Ilya Kabakov: schilderijen en hun beschrijving. Kunstenaar Ilja Iosifovitsj Kabakov

Ilya Kabakov werd in 1933 in Dnepropetrovsk geboren. Moeder is accountant, vader is monteur. In 1941 geëvacueerd met zijn moeder naar het Oezbeekse Samarkand, waar het Leningrad Instituut voor Schilderkunst, Beeldhouwkunst en Architectuur tijdelijk werd overgebracht. Repina. In 1943 werd Ilya overgeplaatst naar de kunstacademie onder Repinsky in Samarkand, en in 1945 naar de Moskouse Kunstacademie: Moskou Secondary Art School aan Krymsky Val, nu het kunstlyceum van de Russische Academie van Beeldende Kunsten. Bij gebrek aan registratie in Moskou woont Kabakov in slaapzalen en leeft zijn moeder in de meest ongelooflijke omstandigheden: in het schooltoilet, in de hoeken van kamers, in schuren. Na zijn afstuderen aan de Moskouse Kunstacademie in 1951 ging Kabakov naar het Surikov Instituut in de boekwerkplaats van de hoofdkunstenaar van de uitgeverij "Detgiz" (sinds 1963 - "Kinderliteratuur"), professor Boris Aleksandrovich Dekhterev. Zelfs voordat hij in 1957 afstudeerde aan het instituut, begon Kabakov te werken als illustrator bij Detgiz en voor de tijdschriften Funny Pictures en Murzilka. Later vertelt Kabakov over het beklemmende, voortdurende gevoel van angst, dat hem als kind in slaapzalen werd bijgebracht en daarna acuut werd gevoeld. Hij zegt dat hij niet eens de tijd had om zichzelf te vormen, om zichzelf te worden, en dat de angst er al was, de angst om niet aan de verwachte, correcte norm te voldoen. Hij voelde duidelijk de verdeeldheid tussen hemzelf – zwak, niet aantrekkelijk genoeg, ongetalenteerd – en zijn getrainde automatische reacties op eisen van buitenaf. Ik voelde duidelijk dat ik niet in overeenstemming was met de sociale verwachtingen, maar ook met de professionele. Kabakov, opgeleid als schilder, geeft toe dat hij absoluut geen gevoel voor kleur had en kon begrijpen, maar niet spontaan handelen. Hij verving het gebrek aan gevoel door training en kennis. Alleen dit feit moest verborgen blijven, altijd verborgen. Zijn hele leven beschouwt hij zichzelf als een drop-out en zegt dat hij naar de kunstacademie ging in een tijd dat deze zich in de diepte bevond, velen onderwezen omdat ze moesten, vaak dronken waren en er niet naar streefden iemand ergens in te ontwikkelen. Aldus betrad Kabakov, onzeker en uiterst negatief gerelateerd aan de staatsmachine, aan de Sovjet-samenleving als geheel, de professionele wereld. In de studio van Ilya Kabakov aan de Sretensky Boulevard, foto: Igor Palmin

Vanaf eind jaren vijftig en de daaropvolgende dertig jaar hield Kabakov zich bezig met kinderillustraties. Vanuit het oogpunt van censuur was dit het meest veeleisende gebied; het belangrijkste was om ‘getraind te worden’, om precies te tekenen zoals de kunstredacteur dat wilde, om te leren, zoals de kunstenaar zelf zegt, om te kijken door de ogen van de bewerker. Kabakov integreerde zich in het systeem, werd lid van de Unie van Kunstenaars en vulde in 2-3 maanden 3 boeken in, waarmee hij een jaar lang financieel voor zichzelf en zijn gezin zorgde. Bovendien: hoe zwakker het literaire materiaal, hoe minder berouw er was. Zoals hij zelf zegt, had hij geen liefde voor illustratie en behandelde hij het als een minimale en voldoende manier om te bestaan ​​binnen een systeem waar hij geen zin in zag om ertegen te zijn - voor hem leek het eeuwig. Niettemin wordt dit principe – uiterlijk gesproken in een algemeen aanvaarde, banale taal, maar tegelijkertijd je eigen betekenissen verzinnend en levend in je eigen persoonlijke wereld – fundamenteel voor Kabakovs werk.

Illustratie voor het boek van S. Marshak “The House That Jack Built”", 1967, collectie van het ART4 Museum

In 1957 werd in Moskou het Wereldfestival voor jongeren en studenten gehouden, een groot aantal slimme, opgewekte buitenlanders, waaronder kunstenaars, kwamen naar Moskou, er werden gezamenlijke tentoonstellingen gehouden en een internationaal kunstatelier gehouden. In 1959 vond de Amerikaanse tentoonstelling plaats in Sokolniki. Albums en boeken over hedendaagse kunst vinden hun weg naar het land. Ondergrondse Sovjetkunstenaars zijn geagiteerd.

Onofficiële kunst

Tijdens deze periode begon Ilya Kabakov met onofficiële artistieke activiteiten. Hij is lid van de ‘Club van de surrealisten’, geleid door Hulot Sooster en Yuri Sobolev (kunstredacteur van uitgeverij Znanie), ook Yuri Pivovarov en Vladimir Jankilevsky zijn lid van deze groep. In een werkplaats onder het dak van de voormalige Rossiya-verzekeringsmaatschappij op het Turgenevskaya-plein schildert Sooster, die via Estse kanalen toegang had tot de weinig bekende erfenis van het surrealisme in de USSR, jeneverbesstruiken, vist hij, bedenkt hij gelijkenissen en leidt hij complexe symbolische systemen af. uit zijn dromen. Zoals Kabakov zegt - en het bepalen van de overeenstemming van zijn verhalen met de historische werkelijkheid is moeilijk en helemaal niet nodig - streeft hij er in de eerste jaren na zijn studie naar om een ​​“absoluut” beeld te schetsen, een “meesterwerk”, een mooi en perfect kunstwerk. - en na een tijdje laat hij dit idee volledig varen. Gedurende deze periode ontstond er een hele cluster van workshops in het Chistye Prudy-gebied, dat plekken werden voor communicatie tussen kunstenaars, dichters, theater- en filmwerkers en voor het houden van niet-officiële tentoonstellingen. Directeuren van musea, buitenlanders en medewerkers van diplomatieke missies komen hier vrijelijk; contacten met linkse activisten uit andere landen worden bijzonder gewaardeerd - omdat de USSR hen om politieke redenen niet kan beledigen. Dit alles gebeurt strikt onofficieel, wordt noch door de samenleving, noch door de KGB verwelkomd, maar er wordt geen strikte controle gevoeld. In 1962 noemde Chroesjtsjov op een tentoonstelling in de Manege niet-socialistisch-realistische kunstenaars ‘pederasten’ en bepaalde hij de officiële houding ten opzichte van hen; de ‘dooi’ liep op zijn einde. In 1965 werden de werken van de belangrijkste leden van de Surrealist Club echter opgenomen in de grote tentoonstelling "Alternative Reality II" in Italië, waar zowel Hockney als Magritte werden gepresenteerd, en in de catalogus in verschillende categorieën verdeeld. Sooster belandt in ‘Symbolische Magie’, Sobolev en Jankilevski – in ‘Visionair Perspectief’, Kabakov – in ‘Fictie en Ironie’. Hierna werd Kabakov in het buitenland tentoongesteld als een onofficiële Sovjetkunstenaar - in Venetië, Londen, Keulen.

Er wordt aangenomen dat Vitaly Komar en Alexander Melamid begin jaren zeventig een nieuwe manier van handelen bedachten als reactie op de behoefte aan externe nabootsing, verplicht onder niet-officiële kunstenaars: ze begonnen te werken namens verzonnen kunstenaars - de 18e-eeuwse abstractionist Apelles Zyablov, de realist Nikolai Buchumov uit het begin van de 20e eeuw, "Beroemde kunstenaars uit het begin van de jaren 70 van de twintigste eeuw" of het mengen van vele stijlen uit verschillende perioden. Kabakov neemt de karakterstrategie van Komar en Melamid over en ontwikkelt deze. Hij was de eerste die karakterisering theoretisch begreep. In de tekst "Artist-Character", geschreven in 1985, benadrukt Kabakov de onmogelijkheid van onmiddellijke, directe creativiteit, enerzijds in de dominantie van de officiële Sovjetkunst en anderzijds in de situatie van de afwezigheid van artistiek leven. - tentoonstellingen, toeschouwers, kritiek - voor niet-officiële kunstenaars. En ze worden zelf gedwongen een artistieke wereld voor zichzelf uit te vinden, maar die blijkt bevroren, levenloos, eeuwig te zijn - er is tenslotte geen actueel artistiek leven. In de illusoire wereld bevindt de kunstenaar zich in de hele kunstgeschiedenis, en zijn eigen creativiteit staat er vooral door deze ongelooflijke tijdsperiode van af. Het niveau van reflectie dat vereist is voor het panorama van de geschiedenis dat wordt onderzocht, laat niet de mogelijkheid open om simpelweg een foto te maken en te schilderen. We hebben een kunstenaarskarakter nodig, apart, met zijn eigen biografie en karakter; hij is het die kunst zal produceren volgens zijn innerlijke noodzaak. Dat wil zeggen, de denkbeeldige kunstenaar is een soort hulpmiddel om zich aan te passen aan de artistieke situatie in de Sovjet-Unie.

Het conceptualisme van Moskou

A. Aksinin en I. Kabakov in Kabakovs werkplaats aan de Sretensky Boulevard. Moskou, september 1979

Van 1970-76 creëerde Kabakov 55 grafische albums over “10 karakters” (“Flying Komarov”, “Looking Arkhipov”, “Mathematical Gorsky”, “Anna Petrovna Dreams”, “Tormenting Surikov” enzovoort). Elke zwarte map bevat 30 tot 100 vellen die de standpunten of rechtstreeks de mening van de hoofdpersoon en opmerkingen van andere deelnemers aan de evenementen illustreren. Vaak worden deze "albums" conceptuele strips genoemd. De praktijk bij het bekijken van deze mapalbums was dat de auteur in de thuisomgeving de verhalen voordroeg en aan de verzamelde ingewijden liet zien. In ‘10 Characters’ laat Kabakov verschillende manieren zien om de werkelijkheid te overwinnen; dit is in feite het hoofdthema van zijn werk. Terwijl hij Boris Groys veel later vertelt over de vreselijke verveling van het leven en dezelfde verveling van de kunst, vertelt Kabakov over het magische moment waarop een saai object, eenvoudigweg dankzij hem, Kabakov, plotseling in het eeuwige verandert - het wordt kunst. Je hoeft alleen maar uit te zoeken hoe - en dit moment boeit hem eindeloos. Halverwege de jaren zeventig begon Kabakov te werken aan ‘albums’ over het gemeenschapsleven en het huisvestingsbureau. Kabakov beschouwt het gemeenschappelijke appartement, dat hij goed kent uit zijn eigen biografie, als de essentie van de Sovjet: iets waar je niet kunt leven, maar waaruit je ook niet kunt ontsnappen.

In 1979 schreef Boris Groys, die onlangs van Leningrad naar Moskou was verhuisd, de programmatische tekst ‘Moscow Romantic Conceptualism’, waarin werd bepaald dat Russische kunstenaars, zelfs als conceptualisten en analisten, zich, in tegenstelling tot Europese en Amerikaanse, niet kunnen bevrijden van spiritualiteit en eeuwigheid. . Groys noemt als voorbeeld korte analyses van de activiteiten van vier kunstenaars; Kabakov behoort daar niet toe, maar al snel blijft de aanduiding van de grondlegger en leider van het Moskouse romantische conceptualisme, waartoe hij nog steeds wordt beschouwd, stevig aan hem plakken.

Ilya Kabakov, “Anna Evgenievna Koroleva: Wiens vlieg is dit?", 1987, uit de collectie van het ART4 Museum

Ilya Kabakov, Kabakov reflecteert als volgt op de interactie tussen woorden en beelden: een beeld is in zekere zin een geëxternaliseerd bewustzijnsveld. Om het waar te nemen is het werk van het bewustzijn noodzakelijk. Aan de andere kant interageert het beeld in het schilderij met het feit dat de muur waaraan het hangt ook een eigen visualiteit heeft. En wanneer verschillende beelden in een foto worden gecombineerd, zoals bij Kabakov gebeurt, wordt de hele waargenomen scène verdeeld in verschillende objectcomponenten, en raakt de foto buiten het bewustzijn en wordt een object. Maar de geschreven woorden worden onmiddellijk gelezen en komen rechtstreeks in het bewustzijn terecht, waardoor het hele beeld daar wordt getekend. Aan de derde kant zijn de woorden die Kabakov in zijn schilderijen gebruikt directe spraak, alledaags en fragmentarisch. Dit is de toespraak die we letterlijk in onze gedachten horen. Degenen die deze woorden uitspreken – en we kennen altijd hun voor- en achternamen – lijken in de buurt te staan. Spraak wordt dus materieel, op de een of andere manier een object. Bovendien niet alleen fysiek, maar zelfs ‘ruimtelijk’. Een zee van stemmen en woorden slingert voortdurend om iedereen heen, schrijft Kabakov, en als je een stukje van iemands toespraak imiteert, wordt bij degene die het hoort de innerlijke zee van spraak aangewakkerd. Zo verwart de combinatie van woorden en beelden in de afbeelding de externe en interne kijker, waardoor hij wordt ondergedompeld in krachtige illusies.

Kabakov denkt na over de interactie tussen woorden en beelden: een beeld is in zekere zin een geëxternaliseerd bewustzijnsveld. Om het waar te nemen is het werk van het bewustzijn noodzakelijk. Aan de andere kant interageert het beeld in het schilderij met het feit dat de muur waaraan het hangt ook een eigen visualiteit heeft. En wanneer verschillende beelden in een foto worden gecombineerd, zoals bij Kabakov gebeurt, wordt de hele waargenomen scène verdeeld in verschillende objectcomponenten, en raakt de foto buiten het bewustzijn en wordt een object. Maar de geschreven woorden worden onmiddellijk gelezen en komen rechtstreeks in het bewustzijn terecht, waardoor het hele beeld daar wordt getekend. Aan de derde kant zijn de woorden die Kabakov in zijn schilderijen gebruikt directe spraak, alledaags en fragmentarisch. Dit is de toespraak die we letterlijk in onze gedachten horen. Degenen die deze woorden uitspreken – en we kennen altijd hun voor- en achternamen – lijken in de buurt te staan. Spraak wordt dus materieel, op de een of andere manier een object. Bovendien niet alleen fysiek, maar zelfs ‘ruimtelijk’. Een zee van stemmen en woorden slingert voortdurend om iedereen heen, schrijft Kabakov, en als je een stukje van iemands toespraak imiteert, wordt bij degene die het hoort de innerlijke zee van spraak aangewakkerd. Zo verwart de combinatie van woorden en beelden in de afbeelding de externe en interne kijker, waardoor hij wordt ondergedompeld in krachtige illusies.

Kabakov noemt zijn werk met het woord ‘verhulling’ – wanneer er iets wordt gezegd dat niet bedoeld is, waardoor de Sovjet-situatie op het gebied van de kunst wordt gebracht met een woord dat alle betekenis heeft verloren, of met een ‘streepje verbod op spraak’. Op een interessante manier draait Kabakov deze kloof tussen woord en betekenis ook op zichzelf. Hij schrijft enthousiast dat het kijken naar zijn reeds voltooide werken bij hem de meest actieve mentale activiteit opriep bij het interpreteren ervan. Hier suggereert hij dat een deel van wat hij pas denkt nadat het schilderij voltooid is, al in hem zat op het moment dat het werd gemaakt, ook al was het onbewust - en daarom kan de kijker potentieel ook aan deze verschillende interpretaties beginnen. Maar het belangrijkste is dat deze intentie niet bewust in beeld is gekomen, wat betekent dat Kabakovs bewustzijn erbuiten bleef, hij is er vrij van. De foto is niet alleen 'optioneel' voor de kijker, maar ook voor Kabakov.

Natuurlijk zijn er nog veel meer interpretaties, ook van Kabakov zelf. In gesprekken met Groys in 1990 legt Kabakov bijvoorbeeld de woorden in zijn schilderijen uit aan de hand van de reeds genoemde angst, waarover hij in principe veel praat. Tegen het literair gerichte, visueel ongeschoolde Sovjet-onderwerp – uit angst “om niet voldoende begrepen te worden en de paniekerige angst voor de onoplettendheid van iemand anders” – zegt Kabakov eenvoudigweg wat de kunstenaar wilde zeggen. Hij anticipeert en verlamt daardoor de toespraak van de toeschouwer en zijn mogelijk negatieve beoordeling.

Een nieuw begin

In de jaren tachtig begon een nieuwe lijn in Kabakovs kunst: hij begon kleurrijke schilderijen te schilderen. De tekst verdwijnt er niet uit, maar wordt aanzienlijk getransformeerd. Nu vult de realistisch-impressionistische schilderkunst het hele veld van de afbeelding, en de tekst bevindt zich onopvallend bovenaan, en claimt niet langer het primaat, zoals voorheen, maar integreert alleen in de wereld van de afbeelding. Er is hier sprake van een duidelijke overgang – die precies samenvalt met een vergelijkbare overgang in de hele westerse wereld – van kritisch romantisch conceptualisme naar postmodernisme, naar preoccupatie met beelden. Opgemerkt moet worden dat alle Sovjet-visualiteit tijdens deze periode werd getransformeerd. Perestroika opent de deur voor de buitenlandse massacultuur, televisie en tijdschriften worden kleurrijk, en de in wezen avant-garde didactische taal van muurkranten wordt verouderd en impopulair. Kabakov reageert op veranderde omstandigheden en heeft er een ironische houding tegenover. Afbeeldingen van de grenzen van alledaagse Sovjetdromen of levendige fotografische illustraties worden becommentarieerd door lege of zeer emotionele teksten, wat de afwezigheid van enige betekenis in relatie tot de wereld aantoont. De bekendste werken uit deze cyclus zijn ‘Luxury Room’ (1981) – een advertentie voor een hotelkamer, ‘Gastronom’ (1981) – een droom van overvloed, ‘Alley’ (1982) – een Sovjet-bouwplaats voor nieuwe sociale eenheden , “Beetle” (1982) – foto van een kever met een kinderliedje.

Ilya Kabakov, “Luxe kamer”,1981

Begin jaren tachtig begon Kabakov zijn eerste installaties te maken. Zijn eerste installatie was ‘Ant’ (1993), de cover van het kinderboek ‘Detgiza’ en vijf pagina’s met handgeschreven reflecties van een persoon over het artistieke en intellectuele potentieel van de niet-kunst: deze cover. Zoals Kabakov later zegt, was deze mier, metaforisch en ontologisch gezien, als een soort wezen, hemzelf. De volgende – ‘Zeven tentoonstellingen van één schilderij’ – biedt vier schilderijen, elk omringd door veel kalligrafisch geschreven commentaar van verschillende kijkers. Hier realiseert Kabakov zich dat gezoem van stemmen, waar hij ook veel over praat, dat gezoem van totaal verschillende inschattingen en houdingen, dat voor hem belangrijker is dan de inschattingen en houdingen van hechte, begripvolle mensen - want willekeurige stemmen zijn cultuur, waar Kabakov streeft ernaar een algemene naam te worden - zo definieert hij invloed. In al zijn volgende installaties is er altijd de toespraak van anderen, het grommen van anderen, irritatie over de aanwezigheid van anderen, de sfeer van een gemeenschappelijk appartement. Van 1982 tot 1986 maakte hij de beroemde ‘The Man Who Flew into Space from His Room’. De ruimtelijke oplossing voor Kabakovs belangrijkste metafoor van het Sovjetleven stelt hem in staat om op een nieuwe manier te werken met wat hij omschrijft als de Sovjet-mandala: een gesloten ruimte met een krachtige eigen energie die alles regisseert wat daarin gebeurt. Alle sociale instellingen die de mensheid kent, vinden hun belichaming in de ruimte van een gemeenschappelijk appartement.

Ilja Kabakov, opinstallatieproject “Rode Auto”, 1991

Internationale erkenning

In 1988 vond de eerste veiling van Sotheby's in Moskou plaats - werken van niet-officiële kunstenaars gingen op de open markt. In 1989 trouwde Kabakov met Emilia Lekah, die in 1975 uit de USSR emigreerde. Vanaf dit moment werken ze samen en worden hun werken ondertekend met een dubbele naam; het is verder onjuist om over de werken van Ilya Kabakov als individuele auteur te spreken. Vaak wordt de rol van Emilia gezien als herleidbaar tot nauwkeurig management en organisatie, maar ten eerste is de kunstenaar-manager, in overeenstemming met Kabakovs theorie, een niet minder belangrijk type dan alle anderen, en ten tweede dringen ze actief aan op strikt duetauteurschap van werken.

Sinds 1987 is Kabakov, die al 54 is, begonnen met actieve artistieke en tentoonstellingsactiviteiten in het buitenland. Op dit moment is de belangstelling voor perestrojkakunst in Europa en de VS op zijn hoogtepunt. De eerste installatie onder de subsidie ​​werd gemaakt voor het operahuis in Graz, Oostenrijk: ‘Before Dinner’. De volgende werken bevinden zich in New York, Frankrijk, Duitsland. In 1989 verhuisden de Kabakovs naar Berlijn en keerden nooit meer terug naar Rusland. In 1992 creëerden Ilya en Emilia het decorontwerp voor de ‘eerste postcommunistische opera’ – Schnittke’s ‘Leven met een idioot’, gebaseerd op een verhaal van Viktor Erofeev – in de Opera van Amsterdam. Gedurende de jaren negentig exposeerden de Kabakovs voortdurend in Europa en de VS: in het Centre Pompidou in Parijs, in het MoMA in New York, in de Kunsthalle in Keulen, in het National Center for Contemporary Art in Oslo, in 1992 op Documenta IX in Kassel In 1993 ontvingen de Kabakovs op de Biënnale van Venetië de “Gouden Leeuw” voor het werk “Red Pavilion” en in 1997 installeerden de Kabakovs het object “Looking Up, Reading Words” voor Skulptur.Projecte in Münster. Talrijke onderscheidingen en de Franse titel van Chevalier in de Orde van de Kunsten volgden.

Ilja en Emilia Kabakov

Emilia bouwt vakkundig de marketingkant van artistieke activiteiten op. Het beperkt het aantal werken van het duo dat op de markt komt, waarbij grote musea voor hedendaagse kunst de voorkeurseigenaren worden – ook al hebben ze niet het budget om de marktwaarde te betalen. De Kabakovs reageren zo nauwkeurig mogelijk op de eisen en wetten van de markt en worden al snel niet alleen succesvolle post-Sovjetkunstenaars, maar ook kunstfiguren van wereldklasse. Ze creëren een mythe van de Sovjetmens, begrijpelijk voor de westerse artistieke gemeenschap. Hun werk is spectaculair en geweldig voor grote zalen. De Kabakovs worden de personificatie van het wereldbeeld van een Sovjetpersoon voor een West-Europese en Amerikaanse kijker die geïntrigeerd is en opgegroeid is in een bepaald esthetisch paradigma.

In de jaren 2000 begon de populariteit van de Kabakovs in Rusland. In 2003 werd de tentoonstelling “Ilya Kabakov. Foto- en videodocumentatie van leven en creativiteit" in het Moskouse Huis van Fotografie (MAMM), in 2004 - een grote tentoonstelling van "Ten Characters" in de Tretyakov Gallery en, samen met Emilia, "An Incident in the Museum and Other Installations" - bij de Generale Staf van de Hermitage. De Kabakovs schenken twee installaties aan de Hermitage en Michail Piotrovsky noemt ze het begin van de Hermitage-collectie hedendaagse kunst. Hierna volgde een tentoonstelling van 9 installaties uit 1994-2004 bij de Stella Art Foundation. In 2006 en 2008, toen de Russische kunst lange tijd geen internationale opschudding had veroorzaakt, maar er een tweede golf van prijsstijgingen plaatsvond dankzij een enorme belangstelling van Russische verzamelaars, werden de schilderijen “Lux Room” (1981) en “Beetle” (1982) werden op de veiling Philips de Pury (Londen) voor recordbedragen verkocht voor Russische kunstwerken.

Tegenwoordig zijn Ilya en Emilia Kabakov nog steeds behoorlijk actief in tentoonstellingsactiviteiten; hun werken bevinden zich in de collecties van 250 musea over de hele wereld, meer dan 50 sculpturale composities bevinden zich in stedelijke ruimtes.

Het is goed om kunstcriticus te zijn in het tijdperk van internet en abstracte bijnamen - niemand zal je echte naam kennen, je hoeft jezelf niet in te houden, omdat alles zo duidelijk en begrijpelijk is - het zijn allemaal grijpers en hacks! Conceptualist Ilya Kabakov bijvoorbeeld. Schilderijen, grafische afbeeldingen, installaties - sommige dingen zijn anders dan al het andere ter wereld, maar kosten miljoenen - alles is duidelijk!

Maar sommige kenners moeten hun brekende stemmen kalmeren, en het is beter om naar de tentoonstelling van deze meester te gaan. En als je met werkelijk open ogen kijkt, zie je een verbazingwekkende, onuitputtelijke wereld, soms vol humor en ironie, soms klinkend van pijn voor de mensen die in dit onbegrijpelijke land hebben geleefd en leven...

14 jaar studie

Maar eerst was er een lange studie van het beroep. Kabakov Ilya Iosifovich werd geboren in Dnepropetrovsk, in de familie van een monteur en accountant. Tijdens de oorlog kwamen hij en zijn moeder in Samarkand terecht, waar het Repin Instituut uit Leningrad werd geëvacueerd. Ilya begon te studeren aan de kinderkunstacademie van dit instituut. Na de oorlog werd Kabakov overgeplaatst naar de Moskouse Middelbare Kunstschool, waar hij in 1951 afstudeerde en naar de beste kunstuniversiteit van het land ging - het Surikov Instituut, op de grafische afdeling. Hij koos ervoor om zich te specialiseren in de boekkunst bij professor Dekhterev.

In de hedendaagse memoires van de meester, vol zelfironie en mystificatie, kun je zijn frivole houding ten opzichte van zijn studie terugvinden in het ontwerpen van kinderboeken, waarmee hij begon na zijn afstuderen aan het instituut in 1957. Hij noemt ze slechts een manier om aan voedsel te komen, waaraan hij een klein deel van zijn tijd en moeite besteedde. Vooral gedrukt materiaal voor kinderen was doordrenkt van ideologische clichés en dogma's, en daarom was het vermoedelijk onmogelijk om er iets interessants in te doen.

Dit lijkt een lichte onoprechtheid: de kwaliteit van de boeken van de uitgeverij "Children's Literature", de tijdschriften "Murzilka", " Funny Pictures " wordt door velen met vreugde herinnerd, niet alleen vanwege leeftijdsgebonden nostalgie. Ilya Kabakov is een kunstenaar die illustraties maakte voor de gedichten van Marshak, de sprookjes van Charles Perrault en verhalen over Peter Pan. Vrijheid, nieuwigheid en verbeeldingskracht komen duidelijk naar voren in deze beslist niet-academische werken. Het ontwerp van wetenschappelijke en educatieve kinderboeken is erg interessant: "Wonders of Wood" (1960), "Clay and Hands" (1963), "The Ocean Begins with a Drop" (1966) van E. Mara, "The Tale of Gas" (1960), "Tricky Point" (1966).

Workshop onder het dak van “Rusland”

Sinds het einde van de jaren zestig werd in Moskou een vereniging van non-conformistische kunstenaars gevormd, genaamd "Sretensky Boulevard". Onder meer Ilya Kabakov. De schilderijen van de kunstenaars van deze bevriende vereniging verschilden heel erg van het officieel goedgekeurde schilderij.

De mogelijkheid om samen te komen verscheen grotendeels dankzij Kabakov. Werk voor uitgeverijen bracht goed geld op en de kunstenaar had zijn eigen werkplaats. Hij noemt het mystieke verhaal van hoe hij een kamer vond onder het dak van het voormalige appartementencomplex Rossiya aan de Sretensky Boulevard en met de autoriteiten overeenstemming bereikte over de uitrusting van een studio daar.

Werken van Ilya Kabakov, Hulo Sooster, Erik Bulatov, Oleg Vasiliev en anderen werden tentoongesteld op onofficiële tentoonstellingen in Moskou en in het buitenland, en personifieerden de alternatieve kunst van de USSR tijdens het dooitijdperk. Maar de harde reactie op de abstracte kunst van de kant van de belangrijkste ‘kunstcritici’ van het land leidde alleen al tot de triomf van het socialistisch realisme.

Vóór de komst van mijn eigen studio bestond 'werk voor mezelf' uit grafische bladen in de stijl en albums van klein formaat. Later begonnen schilderijen op groter formaat te verschijnen: "Head with a Ball" (1965), "Pipe, Cane, Ball and Fly" (1966), "Automatic Machine and Chicken" (1966).

Tekst als beeldmedium

Ilya Kabakov, wiens schilderijen steeds meer filosofische ondertonen begonnen te bevatten, werd een van de leiders van de conceptualisten. Een serie 'witte' schilderijen van enorm formaat - 'Berdjansk slaapt' (1970), 'A Man and Small House' (1970) - riep gedachten op over de voorwaarden voor de perceptie van nieuwe schilderijen, over de interactie tussen de kijker en de artiest. De experimenten van de kunstenaar met de introductie van tekst in de ruimte van het schilderij dienen als een beweging in deze richting. De eerste van dergelijke werken zijn "Waar zijn ze?" (1970), "Alles over hem" (1970), "Antwoorden van de experimentele groep" (1970) - vertegenwoordigen verschillende objecten uit het echte leven van de gemeenschappelijke appartementen in Moskou met tekstcommentaar, vaak pseudo-significante parodieën op officiële instructies of aankondigingen.

De tekst werd later ook gebruikt door Ilya Kabakov. “Luxury Room” (1981) is een schilderij dat een zicht op een hotelkamer voorstelt met daarop een advertentie voor een reis naar de resorts aan de Zwarte Zee.

Ook de door Kabakov bedachte albums, die de voorlopers van installaties werden, zijn conceptuele werken. Dergelijke albums - een samensmelting van beeldhouwkunst, illustratie, literatuur, theater - zijn opgebouwd rond één thema of de ervaring van een personage, uitgedrukt door middel van visuele en tekstuele middelen. Het is fascinerend om belangrijke of betekenisloze gebeurtenissen aan elkaar te zien rijgen. Het maakt indruk met volledigheid of openheid in elke richting van tijd en ruimte.

Ilya Kabakov is grafisch kunstenaar, illustrator en letterontwerper. In dergelijke albums wordt de essentie van zijn activiteit het nauwkeurigst getraceerd. Het bekendste album is “Ten Characters” (1970-74).

Oorlog en vrede van gemeenschappelijke appartementen

De sociale omstandigheden van het Sovjettijdperk vormen het belangrijkste onderzoeksobject voor Kabakovs werk. De onderdrukkende invloed van de dominantie van één ideologie komt tot uiting in werken als Verified! (1981) en "Supermarkt" (1981). Oorlogen tussen buren in gemeenschappelijke appartementen om lucht en extra ruimte zijn het thema van de ‘huisvestings’-composities ‘Taking Out the Garbage’ (1980), ‘Sunday Evening’ (1980). In de “Kitchen Series” uit dezelfde periode krijgt vertrouwd keukengerei een zekere hoge artistieke betekenis, een culturele betekenis, vaak gescheiden van functionaliteit.

Ook gewoon huishoudelijk afval krijgt een dergelijke betekenis in de daaropvolgende installatie “The Man Who Never Threw Away Anything” (1985). Daarin zijn ook mondiale discussies te zien over de betekenis van menselijke activiteit, over de gewoonte om roekeloos op te slaan wat noodzakelijk en onnodig is, of, omgekeerd, de herziening van de geschiedenis met de aanpassing van het verleden aan de behoeften van de moderne politiek.

Totaal installaties

In 1987 emigreerde Ilja Iosifovitsj Kabakov naar het Westen. Hier heeft hij toegang tot grote tentoonstellingsruimtes. ‘Totale installaties’ noemt Ilya Kabakov schilderijen en objecten die grote ruimtes in beslag nemen en verenigd zijn door een gemeenschappelijk mondiaal concept.

De bekendste installatie was 'The Man Who Flew into Space from His Apartment', die grotendeels symbolisch is voor het lot van de kunstenaar zelf. In het midden van een kleine kamer met muren bedekt met Sovjetposters, staat iets dat op een katapult lijkt. Het gat in het plafond, de opmerkingen en de locatie van het incident - alles bewijst de realiteit van een buitengewone gebeurtenis: een bepaalde uitvinder brak met behulp van een ingenieuze katapult met zijn lichaam door het plafond en ging de ruimte in die bijna aards was - de lichaam werd niet gevonden...

Het is onjuist om in zo'n object alleen maar scherts en spot met het systeem te zien. Net als in de installatie “Toilet” (1992) is er slechts een hatelijke analogie te vinden met de gebruikelijke levensomstandigheden in het hele land. Dit kunstobject verbaasde vooral de westerse kijker, die de privacy van een woonruimte als een natuurlijke behoefte van een normaal mens beschouwt.

"The Red Car" (1991), "The Bridge" (1991), "The Life of Flies" (1992), "We Live Here" (1995) - totale installaties die Kabakov bekendheid brachten. Ze worden tentoongesteld in musea in de VS en Europa, en gecombineerd tot tentoonstellingen als ‘Palace of Projects’ (1998, Londen) en ‘50 Installations’ (2000, Bern) vertegenwoordigen Kabakovs werk als fenomeen.

Echtgenote en co-auteur

Kabakov kleurt het leven graag met hoaxes. De periodiek optredende kunstenaars Charles Rosenthal, Igor Spivak en Stepan Koshelev waren vatbaar voor dergelijke uitvindingen. Kabakov ging een creatieve samenwerking met hen aan, hij schreef er zelfs artikelen over in de stijl van saaie kunstcritici.

Sinds 1989 heeft de kunstenaar een echte co-auteur gevonden: Emilia Lekah. Ze wordt zijn vrouw en neemt veel organisatorische en financiële problemen op zich, waardoor de meester meer tijd overhoudt voor creativiteit. En dergelijke vragen komen steeds vaker voor, omdat de belangstelling voor Kabakovs werk groeit. Een voorbeeld hiervan is de veiling van Phillips de Pury & Company. In 2007 verscheen het lot “Ilya Kabakov. "Suite". Het schilderij werd gekocht voor £ 2 miljoen, waarmee Kabakov de duurste hedendaagse Russische schilder werd.

In 2008 werd dit bevestigd door de volgende veiling op dezelfde veiling. Het volgende lot is "Ilya Kabakov, "Beetle" (1982)", en nog een record - £ 2,93 miljoen.

Het vermogen om verrast te worden

Het tellen van dollars en ponden is noodzakelijk - zo is de huidige wereld. Maar ik wil dat dit banale idee in hem overleeft: dat geld niet gelukkig maakt. Het zit in het bestaan ​​van zulke kunstenaars, in hun werk en talent. De mensheid zal uit mensen bestaan, en niet uit dieren, zolang zij in staat is tot verwondering en vreugde in de kunst.

Tot 17 november zal het Multimedia Art Museum op Ostozhenka de tentoonstelling “Utopia and Reality. El Lissitzky, Ilya en Emilia Kabakov.” Het project is geïnitieerd door het Nederlandse Van Abbemuseum in Eindhoven en presenteert een tentoonstelling met werken van deze twee kunstenaars, afkomstig uit vele beroemde musea over de hele wereld en uit privécollecties. De tentoonstelling was al te zien in Van Abb in Eindhoven, in de Hermitage in Sint-Petersburg en gaat na Moskou naar Oostenrijk, naar het Museum voor Moderne Kunst in Graz.

Utopie en werkelijkheid. Een dialoog tussen twee Russische kunstenaars, twee iconische kunstfiguren van hun tijd: de grootste meester van de Russische avant-garde van het begin van de 20e eeuw, de utopist El Lissitzky en de reus van het Moskouse conceptualisme Ilya Kabakov, die onlangs heeft gewerkt in samenwerking met zijn vrouw Emilia.

El Lissitzky. Constructeur (zelfportret). 1924 Van Abbemuseum, Eindhoven

Beide kunstenaars zijn bekend in Rusland, Europa en de VS, beiden zijn opgegroeid in Rusland. Ze leefden gewoon in verschillende tijden en kruisten elkaar nooit. Het idee om ze te combineren komt van het Nederlandse Van Abbemuseum in Eindhoven, dat de grootste collectie werken van Lissitzky buiten Rusland herbergt. Museumkunsthistorici merkten duidelijke tegenstrijdigheden op in de werken van Lissitzky en Kabakov. Hun werken leken met elkaar in discussie te gaan.

De een projecteerde een mooie toekomst voor zijn nakomelingen, en de ander, die dezelfde afstammeling was, stelde de daaruit voortvloeiende realiteit vast. De eerste geloofde in het opbouwen van een ideale communistische toekomst, terwijl de tweede dergelijke dromen al had verloren. Bovendien heeft Kabakov niets speciaal voor deze tentoonstelling bedacht; de werken zijn teruggevonden in zijn omvangrijke archief. Elke avant-gardistische utopie van Lissitzky wordt gecounterd door het werk van Kabakov. Waar Lissitzky verkondigt “Het dagelijks leven zal worden verslagen” en ideale gemeenschappelijke appartementen afbeeldt met aanvankelijk ingebouwd meubilair, waar bewoners met alleen koffers zullen intrekken, omdat niets anders nodig zal zijn, legt Kabakov het ondraaglijke leven van Sovjet-gemeenschappelijke appartementen bloot met een leven volgens volgens een schema, waarin hij zelfs de tijd bepaalt om naar het toilet te gaan. ‘Het leven heeft gewonnen’, antwoordt hij.

El Lissitzky. Interieurproject. 1927. Tretjakovgalerij

Ilya Kabakov Fotostandaard

Kabakov reageert op Lisitsky's multiplexstoelen met erbarmelijke keukenkastjes, bedekt met kleurrijke tafelzeilen en gevuld met ellendig keukengerei.

Installatie van stoelen ontworpen door El Lissitzky voor internationale tentoonstellingen. 1927 Staat Tretjakovgalerij

Ilja Kabakov. In de gemeenschappelijke keuken. Onderdeel van de installatie. 1991 Regina-galerij, Moskou

De puurheid van de vormen van de prouns en de horizontale wolkenkrabber wordt tegengewerkt door de installaties van Ilya Kabakov, gemaakt van gewoon afval.

El Lissitzky. Proun.1922-1923. Van Abbemuseum, Eindhoven, Nederland.

El Lissitzky. Horizontale wolkenkrabber bij de Nikitsky-poort. Fotomontage, 1925

Het project van een ideaal theater is een project van een utopische ‘verticale opera’.

Ilja Kabakov. Model van de "Verticale Opera" in het Guggenheim Museum in New York.

Het model van "Overwinning op de zon" is een model van het "Huis van de Slaap", een helse mix van een mausoleum en kamer nr. 6.

El Lissitzky. Overwinning op de zon: alles is goed dat goed begint en geen einde kent. Poster. 1913

El Lissitzky. Schets voor de opera ‘Overwinning op de zon’

Kabakov reageert op Lissitzky’s tribune voor de proletarische leider met het project ‘Monument voor de tiran’, waarbij de besnorde leider die van het voetstuk is gekomen iemand anders probeert te vangen.

Waar Lissitzky optrad als ontwerper van een nieuwe wereld, waar “monolithische communistische steden zullen worden gebouwd, waar mensen van de hele planeet zullen wonen” (direct een broer met zijn Stralende Stad), zag Kabakov prototypes van kazernes, woonwagens, wisselhuizen en kazerne, van waaruit hij wilde ontsnappen naar waar dan ook, op welke manier dan ook, zelfs de ruimte in met behulp van een katapult. Gewoon om vrij te zijn.

Ilja Kabakov. Toilet. Installatie. 1992

Ilja Kabakov. Een man die vanuit zijn appartement de ruimte in vloog. 1985 Nationaal Museum voor Moderne Kunst, Centre Georges Pompidou, Parijs

Zijn engel breekt door het plafond, breekt door de installatie met Lissitzky’s poster “Beat the Whites with a Red Wedge” en... valt van bovenaf, brekend.

Dit is hoe de utopie zelf instort.

Bijna alle architecturale projecten van Lissitzky bleven niet gerealiseerd. Er werd slechts één gebouw gebouwd volgens zijn ontwerp: dit is de drukkerij van het tijdschrift Ogonyok aan de 1e Samotechny Lane in Moskou. Het gebouw is nu opgenomen in het Cultureel Erfgoedregister van de stad.

Zijn beroemde horizontale wolkenkrabbers zijn nooit in de straten van Moskou verschenen. Maar het geweldige idee stierf niet en na verloop van tijd verschenen soortgelijke gebouwen in andere steden en landen. Volgers.

Parkrand Appartementen in Amsterdam

En dat is natuurlijk niet alles. Er zijn andere gebouwen over de hele wereld.

El Lissitzky werkte enige tijd samen met Kazimir Malevich; samen ontwikkelden zij de fundamenten van het suprematisme.

De duurste Russische kunstenaar. Zijn schilderijen “Beetle” (verkocht in 2008 voor $5,8 miljoen) en “Luxury Room” (verkocht in 2006 voor $4,1 miljoen) werden de duurste Russische kunstwerken die ooit zijn verkocht. De kunstenaar zelf woont natuurlijk in Amerika.

Foto's van internet gehaald

Ilja Iosifovitsj Kabakov werd geboren op 30 september 1933 in Dnepropetrovsk. Zijn moeder, Berta Solodukhina, was accountant en zijn vader, Joseph Kabakov, was monteur. In 1941 werd hij samen met zijn moeder geëvacueerd naar Samarkand. In 1943 werd hij toegelaten tot de kunstacademie van het Leningrad Instituut voor schilderkunst, beeldhouwkunst en architectuur, vernoemd naar Repin, wiens leraren en studenten ook naar Samarkand werden geëvacueerd. Van daaruit werd Kabakov in 1945 overgeplaatst naar de Moskouse Middelbare Kunstschool (MSHS). Hij studeerde er in 1951 af en ging tegelijkertijd naar de grafische afdeling van het Surikov Instituut (Moscow State Academic Art Institute vernoemd naar V.I. Surikov), waar hij studeerde in de boekenworkshop van professor B.A. Dechtereva. Afgestudeerd aan het Kabakov Instituut in 1957.

Sinds 1956 begon Ilya Kabakov met het illustreren van boeken voor de uitgeverij "Detgiz" (sinds 1963 - "Kinderliteratuur") en voor de tijdschriften "Malysh", "Murzilka", "Grappig Pictures". Vanaf de tweede helft van de jaren vijftig begon hij ‘voor zichzelf’ te schilderen: hij beproefde zich in richtingen als de abstracte kunst en het surrealisme.

In de jaren zestig nam Kabakov actief deel aan dissidente kunsttentoonstellingen in de Sovjet-Unie en daarbuiten.

In 1968 verhuisde Kabakov naar het later beroemd geworden atelier van Hulo Sooster, op de zolder van het voormalige appartementencomplex "Rusland" aan de Sretensky Boulevard. In hetzelfde 1968 nam hij, samen met Oleg Vasiliev, Erik Bulatov en andere non-conformisten, deel aan een tentoonstelling in het Blue Bird café.

Sommige werken van de kunstenaar waren al opgenomen in de tentoonstelling "Alternative Reality II" (L'Aquila, Italië) in 1965, en vanaf het begin van de jaren zeventig waren ze opgenomen in tentoonstellingen van niet-officiële Sovjetkunst die in het Westen werden georganiseerd: in Keulen, Londen, Venetië.

Van 1970 tot 1976 schilderde Kabakov 55 albums voor de serie Ten Characters. Het eerste album was "Flying Komarov". De cyclus, die journalisten later een ‘conceptualistische strip’ noemden, werd speciaal gemaakt om thuis te bekijken: het was een non-conformistisch, onofficieel project.

Halverwege de jaren zeventig maakte Kabakov een conceptueel drieluik van drie witte doeken en begon hij aan een reeks 'albs' - bladen met inscripties over 'gemeenschappelijke' thema's, en sinds 1978 ontwikkelt hij de ironische 'Zhekovsky-serie'. In 1980 begon hij minder met grafiek te werken en concentreerde hij zich op installaties waarin hij gewoon afval gebruikte en het leven en het dagelijkse leven van gemeenschappelijke appartementen afbeeldde.

In 1982 bedacht Kabakov een van zijn beroemdste installaties, ‘The Man Who Flew into Space from His Room’, voltooid in 1986. Vervolgens begon hij dergelijke grootschalige projecten ‘totaalinstallaties’ te noemen.

Beste van de dag

In 1987 ontving Kabakov zijn eerste buitenlandse subsidie ​​- van de Oostenrijkse vereniging Graz Kunstverein - en bouwde hij de installatie "Dinner" in Graz. Een jaar later ensceneerde hij de eerste "totaalinstallatie" van het Ten Characters-project in de Ronald Feldman Gallery in New York en ontving hij een beurs van het Franse Ministerie van Cultuur. In 1989 kreeg Kabakov een studiebeurs van de DAAD (Duitse Academische Uitwisselingsdienst) en verhuisde naar Berlijn. Vanaf die tijd werkte hij voortdurend buiten de grenzen van eerst de USSR en daarna Rusland.

Sinds het begin van de jaren negentig heeft Kabakov tientallen tentoonstellingen gehad in Europa en Amerika, onder meer in grote musea als het Centre Pompidou in Parijs, het Noorse Nationale Centrum voor Hedendaagse Kunst, het New York Museum of Modern Art, de Kunsthalle in Keulen, maar ook in op de Biënnale van Venetië en op de Documenta-tentoonstelling in Kassel.

De jaren negentig werden een tijd van erkenning voor de kunstenaar: in dit decennium ontving hij onderscheidingen van Deense, Duitse en Zwitserse musea, en de titel van Chevalier in de Orde van Kunst en Letteren van het Franse Ministerie van Cultuur.

In de jaren 2000 begon de kunstenaar actief te exposeren in Rusland. Zo toonde het Moskouse Huis van Fotografie in het najaar van 2003 het project "Ilya Kabakov. Foto- en videodocumentatie van leven en creativiteit." Begin 2004 organiseerde de Tretyakov Gallery een programmatentoonstelling "Ilya Kabakov. Tien karakters."

In juni 2004 werd in het gebouw van de generale staf van de Hermitage een tentoonstelling geopend van Ilya Kabakov en zijn vrouw Emilia (ze zijn sinds 1992 getrouwd) ‘Een incident in het museum en andere installaties’, wat ‘hun terugkeer naar hun thuisland markeerde’. Tegelijkertijd schonken de kunstenaars twee installaties aan het museum, die volgens Michail Piotrovsky het begin markeerden van de Hermitage-collectie hedendaagse kunst. In december van hetzelfde jaar 2004 toonde de Moskouse galerie "Stella-Art" negen installaties van Kabakov, gemaakt in 1994-2004.

Toen de programmatentoonstelling ‘Rusland!’ in 2006 naar het Guggenheim Museum in New York ging, was daar Kabakovs installatie ‘The Man Who Flew into Space’ te zien. De aanwezigheid van dit werk in dezelfde ruimte met iconen van Andrei Rublev en Dionysius, schilderijen van Bryullov, Repin en Malevich versterkte uiteindelijk Kabakovs status als een van de belangrijkste Sovjet- en Russische kunstenaars van de naoorlogse generatie.

In de zomer van 2007 werd Kabakovs schilderij ‘Luxury Room’ op een Londense veiling bij Phillips de Pury & Company gekocht voor 2 miljoen pond sterling (ongeveer $ 4 miljoen). Zo werd hij de duurste Russische kunstenaar van de tweede helft van de twintigste eeuw.

In februari 2008 werd Kabakovs werk "Beetle" (1982) geveild door Phillips de Pury & Company voor £ 2,93 miljoen ($ 5,84 miljoen). In april van hetzelfde jaar werd het album "Flying Komarov" op de veiling van Sotheby's in New York verkocht voor 445 duizend dollar.

In juli 2008 werd bekend dat de grootste overzichtstentoonstelling van Ilja en Emilia Kabakov in Moskou wordt voorbereid, ontworpen voor drie locaties tegelijk: het Poesjkin Staatsmuseum voor Schone Kunsten, het Winzavod Centrum voor Hedendaagse Kunst en het nieuwe Garagecentrum voor Hedendaagse Kunst. , dat zal worden geopend door Daria Zhukova met steun van Roman Abramovich. Er werd gemeld dat de tentoonstelling aanvankelijk zou worden gefinancierd door de Mikhail Prokhorov Foundation; het voor het project bestemde bedrag heette $ 2 miljoen. Maar op 5 juni weigerde de stichting de tentoonstelling van Kabakov te steunen.

Het is bekend dat Ilya Kabakov lid was van de Union of Artists en lid was van de boekgrafische sectie. In september 2008 werd Kabakov laureaat van de Japanse keizerlijke prijs Premium Imperiale. Emilia Kabakova verklaarde dat het geldelijke deel van de prijs in drie delen zal worden verdeeld, waarvan er één bestemd is voor de Life Line Foundation voor de aankoop van apparatuur en behandeling van kinderen die lijden aan hartziekten, de tweede voor de bouw van een kinderbibliotheek. , en het derde deel zou aan een verpleeghuis moeten worden gedoneerd.

Kabakov heeft drie dochters.

Ilja Iosifovitsj werd in 1933 in Dnepropetrovsk geboren. In oorlogstijd werden hij en zijn moeder geëvacueerd naar Leningrad, waar de kunstacademie van het Leningrad Institute of Painting werd verplaatst. Repina. Op tienjarige leeftijd werd de jongen toegelaten tot deze school en twee jaar later werd hij overgeplaatst naar de Moskouse Middelbare Kunstschool. Later studeerde de jongeman af aan het Surikov Art Institute in Moskou.

In zijn karakter en wereldbeeld verschilde Kabakov sterk van klassieke kunstenaars. In de jaren zestig exposeerde hij zijn werken actief op dissidente tentoonstellingen in binnen- en buitenland, en werkte later in het atelier van Hulo Sooster, beroemd om zijn kunst die niet door de samenleving wordt erkend.

In de jaren zeventig begon hij te werken aan verschillende series schilderijen gewijd aan het leven in gemeenschappelijke appartementen en het woonkantoor. En in de jaren tachtig raakte hij geïnteresseerd in de installaties die in die jaren opkwamen en werd hij de leider van het Sovjet-conceptualisme. De installaties openden nieuwe perspectieven voor Kabakov. Hij ontving eerst een beurs van Oostenrijk en bouwde daar de installatie ‘Before Dinner’, daarna een beurs van Frankrijk en Duitsland. Sinds 1988 werkt de kunstenaar voortdurend in het buitenland.

In de jaren negentig kreeg Kabakov wereldwijde erkenning. Zijn werken zijn tentoongesteld op talrijke tentoonstellingen in Europa en de VS. In Rusland vonden de laatste tentoonstellingen plaats in 2004 in Sint-Petersburg, in 2012 en 2017 in Moskou. In de 21e eeuw ontving de kunstenaar de Oscar Kokoschka-prijs uit Oostenrijk, de keizerlijke prijs uit Japan, de titel van Chevalier van de Orde van Kunst en Letteren uit Frankrijk, de Orde van Vriendschap uit Rusland en andere onderscheidingen.

Momenteel wordt Ilya Kabakov beschouwd als de beroemdste Russische kunstenaar in het Westen. Zijn werken bevinden zich in de grootste musea van Rusland en de VS, worden regelmatig gepresenteerd op tentoonstellingen en worden tijdens veilingen herhaaldelijk verkocht voor bedragen van meer dan een miljoen dollar (hierover later meer). De afgelopen jaren werkte hij vaak samen met zijn vrouw Emilia.

Werkgebied van de master

Het conceptualisme van Moskou

Het concept van het ‘Moskou-conceptualisme’ verscheen in 1979. Vertegenwoordigers van deze trend noemden kunstwerken een middel waarmee de essentie van kunst werd bestudeerd. Met dit doel voor ogen creëerden conceptualisten installaties (meer daarover hieronder), organiseerden ze evenementen en bestudeerden ze de reacties van mensen daarop, en motiveerden ze ook de samenleving om de problemen van de kunst te bespreken.

Naast installaties beïnvloedde Kabakov de kijkers door tekst in zijn schilderijen te introduceren. Dit is hoe de werken "Antwoorden uit de experimentele groep", "Waar zijn ze?" verschenen. en anderen. Conceptuele werken omvatten ook de albums van de kunstenaar: afbeeldingen met tekst, verenigd door één thema.

Een ander onderscheidend kenmerk van Kabakovs werk is zijn werk namens fictieve personages: socialistisch-realistische hacks, verzonnen kunstenaars, enz.

Totaal installaties

Toen Kabakov eind jaren tachtig naar het buitenland verhuisde, kreeg hij de kans om zijn grootse projecten tot leven te brengen. Gedurende twintig jaar slaagde de kunstenaar erin meer dan vijfhonderd installaties te creëren, die hij totaal noemde.

De installaties vertegenwoordigen door de kunstenaar geconstrueerde werelden die de kijker van binnenuit kan zien en voelen. De beroemde installatie 'The Man Who Flew into Space from His Room' is bijvoorbeeld een kamer met een gebroken plafond, in het midden waarvan een apparaat is gemaakt om uit te breken, en aan de muren hangen afbeeldingen die helpen begrijpen de toestand van de persoon die er woont. Deze installatie symboliseerde het verlangen van de Sovjet-bevolking om te ontsnappen uit de ketenen van het gemeenschappelijke appartement dat hen onderdrukt, en van het land dat hen onderdrukt met zijn eisen en idealen.

In 2006 werd deze installatie getoond in het Guggenheim Museum (New York), samen met werken van beroemde Russische kunstenaars, die niet alleen bijdroegen aan de groei van Kabakovs populariteit, maar ook om zijn status als belangrijke vertegenwoordiger van de artistieke gemeenschap veilig te stellen. .

Records op veilingen, prijs van Kabakovs schilderijen

Ilya Iosifovich wordt beschouwd als de duurste levende Russische kunstenaar. Laten we eens kijken hoeveel de schilderijen van Kabakov kosten op de moderne kunstmarkt.

Laten we beginnen met het werk "Dog", gepresenteerd op de veiling van het beroemde veilinghuis Phillips. Dit is een tweeluik gemaakt met email op canvas en demonstreert het spel van de mockumentary. Aan de linkerkant toont de kunstenaar zorgvuldig getranscribeerde persoonlijke gegevens van een fictief Sovjet-personage, en aan de rechterkant een hond, die een kleine man symboliseert tegenover een enorm bureaucratisch apparaat.

Het werk werd in 1990 tentoongesteld op een tentoonstelling in New York. Het was een succes op de veiling en ging met een voorlopige schatting van 300-500 duizend pond sterling naar 458 duizend pond (662 duizend dollar).

De volgende grote verkopen omvatten het vertrek van de werken “Holidays No. 6” en “Holidays No. 10”. Het betreft werken uit de serie ‘Holidays’, bestaande uit 12 schilderijen. Volgens het plan van de kunstenaar moeten de schilderijen uit deze serie worden opgehangen in een bezaaide kamer met omgevallen stoelen en tafels. Het werk "Holidays No. 6" werd in 2013 bij Sotheby's verkocht voor 962 duizend pond ($1,5 miljoen) met een schatting van 0,8-1,2 miljoen pond.

Het schilderij ‘Holidays No. 10’ werd in 2011 bij Phillips verkocht voor anderhalf miljoen pond ($2,4 miljoen), aan de onderkant van de schatting. Sinds 1987 is het op vele tentoonstellingen over de hele wereld tentoongesteld.

Het werk ‘Luxury Room’ werd in 2007 voor nog meer geld verkocht op de Phillips-veiling. De kunstenaar creëerde op zijn karakteristieke picturale wijze een tweeluik, waarin hij een luxekamer afbeeldde en daarop de tekst van een advertentie voor resorts aan de Zwarte Zee legde. Het werk was een groot succes op de veiling en ging met een schatting van 400 tot 600 duizend pond op voor 2 miljoen pond ($ 4 miljoen).

Ten slotte wordt de verkoop van het werk "Beetle" op dezelfde Phillips-veiling in 2008 als een record beschouwd. Dit is een bijna fotografisch beeld van een kever op een blad, begeleid door een kinderliedje in de stijl van Kabakov. De kever symboliseert een persoon die vrij wil blijven van welk raamwerk dan ook, inclusief het raamwerk van de schilderkunst. Dit werk werd herhaaldelijk op tentoonstellingen gepresenteerd en was ook opgenomen in catalogi en boeken over het Moskouse conceptualisme en de kunst van Sovjet-oppositiekunstenaars.

Hoewel een jaar eerder het werk “Luxury Room” voor 2 miljoen pond werd verkocht, werd het vertrek van “Beetle” een sensatie, omdat de oorspronkelijke schatting van 1,2-1,8 miljoen pond werd verdubbeld. Het schilderij werd geveild voor 2,9 miljoen pond (5,8 miljoen dollar) en werd daarmee het duurste werk van de kunstenaar.

Als we het hebben over goedkopere afvaarten, dan komen deze ook regelmatig voor op verschillende veilingen. Op de Phillips-veiling werden bijvoorbeeld de volgende schilderijen verkocht: 'Plechtige schilderij' (241 duizend dollar), 'We zijn klaar om te vliegen' (29 duizend dollar), bij Christie's 'Battle in the apartment (68 duizend euro),' Hoe een engel te ontmoeten" (24 duizend pond), "Two Friends" (250 pond), bij Sotheby's "Mushroom Pickers" (9 duizend pond), "Window" (5 duizend pond) en anderen.

Terugkomend op de vraag hoeveel de schilderijen van Kabakov kosten, kunnen we concluderen dat ze erg populair zijn op de schildersmarkt en vaak boven de schatting uitkomen. Specifieke stukken halen variërende prijzen van een paar honderd tot enkele miljoenen dollars. In het volgende gedeelte zullen we bekijken hoe en waar we het schilderij van Kabakov kunnen verkopen.

Onderzoek en verkoop van schilderijen van Kabakov

Hoe Kabakovs schilderij te beoordelen

Eerder kwamen we erachter dat er een aanzienlijke prijsvariatie bestaat in de werken van de kunstenaar. Om de kosten van een bepaald werk niet verkeerd in te schatten, raden wij u aan een professioneel onderzoek te bestellen. Deze procedure omvat het onderzoeken van het beeld op basis van een verscheidenheid aan parameters en kan gedeeltelijk of complex zijn. Bij deelonderzoek worden één of meerdere van de belangrijkste parameters beoordeeld, zo wordt bijvoorbeeld de authenticiteit van het schilderij bevestigd. Een uitgebreide studie van veel kenmerken zal helpen. Er is vooral vraag naar als het werk een hoge prijs eist.

Hoe en waar Kabakovs schilderij te verkopen