสีสัน นวดตามน้ำเสียง” มีอยู่ในจดหมายของเขาถึง P.M. Tretyakov และคำพูดดังกล่าว: “ และปลาของ Gilbert เป็นสิ่งมหัศจรรย์ คุณสามารถรับมันไว้ในมือของคุณได้อย่างสมบูรณ์มันถูกเขียนขึ้นเพื่อหลอกลวง”

ทั้ง Polenov และ Surikov สามารถเป็นปรมาจารย์ที่ยอดเยี่ยมของสิ่งมีชีวิตได้ ดังที่เห็นได้จากวัตถุที่ทาสีอย่างเชี่ยวชาญในองค์ประกอบของพวกเขา (“Sick” โดย Polenova, “Menshikov ใน Berezov” โดย Surikov)

วี.ดี. โปเลนอฟ “ป่วย”, 2429, Tretyakov Gallery

ภาพนิ่งส่วนใหญ่ที่สร้างขึ้นโดยศิลปินรัสเซียที่มีชื่อเสียงในยุค 1870 และ 1880 เป็นผลงานที่มีลักษณะเป็นภาพร่าง ซึ่งแสดงถึงความปรารถนาของผู้เขียนในการถ่ายทอดลักษณะของสิ่งต่างๆ ผลงานเหล่านี้บางชิ้นแสดงถึงวัตถุที่หายากและแปลกตา (เช่น การศึกษากับภาพวาดของ I.E. Repin เรื่อง "Cossacks write a Letter to the Turkish Sultan", 1891) คุณค่าในตัวเองงานดังกล่าวไม่มีอยู่จริง

ภาพนิ่ง โดย A.D. Litovchenko สร้างเป็นภาพร่างเตรียมการสำหรับผืนผ้าใบขนาดใหญ่ "Ivan the Terrible Shows His Treasures to Ambassador Horsey" (1875, Russian Museum, St. Petersburg) ศิลปินโชว์ผ้าหรูหรา ฝังอาวุธ อัญมณีล้ำค่า, ของทองและเงินที่เก็บไว้ในคลังสมบัติของราชวงศ์

หายากมากขึ้นในเวลานั้นคือสิ่งมีชีวิตที่ยังคงความเยือกเย็นซึ่งเป็นตัวแทนของของใช้ในครัวเรือนทั่วไป งานดังกล่าวจัดทำขึ้นโดยมีวัตถุประสงค์เพื่อศึกษาโครงสร้างของสิ่งต่าง ๆ และเป็นผลจากการฝึกเทคนิคการวาดภาพด้วย

ชีวิตยังคงมีบทบาทสำคัญไม่เพียงแต่ในการวาดภาพประเภทเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในการถ่ายภาพบุคคลด้วย ตัวอย่างเช่นในภาพ I.N. Kramskoy“ Nekrasov ในช่วงเวลาของเพลงสุดท้าย” (1877-1878, Tretyakov Gallery, Moscow) วัตถุทำหน้าที่เป็นอุปกรณ์เสริม เอส.เอ็น. โกลด์สตีนผู้ศึกษางานของ Kramskoy เขียนว่า: “ในการค้นหาองค์ประกอบโดยรวมของงาน เขาพยายามทำให้แน่ใจว่าการตกแต่งภายในที่เขาสร้างขึ้นใหม่ แม้จะเป็นตัวของตัวเองในชีวิตประจำวันก็ตาม ความสำคัญไม่เสื่อมคลายของกวีนิพนธ์ของเขา และแท้จริงแล้ว อุปกรณ์เสริมแต่ละชิ้นของการตกแต่งภายในนี้ - ปริมาตรของ Sovremennik ที่วางซ้อนกันบนโต๊ะข้างเตียงของผู้ป่วยแบบสุ่ม กระดาษแผ่นหนึ่งและดินสอในมือที่อ่อนแรงของเขา หน้าอกของ Belinsky ภาพเหมือนของ Dobrolyubov ที่แขวนอยู่บนผนัง - ได้มางานนี้อย่างมีความหมาย สัญญาณภายนอกสถานการณ์แต่พระธาตุสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับภาพลักษณ์ของบุคคล

ในบรรดาสิ่งมีชีวิตเล็กๆ น้อยๆ ของผู้พเนจร สถานที่หลักถูกครอบครองโดย "ช่อดอกไม้" “ช่อดอกไม้” ที่น่าสนใจโดย V.D. Polenov (1880, Abramtsevo Estate Museum) ในลักษณะของการดำเนินการชวนให้นึกถึงสิ่งมีชีวิตที่ยังคงของ I.E. รีพิน ไม่โอ้อวดในแรงจูงใจ (ดอกไม้ป่าขนาดเล็กในแจกันแก้วเรียบง่าย) กระนั้นเขาก็พอใจกับภาพวาดฟรีของเขา ในช่วงครึ่งหลังของยุค 1880 ช่อดอกไม้ที่คล้ายกันปรากฏในภาพวาดของ I.I. เลวีแทน.

ในอีกทางหนึ่ง I.N. สาธิตดอกไม้ให้ผู้ชมได้เห็น ครามสกอย นักวิจัยหลายคนเชื่อว่าภาพวาดสองภาพคือ “ช่อดอกไม้ ต้นฟลอกส” (1884, Tretyakov Gallery, มอสโก) และ“ กุหลาบ” (1884, คอลเลกชันของ R.K. Viktorova, มอสโก) ถูกสร้างขึ้นโดยอาจารย์ขณะทำงานบนผืนผ้าใบ "ความเศร้าโศกที่ไม่สามารถปลอบโยน"

Kramskoy แสดง "ช่อดอกไม้" สองช่อที่ XII Traveling Exhibition องค์ประกอบที่สดใสและงดงามซึ่งแสดงภาพดอกไม้ในสวนบนพื้นหลังสีเข้มพบผู้ซื้อก่อนการเปิดนิทรรศการ เจ้าของผลงานเหล่านี้คือ Baron G.O. Gunzburg และจักรพรรดินี

ที่นิทรรศการการเดินทางทรงเครื่อง ค.ศ. 1881-1882 ได้รับความสนใจจากสาธารณชนด้วยภาพวาดของ K.E. Makovsky ตั้งชื่อในแคตตาล็อก "Nature morte" (ตอนนี้อยู่ใน Tretyakov Gallery ภายใต้ชื่อ "In the Artist's Studio") ผ้าใบขนาดใหญ่แสดงภาพสุนัขตัวใหญ่นอนอยู่บนพรมและเด็กเอื้อมมือจากเก้าอี้นวมไปหาผลไม้บนโต๊ะ แต่ตัวเลขเหล่านี้เป็นเพียงรายละเอียดที่ผู้เขียนต้องการเพื่อชุบชีวิตภาพนิ่ง ซึ่งเป็นสิ่งหรูหรามากมายในสตูดิโอของศิลปิน ภาพวาดของมาคอฟสกีเขียนขึ้นตามประเพณีของศิลปะเฟลมิช ยังคงสัมผัสจิตวิญญาณของผู้ชม ศิลปินที่ถ่ายทอดความงามของของราคาแพง ล้มเหลวในการแสดงความเป็นตัวของตัวเองและสร้างผลงาน วัตถุประสงค์หลักอันเป็นการแสดงถึงความร่ำรวยและความฟุ่มเฟือย

วัตถุทั้งหมดในภาพดูเหมือนจะถูกรวบรวมเพื่อทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยความสง่างาม บนโต๊ะมีชุดผลไม้แบบดั้งเดิม คือ แอปเปิ้ลลูกใหญ่ ลูกแพร์ และองุ่นบนจานสวยใบใหญ่ มีเหยือกเงินขนาดใหญ่ประดับประดาด้วย ใกล้ๆ กันมีภาชนะไฟสีขาวฟ้า ข้างๆ เป็นอาวุธโบราณที่ประดับประดาอย่างวิจิตรบรรจง การที่นี่คือเวิร์กช็อปของศิลปินทำให้นึกถึงแปรงที่วางอยู่ในเหยือกกว้างบนพื้น เก้าอี้นวมปิดทองมีดาบอยู่ในฝักอันหรูหรา พื้นปูด้วยพรมประดับสีสดใส ผ้าราคาแพงยังทำหน้าที่เป็นของตกแต่ง - ผ้าที่ตัดแต่งด้วยขนหนาและกำมะหยี่ที่ใช้เย็บม่าน สีของผืนผ้าใบยังคงอยู่ในเฉดสีที่อิ่มตัวโดยมีสีแดงเข้ม, น้ำเงิน, ทอง

จากทั้งหมดที่กล่าวมา เป็นที่ชัดเจนว่าในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ชีวิตยังคงไม่ได้มีบทบาทสำคัญในการวาดภาพของรัสเซีย มันถูกแจกจ่ายเพื่อการศึกษาสำหรับการวาดภาพหรือการศึกษาเท่านั้น ศิลปินมากมายที่วาดภาพสิ่งมีชีวิตภายใน โปรแกรมวิชาการในงานอิสระพวกเขาไม่กลับมาเล่นแนวนี้อีกแล้ว ภาพนิ่งส่วนใหญ่ถูกวาดโดยผู้ที่ไม่ใช่มืออาชีพซึ่งสร้างสีน้ำด้วยดอกไม้ เบอร์รี่ ผลไม้ เห็ด ปรมาจารย์ใหญ่ไม่ได้พิจารณาว่าชีวิตยังคงมีค่าควรแก่การเอาใจใส่ และใช้วัตถุเพียงเพื่อแสดงฉากและตกแต่งภาพอย่างเชื่อเท่านั้น

การเริ่มต้นชีวิตใหม่ครั้งแรกนั้นสามารถพบได้ในภาพวาดของศิลปินที่ทำงานในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20: I.I. Levitan, I.E. Grabar, V.E. Borisov-Musatov, M.F. Larionova, K.A. โคโรวิน. ในเวลานั้นเองที่ยังคงมีชีวิตปรากฏในศิลปะรัสเซียเป็นประเภทอิสระ

แต่มันเป็นสิ่งมีชีวิตที่แปลกประหลาดมาก เป็นที่เข้าใจโดยศิลปินที่ทำงานในลักษณะอิมเพรสชันนิสม์ ไม่ใช่องค์ประกอบแบบปิดธรรมดา ปรมาจารย์บรรยายรายละเอียดของสิ่งมีชีวิตในแนวนอนหรือภายใน และไม่ใช่ชีวิตของสิ่งที่สำคัญสำหรับพวกเขามากนัก แต่เป็นพื้นที่เอง หมอกของแสงที่ละลายโครงร่างของวัตถุ สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือภาพภาพนิ่งโดย M.A. Vrubel โดดเด่นด้วยความคิดริเริ่มที่เป็นเอกลักษณ์

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ศิลปินอย่างอ. โกโลวิน, เอส.ยู. Sudeikin, A.F. กอช, บี.ไอ. อนิสเฟลด์, ไอ.เอส. เด็กนักเรียน. คำใหม่ในประเภทนี้ก็พูดโดย N.N. Sapunov ผู้สร้าง ทั้งสายภาพวาดแผงด้วยช่อดอกไม้

ในช่วงทศวรรษ 1900 ศิลปินหลายคนจากหลากหลายทิศทางหันมาใช้ชีวิตแบบภาพนิ่ง ในหมู่พวกเขามีสิ่งที่เรียกว่า นักบวชมอสโก, นักสัญลักษณ์ (P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin) เป็นต้น สถานที่สำคัญองค์ประกอบเรื่องที่อยู่ในผลงานของอาจารย์ที่มีชื่อเสียงเช่น M.F. Larionov, N.S. Goncharova, A.V. Lentulov, ร.ร. ฟอล์ค, พี.พี. คอนชาลอฟสกี, A.V. เชฟเชนโก้ ดี.พี. ชเตเรนเบิร์ก ผู้ทำให้ภาพนิ่งเต็มไปด้วยภาพประเภทอื่นๆ ในภาพวาดรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 20

รายชื่อศิลปินรัสเซียรายหนึ่งที่ใช้องค์ประกอบของภาพนิ่งในงานของพวกเขาจะใช้พื้นที่มาก ดังนั้นเราจึงจำกัดตัวเองไว้ที่เนื้อหาที่นำเสนอที่นี่ ผู้ที่สนใจสามารถเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับลิงก์ที่ให้ไว้ในส่วนแรกของบทความชุดนี้เกี่ยวกับประเภทของภาพนิ่ง

โพสต์ก่อนหน้า: ส่วนที่ 1 -
ส่วนที่ 2 -
ส่วนที่ 3 -
ส่วนที่ 4 -
ส่วนที่ 5 -

เกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงบางคนที่สร้างภาพวาดภาพนิ่ง

บทนำ

คำว่า "ภาพนิ่ง" ใช้เพื่อกำหนดภาพวาดที่แสดงถึงวัตถุที่ไม่มีชีวิต (มาจากภาษาละตินว่า "ธรรมชาติที่ตายแล้ว") ยิ่งไปกว่านั้น วัตถุสามารถ แหล่งกำเนิดตามธรรมชาติ(ผลไม้ ดอกไม้ สัตว์และแมลงที่ตายแล้ว กระโหลก ฯลฯ) และฝีมือมนุษย์ (เครื่องใช้ต่างๆ นาฬิกา หนังสือและม้วนกระดาษ เครื่องประดับและอื่นๆ) บ่อยครั้ง ภาพนิ่งประกอบด้วยข้อความย่อยที่ซ่อนอยู่ ซึ่งถ่ายทอดผ่านภาพสัญลักษณ์ ผลงานที่มีลักษณะเชิงเปรียบเทียบอยู่ในประเภทย่อย "วานิทัส"

ชีวิตในรูปแบบประเภทได้รับการพัฒนามากที่สุดในฮอลแลนด์ในศตวรรษที่ 17 เพื่อเป็นการประท้วงต่อต้านคริสตจักรที่จัดตั้งขึ้นและการจัดเก็บภาษีของศิลปะทางศาสนา ที่ ประวัติเพิ่มเติมภาพวาดของชาวดัตช์ในสมัยนั้น (Utrech, Leiden, Delft และอื่น ๆ ) ผลกระทบอย่างมากเกี่ยวกับการพัฒนางานศิลปะ: องค์ประกอบ มุมมอง การใช้สัญลักษณ์เป็นองค์ประกอบของการบรรยาย แม้จะมีความสำคัญและความสนใจจากสาธารณชนตามสถาบันศิลปะ แต่ชีวิตยังคงครองตำแหน่งสุดท้ายในลำดับชั้นทั่วไปของประเภท

Rachel Ruysch

Ruysch เป็นหนึ่งในนักสัจนิยมและจิตรกรชาวดัตช์ที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่ง การแต่งเพลงของศิลปินนี้มีสัญลักษณ์มากมาย ข้อความทางศีลธรรมและศาสนาต่างๆ สไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของเธอคือการผสมผสานระหว่างพื้นหลังสีเข้ม ความใส่ใจในรายละเอียดอย่างพิถีพิถัน การลงสีที่ละเอียดอ่อน และภาพขององค์ประกอบเพิ่มเติมที่เพิ่มความน่าสนใจ (แมลง นก สัตว์เลื้อยคลาน แจกันคริสตัล)

Harmen van Stenwijk

ผลงานของนักสัจนิยมชาวดัตช์ผู้นี้แสดงให้เห็นอย่างสมบูรณ์แบบถึงสิ่งมีชีวิตในสไตล์วานิทัส ซึ่งแสดงให้เห็นความเร่งรีบและคึกคักของชีวิตบนโลก หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "Allegory of the Vanity of Human Life" ซึ่งแสดงให้เห็นกะโหลกศีรษะมนุษย์ในรังสี แสงแดด. รายการต่างๆองค์ประกอบอ้างอิงถึงความคิดเกี่ยวกับความตายทางร่างกายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ รายละเอียดและระดับของความสมจริงในภาพวาดของ Stenwijk ทำได้โดยใช้พู่กันละเอียดและเทคนิคการใช้สี

Paul Cezanne

Cezanne เป็นที่รู้จักจากภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล และผลงานประเภทต่าง ๆ ของเขา และยังมีส่วนช่วยในการพัฒนาหุ่นนิ่งอีกด้วย หลังจากที่ความสนใจในอิมเพรสชั่นนิสม์จางหายไป ศิลปินก็เริ่มสำรวจผลไม้และ วัตถุธรรมชาติทดลองกับตัวเลขสามมิติ การศึกษาเหล่านี้ช่วยสร้างมุมมองและมิติในการวาดภาพชีวิต ไม่เพียงแต่ผ่านเทคนิคคลาสสิกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการใช้สีอย่างเชี่ยวชาญด้วย ทิศทางทั้งหมดที่ Cezanne พิจารณาได้รับการศึกษาเพิ่มเติมโดย Georges Braque และ Picasso ในการพัฒนา cubism เชิงวิเคราะห์ ในการแสวงหาเป้าหมายในการสร้างสิ่งที่ "ถาวร" ศิลปินต้องการทาสีวัตถุเดียวกันและกระบวนการสร้างภาพนิ่งที่ยาวนานอย่างไม่น่าเชื่อนำไปสู่ความจริงที่ว่าผักและผลไม้เริ่มเน่าและสลายตัวนานก่อนที่ภาพวาดจะเสร็จสมบูรณ์ .

เขม

นักเรียนของ David Bailly นักสัจนิยมชาวดัตช์ Hem เป็นที่รู้จักจากภาพนิ่งที่งดงามของเขาด้วยรายละเอียดมากมาย เต็มไปด้วยองค์ประกอบ แมลงมากมาย และองค์ประกอบการตกแต่งและสัญลักษณ์อื่นๆ บ่อยครั้งที่ศิลปินใช้ลวดลายทางศาสนาในผลงานของเขา เช่น Jan Brueghel และ Federico Borromeo

Jean Baptiste Chardin

ฌอง ชาร์ดิน ลูกชายของช่างไม้ได้รับความอุตสาหะและความกระหายในการสั่งซื้อจากพ่อของเขาอย่างแม่นยำ ภาพวาดของอาจารย์มักจะสงบและเงียบขรึม เพราะเขาพยายามเพื่อความกลมกลืนของโทนสี สีสัน และรูปแบบ ซึ่งส่วนใหญ่สำเร็จได้จากการทำงานกับแสงและความเปรียบต่าง ความปรารถนาในความบริสุทธิ์และความสงบเรียบร้อยยังแสดงออกในกรณีที่ไม่มีสัญลักษณ์เปรียบเทียบในการแต่งเพลง

Frans Snyders

ผู้เขียนภาพนิ่งแบบบาโรกและฉากสัตว์เป็นปรมาจารย์ที่อุดมสมบูรณ์อย่างเหลือเชื่อ และความสามารถของเขาในการถ่ายทอดพื้นผิวของหนัง ขนสัตว์ แก้ว โลหะ และวัสดุอื่นๆ นั้นไม่มีใครเทียบได้ สไนเดอร์ยังเป็นจิตรกรสัตว์ที่มีชื่อเสียง ซึ่งมักวาดภาพสัตว์ที่ตายแล้วในหุ่นจำลองของเขา ต่อมาได้เป็นจิตรกรอย่างเป็นทางการของอาร์ชดยุกอัลเบิร์ตแห่งออสเตรีย ทำให้เกิดอีกองค์หนึ่งขึ้น มากกว่าผลงานชิ้นเอก

ฟรานซิสโก เด ซูร์บาราน

เซอร์บาราน - นักเขียนชื่อดังภาพวาดเกี่ยวกับศาสนา - เป็นหนึ่งในผู้สร้างภาพนิ่งที่ยิ่งใหญ่ที่สุด งานของเขามีคุณภาพเหนือกาลเวลาและเรียบง่ายไร้ที่ติ ตามกฎแล้วพวกมันเป็นตัวแทนของวัตถุจำนวนเล็กน้อยบนพื้นหลังสีเข้ม

Conor Walton

จาก นักเขียนร่วมสมัยที่น่าสังเกตคือ Conor Walton การมีส่วนร่วมของศิลปินชาวไอริชในการพัฒนาสิ่งมีชีวิตสามารถเห็นได้อย่างชัดเจนในผลงาน "Hidden: Oranges and Lemons" (2008), "Still Life with Large Orchids" (2004) งานของช่างฝีมือมีความแม่นยำและดำเนินการโดยใช้แสงเป็นพิเศษเพื่อช่วยถ่ายทอดพื้นผิวของพื้นผิวต่างๆ

สิ่งมีชีวิตที่ดีที่สุดปรับปรุงเมื่อ: 4 มิถุนายน 2017 โดย: Gleb