Ilya Kabakov: πίνακες ζωγραφικής και η περιγραφή τους. Καλλιτέχνης Ilya Iosifovich Kabakov

Ο Ilya Kabakov γεννήθηκε το 1933 στο Dnepropetrovsk. Η μαμά είναι λογίστρια, ο μπαμπάς είναι μηχανικός. Το 1941, με τη μητέρα του, εκκενώθηκε στη Σαμαρκάνδη του Ουζμπεκιστάν, όπου μεταφέρθηκε προσωρινά το Ινστιτούτο Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής του Λένινγκραντ. Ρεπίνα. Το 1943, ο Ilya μεταφέρθηκε στη σχολή τέχνης υπό τον Repinsky στη Σαμαρκάνδη και το 1945 - στη Σχολή Τέχνης της Μόσχας: Δευτεροβάθμια Σχολή Τέχνης της Μόσχας στο Krymsky Val, τώρα το λύκειο τέχνης της Ρωσικής Ακαδημίας Τεχνών. Ελλείψει εγγραφής στη Μόσχα, ο Kabakov ζει σε κοιτώνες και η μητέρα του ζει στις πιο απίστευτες συνθήκες: στη σχολική τουαλέτα, στις γωνίες των δωματίων, σε αχυρώνες. Αφού αποφοίτησε από το Σχολείο Τέχνης της Μόσχας το 1951, ο Kabakov εισήλθε στο Ινστιτούτο Surikov στο εργαστήριο βιβλίου του επικεφαλής καλλιτέχνη του εκδοτικού οίκου "Detgiz" (από το 1963 - "Παιδική Λογοτεχνία"), καθηγητή Boris Aleksandrovich Dekhterev. Ακόμη και πριν αποφοιτήσει από το ινστιτούτο το 1957, ο Kabakov άρχισε να εργάζεται ως εικονογράφος στο Detgiz και στα περιοδικά Funny Pictures και Murzilka. Αργότερα, ο Kabakov μιλά για το καταπιεστικό συνεχές αίσθημα φόβου, που του ενστάλαξε ως παιδί, σε κοιτώνες και ένιωσε έντονα στη συνέχεια. Λέει ότι δεν πρόλαβε καν να σχηματιστεί, να γίνει ο εαυτός του, και ο φόβος ήταν ήδη εκεί, ο φόβος να μην ανταποκριθεί στο αναμενόμενο, σωστό, πρότυπο. Ένιωθε ξεκάθαρα τον διαχωρισμό ανάμεσα στον εαυτό του -αδύναμο, όχι αρκετά ελκυστικό, χωρίς ταλέντο- και τις εκπαιδευμένες αυτόματες αντιδράσεις του στις εξωτερικές απαιτήσεις. Ένιωσα ξεκάθαρα την ασυνέπειά μου με τις κοινωνικές προσδοκίες, αλλά και με τις επαγγελματικές. Έχοντας εκπαιδευτεί ως ζωγράφος, ο Kabakov παραδέχεται ότι δεν είχε καμία απολύτως αίσθηση του χρώματος και μπορούσε να καταλάβει, αλλά όχι να ενεργήσει αυθόρμητα. Αντικατέστησε την έλλειψη συναισθήματος με εκπαίδευση και γνώση. Μόνο αυτό το γεγονός έπρεπε να κρύβεται, πάντα κρυφό. Όλη του τη ζωή θεωρεί τον εαυτό του εγκατάλειψη, λέγοντας ότι μπήκε στο σχολείο τέχνης σε μια εποχή που ήταν στα βάθη της, πολλοί δίδασκαν επειδή έπρεπε, ήταν συχνά μεθυσμένοι και δεν προσπαθούσαν να αναπτύξουν κανέναν σε τίποτα. Έτσι, ανασφαλής και εξαιρετικά αρνητικά συνδεδεμένος με την κρατική μηχανή, με το σύνολο της σοβιετικής κοινωνίας, ο Kabakov εισήλθε στον επαγγελματικό κόσμο. Στο στούντιο του Ilya Kabakov στη λεωφόρο Sretensky, Φωτογραφία: Igor Palmin

Ξεκινώντας από τα τέλη της δεκαετίας του '50 και για τα επόμενα 30 χρόνια, ο Kabakov ασχολείται με την παιδική εικονογράφηση. Αυτός ήταν ο πιο απαιτητικός τομέας από την άποψη της λογοκρισίας· το πιο σημαντικό ήταν να «εκπαιδευτείς», να ζωγραφίσεις ακριβώς όπως ήθελε ο καλλιτεχνικός συντάκτης, να μάθει, όπως λέει ο ίδιος ο καλλιτέχνης, να βλέπει μέσα από τα μάτια του συντάκτης. Ο Kabakov ενσωματώθηκε στο σύστημα, έγινε μέλος της Ένωσης Καλλιτεχνών και, σε 2-3 μήνες, συμπληρώνοντας 3 βιβλία, εξασφάλισε οικονομικά τον εαυτό του και την οικογένειά του για ένα χρόνο. Επιπλέον, όσο πιο αδύναμο ήταν το λογοτεχνικό υλικό, τόσο λιγότερες τύψεις υπήρχαν. Όπως λέει και ο ίδιος, δεν είχε αγάπη για την εικονογράφηση και την αντιμετώπιζε ως έναν ελάχιστο και επαρκή τρόπο ύπαρξης μέσα σε ένα σύστημα που δεν είδε νόημα να αντιταχθεί - για εκείνον φαινόταν αιώνιο. Ωστόσο, αυτή η αρχή - μιλώντας προς τα έξω σε μια γενικά αποδεκτή, κοινότοπη γλώσσα, αλλά ταυτόχρονα φτιάχνοντας τα δικά σας νοήματα και ζώντας στον προσωπικό σας κόσμο - γίνεται θεμελιώδης για το έργο του Kabakov.

Εικονογράφηση για το βιβλίο του S. Marshak "The House That Jack Built"», 1967, συλλογή του Μουσείου ART4

Το 1957, πραγματοποιήθηκε στη Μόσχα το Παγκόσμιο Φεστιβάλ Νεολαίας και Φοιτητών, ένας τεράστιος αριθμός φωτεινών, χαρούμενων ξένων, συμπεριλαμβανομένων καλλιτεχνών, ήρθαν στη Μόσχα, πραγματοποιήθηκαν κοινές εκθέσεις και ένα διεθνές στούντιο τέχνης. Το 1959 πραγματοποιήθηκε η Αμερικανική Έκθεση στο Σοκολνίκι. Άλμπουμ και βιβλία για τη σύγχρονη τέχνη κάνουν το δρόμο τους στη χώρα. Οι underground Σοβιετικοί καλλιτέχνες είναι ταραγμένοι.

Ανεπίσημη τέχνη

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Ilya Kabakov ξεκίνησε ανεπίσημη καλλιτεχνική δραστηριότητα. Είναι μέλος της «Σουρεαλιστικής Λέσχης», με επικεφαλής τον Hulot Sooster και τον Yuri Sobolev (καλλιτεχνικός συντάκτης του εκδοτικού οίκου Znanie), ο Yuri Pivovarov και ο Vladimir Yankilevsky είναι επίσης μέλη αυτής της ομάδας. Σε ένα εργαστήριο κάτω από τη στέγη της πρώην ασφαλιστικής εταιρείας Rossiya στην πλατεία Turgenevskaya, ο Sooster, ο οποίος μέσω των εσθονικών καναλιών είχε πρόσβαση στην ελάχιστα γνωστή κληρονομιά του σουρεαλισμού στην ΕΣΣΔ, ζωγραφίζει θάμνους αρκεύθου, ψάρια, εφευρίσκει παραβολές και αντλεί περίπλοκα συμβολικά συστήματα. από τα όνειρά του. Όπως λέει ο Kabakov - και ο προσδιορισμός της αντιστοιχίας των ιστοριών του με την ιστορική πραγματικότητα είναι δύσκολος και καθόλου απαραίτητος - τα πρώτα χρόνια μετά το κολέγιο προσπαθεί να ζωγραφίσει μια «απόλυτη» εικόνα, ένα «αριστούργημα», ένα όμορφο και τέλειο έργο τέχνης - και μετά από λίγο εγκαταλείπει εντελώς αυτή την ιδέα. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, μια ολόκληρη ομάδα εργαστηρίων σχηματίστηκε στην περιοχή Chistye Prudy, τα οποία έγιναν χώροι επικοινωνίας μεταξύ καλλιτεχνών, ποιητών, εργαζομένων στο θέατρο και του κινηματογράφου και για τη διεξαγωγή ανεπίσημων εκθέσεων. Διευθυντές μουσείων, ξένοι και υπάλληλοι διπλωματικών αποστολών έρχονται εδώ ελεύθερα· οι επαφές με αριστερούς ακτιβιστές από άλλες χώρες εκτιμώνται ιδιαίτερα - επειδή η ΕΣΣΔ δεν μπορεί να τους προσβάλει για πολιτικούς λόγους. Όλα αυτά συμβαίνουν αυστηρά ανεπίσημα, δεν είναι ευπρόσδεκτα ούτε από την κοινωνία ούτε από την KGB, αλλά δεν γίνεται αισθητό ο αυστηρός έλεγχος. Το 1962, σε μια έκθεση στο Manege, ο Χρουστσόφ αποκάλεσε τους μη σοσιαλιστές ρεαλιστές καλλιτέχνες «παιδεραστές» και καθόρισε την επίσημη στάση απέναντί ​​τους· η «απόψυξη» έφτανε στο τέλος της. Ωστόσο, το 1965, τα έργα των κύριων μελών της Λέσχης των Σουρεαλιστών συμπεριλήφθηκαν στη μεγάλη έκθεση «Alternative Reality II» στην Ιταλία, όπου παρουσιάστηκαν τόσο ο Hockney όσο και ο Magritte, και διανεμήθηκαν στον κατάλογο σε διαφορετικές κατηγορίες. Ο Sooster καταλήγει στο "Symbolic Magic", ο Sobolev και ο Yankilevsky - στο "Visionary Perspective", ο Kabakov - στο "Fiction and Irony". Μετά από αυτό, ο Kabakov άρχισε να εκτίθεται στο εξωτερικό ως ανεπίσημος σοβιετικός καλλιτέχνης - στη Βενετία, στο Λονδίνο, στην Κολωνία.

Πιστεύεται ότι στις αρχές της δεκαετίας του '70, ο Vitaly Komar και ο Alexander Melamid βρήκαν έναν νέο τρόπο δράσης ως απάντηση στην ανάγκη για εξωτερικό μιμητισμό, υποχρεωτικό μεταξύ ανεπίσημων καλλιτεχνών: άρχισαν να εργάζονται για λογαριασμό επινοημένων καλλιτεχνών - του αφαιρετικού του 18ου αιώνα. Apelles Zyablov, ο ρεαλιστής των αρχών του 20ου αιώνα, Nikolai Buchumov, «Διάσημοι καλλιτέχνες των αρχών της δεκαετίας του '70 του εικοστού αιώνα» ή αναμειγνύοντας πολλά στυλ από διαφορετικές περιόδους. Ο Kabakov υιοθετεί τη στρατηγική χαρακτήρων από τους Komar και Melamid και την αναπτύσσει. Ήταν ο πρώτος που κατάλαβε θεωρητικά τον χαρακτηρισμό. Στο κείμενο «Καλλιτέχνης-Χαρακτήρας», που γράφτηκε το 1985, ο Kabakov τονίζει την αδυναμία άμεσης, άμεσης δημιουργικότητας, αφενός, στην κυριαρχία της επίσημης σοβιετικής τέχνης και, αφετέρου, στην κατάσταση της απουσίας καλλιτεχνικής ζωής. - εκθέσεις, θεατές, κριτική - για ανεπίσημους καλλιτέχνες. Και οι ίδιοι αναγκάζονται να εφεύρουν έναν καλλιτεχνικό κόσμο για τον εαυτό τους, αλλά αποδεικνύεται παγωμένος, άψυχος, αιώνιος - εξάλλου δεν υπάρχει τρέχουσα καλλιτεχνική ζωή. Στον απατηλό κόσμο, ο καλλιτέχνης βρίσκεται μέσα σε ολόκληρη την ιστορία της τέχνης και η δική του δημιουργικότητα απομακρύνεται από αυτήν κυρίως από αυτή την απίστευτη χρονική περίοδο. Το επίπεδο προβληματισμού που απαιτείται από το πανόραμα της ιστορίας που ερευνάται δεν αφήνει την ευκαιρία απλώς να τραβήξετε και να ζωγραφίσετε μια εικόνα. Χρειαζόμαστε έναν καλλιτέχνη-χαρακτήρα, ξεχωριστό, με τη δική του βιογραφία και χαρακτήρα· είναι αυτός που θα παράγει τέχνη σύμφωνα με την εσωτερική του ανάγκη. Δηλαδή, ο φανταστικός καλλιτέχνης είναι ένα είδος εργαλείου προσαρμογής στη σοβιετική καλλιτεχνική κατάσταση.

Εννοιολογισμός της Μόσχας

Ο A. Aksinin και ο I. Kabakov στο εργαστήριο του Kabakov στη λεωφόρο Sretensky. Μόσχα, Σεπτέμβριος 1979

Από το 1970-76, ο Kabakov δημιούργησε 55 άλμπουμ γραφικών για τους "10 χαρακτήρες" ("Flying Komarov", "Looking Arkhipov", "Mathematical Gorsky", "Anna Petrovna Dreams", "Tormenting Surikov" και ούτω καθεξής). Κάθε μαύρος φάκελος περιέχει από 30 έως 100 φύλλα που απεικονίζουν τις απόψεις ή απευθείας τις απόψεις του κύριου χαρακτήρα και σχόλια από άλλους συμμετέχοντες στα γεγονότα. Συχνά αυτά τα «άλμπουμ» ονομάζονται εννοιολογικά κόμικς. Η πρακτική της προβολής αυτών των άλμπουμ φακέλων ήταν ότι στο οικιακό περιβάλλον ο συγγραφέας απήγγειλε και έδειχνε τις ιστορίες στους συγκεντρωμένους μυημένους. Στους «10 χαρακτήρες» ο Kabakov δείχνει διαφορετικούς τρόπους υπέρβασης της πραγματικότητας· αυτό, στην πραγματικότητα, είναι το κύριο θέμα της δουλειάς του. Λέγοντας στον Boris Groys πολύ αργότερα για την τρομερή πλήξη της ζωής και την ίδια πλήξη της τέχνης, ο Kabakov μιλά για τη μαγική στιγμή που ένα βαρετό αντικείμενο, απλά χάρη σε αυτόν, ο Kabakov, ξαφνικά μετατρέπεται σε αιώνιο - γίνεται τέχνη. Απλά πρέπει να καταλάβετε πώς - και αυτή η στιγμή τον ενθουσιάζει ατελείωτα. Στη συνέχεια, στα μέσα της δεκαετίας του '70, ο Kabakov άρχισε να εργάζεται σε "άλμπουμ" σχετικά με την κοινοτική ζωή και το γραφείο στέγασης. Ο Kabakov βλέπει το κοινόχρηστο διαμέρισμα, το οποίο γνωρίζει καλά από τη δική του βιογραφία, ως την πεμπτουσία του Σοβιέτ: κάτι στο οποίο κανείς δεν μπορεί να ζήσει, αλλά από το οποίο δεν μπορεί να ξεφύγει.

Το 1979, ο Boris Groys, ο οποίος είχε μετακομίσει πρόσφατα από το Λένινγκραντ στη Μόσχα, έγραψε το προγραμματικό κείμενο «Moscow Romantic Conceptualism», καθορίζοντας ότι οι Ρώσοι καλλιτέχνες, ακόμη και εννοιολόγοι και αναλυτές, δεν μπορούν, σε αντίθεση με τους Ευρωπαίους και τους Αμερικανούς, να απελευθερωθούν από την πνευματικότητα και την αιωνιότητα. . Ο Γκρόις αναφέρει ως παράδειγμα σύντομες αναλύσεις των δραστηριοτήτων 4 καλλιτεχνών· ο Καμπάκοφ δεν είναι ανάμεσά τους, αλλά πολύ σύντομα ο χαρακτηρισμός του ιδρυτή πατέρα και ηγέτη του ρομαντικού εννοιολογισμού της Μόσχας, που εξακολουθεί να θεωρείται, είναι κολλημένος σε αυτόν.

Ilya Kabakov, «Anna Evgenievna Koroleva: Ποιανού μύγα είναι αυτή;», 1987, από τη συλλογή του Μουσείου ART4

Ο Ilya Kabakov, ο Kabakov αναλογίζεται την αλληλεπίδραση μεταξύ λέξεων και εικόνων ως εξής: μια εικόνα είναι, κατά κάποιο τρόπο, ένα πεδίο συνείδησης που εξωτερικεύεται. Για να το αντιληφθείς είναι απαραίτητο το έργο της συνείδησης. Από την άλλη, η εικόνα στον πίνακα αλληλεπιδρά με το γεγονός ότι ο τοίχος στον οποίο κρέμεται έχει επίσης τη δική του οπτικότητα. Και όταν διαφορετικές εικόνες συνδυάζονται σε μια εικόνα, όπως συμβαίνει με τον Kabakov, ολόκληρη η παρατηρούμενη σκηνή χωρίζεται σε διαφορετικά στοιχεία αντικειμένου και η εικόνα πέφτει από τη συνείδηση ​​και γίνεται αντικείμενο. Αλλά οι γραπτές λέξεις διαβάζονται αμέσως και μπαίνουν κατευθείαν στη συνείδηση, σχεδιάζοντας ολόκληρη την εικόνα εκεί. Από την τρίτη πλευρά, οι λέξεις που χρησιμοποιεί ο Kabakov στους πίνακές του είναι ευθύς λόγος, καθημερινός, αποσπασματικός. Αυτή είναι η ομιλία που κυριολεκτικά ακούμε στο μυαλό μας. Όσοι προφέρουν αυτές τις λέξεις -και γνωρίζουμε πάντα τα ονόματα και τα επώνυμά τους- φαίνεται να στέκονται κοντά. Ο λόγος λοιπόν γίνεται υλικός, κατά κάποιο τρόπο αντικείμενο. Επιπλέον, όχι μόνο φυσική, αλλά ακόμη και «χωρική». Μια θάλασσα φωνών και λέξεων ταλαντεύεται συνεχώς γύρω από όλους, γράφει ο Kabakov, και αν μιμηθείς ένα κομμάτι από την ομιλία κάποιου, εκείνος που το ακούει θα αναστατώσει την εσωτερική θάλασσα του λόγου του. Έτσι, ο συνδυασμός λέξεων και εικόνων στην εικόνα μπερδεύει τον εξωτερικό και τον εσωτερικό θεατή, βυθίζοντάς τον σε ισχυρές ψευδαισθήσεις.

Ο Kabakov σκέφτεται την αλληλεπίδραση μεταξύ λέξεων και εικόνων: μια εικόνα είναι, κατά κάποιο τρόπο, ένα εξωτερικευμένο πεδίο συνείδησης. Για να το αντιληφθείς είναι απαραίτητο το έργο της συνείδησης. Από την άλλη, η εικόνα στον πίνακα αλληλεπιδρά με το γεγονός ότι ο τοίχος στον οποίο κρέμεται έχει επίσης τη δική του οπτικότητα. Και όταν διαφορετικές εικόνες συνδυάζονται σε μια εικόνα, όπως συμβαίνει με τον Kabakov, ολόκληρη η παρατηρούμενη σκηνή χωρίζεται σε διαφορετικά στοιχεία αντικειμένου και η εικόνα πέφτει από τη συνείδηση ​​και γίνεται αντικείμενο. Αλλά οι γραπτές λέξεις διαβάζονται αμέσως και μπαίνουν κατευθείαν στη συνείδηση, σχεδιάζοντας ολόκληρη την εικόνα εκεί. Από την τρίτη πλευρά, οι λέξεις που χρησιμοποιεί ο Kabakov στους πίνακές του είναι ευθύς λόγος, καθημερινός, αποσπασματικός. Αυτή είναι η ομιλία που κυριολεκτικά ακούμε στο μυαλό μας. Όσοι προφέρουν αυτές τις λέξεις -και γνωρίζουμε πάντα τα ονόματα και τα επώνυμά τους- φαίνεται να στέκονται κοντά. Ο λόγος λοιπόν γίνεται υλικός, κατά κάποιο τρόπο αντικείμενο. Επιπλέον, όχι μόνο φυσική, αλλά ακόμη και «χωρική». Μια θάλασσα φωνών και λέξεων ταλαντεύεται συνεχώς γύρω από όλους, γράφει ο Kabakov, και αν μιμηθείς ένα κομμάτι από την ομιλία κάποιου, εκείνος που το ακούει θα αναστατώσει την εσωτερική θάλασσα του λόγου του. Έτσι, ο συνδυασμός λέξεων και εικόνων στην εικόνα μπερδεύει τον εξωτερικό και τον εσωτερικό θεατή, βυθίζοντάς τον σε ισχυρές ψευδαισθήσεις.

Ο Kabakov αποκαλεί το έργο του με τη λέξη «απόκρυψη» - όταν λέγεται κάτι που δεν εννοείται, φέρνοντας στο πεδίο της τέχνης τη σοβιετική κατάσταση με μια λέξη που έχει χάσει κάθε νόημα ή με μια «λωρίδα απαγόρευσης του λόγου». Με έναν ενδιαφέροντα τρόπο, ο Kabakov μετατρέπει αυτό το χάσμα μεταξύ λέξης και νοήματος και στον εαυτό του. Γράφει με ενθουσιασμό ότι κοιτάζοντας τα ήδη ολοκληρωμένα έργα του ξύπνησε μέσα του την πιο ενεργή νοητική δραστηριότητα στην ερμηνεία τους. Εδώ προτείνει ότι μερικά από αυτά που σκέφτεται μόνο μετά την ολοκλήρωση του πίνακα ήταν ήδη μέσα του τη στιγμή της δημιουργίας του, έστω και ασυνείδητα - και επομένως, ενδεχομένως, ο θεατής μπορεί επίσης να ξεκινήσει αυτές τις διάφορες ερμηνείες. Αλλά το κύριο πράγμα είναι ότι αυτή η πρόθεση δεν πέρασε συνειδητά στην εικόνα, πράγμα που σημαίνει ότι η συνείδηση ​​του Kabakov παρέμεινε έξω από αυτήν, είναι απαλλαγμένος από αυτήν. Η εικόνα είναι "προαιρετική" όχι μόνο για τον θεατή, αλλά και για τον Kabakov.

Φυσικά, υπάρχουν πολλές άλλες ερμηνείες, μεταξύ των οποίων και από τον ίδιο τον Kabakov. Για παράδειγμα, σε συνομιλίες με τον Γκρόις το 1990, ο Καμπάκοφ εξηγεί τις λέξεις στους πίνακές του με τον ήδη αναφερόμενο φόβο, για τον οποίο, κατ 'αρχήν, μιλάει πολύ. Στο λογοτεχνοκεντρικό, οπτικά αμόρφωτο σοβιετικό υποκείμενο - από φόβο «να μην γίνει επαρκώς κατανοητός και από τον πανικό φόβο της απροσεξίας του άλλου» - ο Kabakov λέει απλώς αυτό που ήθελε να πει ο καλλιτέχνης. Προβλέπει και ως εκ τούτου παραλύει την ομιλία του θεατή και την πιθανή αρνητική του εκτίμηση.

Μια νέα αρχή

Στη δεκαετία του 1980, ξεκίνησε μια νέα γραμμή στην τέχνη του Kabakov: άρχισε να ζωγραφίζει πολύχρωμους πίνακες. Το κείμενο δεν εξαφανίζεται από αυτό, αλλά μεταμορφώνεται σημαντικά. Τώρα η ρεαλιστική-ιμπρεσιονιστική ζωγραφική γεμίζει ολόκληρο το πεδίο της εικόνας και το κείμενο υπάρχει διακριτικά στην κορυφή, χωρίς να διεκδικεί πλέον την πρωτοκαθεδρία, όπως ήταν πριν, αλλά μόνο ενσωματώνεται στον κόσμο της εικόνας. Υπάρχει μια σαφής μετάβαση εδώ - που ακριβώς συμπίπτει με μια παρόμοια μετάβαση σε ολόκληρο τον δυτικό κόσμο - από τον κριτικό ρομαντικό εννοιολογισμό στον μεταμοντερνισμό, στην ενασχόληση με τις εικόνες. Πρέπει να σημειωθεί ότι όλη η σοβιετική οπτική μεταμορφώθηκε κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Η περεστρόικα ανοίγει την πόρτα στην ξένη μαζική κουλτούρα, η τηλεόραση και τα περιοδικά γίνονται πολύχρωμα και η βασικά πρωτοποριακή διδακτική γλώσσα των εφημερίδων τοίχου γίνεται ξεπερασμένη και μη δημοφιλής. Ο Kabakov, αντιδρώντας στις μεταβαλλόμενες συνθήκες, διατηρεί μια ειρωνική στάση απέναντί ​​τους. Εικόνες των ορίων των σοβιετικών καθημερινών ονείρων ή ζωντανές φωτογραφικές απεικονίσεις σχολιάζονται από κενά ή έντονα συναισθηματικά κείμενα, καταδεικνύοντας την απουσία οποιασδήποτε σημασίας σε σχέση με τον κόσμο. Τα πιο διάσημα έργα αυτού του κύκλου είναι το «Luxury Room» (1981) – διαφήμιση για δωμάτιο ξενοδοχείου, «Gastronom» (1981) – ένα όνειρο αφθονίας, «Σοκάκι» (1982) – ένα σοβιετικό εργοτάξιο για νέες κοινωνικές μονάδες , “Beetle” (1982 ) – φωτογραφία ενός σκαθαριού με παιδική ομοιοκαταληξία.

Ilya Kabakov, "Luxury Room",1981

Στις αρχές της δεκαετίας του 1980, ο Kabakov άρχισε να δημιουργεί τις πρώτες του εγκαταστάσεις. Η πρώτη του εγκατάσταση ήταν το «Μυρμήγκι» (1993), το εξώφυλλο του παιδικού βιβλίου «Δέτγκιζα» και πέντε σελίδες χειρόγραφων στοχασμών από έναν άνθρωπο για τις καλλιτεχνικές και πνευματικές δυνατότητες του μη-καλλιτεχνικού: αυτού του εξωφύλλου. Όπως λέει αργότερα ο Kabakov, βέβαια, αυτό το μυρμήγκι, μεταφορικά και οντολογικά, ως είδος πλάσματος, ήταν ο εαυτός του. Η επόμενη – «Επτά εκθέσεις μιας ζωγραφικής» – προσφέρει 4 πίνακες ζωγραφικής, ο καθένας που περιβάλλεται από πολλά καλλιγραφικά γραμμένα σχόλια από διάφορους θεατές. Εδώ ο Kabakov συνειδητοποιεί αυτό το βουητό των φωνών, για το οποίο μιλάει επίσης πολύ, αυτό το βουητό των τελείως διαφορετικών εκτιμήσεων και συμπεριφορών, που είναι πιο σημαντικό γι 'αυτόν από τις εκτιμήσεις και τις συμπεριφορές κοντινών, κατανοητών ανθρώπων - επειδή οι τυχαίες φωνές είναι πολιτισμός, όπου ο Kabakov προσπαθεί να γίνει ένα κοινό όνομα - έτσι ορίζει την επιρροή. Σε όλες τις επόμενες εγκαταστάσεις του, υπάρχει πάντα ο λόγος των άλλων, το γρύλισμα των άλλων, ο εκνευρισμός από την παρουσία των άλλων, η διάθεση ενός κοινόχρηστου διαμερίσματος. Από το 1982-86 έκανε το περίφημο «Ο άνθρωπος που πέταξε στο διάστημα από το δωμάτιό του». Η χωρική λύση της κύριας μεταφοράς του Kabakov για τη σοβιετική ζωή του επιτρέπει να δουλέψει με έναν νέο τρόπο με αυτό που περιγράφει ως σοβιετική μάνταλα - έναν κλειστό χώρο με μια δική του ισχυρή ενέργεια που κατευθύνει όλα όσα συμβαίνουν σε αυτόν. Όλοι οι κοινωνικοί θεσμοί που είναι οικείοι στην ανθρωπότητα βρίσκουν την ενσάρκωσή τους στον χώρο ενός κοινόχρηστου διαμερίσματος.

Ilya Kabakov, σελέργο εγκατάστασης "Red Car", 1991

Διεθνής αναγνώριση

Το 1988, πραγματοποιήθηκε η πρώτη δημοπρασία της Μόσχας του Sotheby's - έργα ανεπίσημων καλλιτεχνών βγήκαν στην ανοιχτή αγορά. Το 1989, ο Kabakov παντρεύτηκε την Emilia Lekah, η οποία μετανάστευσε από την ΕΣΣΔ το 1975. Από αυτή τη στιγμή, εργάζονται σε συνεργασία και τα έργα τους υπογράφονται με διπλό όνομα· είναι επιπλέον λάθος να μιλάμε για τα έργα του Ilya Kabakov ως μεμονωμένου συγγραφέα. Συχνά, ο ρόλος της Emilia θεωρείται ως αναγόμενος σε ακριβή διαχείριση και οργάνωση, αλλά, πρώτον, σύμφωνα με τη θεωρία του Kabakov, ο καλλιτέχνης-μάνατζερ δεν είναι λιγότερο σημαντικός τύπος από όλους τους άλλους, και δεύτερον, επιμένουν ενεργά στην αυστηρά ντουέτο συγγραφή έργων.

Από το 1987, ο Kabakov, που είναι ήδη 54 ετών, έχει ξεκινήσει ενεργές καλλιτεχνικές και εκθεσιακές δραστηριότητες στο εξωτερικό. Αυτή την περίοδο, το ενδιαφέρον για την τέχνη της περεστρόικα στην Ευρώπη και τις ΗΠΑ βρίσκεται στο αποκορύφωμά του. Η πρώτη εγκατάσταση στο πλαίσιο της επιχορήγησης έγινε για την όπερα στο Γκρατς της Αυστρίας: «Πριν από το δείπνο». Τα παρακάτω έργα βρίσκονται στη Νέα Υόρκη, Γαλλία, Γερμανία. Το 1989, οι Kabakov μετακόμισαν στο Βερολίνο και δεν επέστρεψαν ποτέ στη Ρωσία. Το 1992, ο Ilya και η Emilia δημιούργησαν τη σκηνογραφία για την «πρώτη μετακομμουνιστική όπερα» - τη «Ζωή με έναν ηλίθιο» του Schnittke βασισμένη σε μια ιστορία του Viktor Erofeev - στην Όπερα του Άμστερνταμ. Καθ' όλη τη διάρκεια της δεκαετίας του '90, οι Kabakov εξέθεταν συνεχώς στην Ευρώπη και τις ΗΠΑ: στο Pompidou Centre στο Παρίσι, στο MoMA στη Νέα Υόρκη, στο Kunsthalle της Κολωνίας, στο Εθνικό Κέντρο Σύγχρονης Τέχνης στο Όσλο, το 1992 στο Documenta IX στο Κάσελ. , το 1993 στη Μπιενάλε της Βενετίας, οι Kabakov έλαβαν το «Χρυσό Λιοντάρι» για το έργο «Red Pavilion»· το 1997, οι Kabakov εγκατέστησαν το αντικείμενο «Looking Up, Reading Words» για το Skulptur.Projecte στο Münster. Ακολούθησαν πολυάριθμα βραβεία και ο γαλλικός τίτλος του Ιππότη του Τάγματος των Τεχνών.

Ilya και Emilia Kabakov

Η Emilia χτίζει επιδέξια την πλευρά του μάρκετινγκ της καλλιτεχνικής δραστηριότητας. Περιορίζει τον αριθμό των έργων του διδύμου στην αγορά, με μεγάλα μουσεία σύγχρονης τέχνης να γίνονται οι προτιμώμενοι ιδιοκτήτες - ακόμα κι αν δεν έχουν τον προϋπολογισμό να πληρώσουν την αγοραία αξία. Οι Kabakov ανταποκρίνονται όσο το δυνατόν ακριβέστερα στις απαιτήσεις και τους νόμους της αγοράς και γρήγορα γίνονται όχι μόνο επιτυχημένοι μετασοβιετικοί καλλιτέχνες, αλλά και μορφές τέχνης παγκόσμιας κλάσης. Δημιουργούν έναν μύθο του σοβιετικού ανθρώπου, κατανοητό στη δυτική καλλιτεχνική κοινότητα. Η δουλειά τους είναι θεαματική και εξαιρετική για μεγάλους χώρους. Οι Kabakov γίνονται η προσωποποίηση της κοσμοθεωρίας ενός σοβιετικού ατόμου για έναν δυτικοευρωπαίο και αμερικανό θεατή που ενδιαφέρεται και ανατράφηκε σε ένα συγκεκριμένο αισθητικό παράδειγμα.

Στη δεκαετία του 2000, άρχισε η δημοτικότητα των Kabakov στη Ρωσία. Το 2003, η έκθεση «Ilya Kabakov. Τεκμηρίωση φωτογραφιών και βίντεο της ζωής και της δημιουργικότητας" στο Σπίτι της Φωτογραφίας της Μόσχας (MAMM), το 2004 - μια μεγάλη έκθεση "Δέκα χαρακτήρες" στην γκαλερί Tretyakov και, από κοινού με την Emilia, "An Incident in the Museum and Other Installations" - στο Γενικό Επιτελείο του Ερμιτάζ. Οι Kabakov δωρίζουν 2 εγκαταστάσεις στο Ερμιτάζ και ο Μιχαήλ Πιοτρόφσκι τις αποκαλεί ως την αρχή της συλλογής σύγχρονης τέχνης Ερμιτάζ. Ακολούθησε έκθεση 9 εγκαταστάσεων από το 1994-2004 στο Stella Art Foundation. Το 2006 και το 2008, όταν η ρωσική τέχνη δεν είχε προκαλέσει διεθνή ταραχή για πολύ καιρό, αλλά υπήρξε ένα δεύτερο κύμα ανόδου της τιμής της χάρη στην έκρηξη του ενδιαφέροντος από Ρώσους συλλέκτες, οι πίνακες «Lux Room» (1981) και Το "Beetle" (1982) πουλήθηκε στη δημοπρασία Philips de Pury (Λονδίνο) για ποσά ρεκόρ για ρωσικά έργα τέχνης.

Σήμερα, ο Ilya και η Emilia Kabakov συνεχίζουν να είναι αρκετά ενεργοί σε εκθεσιακές δραστηριότητες· τα έργα τους βρίσκονται σε συλλογές 250 μουσείων σε όλο τον κόσμο, περισσότερες από 50 γλυπτικές συνθέσεις βρίσκονται σε αστικούς χώρους.

Είναι καλό να είσαι κριτικός τέχνης στην εποχή του Διαδικτύου και των αφηρημένων παρατσούκλων - κανείς δεν θα ξέρει το πραγματικό σου όνομα, δεν χρειάζεται να συγκρατείς τον εαυτό σου, γιατί όλα είναι τόσο ξεκάθαρα και κατανοητά - είναι όλοι αρπαγοί και χάκερ! Για παράδειγμα, ο εννοιολόγος Ilya Kabakov. Πίνακες ζωγραφικής, γραφικά, εγκαταστάσεις - ορισμένα πράγματα δεν μοιάζουν με τίποτα άλλο στον κόσμο, αλλά κοστίζουν εκατομμύρια - όλα είναι ξεκάθαρα!

Αλλά μερικοί γνώστες θα πρέπει να ηρεμήσουν τις σπαρακτικές φωνές τους και θα ήταν καλύτερα να πάνε στην έκθεση αυτού του πλοιάρχου. Και αν κοιτάξεις με αληθινά ανοιχτά μάτια, μπορείς να δεις έναν καταπληκτικό, ανεξάντλητο κόσμο, άλλοτε γεμάτο χιούμορ και ειρωνεία, άλλοτε να ηχεί από πόνο για τους ανθρώπους που έζησαν και ζουν σε αυτή την ακατανόητη χώρα...

14 χρόνια σπουδών

Αλλά πρώτα υπήρξε μια μακρά μελέτη του επαγγέλματος. Ο Kabakov Ilya Iosifovich γεννήθηκε στο Dnepropetrovsk, στην οικογένεια ενός μηχανικού και λογιστή. Κατά τη διάρκεια του πολέμου, αυτός και η μητέρα του κατέληξαν στη Σαμαρκάνδη, όπου το Ινστιτούτο Repin εκκενώθηκε από το Λένινγκραντ. Η Ilya άρχισε να σπουδάζει στο παιδικό σχολείο τέχνης σε αυτό το ινστιτούτο. Μετά τον πόλεμο, ο Kabakov μεταφέρθηκε στη δευτεροβάθμια σχολή τέχνης της Μόσχας, από την οποία αποφοίτησε το 1951 και εισήλθε στο καλύτερο πανεπιστήμιο τέχνης στη χώρα - το Ινστιτούτο Surikov, στο τμήμα γραφικών. Επέλεξε να ειδικευτεί στην τέχνη των βιβλίων με τον καθηγητή Dekhterev.

Στα σημερινά απομνημονεύματα του πλοιάρχου, γεμάτα αυτοειρωνεία και μυστικοπάθεια, μπορεί κανείς να βρει την επιπόλαιη στάση του απέναντι στις σπουδές του στο σχεδιασμό παιδικών βιβλίων, τις οποίες ανέλαβε μετά την αποφοίτησή του από το ινστιτούτο το 1957. Τους αποκαλεί μόνο έναν τρόπο απόκτησης τροφής, στον οποίο αφιέρωσε ένα μικρό μέρος του χρόνου και της προσπάθειάς του. Το έντυπο υλικό για παιδιά ήταν ιδιαίτερα εμποτισμένο με ιδεολογικά κλισέ και δόγματα, και υποτίθεται ότι ήταν αδύνατο να γίνει κάτι ενδιαφέρον σε αυτά.

Αυτό φαίνεται σαν μια μικρή ανειλικρίνεια: η ποιότητα των βιβλίων από τον εκδοτικό οίκο «Παιδική Λογοτεχνία», τα περιοδικά «Murzilka», «Funny Pictures» θυμούνται πολλοί με χαρά, όχι μόνο λόγω της νοσταλγίας που σχετίζεται με την ηλικία. Ο Ilya Kabakov είναι ένας καλλιτέχνης που δημιούργησε εικονογραφήσεις για τα ποιήματα του Marshak, τα παραμύθια του Charles Perrault και ιστορίες για τον Peter Pan. Η ελευθερία, η καινοτομία και η φαντασία είναι ξεκάθαρα εμφανείς σε αυτά τα σαφώς μη ακαδημαϊκά έργα. Πολύ ενδιαφέρον παρουσιάζει ο σχεδιασμός επιστημονικών και εκπαιδευτικών παιδικών βιβλίων: «Wonders of Wood» (1960), «Clay and Hands» (1963), «The Ocean Begins with a Drop» (1966) της E. Mara, «The Tale of Gas» (1960), «Tricky Point» (1966).

Εργαστήριο κάτω από τη στέγη της "Ρωσίας"

Από τα τέλη της δεκαετίας του '60, δημιουργήθηκε στη Μόσχα μια κοινωνία αντικομφορμιστών καλλιτεχνών με το όνομα "Sretensky Boulevard". Περιλάμβανε τον Ilya Kabakov. Οι πίνακες των καλλιτεχνών αυτού του φιλικού συλλόγου διέφεραν πολύ από τον επίσημα εγκεκριμένο πίνακα.

Η ευκαιρία να συναντηθούμε εμφανίστηκε σε μεγάλο βαθμό χάρη στον Kabakov. Η δουλειά για εκδοτικούς οίκους έφερε καλά χρήματα και ο καλλιτέχνης είχε το δικό του εργαστήριο. Ονομάζει τη μυστικιστική ιστορία του πώς βρήκε ένα δωμάτιο κάτω από την οροφή της πρώην πολυκατοικίας Rossiya στη λεωφόρο Sretensky και συμφώνησε με τις αρχές για τον εξοπλισμό ενός στούντιο εκεί.

Έργα των Ilya Kabakov, Hulo Sooster, Erik Bulatov, Oleg Vasiliev και άλλων εκτέθηκαν σε ανεπίσημες εκθέσεις στη Μόσχα και στο εξωτερικό, προσωποποιώντας την εναλλακτική τέχνη της ΕΣΣΔ κατά την εποχή του Thaw. Αλλά η σκληρή αντίδραση στην αφηρημένη τέχνη από την πλευρά των κύριων «κριτικών τέχνης» της χώρας οδήγησε στον θρίαμβο του σοσιαλιστικού ρεαλισμού και μόνο.

Πριν από την εμφάνιση του δικού μου στούντιο, η «δουλειά για τον εαυτό μου» αποτελούνταν από φύλλα γραφικών σε στυλ και άλμπουμ μικρού σχήματος. Αργότερα, άρχισαν να εμφανίζονται πίνακες μεγαλύτερου σχήματος: «Κεφάλι με μπάλα» (1965), «Σωλήνας, μπαστούνι, μπάλα και μύγα» (1966), «Αυτόματη μηχανή και κοτόπουλο» (1966).

Το κείμενο ως εικονογραφικό μέσο

Ο Ilya Kabakov, του οποίου οι πίνακες άρχισαν να περιέχουν όλο και περισσότερους φιλοσοφικούς τόνους, έγινε ένας από τους ηγέτες των εννοιολογιστών. Μια σειρά από "λευκούς" πίνακες τεράστιου μεγέθους - "Berdyansk is sleeping" (1970), "A Man and Small House" (1970) - προκάλεσε σκέψεις σχετικά με τις συνθήκες αντίληψης της νέας ζωγραφικής, σχετικά με την αλληλεπίδραση μεταξύ του θεατή και του καλλιτέχνης. Τα πειράματα του καλλιτέχνη με την εισαγωγή του κειμένου στον χώρο του πίνακα λειτουργούν ως κίνηση προς αυτή την κατεύθυνση. Τα πρώτα τέτοια έργα είναι «Πού είναι;» (1970), "Όλα για αυτόν" (1970), "Απαντήσεις από την πειραματική ομάδα" (1970) - αντιπροσωπεύουν διάφορα αντικείμενα από την πραγματική ζωή των κοινόχρηστων διαμερισμάτων της Μόσχας με σχόλια κειμένου, συχνά ψευδο-σημαντικές παρωδίες επίσημων οδηγιών ή ανακοινώσεων.

Το κείμενο χρησιμοποιήθηκε αργότερα και από τον Ilya Kabakov. Το "Luxury Room" (1981) είναι ένας πίνακας που αναπαριστά μια θέα ενός δωματίου ξενοδοχείου με μια διαφήμιση για ένα ταξίδι στα θέρετρα της Μαύρης Θάλασσας πάνω στην εικόνα.

Τα άλμπουμ που επινόησε ο Kabakov, τα οποία έγιναν οι πρόδρομοι των εγκαταστάσεων, είναι επίσης εννοιολογικά έργα. Τέτοια άλμπουμ - μια συγχώνευση γλυπτικής, εικονογράφησης, λογοτεχνίας, θεάτρου - χτίζονται γύρω από ένα θέμα ή την εμπειρία ενός χαρακτήρα, που εκφράζεται με οπτικά και κειμενικά μέσα. Η παρακολούθηση σημαντικών ή ανούσιων γεγονότων μαζί είναι συναρπαστική. Εντυπωσιάζει είτε με πληρότητα είτε με διαφάνεια προς οποιαδήποτε κατεύθυνση του χρόνου και του χώρου.

Ο Ilya Kabakov είναι γραφίστας, εικονογράφος και σχεδιαστής τύπων. Σε τέτοια άλμπουμ εντοπίζεται με μεγαλύτερη ακρίβεια η ουσία της δραστηριότητάς του. Το πιο διάσημο άλμπουμ είναι το “Ten Characters” (1970-74).

Πόλεμος και ειρήνη των κοινόχρηστων διαμερισμάτων

Οι κοινωνικές συνθήκες της σοβιετικής εποχής είναι το κύριο αντικείμενο έρευνας για το έργο του Kabakov. Η καταπιεστική επιρροή της κυριαρχίας μιας ιδεολογίας εκφράζεται σε έργα όπως το Επαληθευμένο! (1981) και «Σούπερ μάρκετ» (1981). Οι πόλεμοι μεταξύ γειτόνων σε κοινόχρηστα διαμερίσματα για αέρα και πρόσθετο χώρο είναι το θέμα των συνθέσεων «Housing» «Taking Out the Garbage» (1980), «Sunday Evening» (1980). Στη «Σειρά Κουζίνας» της ίδιας περιόδου, τα οικεία μαγειρικά σκεύη είναι προικισμένα με μια ορισμένη υψηλή καλλιτεχνική σημασία, ένα πολιτιστικό νόημα, συχνά διαχωρισμένο από τη λειτουργικότητα.

Τα συνηθισμένα οικιακά σκουπίδια είναι επίσης γεμάτα με τέτοιο νόημα στην επόμενη εγκατάσταση «Ο άνθρωπος που δεν πέταξε ποτέ τίποτα» (1985). Σε αυτό μπορεί κανείς να δει επίσης παγκόσμιες συζητήσεις για το νόημα της ανθρώπινης δραστηριότητας, για τη συνήθεια της απερίσκεπτης αποθήκευσης ό,τι είναι απαραίτητο και περιττό ή, αντίθετα, την αναθεώρηση της ιστορίας με την προσαρμογή του παρελθόντος στις ανάγκες της σύγχρονης πολιτικής.

Συνολικές εγκαταστάσεις

Το 1987, ο Ilya Iosifovich Kabakov μετανάστευσε στη Δύση. Εδώ έχει πρόσβαση σε μεγάλους εκθεσιακούς χώρους. «Συνολικές εγκαταστάσεις» είναι αυτό που ο Ilya Kabakov ονομάζει πίνακες και αντικείμενα που καταλαμβάνουν μεγάλους χώρους και ενώνονται με μια κοινή παγκόσμια αντίληψη.

Η πιο διάσημη εγκατάσταση ήταν «Ο άνθρωπος που πέταξε στο διάστημα από το διαμέρισμά του», που συμβολίζει σε μεγάλο βαθμό τη μοίρα του ίδιου του καλλιτέχνη. Στο κέντρο ενός μικρού δωματίου με τοίχους καλυμμένους με σοβιετικές αφίσες, υπάρχει κάτι που μοιάζει με σφεντόνα. Η τρύπα στην οροφή, τα σχόλια και η τοποθεσία του συμβάντος - όλα αποδεικνύουν την πραγματικότητα ενός ασυνήθιστου γεγονότος: ένας συγκεκριμένος εφευρέτης, χρησιμοποιώντας έναν έξυπνο καταπέλτη, έσπασε την οροφή με το σώμα του, βγήκε στο διάστημα κοντά στη γη - το Το πτώμα δεν βρέθηκε...

Το να βλέπεις σε ένα τέτοιο αντικείμενο μόνο κοροϊδίες και κοροϊδίες του συστήματος είναι λάθος. Ακριβώς όπως στην εγκατάσταση «Τουαλέτα» (1992), μπορεί κανείς να βρει μόνο μια μοχθηρή αναλογία με τις συνήθεις συνθήκες διαβίωσης σε ολόκληρη τη χώρα. Αυτό το αντικείμενο τέχνης εξέπληξε ιδιαίτερα τον δυτικό θεατή, ο οποίος θεωρεί ότι η ιδιωτικότητα ενός χώρου διαβίωσης είναι φυσική ανάγκη ενός κανονικού ανθρώπου.

"The Red Car" (1991), "The Bridge" (1991), "The Life of Flies" (1992), "We Live Here" (1995) - συνολικές εγκαταστάσεις που έφεραν φήμη στον Kabakov. Εκτίθενται σε μουσεία στις ΗΠΑ και την Ευρώπη και συνδυάζονται σε εκθέσεις όπως το "Palace of Projects" (1998, Λονδίνο) και το "50 Installations" (2000, Βέρνη) αντιπροσωπεύουν το έργο του Kabakov ως φαινόμενο

Σύζυγος και συν-συγγραφέας

Ο Kabakov λατρεύει να χρωματίζει τη ζωή με φάρσες. Περιοδικά εμφανιζόμενοι καλλιτέχνες Charles Rosenthal, Igor Spivak και Stepan Koshelev ήταν επιρρεπείς σε τέτοιες εφευρέσεις. Ο Kabakov ξεκίνησε δημιουργική συνεργασία μαζί τους, έγραψε ακόμη και άρθρα για αυτούς με το στυλ των βαρετών κριτικών τέχνης.

Από το 1989, ο καλλιτέχνης βρήκε μια πραγματική συν-συγγραφέα - την Emilia Lekah. Γίνεται σύζυγός του και αναλαμβάνει πολλά οργανωτικά και οικονομικά ζητήματα, αφήνοντας στον κύριο περισσότερο χρόνο για δημιουργικότητα. Και τέτοιες ερωτήσεις γίνονται όλο και πιο συχνές, επειδή το ενδιαφέρον για το έργο του Kabakov αυξάνεται. Ένα παράδειγμα αυτού είναι η δημοπρασία Phillips de Pury & Company. Το 2007, η παρτίδα "Ilya Kabakov. "Σουίτα". Ο πίνακας αγοράστηκε για 2 εκατομμύρια λίρες, καθιστώντας τον Kabakov τον πιο ακριβό σύγχρονο Ρώσο ζωγράφο.

Το 2008, αυτό επιβεβαιώθηκε από την επόμενη δημοπρασία στην ίδια δημοπρασία. Η επόμενη παρτίδα είναι το "Ilya Kabakov, "Beetle" (1982)" και ένα άλλο ρεκόρ - 2,93 εκατομμύρια £.

Η ικανότητα να εκπλήσσεσαι

Το να μετράμε δολάρια και λίρες είναι απαραίτητο - τέτοιος είναι ο σημερινός κόσμος. Αλλά θέλω να επιβιώσει μέσα του αυτή η κοινότοπη ιδέα, ότι τα χρήματα δεν αγοράζουν την ευτυχία. Είναι στην ύπαρξη τέτοιων καλλιτεχνών, στη δουλειά και στο ταλέντο τους. Η ανθρωπότητα θα αποτελείται από ανθρώπους και όχι από ζώα, αρκεί να είναι ικανή για θαυμασμό και χαρά στην τέχνη.

Μέχρι τις 17 Νοεμβρίου, το Μουσείο Τέχνης Πολυμέσων στην Οστοζένκα θα φιλοξενεί την έκθεση «Ουτοπία και πραγματικότητα. El Lissitzky, Ilya και Emilia Kabakov.” Το έργο ξεκίνησε από το Ολλανδικό Van Abbemuseum στο Αϊντχόβεν και παρουσιάζει μια έκθεση έργων αυτών των δύο καλλιτεχνών, που προέρχονται από πολλά διάσημα μουσεία σε όλο τον κόσμο και ιδιωτικές συλλογές. Η έκθεση έχει ήδη παρουσιαστεί στο Van Abb στο Αϊντχόβεν, στο Ερμιτάζ της Αγίας Πετρούπολης και μετά τη Μόσχα θα πάει στην Αυστρία, στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στο Γκρατς.

Ουτοπία και Πραγματικότητα. Ένας διάλογος μεταξύ δύο Ρώσων καλλιτεχνών, δύο εμβληματικών μορφών της τέχνης της εποχής τους - του μεγαλύτερου δεξιοτέχνη της ρωσικής πρωτοπορίας των αρχών του 20ου αιώνα, του ουτοπικού El Lissitzky και του γίγαντα του εννοιολογισμού της Μόσχας Ilya Kabakov, που πρόσφατα εργάζεται στο συνεργασία με τη σύζυγό του Αιμιλία.

Ελ Λισίτζκι. Κατασκευαστής (αυτοπροσωπογραφία). 1924 Van Abbemuseum, Αϊντχόβεν

Και οι δύο καλλιτέχνες είναι γνωστοί στη Ρωσία, την Ευρώπη και τις ΗΠΑ, και οι δύο μεγάλωσαν στη Ρωσία. Απλώς έζησαν σε διαφορετικές εποχές και δεν διασταυρώθηκαν ποτέ. Η ιδέα του συνδυασμού τους ανήκει στο ολλανδικό Van Abbemuseum στο Αϊντχόβεν, το οποίο φιλοξενεί τη μεγαλύτερη συλλογή έργων του Lissitzky εκτός Ρωσίας. Οι ιστορικοί τέχνης του μουσείου παρατήρησαν προφανείς αντιφάσεις στα έργα των Lissitzky και Kabakov. Τα έργα τους έμοιαζαν να διαφωνούν μεταξύ τους.

Ο ένας πρόβαλε ένα λαμπρό μέλλον για τους απογόνους του και ο άλλος, όντας αυτός ο ίδιος απόγονος, διέγνωσε την πραγματικότητα που προέκυψε. Ο πρώτος πίστευε στην οικοδόμηση ενός ιδανικού κομμουνιστικού μέλλοντος, ενώ ο δεύτερος είχε ήδη χάσει τέτοια όνειρα. Επιπλέον, ο Kabakov δεν επινόησε τίποτα ειδικά για αυτήν την έκθεση· τα έργα βρέθηκαν στο εκτεταμένο αρχείο του. Κάθε avant-garde ουτοπία του Lissitzky αντιμετωπίζεται από το έργο του Kabakov. Εκεί όπου ο Lissitzky διακηρύσσει «Η καθημερινότητα θα νικηθεί» και απεικονίζει ιδανικά κοινόχρηστα διαμερίσματα με αρχικά εντοιχισμένα έπιπλα, όπου οι κάτοικοι θα μετακομίζουν μόνο με βαλίτσες, γιατί δεν θα χρειαστεί τίποτα άλλο, ο Kabakov εκθέτει την αφόρητη ζωή των σοβιετικών κοινόχρηστων διαμερισμάτων με ζωή σύμφωνα με σε ένα χρονοδιάγραμμα, όπου ορίζει ακόμη και χρόνο χρήσης της τουαλέτας. «Η ζωή κέρδισε», απαντά.

Ελ Λισίτζκι. Εσωτερικό έργο. 1927. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Ilya Kabakov Σταντ φωτογραφιών

Ο Kabakov απαντά στις καρέκλες από κόντρα πλακέ του Lisitsky με άθλια ντουλάπια κουζίνας, καλυμμένα με πολύχρωμα λαδόπανα και γεμάτα με άθλια μαγειρικά σκεύη.

Τοποθέτηση καρεκλών σχεδιασμένων από τον El Lissitzky για διεθνείς εκθέσεις. 1927 Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Ilya Kabakov. Στην κοινόχρηστη κουζίνα. Μέρος της εγκατάστασης. 1991 Γκαλερί Regina, Μόσχα

Η αγνότητα των μορφών των προτερών και του οριζόντιου ουρανοξύστη αντιτίθεται από τις εγκαταστάσεις του Ilya Kabakov φτιαγμένες από συνηθισμένα σκουπίδια.

Ελ Λισίτζκι. Proun.1922-1923. Van Abbemuseum, Αϊντχόβεν, Ολλανδία.

Ελ Λισίτζκι. Οριζόντιος ουρανοξύστης στην πύλη Nikitsky. Φωτομοντάζ, 1925

Το έργο ενός ιδανικού θεάτρου είναι ένα έργο μιας ουτοπικής «κάθετης όπερας».

Ilya Kabakov. Μακέτα της «Κάθετης Όπερας» στο Μουσείο Guggenheim στη Νέα Υόρκη.

Το μοντέλο του «Victory Over the Sun» είναι ένα μοντέλο του «House of Sleep», ένα κολασμένο μείγμα μαυσωλείου και θαλάμου Νο. 6.

Ελ Λισίτζκι. Νίκη επί του ήλιου: όλα είναι καλά που ξεκινούν καλά και δεν έχουν τέλος. Αφίσα. 1913

Ελ Λισίτζκι. Σκίτσο για την όπερα "Νίκη πάνω από τον ήλιο"

Ο Kabakov απαντά στο βήμα του Lissitzky για τον προλετάριο ηγέτη με το έργο «Μνημείο στον Τύραννο», όπου ο μουστακοφόρος ηγέτης που έχει κατέβει από το βάθρο προσπαθεί να πιάσει κάποιον άλλο.

Εκεί όπου ο Lissitzky ενήργησε ως σχεδιαστής ενός νέου κόσμου, όπου «θα χτιστούν μονολιθικές κομμουνιστικές πόλεις, όπου θα ζουν οι άνθρωποι όλου του πλανήτη» (απευθείας ένας αδελφός με την Radiant City του), ο Kabakov είδε πρωτότυπα στρατώνων, τρέιλερ, άλλαξε σπίτια και στρατώνες, από τους οποίους ήθελε να δραπετεύσει όπου οτιδήποτε, με οποιοδήποτε μέσο, ​​ακόμη και στο διάστημα χρησιμοποιώντας καταπέλτη. Απλά για να είσαι ελεύθερος.

Ilya Kabakov. Τουαλέτα. Εγκατάσταση. 1992

Ilya Kabakov. Ένας άντρας που πέταξε στο διάστημα από το διαμέρισμά του. 1985 Εθνικό Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Κέντρο Ζωρζ Πομπιντού, Παρίσι

Ο άγγελός του σπάει το ταβάνι, σπάει την εγκατάσταση με την αφίσα του Lissitzky «Beat the Whites with a Red Wedge» και... πέφτει από ψηλά, σπάζοντας.

Έτσι καταρρέει η ίδια η ουτοπία.

Σχεδόν όλα τα αρχιτεκτονικά έργα του Lissitzky παρέμειναν απραγματοποίητα. Μόνο ένα ενιαίο κτίριο χτίστηκε σύμφωνα με το σχέδιό του - αυτό είναι το τυπογραφείο του περιοδικού Ogonyok στην 1η λωρίδα Samotechny στη Μόσχα. Το κτίριο περιλαμβάνεται πλέον στο Μητρώο Πολιτιστικής Κληρονομιάς της πόλης.

Οι διάσημοι οριζόντιοι ουρανοξύστες του δεν εμφανίστηκαν ποτέ στους δρόμους της Μόσχας. Αλλά η μεγάλη ιδέα δεν πέθανε, και με την πάροδο του χρόνου, παρόμοια κτίρια εμφανίστηκαν σε άλλες πόλεις και χώρες. Οπαδοί.

Parkrand Apartments στο Άμστερνταμ

Και αυτό, φυσικά, δεν είναι το μόνο. Υπάρχουν και άλλα κτίρια σε όλο τον κόσμο.

Ο El Lissitzky εργάστηκε για κάποιο διάστημα με τον Kazimir Malevich· μαζί ανέπτυξαν τα θεμέλια του σουπρεματισμού.

Ο πιο ακριβός Ρώσος καλλιτέχνης. Οι πίνακές του «Beetle» (πωλήθηκε το 2008 για 5,8 εκατομμύρια δολάρια) και «Luxury Room» (πωλήθηκε το 2006 για 4,1 εκατομμύρια δολάρια) έγιναν τα πιο ακριβά έργα ρωσικής τέχνης που πουλήθηκαν ποτέ. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης φυσικά ζει στην Αμερική.

Φωτογραφίες τραβηγμένες από το Διαδίκτυο

Ο Ilya Iosifovich Kabakov γεννήθηκε στις 30 Σεπτεμβρίου 1933 στο Dnepropetrovsk. Η μητέρα του, Berta Solodukhina, ήταν λογίστρια και ο πατέρας του, Joseph Kabakov, ήταν μηχανικός. Το 1941, μαζί με τη μητέρα του, εκκενώθηκε στη Σαμαρκάνδη. Το 1943, έγινε δεκτός στη Σχολή Καλών Τεχνών στο Ινστιτούτο Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής του Λένινγκραντ που πήρε το όνομά του από τον Ρέπιν, του οποίου οι δάσκαλοι και οι μαθητές μεταφέρθηκαν επίσης στη Σαμαρκάνδη. Από εκεί, ο Kabakov μεταφέρθηκε στο δευτεροβάθμιο σχολείο τέχνης της Μόσχας (MSHS) το 1945. Αποφοίτησε από αυτό το 1951 και ταυτόχρονα εισήλθε στο τμήμα γραφικών στο Ινστιτούτο Surikov (Κρατικό Ακαδημαϊκό Ινστιτούτο Τέχνης της Μόσχας με το όνομα V.I. Surikov), όπου σπούδασε στο εργαστήριο βιβλίου του καθηγητή B.A. Ντεχτέρεβα. Αποφοίτησε από το Ινστιτούτο Kabakov το 1957.

Από το 1956, ο Ilya Kabakov άρχισε να εικονογραφεί βιβλία για τον εκδοτικό οίκο "Detgiz" (από το 1963 - "Παιδική Λογοτεχνία") και για τα περιοδικά "Malysh", "Murzilka", "Funny Pictures". Από το δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1950, άρχισε να ζωγραφίζει «για τον εαυτό του»: δοκίμασε τις δυνάμεις του σε κατευθύνσεις όπως η αφηρημένη τέχνη και ο σουρεαλισμός.

Στη δεκαετία του 1960, ο Kabakov συμμετείχε ενεργά σε εκθέσεις τέχνης αντιφρονούντων στη Σοβιετική Ένωση και στο εξωτερικό.

Το 1968, ο Kabakov μετακόμισε στο στούντιο του Hulo Sooster, το οποίο αργότερα έγινε γνωστό, στη σοφίτα της πρώην πολυκατοικίας "Russia" στη λεωφόρο Sretensky. Το ίδιο 1968, μαζί με τους Oleg Vasiliev, Erik Bulatov και άλλους αντικομφορμιστές, συμμετείχε σε μια έκθεση στο καφέ Blue Bird.

Μερικά από τα έργα του καλλιτέχνη συμπεριλήφθηκαν ήδη στην έκθεση «Alternative Reality II» (L'Aquila, Ιταλία) το 1965 και από τις αρχές της δεκαετίας του 1970 συμπεριλήφθηκαν σε εκθέσεις σοβιετικής ανεπίσημης τέχνης που οργανώθηκαν στη Δύση: στην Κολωνία του Λονδίνου, Βενετία.

Από το 1970 έως το 1976, ο Kabakov ζωγράφισε 55 άλμπουμ για τη σειρά Ten Characters. Το πρώτο άλμπουμ ήταν το "Flying Komarov". Ο κύκλος, τον οποίο οι δημοσιογράφοι ονόμασαν αργότερα «εννοιολογικό κόμικ», δημιουργήθηκε ειδικά για προβολή στο σπίτι: ήταν ένα αντικομφορμιστικό, ανεπίσημο έργο.

Στα μέσα της δεκαετίας του 1970, ο Kabakov έφτιαξε ένα εννοιολογικό τρίπτυχο τριών λευκών καμβάδων και ξεκίνησε μια σειρά από "albs" - φύλλα με επιγραφές σε "κοινοτικά" θέματα και από το 1978 αναπτύσσει την ειρωνική "σειρά Zhekovsky". Το 1980, άρχισε να ασχολείται λιγότερο με τα γραφικά και επικεντρώθηκε σε εγκαταστάσεις στις οποίες χρησιμοποιούσε συνηθισμένα σκουπίδια και απεικόνιζε τη ζωή και την καθημερινότητα των κοινόχρηστων διαμερισμάτων.

Το 1982, ο Kabakov δημιούργησε μια από τις πιο διάσημες εγκαταστάσεις του, «Ο άνθρωπος που πέταξε στο διάστημα από το δωμάτιό του», που ολοκληρώθηκε το 1986. Στη συνέχεια, άρχισε να αποκαλεί τέτοια έργα μεγάλης κλίμακας «συνολικές εγκαταστάσεις».

Το καλύτερο της ημέρας

Το 1987, ο Kabakov έλαβε την πρώτη του επιχορήγηση από το εξωτερικό - από την αυστριακή ένωση Graz Kunstverein - και κατασκεύασε την εγκατάσταση "Dinner" στο Γκρατς. Ένα χρόνο αργότερα, ανέβασε την πρώτη «ολική εγκατάσταση» του έργου Ten Characters στη Γκαλερί Ronald Feldman στη Νέα Υόρκη και έλαβε υποτροφία από το Υπουργείο Πολιτισμού της Γαλλίας. Το 1989, ο Kabakov έλαβε υποτροφία από τη DAAD (Γερμανική Υπηρεσία Ακαδημαϊκών Ανταλλαγών) και μετακόμισε στο Βερολίνο. Από τότε εργαζόταν συνεχώς εκτός των συνόρων πρώτα της ΕΣΣΔ και μετά της Ρωσίας.

Από τις αρχές της δεκαετίας του 1990, ο Kabakov είχε δεκάδες εκθέσεις στην Ευρώπη και την Αμερική, μεταξύ των οποίων σε μεγάλα μουσεία όπως το Paris Pompidou Center, το Νορβηγικό Εθνικό Κέντρο Σύγχρονης Τέχνης, το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης, η Κολωνία Kunsthalle, καθώς και στην Μπιενάλε της Βενετίας και στην έκθεση Documenta στο Κάσελ.

Η δεκαετία του 1990 έγινε εποχή αναγνώρισης για τον καλλιτέχνη: αυτή τη δεκαετία έλαβε βραβεία από δανικά, γερμανικά και ελβετικά μουσεία και τον τίτλο του Ιππότη του Τάγματος των Τεχνών και των Γραμμάτων από το Γαλλικό Υπουργείο Πολιτισμού.

Στη δεκαετία του 2000, ο καλλιτέχνης άρχισε να εκθέτει ενεργά στη Ρωσία. Έτσι, το φθινόπωρο του 2003, το Σπίτι της Φωτογραφίας της Μόσχας παρουσίασε το έργο "Ilya Kabakov. Φωτογραφία και βίντεο τεκμηρίωση της ζωής και της δημιουργικότητας". Στις αρχές του 2004, η Γκαλερί Tretyakov διοργάνωσε μια έκθεση προγράμματος "Ilya Kabakov. Ten Characters".

Τον Ιούνιο του 2004, μια έκθεση του Ilya Kabakov και της συζύγου του Emilia (είναι παντρεμένοι από το 1992) "Ένα περιστατικό στο Μουσείο και άλλες εγκαταστάσεις" άνοιξε στο κτίριο του Γενικού Επιτελείου Ερμιτάζ, η οποία "σημάδεψε την επιστροφή τους στην πατρίδα τους". Παράλληλα, οι καλλιτέχνες δώρησαν δύο εγκαταστάσεις στο μουσείο, οι οποίες, σύμφωνα με τον Μιχαήλ Πιοτρόφσκι, σηματοδότησε την έναρξη της συλλογής σύγχρονης τέχνης Ερμιτάζ. Τον Δεκέμβριο του ίδιου 2004, η γκαλερί της Μόσχας "Stella-Art" παρουσίασε εννέα εγκαταστάσεις του Kabakov, που έγιναν το 1994-2004.

Όταν η έκθεση προγράμματος «Ρωσία!» πήγε στο Μουσείο Γκούγκενχαϊμ της Νέας Υόρκης το 2006, περιελάμβανε την εγκατάσταση του Καμπάκοφ «Ο άνθρωπος που πέταξε στο διάστημα». Η παρουσία αυτού του έργου στον ίδιο χώρο με τις εικόνες του Αντρέι Ρούμπλεφ και του Διονυσίου, πίνακες των Bryullov, Repin και Malevich εδραίωσε τελικά τη θέση του Kabakov ως ενός από τους σημαντικότερους Σοβιετικούς και Ρώσους καλλιτέχνες της μεταπολεμικής γενιάς.

Το καλοκαίρι του 2007, σε μια δημοπρασία του Λονδίνου στη Phillips de Pury & Company, ο πίνακας του Kabakov «Luxury Room» αγοράστηκε για 2 εκατομμύρια λίρες στερλίνες (περίπου 4 εκατομμύρια δολάρια). Έτσι έγινε ο πιο ακριβός Ρώσος καλλιτέχνης του δεύτερου μισού του εικοστού αιώνα.

Τον Φεβρουάριο του 2008, το έργο του Kabakov "Beetle" (1982) δημοπρατήθηκε από την Phillips de Pury & Company για 2,93 εκατομμύρια £ (5,84 εκατομμύρια δολάρια). Τον Απρίλιο του ίδιου έτους, το άλμπουμ "Flying Komarov" πουλήθηκε στη δημοπρασία του Sotheby's της Νέας Υόρκης για 445 χιλιάδες δολάρια.

Τον Ιούλιο του 2008, έγινε γνωστό για τη μεγαλύτερη αναδρομική έκθεση του Ilya και της Emilia Kabakov που ετοιμάζεται στη Μόσχα, σχεδιασμένη για τρεις χώρους ταυτόχρονα: το Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών Πούσκιν, το Κέντρο Σύγχρονης Τέχνης Winzavod και το νέο Κέντρο Σύγχρονης Τέχνης Garage , το οποίο θα ανοίξει η Ντάρια Ζούκοβα με την υποστήριξη του Ρομάν Αμπράμοβιτς. Αναφέρθηκε ότι αρχικά η έκθεση επρόκειτο να χρηματοδοτηθεί από το Ίδρυμα Mikhail Prokhorov· το ποσό που προοριζόταν για το έργο ονομάστηκε - 2 εκατομμύρια δολάρια. Αλλά στις 5 Ιουνίου, το ίδρυμα αρνήθηκε να υποστηρίξει την έκθεση του Kabakov.

Είναι γνωστό ότι ο Ilya Kabakov ήταν μέλος της Ένωσης Καλλιτεχνών και ήταν μέλος του τμήματος γραφικών βιβλίων. Τον Σεπτέμβριο του 2008, ο Kabakov έγινε βραβευμένος με το Japanese Imperial Prize Premium Imperiale. Η Emilia Kabakova δήλωσε ότι το χρηματικό μέρος του βραβείου θα χωριστεί σε τρία μέρη, εκ των οποίων το ένα προορίζεται για το Life Line Foundation για την αγορά εξοπλισμού και θεραπεία παιδιών που πάσχουν από καρδιακές παθήσεις και το δεύτερο για την κατασκευή παιδικής βιβλιοθήκης. , και το τρίτο μέρος θα πρέπει να δοθεί σε οίκο ευγηρίας.

Ο Kabakov έχει τρεις κόρες.

Ο Ilya Iosifovich γεννήθηκε το 1933 στο Dnepropetrovsk. Κατά τη διάρκεια του πολέμου, αυτός και η μητέρα του εκκενώθηκαν στο Λένινγκραντ, όπου μεταφέρθηκε η Σχολή Καλών Τεχνών στο Ινστιτούτο Ζωγραφικής του Λένινγκραντ. Ρεπίνα. Σε ηλικία δέκα ετών, το αγόρι έγινε δεκτό σε αυτό το σχολείο και δύο χρόνια αργότερα μεταφέρθηκε στο Γυμνάσιο Τέχνης της Μόσχας. Αργότερα, ο νεαρός αποφοίτησε από το Ινστιτούτο Τέχνης Surikov στη Μόσχα.

Στον χαρακτήρα και την κοσμοθεωρία του, ο Kabakov διέφερε έντονα από τους κλασικούς καλλιτέχνες. Πίσω στη δεκαετία του 1960, εξέθεσε ενεργά τα έργα του σε εκθέσεις αντιφρονούντων στη χώρα του και στο εξωτερικό και αργότερα εργάστηκε στο εργαστήριο του Hulo Sooster, διάσημο για την τέχνη του που δεν αναγνωρίζεται από την κοινωνία.

Στη δεκαετία του 1970, άρχισε να εργάζεται σε διάφορες σειρές ζωγραφικής αφιερωμένες στη ζωή στα κοινόχρηστα διαμερίσματα και στο γραφείο στέγασης. Και στη δεκαετία του 1980, άρχισε να ενδιαφέρεται για τις εγκαταστάσεις που αναδύονταν εκείνα τα χρόνια και έγινε ο ηγέτης του σοβιετικού κονσεπτουαλισμού. Οι εγκαταστάσεις άνοιξαν νέες προοπτικές για τον Kabakov. Πρώτα έλαβε επιχορήγηση από την Αυστρία και έχτισε εκεί την εγκατάσταση «Πριν από το Δείπνο», μετά υποτροφία από τη Γαλλία και τη Γερμανία. Από το 1988, ο καλλιτέχνης εργάζεται συνεχώς στο εξωτερικό.

Στη δεκαετία του 1990, ο Kabakov έλαβε παγκόσμια αναγνώριση. Έργα του έχουν εκτεθεί σε πολλές εκθέσεις στην Ευρώπη και τις ΗΠΑ. Στη Ρωσία, οι τελευταίες εκθέσεις πραγματοποιήθηκαν το 2004 στην Αγία Πετρούπολη, το 2012 και το 2017 στη Μόσχα. Τον 21ο αιώνα, ο καλλιτέχνης έλαβε το βραβείο Oscar Kokoschka από την Αυστρία, το Αυτοκρατορικό Βραβείο από την Ιαπωνία, τον τίτλο του Ιππότη του Τάγματος των Τεχνών και των Γραμμάτων από τη Γαλλία, το Τάγμα της Φιλίας από τη Ρωσία και άλλα βραβεία.

Επί του παρόντος, ο Ilya Kabakov θεωρείται ο πιο διάσημος Ρώσος καλλιτέχνης στη Δύση. Τα έργα του βρίσκονται στα μεγαλύτερα μουσεία της Ρωσίας και των ΗΠΑ, παρουσιάζονται τακτικά σε εκθέσεις και κατά τη διάρκεια δημοπρασιών έχουν πουληθεί επανειλημμένα για ποσά που ξεπερνούν το ένα εκατομμύριο δολάρια (περισσότερα για αυτό αργότερα). Τα τελευταία χρόνια δούλευε συχνά σε συνεργασία με τη σύζυγό του Αιμιλία.

Τομέας δραστηριότητας του πλοιάρχου

Εννοιολογισμός της Μόσχας

Η έννοια του «εννοιολογισμού της Μόσχας» εμφανίστηκε το 1979. Οι εκπρόσωποι αυτής της τάσης δήλωσαν τα έργα τέχνης ως μέσο με το οποίο μελετήθηκε η ουσία της τέχνης. Για το σκοπό αυτό, οι εννοιολογιστές δημιούργησαν εγκαταστάσεις (περισσότερα γι' αυτές παρακάτω), πραγματοποίησαν εκδηλώσεις και μελέτησαν τις αντιδράσεις των ανθρώπων σε αυτές, και επίσης παρακίνησαν την κοινωνία να συζητήσει τα προβλήματα της τέχνης.

Εκτός από τις εγκαταστάσεις, ο Kabakov επηρέασε τους θεατές εισάγοντας κείμενο στους πίνακές του. Έτσι εμφανίστηκαν τα έργα «Απαντήσεις από την πειραματική ομάδα», «Πού είναι;». και άλλοι. Τα εννοιολογικά έργα περιλαμβάνουν επίσης άλμπουμ του καλλιτέχνη - εικόνες με κείμενο, που ενώνονται με ένα θέμα.

Ένα άλλο χαρακτηριστικό γνώρισμα της δουλειάς του Kabakov είναι η δουλειά του για λογαριασμό φανταστικών χαρακτήρων: σοσιαλιστικοί ρεαλιστές hacks, επινοημένοι καλλιτέχνες κ.λπ.

Συνολικές εγκαταστάσεις

Έχοντας μετακομίσει στο εξωτερικό στα τέλη της δεκαετίας του 1980, ο Kabakov είχε την ευκαιρία να ζωντανέψει τα μεγαλεπήβολα έργα του. Πάνω από δύο δεκαετίες, ο καλλιτέχνης κατάφερε να δημιουργήσει περισσότερες από πεντακόσιες εγκαταστάσεις, τις οποίες ονόμασε συνολικά.

Οι εγκαταστάσεις αντιπροσωπεύουν κόσμους κατασκευασμένους από τον καλλιτέχνη που ο θεατής μπορεί να δει και να νιώσει από μέσα. Για παράδειγμα, η περίφημη εγκατάσταση «The Man Who Flew into Space from His Room» είναι ένα δωμάτιο με σπασμένη οροφή, στο κέντρο του οποίου έχει δημιουργηθεί μια συσκευή για να ξεσπάσει και στους τοίχους υπάρχουν εικόνες που βοηθούν στην κατανόηση την κατάσταση του ατόμου που ζει σε αυτό. Αυτή η εγκατάσταση συμβόλιζε την επιθυμία των σοβιετικών ανθρώπων να ξεφύγουν από τα δεσμά του κοινοτικού διαμερίσματος που τους καταπιέζει και της χώρας που τους καταπιέζει με τις απαιτήσεις και τα ιδανικά της.

Το 2006, αυτή η εγκατάσταση παρουσιάστηκε στο Μουσείο Guggenheim (Νέα Υόρκη) μαζί με έργα διάσημων Ρώσων καλλιτεχνών όπως, που συνέβαλαν όχι μόνο στην αύξηση της δημοτικότητας του Kabakov, αλλά και στην εξασφάλιση της ιδιότητάς του ως σημαντικού εκπροσώπου της καλλιτεχνικής κοινότητας .

Ρεκόρ σε δημοπρασίες, τιμή των πινάκων του Kabakov

Ο Ilya Iosifovich θεωρείται ο πιο ακριβός εν ζωή Ρώσος καλλιτέχνης. Ας μάθουμε πόσο κοστίζουν οι πίνακες του Kabakov στην αγορά της σύγχρονης τέχνης.

Ας ξεκινήσουμε με το έργο «Σκύλος», που παρουσιάστηκε στη δημοπρασία του διάσημου οίκου δημοπρασιών Phillips. Αυτό είναι ένα δίπτυχο που δημιουργήθηκε με χρήση σμάλτου σε καμβά, δείχνοντας το παιχνίδι του mockumentary. Στην αριστερή πλευρά, ο καλλιτέχνης δείχνει προσεκτικά απομαγνητοφωνημένα προσωπικά δεδομένα ενός φανταστικού σοβιετικού χαρακτήρα και στη δεξιά, ένα σκυλί, που συμβολίζει έναν μικρό άνθρωπο μπροστά σε έναν τεράστιο γραφειοκρατικό μηχανισμό.

Το έργο εκτέθηκε σε έκθεση στη Νέα Υόρκη το 1990. Ήταν μια επιτυχία στη δημοπρασία και, με προκαταρκτική εκτίμηση 300-500 χιλιάδες λίρες στερλίνας, κέρδισε 458 χιλιάδες λίρες (662 χιλιάδες δολάρια).

Οι επόμενες μεγάλες εκπτώσεις περιλαμβάνουν την αποχώρηση των έργων «Διακοπές Νο. 6» και «Διακοπές Νο. 10». Πρόκειται για έργα της σειράς «Διακοπές», που αποτελείται από 12 πίνακες. Σύμφωνα με το σχέδιο του καλλιτέχνη, οι πίνακες αυτής της σειράς θα πρέπει να κρεμαστούν σε ένα δωμάτιο με σκουπίδια με αναποδογυρισμένες καρέκλες και τραπέζια. Το έργο «Διακοπές Νο. 6» πουλήθηκε στον οίκο Sotheby's το 2013 για 962 χιλιάδες λίρες (1,5 εκατομμύρια δολάρια) με εκτίμηση 0,8-1,2 εκατομμύρια λίρες.

Ο πίνακας «Διακοπές Νο. 10» πουλήθηκε στο Phillips το 2011 για ενάμισι εκατομμύριο λίρες (2,4 εκατομμύρια δολάρια) στο χαμηλότερο άκρο της εκτίμησης. Από το 1987 έχει εκτεθεί σε πολλές εκθέσεις σε όλο τον κόσμο.

Το έργο "Luxury Room" πωλήθηκε για ακόμη περισσότερα χρήματα στη δημοπρασία Phillips το 2007. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε ένα δίπτυχο με τον χαρακτηριστικό εικονογραφικό του τρόπο, απεικονίζοντας ένα πολυτελές δωμάτιο και επάλληλα πάνω του το κείμενο μιας διαφήμισης για θέρετρα της Μαύρης Θάλασσας. Το έργο είχε τεράστια επιτυχία στη δημοπρασία και, με εκτίμηση 400-600 χιλιάδες λίρες, κόστισε 2 εκατομμύρια λίρες (4 εκατομμύρια δολάρια).

Τέλος, ρεκόρ θεωρείται η πώληση του έργου “Beetle” στην ίδια δημοπρασία Phillips το 2008. Αυτή είναι μια σχεδόν φωτογραφική εικόνα ενός σκαθαριού σε ένα φύλλο, συνοδευόμενη από μια παιδική ομοιοκαταληξία στο στυλ του Kabakov. Το σκαθάρι συμβολίζει ένα άτομο που θέλει να παραμείνει ελεύθερο από οποιοδήποτε πλαίσιο, συμπεριλαμβανομένου του πλαισίου της ζωγραφικής. Αυτό το έργο παρουσιάστηκε επανειλημμένα σε εκθέσεις και συμπεριλήφθηκε επίσης σε καταλόγους και βιβλία για τον εννοιολογισμό της Μόσχας και την τέχνη των σοβιετικών αντιπολιτευόμενων καλλιτεχνών.

Αν και ένα χρόνο νωρίτερα το έργο «Luxury Room» πουλήθηκε για 2 εκατομμύρια λίρες, η αποχώρηση του «Beetle» έγινε αίσθηση, επειδή η αρχική εκτίμηση των 1,2-1,8 εκατομμυρίων λιρών διπλασιάστηκε. Ο πίνακας δημοπρατήθηκε για 2,9 εκατομμύρια λίρες (5,8 εκατομμύρια δολάρια), και έγινε το πιο ακριβό έργο του καλλιτέχνη.

Αν μιλάμε για αναχωρήσεις σε χαμηλότερες τιμές, τότε συμβαίνουν επίσης τακτικά σε διάφορες δημοπρασίες. Για παράδειγμα, στη δημοπρασία Phillips πουλήθηκαν οι ακόλουθοι πίνακες: "Solemn painting" (241 χιλιάδες δολάρια), «We are ready to fly» (29 χιλιάδες δολάρια), στο Christie's «Battle in the apartment (68 χιλιάδες ευρώ), « How to meet with an angel» (24 χιλιάδες λίρες), «Two Friends» (250 λίρες), στο Sotheby's «Mushroom Pickers» (9 χιλιάδες λίρες), «Window» (5 χιλιάδες λίρες) και άλλα.

Επιστρέφοντας στο ερώτημα πόσο κοστίζουν οι πίνακες του Kabakov, μπορούμε να συμπεράνουμε ότι είναι πολύ δημοφιλείς στην αγορά ζωγραφικής και συχνά υπερβαίνουν την εκτίμηση. Τα συγκεκριμένα κομμάτια έχουν τιμές που ποικίλλουν από μερικές εκατοντάδες έως αρκετά εκατομμύρια δολάρια. Στην επόμενη ενότητα θα δούμε πώς και πού να πουλήσουμε τον πίνακα του Kabakov.

Εξέταση και πώληση πινάκων του Kabakov

Πώς να αξιολογήσετε τον πίνακα του Kabakov

Προηγουμένως, ανακαλύψαμε ότι υπάρχει σημαντική διακύμανση στην τιμή στα έργα του καλλιτέχνη. Για να μην υπολογίσετε λάθος το κόστος μιας συγκεκριμένης εργασίας, συνιστούμε να παραγγείλετε μια επαγγελματική εξέταση. Αυτή η διαδικασία περιλαμβάνει την εξέταση της εικόνας σύμφωνα με μια ποικιλία παραμέτρων και μπορεί να είναι μερική ή πολύπλοκη. Στην περίπτωση μερικής έρευνας, αξιολογούνται μία ή περισσότερες από τις πιο σημαντικές παραμέτρους, για παράδειγμα, επιβεβαιώνεται η αυθεντικότητα του πίνακα. Μια ολοκληρωμένη μελέτη πολλών χαρακτηριστικών θα βοηθήσει. Είναι ιδιαίτερα σε ζήτηση εάν το έργο διεκδικεί υψηλή τιμή.

Πώς και πού να πουλήσετε τον πίνακα του Kabakov