Nederlandske kunstnere fra det 17. århundre stilleben symboler. Stilleben i Holland fra 1600-tallet

Willem Klas Hedda. Stilleben med en pai, 1627

Stillebens «gylne» tidsalder var på 1600-tallet, da det endelig tok form som en selvstendig sjanger av maleri, spesielt i arbeidet til nederlandske og flamske kunstnere. Samtidig så begrepet "stille, frosset liv" ut til å referere til stilleben (nederlandsk stilleven, tysk Stilleben, engelsk stilleben). De første "stillevene" var enkle i plottet, men selv da bar gjenstandene avbildet på dem også en semantisk belastning: brød, glass vin, fisk - symboler på Kristus, en kniv - et symbol på offer, en sitron - et symbol på uslukket tørst; nøtter i et skall - en sjel bundet av synd; eplet minner om høsten.

Kheda var mesteren av de kjølige grå eller varme brunfargene. Her spiller gull, sølv, tinn og venetiansk glass mot en nøytral setting og en hvit duk. Hagebruk og dyrking av vakre hybrider tilfredsstilte den nederlandske interessen for kunst og vitenskap. De eksotiske blomstene indikerte også deres omfattende forskning og ekspertise innen botanikk.

De trettien typene planter i denne vasen kan ikke blomstre i samme sesong. Mange av disse fargene har symbolske betydninger. Toppblomster blomstrer inn sollys, som renner gjennom vindusvinduene til De Heim, som vi ser reflektert i en krystallvase. De lavere plantene, vekk fra himmelsk lys, faller og visner.

Etter hvert ble bildets symbolspråk beriket.

Franciscus Geisbrechts, 1600-tallet

Symbolene som ble funnet på lerretene var ment å minne om skrøpelighet menneskelig liv og om forgjengelighet av gleder og prestasjoner:

Hodeskallen er en påminnelse om dødens uunngåelighet.

Nær bunnen stirrer en salamander sultent på en edderkopp, og snegler, møll og maur kryper på marmorhyllen. Alle disse skapningene symboliserer natt og forfall. På den hvite valmuen på toppen fremkaller en larve og en sommerfugl ideen om å bli gjenfødt fra en kokong eller grav. De Heem brukte mest av sin karriere i Antwerpen i Flandern. En fargerik ekstravaganse, typisk for flamsk smak, fyller stilleben hans, og De Heim ga denne rikdommen videre til sine tilhengere, inkludert Abraham Mignon.

Van der Heyden spesialiserte seg i arkitektoniske scener, og registrerte ofte nøyaktige utsikter i Holland, Flandern og Tyskland, eller omorganiserte ekte bygninger til fantastiske grupper. Det klassiske herskapshuset viser italiensk innflytelse, men er befolket av nederlandske skikkelser. Forlater stukkaturporten med flokken jakthunder, og møter uventet en tigger med et barn.

Råtten frukt er et symbol på aldring.

Modne frukter symboliserer fruktbarhet, overflod, i billedlig talt rikdom og velstand.

En rekke frukter har sin egen betydning: høsten er betegnet med pærer, tomater, sitrusfrukter, druer, fersken og kirsebær, og selvfølgelig et eple. Fiken, plommer, kirsebær, epler eller fersken har erotiske overtoner.

I solrike formelle hager kan det antas at alt dette er en drøm; virkeligheten skjuler seg bak sine skyggefulle vegger. Ved å blokkere komposisjonene hans i brede masser av opplyste eller skyggefulle former, skildret Van der Heyden nøye teksturer. Ved nærmere ettersyn kan du se at hver kloss kan telles!

Også byplanleggeren og oppfinneren Van der Heyden forsto den praktiske siden av arkitektur så vel som dens skjønnhet. Han tegnet den første gatebelysningen i Amsterdam, var byens brannsjef, og får æren for å ha oppfunnet brannslangen.

Kornspirer, eføy eller laurbærgrener (sjelden) er et symbol på gjenfødelse og livets syklus.

Sjøskjell, noen ganger levende snegler - skallet til en bløtdyr er restene av et en gang levende dyr, det betyr død og skrøpelighet.

Den krypende sneglen er personifiseringen av latskapens dødssynd.

Store bløtdyr betegner naturens dualitet, et symbol på begjær, en annen av dødssyndene.

Mange nederlandske stillebenmalere malte sine nøye utformede forgrunnsobjekter mot nøytral, blank bakgrunn. Likeledes er skogbakgrunnen her så mørk at den nesten skjuler steinbuen. Overfloden av hav og land tilbys av en fiskestang, en agnboks og en fangst av fisk som omgir en flettet kurv som er overfylt med frukt og grønnsaker.

Verket danner en allegori i livets sykluser. "Egg av fugler" innebærer fødsel. Full farge og modne frukter er tegn på modenhet. Kloet stubbe kjennetegner alderdommen. Til syvende og sist dukker døden opp med en fisk og en øgle spist av maur. Hvete og druer tilbyr frelse, og symboliserer Jesus som velsigner brødet og vinen ved det siste måltid.

Såpebobler - korthet i livet og plutselig død; en henvisning til uttrykket homo bulla – «mennesket er en såpeboble».

Slukking av røykelys (cinder end) eller oljelampe; en hette for å slukke stearinlys - et brennende stearinlys er et symbol menneskelig sjel, dens falming symboliserer avgang.

kopper, spille kort eller bein, sjakk (sjelden) - et tegn på en feil livsformål, søker nytelse og et syndig liv. Likestilling i gambling innebar også kritikkverdig anonymitet.

En tidlig biograf bemerket at Mignon var «spesielt flittig», en egenskap som dette fantastiske utvalget av teksturer utvilsomt beviser. Etter å ha studert i hjemlandet Tyskland, flyttet Mignon til Utrecht. Selv om han sannsynligvis jobbet der i studioet til Jan Davids de Heim, som kom tilbake kort fra Antwerpen. Dermed tok Mignon på seg De Heims flamske smak for rike farger og intrikate design.

Sangere og slakere fra tavernaen dukker ofte opp i sjangersjangeren Hverdagen i Nederland, men bildene av arbeidere som fyller opp et hotell er svært uvanlige. To arbeidere her har gått sammen for å trekke ølfat fra en slede. Den overarbeidede, overmatede hesten deres bærer sårene etter en hard tilværelse. Ved kjellerdøra en liten gutt bærer en kanne øl, og gaten bugner av tiggere, kjøpmenn og kamphunder.

En røykpipe er et symbol på flyktige og unnvikende jordiske gleder.

Karnevalsmasken er et tegn på fraværet av en person inne i den. Også beregnet på en festlig maskerade, uansvarlig nytelse.

Speil, glass (speil) kuler - et speil er et symbol på forfengelighet, i tillegg er det også et tegn på refleksjon, skygge og ikke et ekte fenomen.

I begge scenene hever kirkespioner seg over landsbyene. Her bærer dessuten gjestgiveriets skorstein opp storkereiret, tradisjonelt skilt lykke til. Kirstein, til ære for 50-årsjubileet til National Gallery of Art, 1. Før renessansen var elementer av stilleben, ofte gjennomsyret av symbolsk eller rituell mening, underordnede emner i religiøse eller allegoriske malerier. Hellenistiske fresker og mosaikker fra Pergamon, Alexandria, Roma og Pompeii inkluderte bilder av planter og mat, der illusjonismen til illusjonisme i kunsten, en slags visuell bedrag der de malte formene ser ut til å være ekte, noen ganger kalles trompe l.

Beyeren. Stilleben med hummer, 1667

Ødelagte tallerkener, vanligvis glassbeger. Tomt glass, i motsetning til det fulle, symboliserer døden.

Glass symboliserer skjørhet, snøhvit porselen - renhet.

Morteren og støderen er symboler på mannlig og kvinnelig seksualitet.

I tidlige kristne og bysantinske religiøse malerier ble stillebenelementer behandlet på en skjematisk og symbolsk måte frem til slutten av middelalderen. I begynnelsen av den italienske renessansen ble slike detaljer behandlet mye mer formelt og dominerte fullstendig det religiøse temaet for verket, som i maleriene til Giotto. På 1400-tallet stillebenobjekter har blitt brukt for å forsterke illusjonen av vitenskapelig perspektiv, i kunsten, enhver metode som brukes til å representere tredimensjonalt rom på flat overflate eller i relieffskulptur.

Flasken er et symbol på drukkenskapens synd.

Kniv - minner om sårbarheten til en person og hans dødelighet.

sand og mekaniske klokker- tidens hastighet.

Musikkinstrumenter, notater - livets korthet og flyktige natur, et symbol på kunsten.

Bøker og geografiske kart(mappa mundi), en skrivepenn er et symbol på vitenskapene, en klode, både av jorden og stjernehimmelen.

På den tiden ble stilleben en egen sjanger i Italia; det ble mye brukt av håndverkere innen intarsia, en gren av satellitt der en dekorativ overflate av tre eller annet stoff er limt til en gjenstand på samme plan. Det var i de religiøse verkene til de nordeuropeiske mestrene at gjenopplivingen av studiet av naturen ble mest fullstendig manifestert.

Han antas å ha studert under Robert Campin. Eksperter dukket opp for å behandle spesifikke teksturer eller effekter som glass, pels, planter og gjennomsiktigheten til druer. Der italienske kunstnere samhandlet med nordlige mestere, reflekterte arbeidet deres en nordlig interesse for stillebensfag. Retningen til denne innflytelsen ble snudd på Caravaggios tid. Spesielle fotografier var de første store individuelle stillebenene. Disse inkluderte vanitas vanitatum-temaverk med hodeskalle, timeglass, lys, bøker og blomster i ikonografien deres, samt bankettstykker som har blitt populære blant samlere.

En palett med børster, en laurbærkrans (vanligvis på hodet til en hodeskalle) er symboler på maleri og poesi.

Bokstaver symboliserer menneskelige relasjoner.

Medisinske instrumenter er en påminnelse om sykdommer og skrøpelighet i menneskekroppen.

Myntposer, smykkeskrin - smykker og kosmetikk er designet for å skape skjønnhet, kvinnelig attraktivitet, samtidig er de assosiert med forfengelighet, narsissisme og arrogansens dødssynd. De signaliserer også fraværet av sine eiere på lerretet.

Stilleben i det syttende-nittende århundre

Han var en hovedfigur i maleriet fra 1700-tallet.

Stilleben i det tjuende århundre

Kunstnere i mange skoler for abstrakt maleri, som begynte med Cezanne og fortsetter til i dag, forlot den objektive representasjonen av stilleben og utviklet mange varianter av behandling av emnet, og konsentrerte seg om farger, form og komposisjon. Noen ganger malte de andre gjenstander ved å bruke disse stilistiske virkemidler stilleben.

De valgte ut populærkulturelle gjenstander knyttet til oppgaven deres, som suppebokser og tegneserier. PÅ øst Asia stilleben-motiver ble avbildet allerede på 1000-tallet. Kinesiske verk ble preget av strålende slag og rask utførelse. Gjenstander ble ofte forsynt med symbolsk import i kinesiske verk, og japanske komposisjoner ble ofte avledet fra dem. Betydningen av den illusoriske representasjonen av objektet har blitt minimert i østasiatisk kunst, og generelt er hans behandling av stilleben ikke i samsvar med vestlig kunst.

Våpen og rustninger er et symbol på makt og makt, en betegnelse på det som ikke kan tas med til graven.

Kroner og pavelige tiaraer, septre og kuler, kranser av blader er tegn på forbigående jordisk dominans, som er i motsetning til den himmelske verdensorden. Som masker symboliserer de fraværet av de som bar dem.

Nøkler - symboliserer kraften til en husmor som forvalter aksjer.

Shakeford, impresjonistisk stilleben. Sjanger i kunst, primært i staffelimaleri, bestående av representasjon av objekter plassert mot bakgrunnen av en generell bakgrunn. Spesiell organisasjon eller utformingen av motivet er en av hovedkomponentene i sjangeren. I tillegg til å skildre slike livløse gjenstander som husholdningsredskaper inkluderer stilleben gjenstander fra naturen som har blitt fjernet fra deres naturlige omgivelser- for eksempel en fisk på bordet eller en blomsterbukett. Levende, bevegelige skapninger - insekter, fugler, dyr og til og med mennesker - kan noen ganger dukke opp i et stilleben, men de tjener bare i en underordnet kapasitet.

Ruiner - symboliserer det forbigående livet til de som en gang bodde i dem.

Insekter, fugler og dyr ble ofte avbildet i stilleben. Fluer og edderkopper ble for eksempel ansett som symboler på gjerrighet og ondskap, og øgler og slanger ble ansett som symboler på bedrag. Kreps eller hummer personifiserte skjebnenes eller visdommens omskiftelser.

I motsetning til andre sjangre, omhandler stilleben små gjenstander fra hverdagen. Dette krever at artisten og betrakteren gir Spesiell oppmerksomhet struktur og detaljer av objekter, tekstur og romlige forhold. Oppmerksomhet bør også rettes mot de rent plastiske problemene ved maling.

Stilleben som sjanger streber ikke bare etter symbolske uttrykk, for å løse dekorative problemer, eller etter eksakt definisjon objektiv verden fra naturforskerens synspunkt, selv om slike trender bidro til utviklingen av sjangeren. Bildene hans er ofte preget av mange assosiasjoner, levende dekorativitet og illusorisk grundighet i gjengivelsen av naturen. Representasjonen av gjenstander i stillebenmaleri har en vesentlig kunstnerisk verdi. En kunstner kan lage et komplekst flerdimensjonalt bilde med komplekse skjulte betydninger.

Jacques André Joseph Aved. Omtrent 1670.

Boken er tragedien til Sophocles "Electra" - i denne saken symbol med flere verdier. Ved å plassere det i komposisjonen, minner kunstneren om uunngåelig gjengjeldelse for enhver forbrytelse ikke på jorden, men i himmelen, siden tragedien er gjennomsyret av denne tanken. Det antikke motivet i slike stilleben symboliserte ofte kunstens kontinuitet. På tittelside står navnet på oversetteren, den berømte nederlandske poeten Jost van den Vondel, hvis arbeider om antikke og bibelske emner var så aktuelle at han til og med ble forfulgt. Det er usannsynlig at kunstneren plasserte Vondel ved en tilfeldighet - det er mulig at han, når vi snakker om verdens forfengelighet, bestemte seg for å nevne maktens forfengelighet.

Den historiske utviklingen av stilleben med innhold som har endret seg i ulike tidsepoker, gjenspeiler til en viss grad den sosiale orienteringen til kunsten som helhet. Stillebenmotiver som komposisjonsdetaljer og som dekorative og symbolske elementer dukker opp i antikkens orientalsk, gammelgresk og romersk, og i middelalderkunsten. Elementer der de komposisjonelle og tematiske prototypene til senere stilleben kan skilles ut, vises i gamle romerske fresker og mosaikker fra det første århundre.

Det er vanskelig å snakke om stilleben i sammenheng med klassisk orientalsk, spesielt kinesisk og japansk, kunst. PÅ Østlige land kunstnerisk oppfatning og sjangersystemet var vesentlig forskjellig fra sjangrene i Europa. Sammenlignbare med stilleben, i det minste delvis, er verkene til blomster- og fugleskolen og ulike bilder frukt.

Sverdet og hjelmen er emblemet på forbigående militær herlighet.

En hvit og rød sky er det komposisjonelle sentrum av maleriet. Fjær betyr alltid forfengelighet og forfengelighet. Bildet er datert av hjelmen med fjæren. Lodewijk van der Helst i 1670 avbildet i en slik hjelm på det postume portrettet av admiral Sterlingwerf. Admiralens hjelm er til stede i flere stilleben av van Streck.

Fremveksten av stilleben som en selvstendig sjanger er forbundet med generell karakter Europeisk kunst i vår tid, med veksten av staffelimaleri og dannelsen av et omfattende sjangersystem. I verkene til de italienske og spesielt nederlandske mesterne fra renessansen, er en enestående interesse for den materielle verden og kjærlighet til tingenes sensuelle skjønnhet tydelig. På samme tid symbolsk betydning, som preget billedfremstillingen av gjenstander i middelalderen, ble ofte bevart.

Historien om stilleben, spesielt av typen trompel, som en form for staffelimaleri, begynte med verkene til den italienske kunstneren Jacopo de Barbari, der gjenstander blir så trofast formidlet at de virker ekte. Stillebenmaleri ble ikke populært før på slutten av 1500-tallet og begynnelsen av 1600-tallet. Hans popularitet skyldtes hans interesse for naturlig historie karakteristisk for epoken, interessen til kunstnere i hverdagen og personlige liv mennesker, samt utviklingen kunstneriske metoder representasjoner av verden. I maleriene til nederlenderen Peter Aertsen og hans tilhengere viktig sted ble gitt til bildet av kjøkken og butikker der mat og redskaper er stablet; dette ble noen ganger gjort selv i verk viet religiøse emner.

Portrett av en sanguine. I motsetning til olje er sangvin svært dårlig bevart, det samme er papir, i motsetning til lerret. Dette arket snakker om nytteløsheten i kunstnerens innsats, slitte og revne kanter er designet for å forsterke denne ideen.

Den gylne frynser er luksusens forfengelighet.

Hodeskalle - inn eldgammel kultur attributt til Kronos (Saturn), det vil si et symbol på tid. Lykkehjulet ble også avbildet med en hodeskalle. For kristne er det et tegn på verdslig forfengelighet, mental kontemplasjon av døden, en egenskap ved eremittlivet. Med seg avbildet St. Frans av Assisi, St. Hieronymus, Maria Magdalena, apostelen Paulus. Hodeskallen er også et symbol evig liv Kristus korsfestet på Golgata, hvor, ifølge legenden, hodeskallen til Adam ble gravlagt. Et øre viklet rundt en hodeskalle er et symbol på sjelens udødelighet ("Jeg er livets brød" - Johannes 6:48), håp om evig liv.

En stabel med lurvete papirer er kunnskapens forfengelighet.

Et pulverhorn på en kjede er et veldig karakteristisk emne for et nederlandsk stilleben. Her skal det tilsynelatende tolkes som noe som bringer døden, i motsetning til overflødighetshornet

Adrian van Utrecht."Vanitas". 1642.

liljer i dalen, fioler, forglemmegei omgitt av roser, nelliker, anemoner - symboler på beskjedenhet og renhet;

en stor blomst i midten av komposisjonen er "dydens krone";

smuldrende kronblader nær vasen er tegn på skrøpelighet;

en vissen blomst er et snev av følelsenes forsvinning;

iris - et tegn på jomfruen;

Hvite roser - platonisk kjærlighet og et symbol på renhet;

røde roser - et symbol på lidenskapelig kjærlighet og et symbol på jomfruen;

røde blomster - et symbol på Kristi sonoffer;

den hvite liljen er ikke bare en vakker blomst, men også et symbol på renheten til Jomfru Maria;

blå og blå blomster- en påminnelse om den asurblå himmelen;

tistel - et symbol på ondskap;

nellik - et symbol på Kristi utgytte blod;

valmue - en allegori om søvn, glemsel, et symbol på en av dødssyndene - latskap;

anemone - hjelp ved sykdom;

tulipaner - et symbol på raskt forsvinnende skjønnhet, dyrking av disse blomstene ble ansett som en av de mest forfengelige og meningsløse aktivitetene; tulipanen symboliserte også kjærlighet, sympati, gjensidig forståelse; hvit tulipan - falsk kjærlighet, rød tulipan - lidenskapelig kjærlighet (i Europa og Amerika er tulipanen assosiert med vår, lys, liv, farger og regnes som en koselig vennlig blomst, i Iran , Tyrkia og andre land i øst, tulipanen forbundet med følelser av kjærlighet og erotikk).

Natalia MARKOVA,
leder for grafikkavdelingen til Pushkin-museet im. A, S, Pushkin

Stilleben i Holland fra 1600-tallet

Vi kan si at tiden fungerte som en kameralinse: med en endring i brennvidde endret bildeskalaen seg til bare gjenstander var igjen i rammen, og interiøret og figurene ble skjøvet ut av bildet. "Rammer" med et stilleben finnes i mange malerier av nederlandske kunstnere fra 1500-tallet. Det er lett å forestille seg som et uavhengig maleri det dekkede bordet fra Martin van Heemskerks "Familieportrett" (ca. 1530. Statlige museer, Kassel) eller en vase med blomster fra en komposisjon av Jan Brueghel den eldre. Jan Brueghel selv gjorde noe slikt, og skrev i selve tidlig XVII i. de første uavhengige blomsterstilleben. De dukket opp rundt 1600 - denne gangen regnes for å være fødselsdatoen til sjangeren.

Martin van Hemskerk. Familie portrett. Fragment. OK. 1530. Statens museer, Kassel.

I det øyeblikket Om va for å definere det eksisterte ikke ennå. Begrepet "stilleben" oppsto i Frankrike på 1700-tallet. og bokstavelig oversatt betyr "død natur", "død natur" (nature morte). I Holland ble malerier som skildrer gjenstander kalt "stillleven", som kan oversettes både som "stille natur, modell" og som "stille liv", som mye mer nøyaktig formidler detaljene til det nederlandske stillebenet. Men dette generelt konsept kom først i bruk fra 1650, og frem til den tid ble maleriene kalt i henhold til bildets plot: b lumentopf - en vase med blomster, banketje - et dekket bord, fruytage - frukt, toebackje - stilleben med røyketilbehør, doodshoofd - malerier som viser en hodeskalle. Allerede fra denne oppregningen er det tydelig hvor stor variasjonen av avbildede gjenstander var. Hele den objektive verden rundt dem så ut til å spre seg ut på maleriene til nederlandske kunstnere.

Abraham van Beuren. Stilleben med hummer. XVII århundre.Kunsthaus, Zürich

I kunsten betydde dette en revolusjon ikke mindre enn den nederlenderne gjorde i den økonomiske og sosiale sfæren, etter å ha vunnet uavhengighet fra makten til det katolske Spania og skapt den første demokratiske staten. Mens deres samtidige i Italia, Frankrike, Spania var fokusert på å lage enorme religiøse komposisjoner for kirkealtere, lerreter og fresker om emnene for gammel mytologi for palasshaller, malte nederlenderne små malerier med utsikt over hjørnene av deres hjemlandskap, danser kl. en landsbyfestival eller en hjemmekonsert i et borgerhus, scener i en landlig taverna, på gaten eller i et møtehus, dekket bord med frokost eller dessert, det vil si en "lav", upretensiøs natur, ikke overskygget av det gamle eller poetisk tradisjon fra renessansen, kanskje bortsett fra samtidig nederlandsk poesi. Kontrasten til resten av Europa var slående.

Malerier ble sjelden laget på bestilling, men for det meste solgt fritt på markedene for alle og var ment å dekorere rom i hjemmene til innbyggerne, og til og med landsbyboere- fra de som er rikere. Senere, på 1700- og 1800-tallet, da livet i Holland ble vanskeligere og knappere, ble disse innenlandsmaleriene mye solgt på auksjoner og lett anskaffet i kongelige og aristokratiske samlinger over hele Europa, hvorfra de til slutt migrerte til de største museene i verden . Når du er inne midten av det nittende i. kunstnere overalt vendte seg til å skildre virkeligheten rundt dem, malerier av nederlandske mestere på 1600-tallet. fungerte som modell for dem i alle sjangre.

Jan Venix. Stilleben med hvit påfugl. 1692. Statens Eremitagemuseum, St. Petersburg

Et trekk ved nederlandsk maleri var spesialiseringen av kunstnere etter sjanger. Innen stillebensjangeren var det til og med en inndeling i separate emner, og forskjellige byer hadde sine favoritttyper stilleben, og hvis maleren tilfeldigvis flyttet til en annen by, endret han ofte kunsten sin dramatisk og begynte å male disse variantene av stilleben. sjangeren som var populær på dette stedet.

Haarlem ble fødestedet til karakteristisk utseende Nederlandsk stilleben - "frokost". Maleriene til Pieter Claesz viser et dekket bord med tallerkener og fat. En tinntallerken, en sild eller skinke, en bolle, et glass vin, en krøllet serviett, en sitron eller en gren av druer, bestikk - et sparsomt og presist utvalg av varer skaper inntrykk av et bord dekket for én person. Tilstedeværelsen av en person er indikert av den "pittoreske" forstyrrelsen introdusert i arrangementet av ting, og atmosfæren til et koselig boliginteriør, oppnådd ved overføring av lys-luft-miljøet. Den dominerende grå-brunaktige tonen kombinerer objekter til et enkelt bilde, mens stillebenet i seg selv blir en refleksjon av den individuelle smaken til en person, hans livsstil.

På samme måte som Klas jobbet en annen Harleman, Willem Heda. Fargen på maleriene hans er stille mer underordnet toneenhet, domineres den av en grå-sølvtone, satt av bildet av sølv- eller tinnredskaper. For denne fargerike tilbakeholdenheten begynte maleriene å bli kalt "monokrome frokoster".

Abraham van Beuren. Frokost. XVII århundre. Pushkin-museet im. Pushkin, Moskva

I Utrecht utviklet det seg et frodig og elegant blomsterstilleben. Dens viktigste representanter er Jan Davids de Heem, Justus van Huysum og sønnen Jan van Huysum, som er spesielt kjent for sin omhyggelige skriving og lyse fargelegging.

I Haag, sentrum for maritim industri, perfeksjonerte Pieter de Putter og hans elev Abraham van Beyeren bildet av fisk og andre innbyggere i havet; University Leiden skapte og forbedret typen filosofisk stilleben "vanitas" (forfengelighet). I maleriene til Harmen van Steenwijk og Jan Davidsz de Heem, med gjenstander som legemliggjør jordisk herlighet og rikdom (rustninger, bøker, kunstattributter, dyrebare redskaper) eller sensuelle nytelser (blomster, frukt), en hodeskalle eller timeglass som en påminnelse om livets forgjengelighet. Et mer demokratisk «kjøkken»-stilleben oppsto i Rotterdam i arbeidet til Floris van Schoten og Francois Reykhals, og hans beste prestasjoner er knyttet til navnene til brødrene Cornelis og Herman Saftleven.

I midten av århundret forvandles temaet beskjedne "frokoster" i verkene til Willem van Aelst, Urian van Streck og spesielt Willem Kalf og Abraham van Beyeren, til luksuriøse "banketter" og "desserter". Forgylte beger, kinesisk porselen og Delft-fajanse, teppeduker, sørlandsfrukter understreker smaken for eleganse og rikdom som ble etablert i det nederlandske samfunnet på midten av århundret. Følgelig blir "monokrome" frokoster erstattet av saftige, fargerikt mettede, gylden-varme farger. Påvirkningen fra Rembrandts chiaroscuro får fargene i Kalfs malerier til å gløde innenfra, og poetiserer den objektive verden.

Willem Kalf. Stilleben med en beger - nautilus og en skål med kinesisk porselen. Thyssen-museet - Bornemisza, Madrid

Mestere av bildet av "jakttrofeer" og "fuglegårder" var Jan-Baptiste Veniks, sønnen Jan Veniks og Melchior de Hondekuter. Denne typen stilleben ble spesielt utbredt i andre halvdel - slutten av århundret i forbindelse med aristokratiseringen av borgerne: ordningen med gods og underholdning ved jakt. Maleriet til de to siste kunstnerne viser en økning i dekorativitet, farger og et ønske om ytre effekter.

Den fantastiske evnen til nederlandske malere til å formidle den materielle verden i all dens rikdom og mangfold ble verdsatt ikke bare av samtidige, men også av europeere på 1700- og 1800-tallet, de så i stilleben, først av alt, og bare denne strålende mestringen å formidle virkeligheten. Imidlertid for nederlenderne selv XVII århundre disse bildene var fulle av mening, de ga mat ikke bare for øynene, men også for sinnet. Maleriene gikk i dialog med publikum, fortalte dem viktige moralske sannheter, minnet dem om svikefullheten til jordiske gleder, meningsløsheten til menneskelige ambisjoner, og rettet tankene deres til filosofiske refleksjoner over meningen med menneskelivet.