Ilja Kabakov: maalid ja nende kirjeldus. Kunstnik Ilja Iosifovitš Kabakov

Ilja Kabakov sündis 1933. aastal Dnepropetrovskis. Ema on raamatupidaja, isa mehaanik. 1941. aastal evakueerus ta koos emaga Usbekistani Samarkandi, kuhu viidi ajutiselt üle Leningradi maali-, skulptuuri- ja arhitektuuriinstituut. Repina. 1943. aastal viidi Ilja üle Samarkandi Repinski kunstikooli ja 1945. aastal Moskva Kunstikooli: Moskva Kunstikeskkooli Krymsky Valil, mis on praegu Venemaa Kunstiakadeemia kunstilütseum. Moskva sissekirjutuse puudumisel elab Kabakov ühiselamutes ja tema ema elab kõige uskumatumates tingimustes: kooli tualetis, tubade nurkades, lautades. Pärast Moskva kunstikooli lõpetamist 1951. aastal astus Kabakov Surikovi Instituuti kirjastuse “Detgiz” (aastast 1963 – “Lastekirjandus”) peakunstniku, professor Boriss Aleksandrovitš Dehterevi raamatutöökotta. Juba enne instituudi lõpetamist 1957. aastal asus Kabakov tööle Detgizis ning ajakirjades Funny Pictures ja Murzilka illustraatorina. Hiljem räägib Kabakov rõhuvast pidevast hirmutundest, mis talle lapsepõlves ühiselamutes sisendatud ja tagantjärele teravalt tunda andis. Ta ütleb, et tal polnud isegi aega vormida, iseendaks saada ja hirm oli juba olemas, hirm mitte täita oodatud, õiget, standardit. Ta tundis selgelt lõhe enda – nõrk, mitte piisavalt atraktiivne, andetu – ja oma treenitud automaatsete reaktsioonide vahel välistele nõudmistele. Tundsin selgelt oma ebakõla sotsiaalsete ootustega, aga ka professionaalsete ootustega. Maalikunstnikuna õppinud Kabakov tunnistab, et tal polnud absoluutselt värvitaju ja ta sai aru, kuid mitte spontaanselt tegutseda. Ta asendas tunnetuse puudumise koolituse ja teadmistega. Ainult seda fakti tuli varjata, alati varjata. Terve elu peab ta end katkestajaks, öeldes, et sattus kunstikooli ajal, mil see oli sügaval, paljud õpetasid, sest pidid, olid sageli purjus ega püüdnud kedagi milleski arendada. Seega, ebakindel ja riigimasinaga, nõukogude ühiskonnaga tervikuna, äärmiselt negatiivselt seotud, astus Kabakov professionaalsesse maailma. Ilja Kabakovi stuudios Sretenski puiesteel, Foto: Igor Palmin

Alates 50ndate lõpust ja järgmised 30 aastat on Kabakov tegelenud laste illustreerimisega. See oli tsensuuri seisukohalt kõige vähenõudlikum valdkond, kõige tähtsam oli “koolitada”, joonistada täpselt nii, nagu kunstitoimetaja soovis, õppida, nagu kunstnik ise ütleb, nägema läbi kunstniku silmade. toimetaja. Kabakov integreerus süsteemi, astus Kunstnike Liidu liikmeks ja 2-3 kuu jooksul 3 raamatut täites kindlustas end ja oma perekonda aastaks rahaliselt. Pealegi, mida nõrgem oli kirjanduslik materjal, seda vähem oli kahetsust. Nagu ta ise ütleb, polnud tal illustratsioonide vastu armastust ja ta käsitles seda kui minimaalset ja piisavat võimalust eksisteerida süsteemi sees, millele ta ei näinud mõtet vastanduda – tema jaoks näis see igavene. Sellegipoolest saab see põhimõte - väliselt üldtunnustatud, banaalses keeles kõneldes, kuid samal ajal oma tähenduste kujundamisel ja isiklikus maailmas elamisel - Kabakovi loomingus fundamentaalseks.

Illustratsioon S. Marshaki raamatule “Maja, mille Jack ehitas”", 1967, ART4 muuseumi kogu

1957. aastal toimus Moskvas ülemaailmne noorte ja üliõpilaste festival, Moskvasse saabus tohutult palju säravaid, rõõmsameelseid välismaalasi, sealhulgas kunstnikke, korraldati ühisnäitusi ja rahvusvahelist kunstistuudiot. 1959. aastal toimus Sokolnikis Ameerika näitus. Kaasaegset kunsti käsitlevad albumid ja raamatud jõuavad riiki. Põrandaalused nõukogude artistid on ärevil.

Mitteametlik kunst

Sel perioodil alustas Ilja Kabakov mitteametlikku kunstitegevust. Ta on sürrealistide klubi liige, mida juhivad Hulot Sooster ja Juri Sobolev (kirjastuse Znanie kunstitoimetaja), sellesse rühma kuuluvad ka Juri Pivovarov ja Vladimir Jankilevski. Endise Rossija kindlustusseltsi katuse all Turgenevskaja väljakul asuvas töötoas maalib Eesti kanalite kaudu NSV Liidus vähetuntud sürrealismi pärandile ligi pääsenud Sooster kadakapõõsaid, kala, mõtleb välja tähendamissõnu ja tuletab keerulisi sümboolseid süsteeme. tema unenägudest. Nagu Kabakov ütleb - ja tema lugude vastavuse kindlaksmääramine ajaloolisele tegelikkusele on keeruline ja üldse mitte vajalik - püüab ta esimestel aastatel pärast ülikooli maalida "absoluutset" pilti, "meistriteost", ilusat ja täiuslikku kunstiteost. - ja mõne aja pärast loobub ta sellest mõttest täielikult. Sel perioodil moodustati Chistye Prudy piirkonnas terve töökodade klaster, millest said kunstnike, poeetide, teatri- ja filmitöötajate vahelise suhtluse ning mitteametlike näituste pidamise kohad. Muuseumidirektorid, välismaalased, diplomaatiliste esinduste töötajad käivad siin üsna vabalt, eriti hinnatakse kontakte teiste riikide vasakpoolsete aktivistidega - sest NSVL ei saa neid poliitilistel põhjustel solvata. Kõik see toimub rangelt mitteametlikult, ei tervita seda ei ühiskond ega KGB, kuid ranget kontrolli ei tunneta. 1962. aastal nimetas Hruštšov Maneeži näitusel mittesotsialistlikke realistlikke kunstnikke pederastideks ja määras ametliku suhtumise neisse, "sula" oli lõppemas. Sürrealistide klubi põhiliikmete tööd olid aga 1965. aastal Itaalias toimunud suurel näitusel “Alternatiivreaalsus II”, kus esitleti nii Hockneyt kui Magritte’i, ning jaotati kataloogis erinevatesse kategooriatesse. Sooster jõuab "Sümboolsesse maagiasse", Sobolev ja Jankilevski - "Visionaarsesse perspektiivi", Kabakov - "Ilukirjandusse ja irooniasse". Pärast seda hakati Kabakovit mitteametliku nõukogude kunstnikuna eksponeerima välismaal - Veneetsias, Londonis, Kölnis.

Arvatakse, et 70. aastate alguses mõtlesid Vitali Komar ja Aleksander Melamid välja uue tegutsemisviisi, mis oli vastuseks vajadusele välise miimika järele, mis oli mitteametlike kunstnike seas kohustuslik: nad hakkasid töötama väljamõeldud kunstnike – 18. sajandi abstraktsionisti – nimel. Apelles Zyablov, 20. sajandi alguse realist Nikolai Buchumov, "Kahekümnenda sajandi 70. aastate alguse kuulsad kunstnikud" ehk mitmete eri perioodide stiilide segunemine. Kabakov võtab üle Komari ja Melamidi tegelasstrateegia ning arendab seda. Ta oli esimene, kes teoreetiliselt mõistis iseloomustust. 1985. aastal kirjutatud tekstis “Kunstnik-tegelane” rõhutab Kabakov vahetu, vahetu loovuse võimatust ühelt poolt ametliku nõukogude kunsti domineerimises ja teisalt kunstielu puudumise olukorras. - näitused, pealtvaatajad, kriitika - mitteametlikele kunstnikele. Ja nad ise on sunnitud omale kunstimaailma välja mõtlema, kuid see osutub tardunud, elutuks, igavikuks – ju praegust kunstielu pole. Illusoorses maailmas satub kunstnik end kogu kunstiajaloo seest ning tema enda loovust distantseerib sellest eelkõige see uskumatu ajaperiood. Vaadeldava ajaloo panoraami nõutav refleksioonitase ei jäta võimalust lihtsalt pildistada ja maalida. Meil on vaja kunstnikku tegelast, eraldi, oma eluloo ja iseloomuga, tema on see, kes toodab kunsti vastavalt oma sisemisele vajadusele. See tähendab, et väljamõeldud kunstnik on omamoodi tööriist nõukogude kunstiolukorraga kohanemiseks.

Moskva kontseptualism

A. Aksinin ja I. Kabakov Kabakovi töökojas Sretenski puiesteel. Moskva, september 1979

Aastatel 1970–1976 lõi Kabakov 55 graafilist albumit “10 tegelase” kohta (“Lendav Komarov”, “Vaadates Arhipovit”, “Matemaatiline Gorski”, “Anna Petrovna unenäod”, “Piinav Surikov” ja nii edasi). Igas mustas kaustas on 30–100 lehte, mis illustreerivad peategelase vaateid või vahetult peategelase vaateid ja teiste sündmustes osalejate kommentaare. Sageli nimetatakse neid "albumeid" kontseptuaalseteks koomiksiteks. Nende kaustaalbumite vaatamise tava seisnes selles, et kodukeskkonnas luges autor ette ja näitas lugusid kokkutulnud initsiatiividele. Kabakov näitab “10 tegelases” erinevaid viise reaalsusest ülesaamiseks, see on tegelikult tema loomingu põhiteema. Rääkides Boris Groysile palju hiljem kohutavast eluigavusest ja samast kunstitüdimusest, räägib Kabakov maagilisest hetkest, mil igav objekt lihtsalt tänu temale Kabakovile muutub ootamatult igaveseks – sellest saab kunst. Peate lihtsalt välja mõtlema, kuidas – ja see hetk erutab teda lõputult. Seejärel, 70. aastate keskel, hakkas Kabakov töötama ühiskondliku elu ja eluasemebüroo albumite kallal. Kabakov suhtub kommunaalkorterisse, mida ta oma eluloost hästi tunneb, kui nõukogude ajastu kvintessents: midagi, kus elada ei saa, aga kust ei saa põgeneda.

1979. aastal kirjutas hiljuti Leningradist Moskvasse kolinud Boris Groys programmilise teksti "Moskva romantiline kontseptualism", millega otsustas, et vene kunstnikud, isegi olles kontseptualistid ja analüütikud, ei saa erinevalt Euroopa ja Ameerika omadest vabaneda vaimsusest ja igavikulisusest. . Groys toob näiteks 4 kunstniku tegevuse lühianalüüsid, Kabakovi nende hulgas ei ole, kuid üsna pea on temale kindlalt kinni peetud Moskva romantilise kontseptualismi rajaja ja juhi nimetus, milleks teda peetakse siiani.

Ilja Kabakov, “Anna Evgenievna Koroleva: kelle kärbes see on?", 1987, ART4 muuseumi kogust

Ilja Kabakov, Kabakov mõtiskleb sõnade ja piltide vastasmõju üle järgmiselt: pilt on teatud mõttes välistatud teadvusväli. Selle tajumiseks on vajalik teadvuse töö. Teisalt mõjub pilt maalil koos sellega, et ka seinal, millel see ripub, on oma visuaalsus. Ja kui pildis kombineerida erinevaid kujutisi, nagu juhtub Kabakoviga, jagatakse kogu vaadeldav stseen erinevateks objektikomponentideks ning pilt langeb teadvusest välja ja muutub objektiks. Aga kirjutatud sõnad loetakse kohe läbi ja lähevad otse teadvusesse, joonistades sinna tervikpildi. Kolmandast küljest on sõnad, mida Kabakov oma maalidel kasutab, otsekõne, igapäevane, katkendlik. See on kõne, mida me sõna otseses mõttes oma mõtetes kuuleme. Need, kes neid sõnu hääldavad – ja me teame alati nende nimesid ja perekonnanimesid – näivad seisvat läheduses. Seega muutub kõne materiaalseks, mingil moel objektiks. Pealegi mitte ainult füüsiline, vaid isegi "ruumiline". Häälte ja sõnade meri õõtsub pidevalt kõigi ümber, kirjutab Kabakov, ja kui jäljendada tükki kellegi kõnest, läheb selle kuulja sisemine kõnemeri üles. Seega ajab sõnade ja kujundite kombinatsioon pildil segadusse välise ja sisemise vaataja, sukeldudes ta võimsatesse illusioonidesse.

Kabakov mõtiskleb sõnade ja piltide vastastikusest mõjust: pilt on mingil moel välistatud teadvusväli. Selle tajumiseks on vajalik teadvuse töö. Teisalt mõjub pilt maalil koos sellega, et ka seinal, millel see ripub, on oma visuaalsus. Ja kui pildis kombineerida erinevaid kujutisi, nagu juhtub Kabakoviga, jagatakse kogu vaadeldav stseen erinevateks objektikomponentideks ning pilt langeb teadvusest välja ja muutub objektiks. Aga kirjutatud sõnad loetakse kohe läbi ja lähevad otse teadvusesse, joonistades sinna tervikpildi. Kolmandast küljest on sõnad, mida Kabakov oma maalidel kasutab, otsekõne, igapäevane, katkendlik. See on kõne, mida me sõna otseses mõttes oma mõtetes kuuleme. Need, kes neid sõnu hääldavad – ja me teame alati nende nimesid ja perekonnanimesid – näivad seisvat läheduses. Seega muutub kõne materiaalseks, mingil moel objektiks. Pealegi mitte ainult füüsiline, vaid isegi "ruumiline". Häälte ja sõnade meri õõtsub pidevalt kõigi ümber, kirjutab Kabakov, ja kui jäljendada tükki kellegi kõnest, läheb selle kuulja sisemine kõnemeri üles. Seega ajab sõnade ja kujundite kombinatsioon pildil segadusse välise ja sisemise vaataja, sukeldudes ta võimsatesse illusioonidesse.

Kabakov nimetab oma töid sõnaga "varjamine" - kui öeldakse midagi, mida ei mõelda, tuues kunstiväljale nõukogude olukorra tähenduse kaotanud sõnaga või "kõnekeelu triibuga". Huvitaval kombel pöörab Kabakov selle lõhe sõna ja tähenduse vahel ka enda peale. Ta kirjutab entusiastlikult, et tema juba valminud teoste vaatamine kutsus temas esile kõige aktiivsema vaimse tegevuse nende tõlgendamisel. Siin viitab ta sellele, et osa sellest, mida ta arvab alles pärast maali valmimist, oli temas juba selle loomise ajal, isegi kui alateadlikult – ja seetõttu võib potentsiaalselt ka vaataja neid erinevaid tõlgendusi ette võtta. Kuid peamine on see, et see kavatsus ei läinud teadlikult pildile, mis tähendab, et Kabakovi teadvus jäi sellest väljapoole, ta on sellest vaba. Pilt on “valikuline” mitte ainult vaatajale, vaid ka Kabakovile.

Muidugi on palju muid tõlgendusi, sealhulgas Kabakovilt endalt. Näiteks 1990. aastal Groysiga peetud vestlustes seletab Kabakov oma maalide sõnu juba mainitud hirmuga, millest ta põhimõtteliselt palju räägib. Kirjanduskesksele, visuaalselt harimatule nõukogude subjektile – kartuses, et teda ei mõisteta piisavalt, ja paanilisest hirmust teise tähelepanematuse ees – ütleb Kabakov lihtsalt selle, mida kunstnik öelda tahtis. Ta näeb ette ja seeläbi halvab vaataja kõne ja tema võimaliku negatiivse hinnangu.

Uus algus

1980. aastatel algas Kabakovi kunstis uus suund: ta hakkas maalima värvikaid maale. Tekst sellest ei kao, vaid muundub oluliselt. Nüüd täidab realistlik-impressionistlik maal kogu pildivälja ja tekst eksisteerib pealetükkimatult peal, ei pretendeeri enam ülimuslikkusele, nagu see oli enne, vaid sulandub ainult pildimaailma. Siin on selge üleminek – mis langeb täpselt kokku sarnase üleminekuga kogu läänemaailmas – kriitiliselt romantiliselt kontseptualismist postmodernismile, kujunditega tegelemisele. Tuleb märkida, et kogu nõukogude visuaalsus muutus sel perioodil. Perestroika avab ukse välismaisele massikultuurile, televisioon ja ajakirjad muutuvad värvikaks ning seinalehtede põhimõtteliselt avangardistlik didaktiline keel muutub ajale jalgu ja ebapopulaarseks. Kabakov, reageerides muutunud tingimustele, säilitab neisse iroonilise suhtumise. Pilte nõukogude argiunenägude piiridest või erksaid fotoillustratsioone kommenteerivad tühjad või üliemotsionaalsed tekstid, mis näitavad tähenduslikkuse puudumist maailma suhtes. Selle tsükli tuntuimad teosed on “Luksustuba” (1981) – hotellitoa reklaam, “Gastronom” (1981) – külluse unistus, “Allee” (1982) – nõukogude ehitusplats uutele sotsiaalüksustele. , “Põrnikas” (1982 ) – foto lasteriimiga mardikast.

Ilja Kabakov, “Luksuslik tuba”,1981

1980. aastate alguses hakkas Kabakov looma oma esimesi installatsioone. Tema esimene installatsioon oli “Ant” (1993), lasteraamatu “Detgiza” kaas ja viis lehekülge inimese käsitsi kirjutatud mõtisklusi mittekunsti kunstilisest ja intellektuaalsest potentsiaalist: see kaas. Nagu Kabakov hiljem ütleb, oli see sipelgas metafooriliselt ja ontoloogiliselt olenditüübina muidugi tema ise. Järgmine – “Ühe maali seitse näitust” – pakub 4 maali, millest igaüks on ümbritsetud paljude kalligraafiliselt kirjutatud kommentaaridega erinevatelt vaatajatelt. Siin mõistab Kabakov seda häälte suminat, millest ta ka palju räägib, seda täiesti teistsuguste hinnangute ja hoiakute suminat, mis on talle olulisem kui lähedaste, mõistvate inimeste hinnangud ja hoiakud - sest juhuslikud hääled on kultuur, kus Kabakov püüab saada üldnimetuseks – nii defineerib ta mõju. Kõikides tema järgnevates installatsioonides on alati teiste kõnet, teiste urisemist, ärritust teiste juuresoleku pärast, ühiskorteri meeleolu. Aastatel 1982–86 tegi ta kuulsa filmi "Mees, kes lendas oma toast kosmosesse". Kabakovi nõukogude elu peamise metafoori ruumiline lahendus võimaldab tal uuel viisil töötada sellega, mida ta kirjeldab kui nõukogude mandalat - suletud ruumi, millel on oma võimas energia, mis juhib kõike, mis selles toimub. Kõik inimkonnale tuttavad sotsiaalsed institutsioonid leiavad oma kehastuse kommunaalkorteri ruumis.

Ilja Kabakov, lkpaigaldusprojekt “Punane auto”, 1991

Rahvusvaheline tunnustus

1988. aastal toimus Moskvas esimene Sotheby’si oksjon – mitteametlike kunstnike tööd läksid vabaturule. 1989. aastal abiellus Kabakov 1975. aastal NSV Liidust emigreerunud Emilia Lekahiga. Sellest hetkest alates töötavad nad koostöös ja nende teosed on allkirjastatud topeltnimega, lisaks on vale rääkida Ilja Kabakovi teostest kui üksikautorist. Tihti peetakse Emilia rolli taandatavaks täpsele juhtimisele ja organiseerimisele, kuid esiteks on Kabakovi teooria kohaselt kunstnik-mänedžer mitte vähem oluline tüüp kui kõik teised ja teiseks nõuavad nad aktiivselt teoste dueti autorsust.

Alates 1987. aastast on juba 54-aastane Kabakov alustanud aktiivset kunsti- ja näitusetegevust välismaal. Sel ajal on huvi perestroika kunsti vastu Euroopas ja USAs haripunktis. Esimene installatsioon toetuse raames tehti Austrias Grazis asuva ooperimaja jaoks: "Enne õhtusööki". Järgmised tööd on New Yorgis, Prantsusmaal, Saksamaal. 1989. aastal kolisid Kabakovid Berliini ega pöördunud enam Venemaale tagasi. 1992. aastal lõid Ilja ja Emilia Amsterdami ooperiteatris Viktor Erofejevi loo põhjal valminud "esimese postkommunistliku ooperi" - Schnittke "Elu idioodiga" - lavakujunduse. Kabakovid esinesid 90ndatel pidevalt Euroopas ja USA-s: Pompidou keskuses Pariisis, MoMA-s New Yorgis, Kunsthalles Kölnis, riiklikus kaasaegse kunsti keskuses Oslos, 1992. aastal Documenta IX-s Kasselis. , 1993. aastal Veneetsia biennaalil said Kabakovid “Kuldlõvi” teose “Punane paviljon” eest, 1997. aastal paigaldasid Kabakovid Münsteris asuvale Skulptur.Projecte’ile objekti “Vaadates üles, lugedes sõnu”. Järgnesid arvukad auhinnad ja Prantsuse Kunstide Ordeni Chevalieri tiitel.

Ilja ja Emilia Kabakov

Emilia ehitab oskuslikult üles kunstilise tegevuse turunduslikku poolt. See piirab duo turul olevate teoste arvu, eelistatud omanikeks saavad suuremad kaasaegse kunsti muuseumid – isegi kui neil pole turuväärtuse maksmiseks eelarvet. Kabakovid vastavad võimalikult täpselt turu nõudmistele ja seadustele ning muutuvad kiiresti mitte ainult edukateks postsovetlikeks kunstnikeks, vaid ka maailmatasemel kunstitegelasteks. Need loovad lääne kunstiringkonnale arusaadava müüdi nõukogude inimesest. Nende töö on tähelepanuväärne ja sobib suurepäraselt suurtele kohtadele. Kabakovidest saab teatud esteetilises paradigmas intrigeeritud ja kasvatatud Lääne-Euroopa ja Ameerika vaataja jaoks nõukogude inimese maailmapildi kehastus.

2000. aastatel algas Kabakovide populaarsus Venemaal. 2003. aastal avati näitus „Ilja Kabakov. Foto- ja videodokumentatsioon elust ja loomingust" Moskva Fotograafia Majas (MAMM), 2004. aastal - suur näitus "Kümme tegelast" Tretjakovi galeriis ja koos Emiliaga "Juhtum muuseumis ja muudes installatsioonides" - Ermitaaži peastaabis. Kabakovid kinkivad Ermitaažile 2 installatsiooni ning Mihhail Piotrovsky nimetab neid Ermitaaži kaasaegse kunsti kollektsiooni alguseks. Sellele järgnes näitus 9 installatsioonist aastatest 1994-2004 Stella Kunstifondis. Aastatel 2006 ja 2008, mil vene kunst polnud pikka aega rahvusvahelist kõmu tekitanud, kuid tänu vene kollektsionääride huvibuumile toimus selle hinnatõusu teine ​​laine, ilmusid maalid “Lux Room” (1981) ja "Beetle" (1982) müüdi Philips de Pury oksjonil (London) Vene kunstiteoste eest rekordhinnaga.

Tänaseks on Ilja ja Emilia Kabakovid jätkuvalt üsna aktiivsed näitusetegevuses, nende töid on 250 muuseumi kogudes üle maailma, linnaruumis on üle 50 skulptuurikompositsiooni.

Interneti ja abstraktsete hüüdnimede ajastul on hea olla kunstikriitik - keegi ei tea teie õiget nime, te ei pea end tagasi hoidma, sest kõik on nii selge ja arusaadav - nad on kõik haarajad ja häkkijad! Näiteks kontseptualist Ilja Kabakov. Maalid, graafika, installatsioonid – mõned asjad ei sarnane millegi muuga maailmas, kuid maksavad miljoneid – kõik on selge!

Aga mõni asjatundja peaks oma murduvad hääled maha rahustama ja parem oleks selle meistri näitusele minna. Ja kui vaatate tõeliselt avatud silmadega, näete hämmastavat, ammendamatut maailma, mis on mõnikord täis huumorit ja irooniat, mõnikord heliseb valust inimeste pärast, kes elasid ja elavad sellel arusaamatul maal...

14 aastat õpinguid

Kuid kõigepealt oli eriala pikaajaline õppimine. Kabakov Ilja Iosifovitš sündis Dnepropetrovskis mehaaniku ja raamatupidaja peres. Sõja ajal sattus ta koos emaga Samarkandi, kus Repini Instituut Leningradist evakueeriti. Ilja asus õppima selle instituudi lastekunstikoolis. Pärast sõda viidi Kabakov üle Moskva Kunstikeskkooli, mille ta lõpetas 1951. aastal ja astus riigi parimasse kunstiülikooli - Surikovi instituuti graafikaosakonda. Ta otsustas spetsialiseeruda raamatukunstile koos professor Dehtereviga.

Tänastest eneseirooniat ja müstifikatsiooni täis meistri mälestustest võib leida tema kergemeelse suhtumise õpingutesse lasteraamatute kujundamises, mille ta võttis peale instituudi lõpetamist 1957. aastal. Ta nimetab neid vaid toidu hankimise viisiks, millele pühendas väikese osa oma ajast ja vaevast. Lastele mõeldud trükimaterjalid olid eriti läbi imbunud ideoloogilistest klišeedest ja dogmadest ning väidetavalt ei saanudki neis midagi huvitavat teha.

See tundub kerge ebaviisakas: kirjastuse “Children’s Literature”, ajakirjade “Murzilka”, “Funny Pictures” raamatute kvaliteet on paljudel meeles, mitte ainult vanusega seotud nostalgia tõttu. Ilja Kabakov on kunstnik, kes lõi illustratsioone Marshaki luuletustele, Charles Perrault’ muinasjuttudele ja lugudele Peter Panist. Vabadus, uudsus ja kujutlusvõime on nendes selgelt mitteakadeemilistes töödes selgelt nähtavad. Väga huvitav on teaduslike ja õpetlike lasteraamatute kujundus: "Puidu imed" (1960), "Savi ja käed" (1963), E. Mara "Ookean algab tilgast" (1966), "Jutt Gaas" (1960), "Tricky Point" (1966).

Töötuba “Venemaa” katuse all

Alates 60ndate lõpust moodustati Moskvas nonkonformistlike kunstnike selts "Sretensky Boulevard". Sellesse kuulus Ilja Kabakov. Selle sõbraliku ühenduse kunstnike maalid erinesid oluliselt ametlikult kinnitatud maalist.

Võimalus kokku saada tekkis suuresti tänu Kabakovile. Töö kirjastustele tõi head raha ja kunstnikul oli oma töökoda. Ta nimetab müstiliseks lugu sellest, kuidas ta leidis Sretenski puiesteel endise Rossija kortermaja katuse alt toa ja leppis võimudega kokku sealse stuudio sisseseades.

Ilja Kabakovi, Hulo Soosteri, Erik Bulatovi, Oleg Vasiljevi jt töid eksponeeriti mitteametlikel näitustel Moskvas ja välismaal, kehastades NSV Liidu alternatiivkunsti sulaajal. Kuid riigi peamiste “kunstikriitikute” karm reaktsioon abstraktsele kunstile viis ainuüksi sotsialistliku realismi võiduni.

Enne minu enda stuudio tulekut koosnes “töö iseendale” stiilis graafilistest lehtedest ja väikeseformaadilistest albumitest. Hiljem hakkasid ilmuma suuremaformaadilised maalid: “Pea palliga” (1965), “Piip, kepp, pall ja kärbes” (1966), “Automaat ja kana” (1966).

Tekst kui pildiline meedium

Ilja Kabakov, kelle maalid hakkasid sisaldama üha rohkem filosoofilisi varjundeid, tõusis kontseptualistide üheks liidriks. Tohutu suurusega “valgete” maalide seeria - “Berdjansk magab” (1970), “Inimene ja väike maja” (1970) – äratas mõtteid uue maali tajumise tingimustest, vaataja ja vaataja vahelisest suhtlusest. kunstnik. Kunstniku katsed teksti toomisel maali ruumi toimivad liikumisena selles suunas. Esimesed sellised teosed on "Kus nad on?" (1970), "Kõik temast" (1970), "Eksperimentaalrühma vastused" (1970) - esindavad erinevaid objekte Moskva kommunaalkorterite tegelikust elust koos tekstikommentaaridega, sageli ametlike juhiste või teadaannete pseudooluliste paroodiatega.

Teksti kasutas hiljem ka Ilja Kabakov. “Luksustuba” (1981) on maal, mis kujutab hotellitoa vaadet, millele on kantud reklaam reisiks Musta mere kuurortidesse.

Kabakovi leiutatud albumid, millest said installatsioonide eelkäijad, on samuti kontseptuaalsed teosed. Sellised albumid – sulam skulptuurist, illustratsioonist, kirjandusest, teatrist – on üles ehitatud ühe teema või tegelase kogemuse ümber, mida väljendatakse visuaalsete ja tekstiliste vahenditega. Oluliste või mõttetute sündmuste koosmõju vaatamine on põnev. See avaldab muljet kas täielikkuse või avatusega aja ja ruumi mis tahes suunas.

Ilja Kabakov on graafik, illustraator ja tüübikujundaja. Sellistes albumites on tema tegevuse olemus kõige täpsemini jälgitav. Kuulsaim album on “Ten Characters” (1970-74).

Kommunaalkorterite sõda ja rahu

Kabakovi loomingu põhiliseks uurimisobjektiks on nõukogude aja sotsiaalsed olud. Ühe ideoloogia domineerimise rõhuv mõju väljendub teostes nagu Verified! (1981) ja "Supermarket" (1981). Naabritevahelised sõjad kommunaalkorterites õhu ja lisaruumi pärast on “eluaseme” kompositsioonide “Prügi väljaviimine” (1980), “Pühapäevaõhtu” (1980) teemaks. Sama perioodi “Köögisarjas” on tuttavatele köögiriistadele omistatud teatav kõrge kunstiline tähendus, kultuuriline tähendus, mis on sageli eraldatud funktsionaalsusest.

Sellise tähendusega täidab tavalist olmeprügi ka sellele järgnenud installatsioon “Mees, kes ei visanud midagi ära” (1985). Selles võib näha ka globaalseid diskussioone inimtegevuse tähenduse üle, vajaliku ja mittevajaliku hoolimatu talletamise harjumuse üle või, vastupidi, ajaloo revideerimist koos mineviku kohandamisega kaasaegse poliitika vajadustega.

Installatsioonid kokku

1987. aastal emigreerus Ilja Iosifovitš Kabakov läände. Siin on tal juurdepääs suurtele näitusepindadele. “Totaalsed installatsioonid” on see, mida Ilja Kabakov nimetab maalideks ja objektideks, mis hõivavad suuri ruume ja mida ühendab ühine globaalne kontseptsioon.

Kõige kuulsam installatsioon oli “Mees, kes lendas oma korterist kosmosesse”, mis sümboliseerib suuresti kunstniku enda saatust. Nõukogude plakatitega kaetud seinaga väikese ruumi keskel on midagi, mis näeb välja nagu kada. Auk laes, kommentaarid ja intsidendi asukoht – kõik tõestab erakordse sündmuse reaalsust: teatud leiutaja, kasutades geniaalset katapulti, murdis kehaga läbi laest, väljus maalähedasesse kosmosesse – surnukeha ei leitud...

Näha sellises objektis ainult nalja ja süsteemi mõnitamist on vale. Nii nagu installatsioonis “Tualett” (1992), võib leida vaid kiusliku analoogia tavapärastest elutingimustest kogu riigis. See kunstiobjekt hämmastas eriti lääne vaatajat, kes peab eluruumi privaatsust normaalse inimese loomulikuks vajaduseks.

“Punane auto” (1991), “Sild” (1991), “Kärbeste elu” (1992), “Me elame siin” (1995) - kokku installatsioonid, mis tõid Kabakovile kuulsuse. Neid eksponeeritakse USA ja Euroopa muuseumides ning kombineerituna näitusteks nagu “Projektide palee” (1998, London) ja “50 installatsiooni” (2000, Bern) esindavad Kabakovi loomingut kui fenomeni.

Abikaasa ja kaasautor

Kabakov armastab elu pettustega värvida. Perioodiliselt esinevad kunstnikud Charles Rosenthal, Igor Spivak ja Stepan Koshelev olid sellistele leiutistele altid. Kabakov tegi nendega loomingulist koostööd, kirjutas neist isegi igavate kunstikriitikute stiilis artikleid.

Alates 1989. aastast on kunstnik leidnud endale tõelise kaasautori – Emilia Lekah. Ta saab tema naiseks ja võtab enda peale palju organisatsioonilisi ja finantsküsimusi, jättes meistrile rohkem aega loovuseks. Ja selliseid küsimusi tuleb üha sagedamini, sest huvi Kabakovi loomingu vastu kasvab. Selle näiteks on Phillips de Pury & Company oksjon. 2007. aastal avati partii “Ilja Kabakov. "Sviit". Maal osteti 2 miljoni naela eest, mis teeb Kabakovist kalleima kaasaegse vene maalikunstniku.

2008. aastal kinnitas seda ka järgmine enampakkumine samal oksjonil. Järgmine partii on “Ilja Kabakov, “Beetle” (1982) ja veel üks rekord - 2,93 miljonit naela.

Oskus olla üllatunud

Dollarite ja naelte lugemine on vajalik – selline on praegune maailm. Kuid ma tahan, et temas säiliks see banaalne idee, et raha ei tee õnne. See on selliste kunstnike olemasolus, nende töös ja annetes. Inimkond koosneb inimestest, mitte loomadest, kuni ta on võimeline imestama ja kunstis rõõmu tundma.

Kuni 17. novembrini on Ostoženkal asuvas Multimeedia kunstimuuseumis avatud näitus „Utoopia ja tegelikkus. El Lissitzky, Ilja ja Emilia Kabakov.“ Projekti algatas Eindhovenis asuv Hollandi Van Abbemuseum ja sellel on näitus nende kahe kunstniku töödest, mis on toodud paljudest kuulsatest muuseumidest üle maailma ja erakogudest. Näitust on juba näidatud Eindhovenis Van Abbis, Peterburi Ermitaažis ja pärast Moskvat läheb see Austriasse, Grazi moodsa kunsti muuseumisse.

Utoopia ja tegelikkus. Dialoog kahe vene kunstniku, kahe oma aja ikoonilise kunstitegelase - 20. sajandi alguse vene avangardi suurima meistri, utoopilise El Lissitzky ja Moskva kontseptualismi hiiglase Ilja Kabakovi vahel, kes on viimasel ajal töötanud koostöö abikaasa Emiliaga.

El Lissitzky. Konstruktor (autoportree). 1924. aastal Van Abbemuseum, Eindhoven

Mõlemad kunstnikud on tuntud Venemaal, Euroopas ja USA-s, mõlemad on üles kasvanud Venemaal. Nad elasid lihtsalt eri aegadel ega ristunud kunagi. Idee nende ühendamiseks kuulub Eindhovenis asuvale Hollandi Van Abbemuseumile, kus asub suurim Lissitzky teoste kollektsioon väljaspool Venemaad. Muuseumikunstiteadlased märkasid Lissitzky ja Kabakovi töödes ilmseid vastuolusid. Nende teosed näisid omavahel vaidlevat.

Üks ennustas oma järglastele helget tulevikku ja teine, olles seesama järeltulija, diagnoosis sellest tuleneva reaalsuse. Esimene uskus ideaalse kommunistliku tuleviku ehitamisse, teine ​​aga oli sellised unistused juba kaotanud. Pealegi ei mõelnud Kabakov spetsiaalselt selle näituse jaoks midagi välja, teosed leidus tema mahukast arhiivist. Igale Lissitzky avangardlikule utoopiale astub vastu Kabakovi looming. Seal, kus Lissitzky kuulutab “Igapäevaelu saab lüüa” ja kujutab ideaalseid algselt sisseehitatud mööbliga kommunaalkortereid, kuhu elanikud kolivad sisse vaid kohvritega, sest muud pole vaja, paljastab Kabakov nõukogude kommunaalkorterite talumatu elu, kus elu on õige. graafikule, kus ta näeb ette isegi tualeti kasutamise aja. "Elu võitis," vastab ta.

El Lissitzky. Interjööri projekt. 1927. Riiklik Tretjakovi galerii

Ilja Kabakov.Pildialus

Kabakov vastab Lisitski vineerist toolidele armetute köögikappidega, mis on kaetud värviliste õliriidega ja täidetud armetute köögiriistadega.

El Lissitzky projekteeritud toolide paigaldamine rahvusvaheliste näituste jaoks. 1927. aastal Riiklik Tretjakovi galerii

Ilja Kabakov. Ühisköögis. Osa paigaldusest. 1991. aastal Regina galerii, Moskva

Prounide ja horisontaalse pilvelõhkuja vormipuhtusele vastanduvad Ilja Kabakovi tavalisest prügist tehtud installatsioonid.

El Lissitzky. Proun.1922-1923. Van Abbemuseum, Eindhoven, Holland.

El Lissitzky. Horisontaalne pilvelõhkuja Nikitski värava juures. Fotomontaaž, 1925

Ideaalse teatri projekt on utoopilise “vertikaalse ooperi” projekt.

Ilja Kabakov. New Yorgi Guggenheimi muuseumi "Vertikaalse ooperi" makett.

“Võidu üle päikese” makett on “Unemaja” makett, põrgulik segu mausoleumist ja kambrist nr 6.

El Lissitzky. Võit päikese üle: kõik on hea, mis algab hästi ja millel pole lõppu. Plakat. 1913. aasta

El Lissitzky. Sketš ooperile “Võit päikese üle”

Kabakov vastab Lissitzky proletaarse juhi tribüünile projektiga “Türanni monument”, kus pjedestaalilt alla tulnud vuntsidega juht üritab kedagi teist tabada.

Seal, kus Lissitzky tegutses uue maailma kujundajana, kus "ehitatakse monoliitseid kommunistlikke linnu, kus elavad kogu planeedi inimesed" (otseselt vend oma kiirgava linnaga), nägi Kabakov kasarmute, haagiste, vahetusmajade ja vahetusmajade prototüüpe. kasarmus, kust ta tahtis põgeneda kuhu iganes, mis tahes viisil, isegi katapuldi abil kosmosesse. Lihtsalt selleks, et olla vaba.

Ilja Kabakov. WC. Paigaldamine. 1992. aasta

Ilja Kabakov. Mees, kes lendas oma korterist kosmosesse. 1985. aastal Riiklik moodsa kunsti muuseum, Georges Pompidou keskus, Pariis

Tema ingel murrab läbi lae, murrab läbi installatsiooni Lissitzky plakatiga “Peksa valgeid punase kiiluga” ja... kukub ülalt, murdudes.

Nii kukub kokku utoopia ise.

Peaaegu kõik Lissitzky arhitektuuriprojektid jäid teostamata. Tema projekti järgi ehitati ainult üks hoone - see on ajakirja Ogonyok trükikoda Moskvas 1. Samotechny Lane'is. Nüüd on hoone kantud linna kultuuriväärtuste registrisse.

Tema kuulsad horisontaalsed pilvelõhkujad ei ilmunud kunagi Moskva tänavatele. Kuid suurepärane idee ei surnud ja aja jooksul tekkisid sarnased ehitised teistesse linnadesse ja riikidesse. Jälgijad.

Parkrandi korterid Amsterdamis

Ja see pole muidugi veel kõik. Maailmas on teisigi ehitisi.

El Lissitzky töötas mõnda aega koos Kazimir Malevitšiga, koos arendasid nad suprematismi aluseid.

Kõige kallim vene kunstnik. Tema maalidest “Põrnikas” (müüdi 2008. aastal 5,8 miljoni dollari eest) ja “Luksustuba” (2006. aastal müüdi 4,1 miljoni dollari eest) said kõige kallimad Vene kunstiteosed, mida eales müüdud. Kunstnik ise elab muidugi Ameerikas.

Internetist võetud fotod

Ilja Iosifovitš Kabakov sündis 30. septembril 1933 Dnepropetrovskis. Tema ema Berta Solodukhina oli raamatupidaja ja isa Joseph Kabakov mehaanik. 1941. aastal evakueeriti ta koos emaga Samarkandi. 1943. aastal võeti ta vastu Repini nimelise Leningradi maalikunsti, skulptuuri ja arhitektuuri instituudi kunstikooli, mille õpetajad ja õpilased samuti Samarkandi evakueeriti. Sealt viidi Kabakov 1945. aastal üle Moskva Kunstikeskkooli (MSHS). Ta lõpetas selle 1951. aastal ja astus samal ajal Surikovi Instituudi (V.I. Surikovi nimeline Moskva Riiklik Akadeemiline Kunstiinstituut) graafikaosakonda, kus õppis professor B.A. raamatutöökojas. Dekhtereva. Lõpetas 1957. aastal Kabakovi Instituudi.

Alates 1956. aastast hakkas Ilja Kabakov illustreerima raamatuid kirjastusele "Detgiz" (alates 1963. aastast - "Lastekirjandus") ja ajakirjadele "Malysh", "Murzilka", "Funny Pictures". Alates 1950. aastate teisest poolest hakkas ta maalima “enese jaoks”: proovis kätt sellistes suundades nagu abstraktne kunst ja sürrealism.

1960. aastatel osales Kabakov aktiivselt dissidentide kunstinäitustel Nõukogude Liidus ja välismaal.

1968. aastal kolis Kabakov Sretenski puiesteel endise kortermaja "Venemaa" pööningule hiljem kuulsaks saanud Hulo Soosteri ateljeesse. Samal 1968. aastal osales ta koos Oleg Vasiljevi, Erik Bulatovi ja teiste nonkonformistidega näitusel Sinilinnu kohvikus.

Osa kunstniku töid kuulus juba 1965. aastal näitusele “Alternatiivne reaalsus II” (L'Aquila, Itaalia) ning alates 1970. aastate algusest olid need osaks Läänes korraldatud nõukogude mitteametliku kunsti näitustel: Kölnis, Londonis, Veneetsia.

Aastatel 1970–1976 maalis Kabakov sarjale Ten Characters 55 albumit. Esimene album oli "Lendav Komarov". Tsükkel, mida ajakirjanikud hiljem nimetasid "kontseptualistlikuks koomiksiks", loodi spetsiaalselt koduseks vaatamiseks: see oli mittekonformistlik, mitteametlik projekt.

1970. aastate keskel tegi Kabakov kontseptuaalse kolmest valgest lõuendist koosneva triptühhoni ja alustas seeriat “albidest” – “kogukondlike” teemade pealdistega poognatest ning alates 1978. aastast on ta arendanud iroonilist “Žekovski seeriat”. 1980. aastal hakkas ta vähem tegelema graafikaga ning keskendus installatsioonidele, milles kasutas tavalist prügi ning kujutas kommunaalkorterite elu ja igapäevaelu.

1982. aastal tuli Kabakov välja ühe oma kuulsaima installatsiooniga “Mees, kes lendas ruumist kosmosesse”, mis valmis 1986. aastaks. Seejärel hakkas ta selliseid suuremahulisi projekte nimetama "täielikeks installatsioonideks".

Päeva parim

1987. aastal sai Kabakov oma esimese välistoetuse – Austria ühingult Graz Kunstverein – ja ehitas Grazis installatsiooni "Õhtusöök". Aasta hiljem lavastas ta New Yorgi Ronald Feldmani galeriis kümne tegelase projekti esimese "totaalinstallatsiooni" ja sai Prantsuse kultuuriministeeriumi stipendiumi. 1989. aastal sai Kabakov DAADi (Saksamaa akadeemilise vahetusteenistuse) stipendiumi ja kolis Berliini. Sellest ajast peale töötas ta pidevalt väljaspool NSV Liidu ja seejärel Venemaa piire.

Alates 1990. aastate algusest on Kabakovil olnud kümneid näitusi Euroopas ja Ameerikas, sealhulgas sellistes suuremates muuseumides nagu Pariisi Pompidou keskus, Norra Riiklik Kaasaegse Kunsti Keskus, New Yorgi Moodsa Kunsti Muuseum, Kölni Kunstihall ja Veneetsia biennaalil ja Documenta näitusel Kasselis.

1990. aastad kujunesid kunstnikule tunnustamise ajaks: sel kümnendil pälvis ta Taani, Saksamaa ja Šveitsi muuseumide auhindu ning Prantsuse kultuuriministeeriumilt Kunsti ja Kirjanduse ordeni kavaleri tiitli.

2000. aastatel hakkas kunstnik Venemaal aktiivselt eksponeerima. Nii näitas Moskva fotograafia maja 2003. aasta sügisel projekti "Ilja Kabakov. Elu ja loovuse foto- ja videodokumentatsioon." 2004. aasta alguses korraldas Tretjakovi galerii programminäituse "Ilja Kabakov. Kümme tegelast."

2004. aasta juunis avati Ermitaaži peastaabihoones Ilja Kabakovi ja tema naise Emilia (nad on abielus alates 1992. aastast) näitus "Juhtum muuseumis ja muudes installatsioonides", mis "tähistas nende naasmist kodumaale". Samal ajal kinkisid kunstnikud muuseumile kaks installatsiooni, millega sai Mihhail Piotrovski sõnul alguse Ermitaaži kaasaegse kunsti kogu. Sama 2004. aasta detsembris näitas Moskva galerii "Stella-Art" üheksat Kabakovi installatsiooni, mis on tehtud aastatel 1994-2004.

Kui programminäitus "Venemaa!" läks 2006. aastal New Yorgi Guggenheimi muuseumisse, oli seal Kabakovi installatsioon "Mees, kes lendas kosmosesse". Selle teose viibimine samas ruumis Andrei Rubljovi ja Dionysiuse ikoonide, Brjullovi, Repini ja Malevitši maalidega kinnitas lõpuks Kabakovi staatuse sõjajärgse põlvkonna ühe olulisema Nõukogude ja Venemaa kunstnikuna.

2007. aasta suvel osteti Phillips de Pury & Company Londoni oksjonil Kabakovi maal "Luksustuba" 2 miljoni naelsterlingi (umbes 4 miljoni dollari) eest. Nii sai temast kahekümnenda sajandi teise poole kõige kallim vene kunstnik.

2008. aasta veebruaris müüs Phillips de Pury & Company oksjonil Kabakovi teose "Beetle" (1982) 2,93 miljoni naela (5,84 miljoni dollari) eest. Sama aasta aprillis müüdi Sotheby New Yorgi oksjonil album "Flying Komarov" 445 tuhande dollari eest.

2008. aasta juulis sai teatavaks Moskvas valmiv suurim Ilja ja Emilia Kabakovi retrospektiiv, mis oli mõeldud korraga kolmele kohale: Puškini Riiklik Kaunite Kunstimuuseum, Winzavodi Kaasaegse Kunsti Keskus ja uus Kaasaegse Kunsti Keskus Garage. , mille avab Daria Žukova Roman Abramovitši toel. Teatati, et algselt pidi näitust rahastama Mihhail Prokhorovi fond, projekti jaoks mõeldud summa nimetati - 2 miljonit dollarit. Kuid 5. juunil keeldus fond Kabakovi näitust toetamast.

Teatavasti oli Ilja Kabakov kunstnike liidu liige ja raamatugraafika sektsiooni liige. Septembris 2008 sai Kabakov Jaapani keiserliku auhinna Premium Imperiale laureaadiks. Emilia Kabakova tõdes, et preemia rahaline osa jaguneb kolmeks, millest üks on ette nähtud SA Eluliin seadmete ostmiseks ja südamehaigete laste raviks, teine ​​lasteraamatukogu ehitamiseks. , ja kolmas osa tuleks annetada hooldekodule.

Kabakovil on kolm tütart.

Ilja Josifovitš sündis 1933. aastal Dnepropetrovskis. Sõja ajal evakueeriti ta koos emaga Leningradi, kuhu koliti Leningradi Maaliinstituudi kunstikool. Repina. Kümneaastaselt võeti poiss sellesse kooli vastu ja kaks aastat hiljem viidi ta üle Moskva Kunstikeskkooli. Hiljem lõpetas noormees Moskvas Surikovi kunstiinstituudi.

Oma iseloomu ja maailmavaate poolest erines Kabakov järsult klassikalistest kunstnikest. Veel 1960. aastatel eksponeeris ta aktiivselt oma töid dissidentlikel näitustel kodumaal ja välismaal ning töötas hiljem Hulo Soosteri töökojas, mis oli kuulus oma ühiskonna poolt tunnustamata kunsti poolest.

1970. aastatel hakkas ta töötama mitme maaliseeria kallal, mis olid pühendatud elule kommunaalkorterites ja elamukontoris. Ja 1980. aastatel hakkas ta huvi tundma neil aastatel esile kerkivate installatsioonide vastu ja tõusis nõukogude kontseptualismi liidriks. Installatsioonid avasid Kabakovile uusi perspektiive. Esmalt sai ta Austriast stipendiumi ja ehitas sinna installatsiooni “Enne õhtusööki”, seejärel stipendiumi Prantsusmaalt ja Saksamaalt. Alates 1988. aastast on kunstnik pidevalt töötanud välismaal.

1990. aastatel pälvis Kabakov ülemaailmse tunnustuse. Tema töid on eksponeeritud arvukatel näitustel Euroopas ja USA-s. Venemaal toimusid viimased näitused 2004. aastal Peterburis, 2012. ja 2017. aastal Moskvas. Kunstnik pälvis 21. sajandil Austrialt Oscar Kokoschka preemia, Jaapanilt keiserliku preemia, Prantsusmaalt Kunstide ja Kirjanduse ordeni kavaleri tiitli, Venemaalt Sõpruse ordeni ja muid auhindu.

Praegu peetakse Ilja Kabakovit lääne tuntuimaks vene kunstnikuks. Tema töid on Venemaa ja USA suurimates muuseumides, neid esitletakse regulaarselt näitustel ning oksjonitel on korduvalt müüdud üle miljoni dollari (sellest lähemalt hiljem). Viimastel aastatel on ta sageli teinud koostööd abikaasa Emiliaga.

Magistri tegevusala

Moskva kontseptualism

Mõiste "Moskva kontseptualism" ilmus 1979. Selle suuna esindajad kuulutasid kunstiteoseid kui vahendit, mille abil uuriti kunsti olemust. Selleks lõid kontseptualistid installatsioone (nendest lähemalt allpool), viisid läbi üritusi ja uurisid inimeste reaktsioone neile ning motiveerisid ka ühiskonda kunstiprobleemide üle arutlema.

Lisaks installatsioonidele mõjutas Kabakov vaatajaid, lisades oma maalidesse teksti. Nii ilmusid teosed “Vastused katserühmalt”, “Kus nad on?”. ja teised. Kontseptuaalsete tööde hulka kuuluvad ka kunstniku albumid – tekstiga pildid, mida ühendab üks teema.

Kabakovi loomingu teine ​​eripära on tema töö väljamõeldud tegelaste nimel: sotsialistlikud realistid, väljamõeldud kunstnikud jne.

Installatsioonid kokku

1980. aastate lõpus välismaale kolinud Kabakovil avanes võimalus oma grandioossed projektid ellu viia. Kahe aastakümne jooksul jõudis kunstnik luua üle viiesaja installatsiooni, mida ta nimetas kokku.

Installatsioonid esindavad kunstniku konstrueeritud maailmu, mida vaataja näeb ja tunneb seestpoolt. Näiteks kuulus installatsioon “Mees, kes lendas ruumist kosmosesse” on katkise laega ruum, mille keskele on loodud seade välja murdmiseks ning seintel on pildid, mis aitavad mõista. selles elava inimese seisund. See installatsioon sümboliseeris nõukogude inimeste soovi murda välja neid rõhuva kommunaalkorteri ja neid oma nõudmiste ja ideaalidega rõhuva riigi köidikuist.

2006. aastal näidati seda installatsiooni Guggenheimi muuseumis (New York) koos selliste kuulsate vene kunstnike teostega nagu, mis ei aidanud kaasa mitte ainult Kabakovi populaarsuse kasvule, vaid kindlustas ka tema staatust kunstikogukonna olulise esindajana. .

Plaadid oksjonitel, Kabakovi maalide hind

Ilja Iosifovitšit peetakse kõige kallimaks elavaks vene kunstnikuks. Uurime, kui palju Kabakovi maalid moodsa kunsti turul maksavad.

Alustame kuulsa oksjonimaja Phillipsi oksjonil esitletud teosest "Koer". See on lõuendile emailiga loodud diptühhon, mis demonstreerib mockumentary mängu. Vasakul pool näitab kunstnik väljamõeldud nõukogude tegelase hoolikalt transkribeeritud isikuandmeid ja paremal koera, kes sümboliseerib väikest meest tohutu bürokraatliku aparatuuri ees.

Teost eksponeeriti näitusel New Yorgis 1990. aastal. See oli oksjonil edukas ja esialgse hinnanguga 300-500 tuhat naelsterlingit läks 458 tuhande naela (662 tuhande dollari) eest.

Järgmiste suuremate müükide hulka kuuluvad teoste “Pühad nr 6” ja “Pühad nr 10” väljumine. Tegemist on 12 maalist koosneva sarja “Pühad” töödega. Kunstniku plaani kohaselt tuleks selle seeria maalid riputada ümberpööratud toolide ja laudadega risu täis ruumi. Teos "Holidays nr 6" müüdi 2013. aastal Sotheby'sis 962 tuhande naela (1,5 miljoni dollari) eest hinnanguliselt 0,8-1,2 miljonit naela.

Maal “Holidays No. 10” müüdi 2011. aastal Phillipsis pooleteise miljoni naela (2,4 miljoni dollari) eest hinnangu alumises otsas. Alates 1987. aastast on seda eksponeeritud paljudel näitustel üle maailma.

Teos “Luksustuba” müüdi 2007. aastal Phillipsi oksjonil veelgi suurema raha eest. Kunstnik lõi diptühhoni talle omasel pildilisel viisil, kujutades luksuslikku tuba ja asetades sellele Musta mere kuurortide reklaami teksti. Teos saatis oksjonil tohutut edu ja hinnanguliselt 400–600 tuhat naela maksis 2 miljonit naela (4 miljonit dollarit).

Lõpuks peetakse rekordiks teose “Põrnika” müüki samal Phillipsi oksjonil 2008. aastal. See on peaaegu fotograafiline pilt mardikast lehel, mida saadab Kabakovi stiilis lastesalm. Mardikas sümboliseerib inimest, kes soovib jääda vabaks igasugusest raamistikust, sealhulgas maalimise raamistikust. Seda teost esitleti korduvalt näitustel, see lisati ka Moskva kontseptualismi ja Nõukogude opositsioonikunstnike kunsti käsitlevatesse kataloogidesse ja raamatutesse.

Kuigi aasta varem müüdi teost “Luksustuba” 2 miljoni naela eest, sai “Põrnika” lahkumisest sensatsioon, sest esialgne hinnang 1,2-1,8 miljonit naela kahekordistus. Maal müüdi oksjonil 2,9 miljoni naela (5,8 miljoni dollari) eest, saades kunstniku kõige kallimaks teoseks.

Kui rääkida soodsama hinnaga väljumistest, siis ka neid tuleb erinevatel oksjonitel regulaarselt ette. Näiteks Phillipsi oksjonil müüdi järgmised maalid: "Pidulik maal" (241 tuhat dollarit), "Oleme valmis lendama" (29 tuhat dollarit), Christie's "Lahing korteris (68 tuhat eurot), " Kuidas kohtuda ingliga" (24 tuhat naela), "Kaks sõpra" (250 naela), Sothebys "Seenekorjajates" (9 tuhat naela), "Aken" (5 tuhat naela) jt.

Tulles tagasi küsimuse juurde, kui palju Kabakovi maalid maksavad, võime järeldada, et need on maaliturul väga populaarsed ja lähevad sageli üle hinnangu. Konkreetsed tükid maksavad erineva hinnaga mõnesajast kuni mitme miljoni dollarini. Järgmises osas vaatleme, kuidas ja kus Kabakovi maali müüa.

Kabakovi maalide läbivaatus ja müük

Kuidas hinnata Kabakovi maali

Varem saime teada, et kunstniku töödes on hinnakõikumised märgatavad. Et konkreetse töö maksumust mitte valesti arvutada, soovitame tellida kutseeksami. See protseduur hõlmab pildi uurimist erinevate parameetrite järgi ja võib olla osaline või keeruline. Osalise uurimistöö puhul hinnatakse üht või mitut olulisemat parameetrit, näiteks kinnitatakse maali ehtsus. Abiks on paljude omaduste põhjalik uurimine. Eriti nõutud on see, kui töö pretendeerib kõrgele hinnale.

Kuidas ja kus müüa Kabakovi maali