Ilya Kabakov: malerier og deres beskrivelse. Kunstner Ilya Iosifovich Kabakov

Ilya Kabakov ble født i 1933 i Dnepropetrovsk. Mamma er regnskapsfører, pappa er mekaniker. I 1941, sammen med sin mor, evakuerte han til usbekiske Samarkand, hvor Leningrad Institute of Painting, Sculpture and Architecture ble midlertidig overført. Repina. I 1943 ble Ilya overført til kunstskolen under Repinsky i Samarkand, og i 1945 - til Moscow Art School: Moscow Secondary Art School på Krymsky Val, nå kunstlyceumet til det russiske kunstakademiet. I mangel av Moskva-registrering bor Kabakov i sovesaler, og moren hans bor under de mest utrolige forholdene: på skoletoalettet, i hjørnene av rommene, i låver. Etter at han ble uteksaminert fra Moskva kunstskole i 1951, gikk Kabakov inn på Surikov-instituttet i bokverkstedet til sjefskunstneren til forlaget "Detgiz" (siden 1963 - "Barnelitteratur"), professor Boris Aleksandrovich Dekhterev. Allerede før han ble uteksaminert fra instituttet i 1957, begynte Kabakov å jobbe som illustratør på Detgiz og for magasinene Funny Pictures og Murzilka. Senere snakker Kabakov om den undertrykkende konstante følelsen av frykt, innpodet i ham som barn, i sovesaler, og følt akutt etterpå. Han sier at han ikke engang hadde tid til å danne seg, bli seg selv, og frykten var der allerede, frykten for ikke å møte den forventede, korrekte standarden. Han følte tydelig skillet mellom seg selv – svak, ikke attraktiv nok, talentløs – og sine trente automatiske reaksjoner på ytre krav. Jeg følte tydelig min inkonsekvens med sosiale forventninger, men også med faglige. Etter å ha utdannet seg til maler, innrømmer Kabakov at han absolutt ikke hadde noen fargesans og kunne forstå, men ikke handle spontant. Han erstattet mangelen på følelse med trening og kunnskap. Bare dette faktum måtte skjules, alltid skjult. Hele livet ser han på seg selv som frafall, og sa at han kom inn på kunstskolen i en tid da det var i dens dybder, mange underviste fordi de måtte, var ofte fulle og strevde ikke etter å utvikle noen i noe. Dermed, usikker og ekstremt negativt relatert til statsmaskinen, til sovjetsamfunnet som helhet, gikk Kabakov inn i den profesjonelle verdenen. I Ilya Kabakovs studio på Sretensky Boulevard, Foto: Igor Palmin

Fra slutten av 50-tallet og de neste 30 årene har Kabakov vært engasjert i barneillustrasjon. Dette var det mest lite krevende området fra et sensursynspunkt; det viktigste var å "bli trent", å tegne akkurat slik kunstredaktøren ønsket, å lære, som kunstneren selv sier, å se gjennom øynene til redaktøren. Kabakov integrert i systemet, ble medlem av Union of Artists og fylte ut 3 bøker på 2-3 måneder, økonomisk forsørget seg selv og familien i et år. Dessuten, jo svakere litterært materiale, jo mindre anger var det. Som han selv sier, hadde han ingen kjærlighet til illustrasjon og behandlet det som en minimal og tilstrekkelig måte å eksistere innenfor et system som han ikke så noen vits i å motsette seg – for ham så det evig ut. Ikke desto mindre blir dette prinsippet - utad i et generelt akseptert, banalt språk, men samtidig skape dine egne meninger og leve i din egen personlige verden - grunnleggende for Kabakovs arbeid.

Illustrasjon til boken av S. Marshak "The House That Jack Built"", 1967, samling av ART4-museet

I 1957 ble World Festival of Youth and Students holdt i Moskva, et stort antall lyse, muntre utlendinger, inkludert kunstnere, kom til Moskva, fellesutstillinger og et internasjonalt kunststudio ble holdt. I 1959 fant den amerikanske utstillingen sted i Sokolniki. Album og bøker om samtidskunst er på vei inn i landet. Underjordiske sovjetiske kunstnere er opphisset.

Uoffisiell kunst

I løpet av denne perioden begynte Ilya Kabakov uoffisiell kunstnerisk aktivitet. Han er medlem av "Surrealists Club", ledet av Hulot Sooster og Yuri Sobolev (kunstredaktør i Znanie-forlaget), Yuri Pivovarov og Vladimir Yankilevsky er også medlemmer av denne gruppen. I et verksted under taket til det tidligere Rossiya-forsikringsselskapet på Turgenevskaya-plassen, maler Sooster, som gjennom estiske kanaler hadde tilgang til den lite kjente arven fra surrealismen i USSR, einerbusker, fisker, oppfinner lignelser og utleder komplekse symbolsystemer. fra drømmene hans. Som Kabakov sier - og det er vanskelig og slett ikke nødvendig å bestemme korrespondansen mellom historiene hans og den historiske virkeligheten - i de første årene etter college streber han etter å male et "absolutt" bilde, et "mesterverk", et vakkert og perfekt kunstverk – og etter en stund gir han helt opp denne ideen. I løpet av denne perioden ble det dannet en hel klynge av verksteder i Chistye Prudy-området, som ble steder for kommunikasjon mellom kunstnere, poeter, teater- og filmarbeidere og for å holde uoffisielle utstillinger. Museumsdirektører, utlendinger og diplomatiske misjonsansatte kommer hit ganske fritt; kontakter med venstreorienterte aktivister fra andre land er spesielt verdsatt - fordi Sovjetunionen ikke kan fornærme dem av politiske grunner. Alt dette skjer strengt uoffisielt, blir ikke ønsket velkommen av verken samfunnet eller KGB, men streng kontroll føles ikke. I 1962, på en utstilling i Manege, kalte Khrusjtsjov ikke-sosialistiske realistiske kunstnere "pederasts" og bestemte den offisielle holdningen til dem; "tine" var i ferd med å ta slutt. Imidlertid ble verkene til hovedmedlemmene i Surrealist Club i 1965 inkludert i den store utstillingen "Alternative Reality II" i Italia, hvor både Hockney og Magritte ble presentert, og ble distribuert i katalogen i forskjellige kategorier. Sooster ender opp i "Symbolic Magic", Sobolev og Yankilevsky - i "Visionary Perspective", Kabakov - i "Fiction and Irony". Etter dette begynte Kabakov å bli stilt ut i utlandet som en uoffisiell sovjetisk kunstner - i Venezia, London, Köln.

Det antas at Vitaly Komar og Alexander Melamid på begynnelsen av 70-tallet kom opp med en ny måte å handle på som svar på behovet for ekstern mimikk, obligatorisk blant uoffisielle kunstnere: de begynte å jobbe på vegne av oppfunne kunstnere - abstraksjonisten fra 1700-tallet Apelles Zyablov, realisten Nikolai Buchumov fra det tidlige 1900-tallet, "Berømte kunstnere fra begynnelsen av 70-tallet av det tjuende århundre" eller blander mange stiler fra forskjellige perioder. Kabakov tar i bruk karakterstrategien fra Komar og Melamid og utvikler den. Han var den første som teoretisk forsto karakterisering. I teksten "Artist-Character", skrevet i 1985, understreker Kabakov umuligheten av umiddelbar, direkte kreativitet, på den ene siden i dominansen av offisiell sovjetisk kunst og på den andre i situasjonen med fravær av kunstnerisk liv - utstillinger, tilskuere, kritikk - for uoffisielle kunstnere. Og de er selv tvunget til å finne opp en kunstnerisk verden for seg selv, men den viser seg å være frossen, livløs, evig - det er tross alt ikke noe nåværende kunstnerliv. I den illusoriske verden befinner kunstneren seg inne i hele kunsthistorien, og hans egen kreativitet distanseres først og fremst av denne utrolige tidsperioden. Refleksjonsnivået som kreves av panoramaet av historien som kartlegges, gir ikke muligheten til å bare ta og male et bilde. Vi trenger en kunstner-karakter, separat, med sin egen biografi og karakter, det er han som skal produsere kunst etter sin indre nødvendighet. Det vil si at den imaginære kunstneren er et slags verktøy for å tilpasse seg den sovjetiske kunstneriske situasjonen.

Moskva konseptualisme

A. Aksinin og I. Kabakov i Kabakovs verksted på Sretensky Boulevard. Moskva, september 1979

Fra 1970-76 skapte Kabakov 55 grafiske album om "10 karakterer" ("Flying Komarov", "Looking Arkhipov", "Mathematical Gorsky", "Anna Petrovna Dreams", "Tormenting Surikov" og så videre). Hver svart mappe inneholder fra 30 til 100 ark som illustrerer synspunktene eller direkte synspunktene til hovedpersonen og kommentarer fra andre deltakere i arrangementene. Ofte kalles disse "albumene" konseptuelle tegneserier. Praksisen med å se disse mappealbumene var at forfatteren i hjemmemiljøet skulle resitere og vise historiene til de forsamlede innviede. I "10 Characters" viser Kabakov forskjellige måter å overvinne virkeligheten på; dette er faktisk hovedtemaet for hans arbeid. Kabakov forteller Boris Groys mye senere om livets forferdelige kjedsomhet og den samme kunstens kjedsomhet, og snakker om det magiske øyeblikket da en kjedelig gjenstand, rett og slett takket være ham, Kabakov, plutselig blir til det evige - det blir kunst. Du trenger bare å finne ut hvordan - og dette øyeblikket begeistrer ham uendelig. Så, på midten av 70-tallet, begynte Kabakov å jobbe med "album" om felleslivet og boligkontoret. Kabakov ser på fellesleiligheten, som han kjenner godt fra sin egen biografi, som kvintessensen av sovjeten: noe hvor man ikke kan bo, men som man ikke kan flykte fra.

I 1979 skrev Boris Groys, som nylig hadde flyttet fra Leningrad til Moskva, den programmatiske teksten "Moscow Romantic Conceptualism", og slo fast at russiske kunstnere, selv som konseptualister og analytikere, ikke kan, i motsetning til europeiske og amerikanske, frigjøre seg fra spiritualitet og evighet. . Groys nevner som et eksempel korte analyser av aktivitetene til 4 kunstnere; Kabakov er ikke blant dem, men veldig snart er betegnelsen på grunnleggeren og lederen av Moskvas romantiske konseptualisme, som han fortsatt anses for å være, fast ved ham.

Ilya Kabakov, "Anna Evgenievna Koroleva: Hvem sin flue er dette?", 1987, fra samlingen til ART4-museet

Ilya Kabakov, Kabakov reflekterer over samspillet mellom ord og bilder som følger: et bilde er på en måte et bevissthetsfelt eksternalisert. For å oppfatte det, er bevissthetsarbeidet nødvendig. På den annen side samhandler bildet i maleriet med at veggen det henger på også har sin egen visualitet. Og når forskjellige bilder kombineres i et bilde, slik det skjer med Kabakov, blir hele den observerte scenen delt inn i forskjellige objektkomponenter, og bildet faller ut av bevisstheten og blir et objekt. Men de skrevne ordene blir umiddelbart lest og går rett inn i bevisstheten, og tegner hele bildet der. På den tredje side er ordene som Kabakov bruker i sine malerier direkte tale, hverdagslig, fragmentarisk. Dette er talen vi bokstavelig talt hører i tankene våre. De som uttaler disse ordene – og vi kjenner alltid navnene og etternavnene deres – ser ut til å stå i nærheten. Så tale blir materiell, på en eller annen måte et objekt. Dessuten, ikke bare fysisk, men til og med "romlig". Et hav av stemmer og ord svaier hele tiden rundt alle, skriver Kabakov, og hvis du imiterer en del av noens tale, vil personen som hører den få sitt indre hav av tale hisset opp. Dermed forvirrer kombinasjonen av ord og bilder i bildet den eksterne og interne betrakteren, og fordyper ham i kraftige illusjoner.

Kabakov tenker på samspillet mellom ord og bilder: et bilde er på en måte et eksternalisert bevissthetsfelt. For å oppfatte det, er bevissthetsarbeidet nødvendig. På den annen side samhandler bildet i maleriet med at veggen det henger på også har sin egen visualitet. Og når forskjellige bilder kombineres i et bilde, slik det skjer med Kabakov, blir hele den observerte scenen delt inn i forskjellige objektkomponenter, og bildet faller ut av bevisstheten og blir et objekt. Men de skrevne ordene blir umiddelbart lest og går rett inn i bevisstheten, og tegner hele bildet der. På den tredje side er ordene som Kabakov bruker i sine malerier direkte tale, hverdagslig, fragmentarisk. Dette er talen vi bokstavelig talt hører i tankene våre. De som uttaler disse ordene – og vi kjenner alltid navnene og etternavnene deres – ser ut til å stå i nærheten. Så tale blir materiell, på en eller annen måte et objekt. Dessuten, ikke bare fysisk, men til og med "romlig". Et hav av stemmer og ord svaier hele tiden rundt alle, skriver Kabakov, og hvis du imiterer en del av noens tale, vil personen som hører den få sitt indre hav av tale hisset opp. Dermed forvirrer kombinasjonen av ord og bilder i bildet den eksterne og interne betrakteren, og fordyper ham i kraftige illusjoner.

Kabakov kaller sitt arbeid med ordet "skjul" - når noe er sagt som ikke er ment, bringer sovjetsituasjonen inn i kunstfeltet med et ord som har mistet all mening, eller med en "stripe av forbud mot tale." På en interessant måte snur Kabakov også dette gapet mellom ord og mening over på seg selv. Han skriver entusiastisk at det å se på de allerede fullførte verkene hans fremkalte den mest aktive mentale aktiviteten i å tolke dem. Her antyder han at noe av det han tenker først etter at maleriet er ferdig befant seg allerede i ham på tidspunktet for dets tilblivelse, selv om det er ubevisst – og derfor kan betrakteren potensielt også ta fatt på disse ulike tolkningene. Men det viktigste er at denne intensjonen ikke bevisst gikk inn i bildet, noe som betyr at Kabakovs bevissthet forble utenfor den, han er fri fra den. Bildet er "valgfritt" ikke bare for seeren, men også for Kabakov.

Selvfølgelig er det mange andre tolkninger, inkludert fra Kabakov selv. For eksempel, i samtaler med Groys i 1990, forklarer Kabakov ordene i maleriene sine med den allerede nevnte frykten, som han i prinsippet snakker mye om. Til det litterært-sentriske, visuelt uutdannede sovjetiske subjektet - av frykt "for ikke å bli tilstrekkelig forstått og den paniske frykten for en annens uoppmerksomhet" - sier Kabakov ganske enkelt det kunstneren ønsket å si. Han forutser og lammer derved talen til betrakteren og hans potensielle negative vurdering.

En ny begynnelse

På 1980-tallet begynte en ny linje i Kabakovs kunst: han begynte å male fargerike malerier. Teksten forsvinner ikke fra den, men er betydelig forvandlet. Nå fyller realistisk-impresjonistisk maleri hele bildets felt, og teksten eksisterer diskret på toppen, og krever ikke lenger forrang, som før, men integreres bare i bildets verden. Det er en klar overgang her – akkurat sammenfallende med en tilsvarende overgang i hele den vestlige verden – fra kritisk romantisk konseptualisme til postmodernisme, til opptatthet av bilder. Det skal bemerkes at all sovjetisk visualitet ble transformert i løpet av denne perioden. Perestroika åpner døren for utenlandsk massekultur, fjernsyn og magasiner blir fargerike, og veggavisas grunnleggende avantgardedidaktiske språk blir utdatert og upopulært. Kabakov, som reagerer på endrede forhold, opprettholder en ironisk holdning til dem. Bilder av grensene for sovjetiske hverdagsdrømmer eller levende fotografiske illustrasjoner kommenteres av tomme eller svært emosjonelle tekster, som demonstrerer fraværet av meningsfullhet i forhold til verden. De mest kjente verkene i denne syklusen er "Luxury Room" (1981) - en reklame for et hotellrom, "Gastronom" (1981) - en drøm om overflod, "Alley" (1982) - en sovjetisk byggeplass for nye sosiale enheter , "Beetle" (1982) - bilde av en bille med et barnerim.

Ilya Kabakov, "Luksusrom",1981

På begynnelsen av 1980-tallet begynte Kabakov å lage sine første installasjoner. Hans første installasjon var «Ant» (1993), omslaget til barneboken «Detgiza» og fem sider med håndskrevne refleksjoner fra en person om det kunstneriske og intellektuelle potensialet til ikke-kunsten: dette omslaget. Som Kabakov senere sier, var selvfølgelig denne mauren, metaforisk og ontologisk, som en type skapning, seg selv. Den neste - "Syv utstillinger av ett maleri" - tilbyr 4 malerier, hver omgitt av mange kalligrafisk skrevne kommentarer fra forskjellige seere. Her innser Kabakov den summingen av stemmer, som han også snakker mye om, den summingen av helt andre vurderinger og holdninger, som er viktigere for ham enn vurderingene og holdningene til nære, forståelsesfulle mennesker - fordi tilfeldige stemmer er kultur, der Kabakov streber etter å bli et vanlig navn - slik definerer han innflytelse. I alle hans påfølgende installasjoner er det alltid andres tale, andres knurring, irritasjon over andres tilstedeværelse, stemningen i en felles leilighet. Fra 1982-86 laget han den berømte «Mannen som fløy inn i rommet fra rommet sitt». Den romlige løsningen på Kabakovs hovedmetafor for det sovjetiske livet lar ham jobbe på en ny måte med det han beskriver som den sovjetiske mandalaen - et lukket rom med en egen kraftig energi som styrer alt som skjer i den. Alle sosiale institusjoner som er kjent for menneskeheten finner sin legemliggjøring i rommet til en felles leilighet.

Ilya Kabakov, sinstallasjonsprosjektet "Red Car", 1991

Internasjonal anerkjennelse

I 1988 fant den første Moskva-auksjonen av Sotheby's sted - verk av uoffisielle kunstnere gikk på det åpne markedet. I 1989 giftet Kabakov seg med Emilia Lekah, som emigrerte fra USSR i 1975. Fra dette øyeblikket jobber de i samarbeid, og verkene deres er signert med et dobbeltnavn; det er videre feil å snakke om verkene til Ilya Kabakov som en individuell forfatter. Ofte blir Emilias rolle sett på som reduserbar til presis ledelse og organisering, men for det første, i samsvar med Kabakovs teori, er kunstnersjefen ikke mindre viktig type enn alle andre, og for det andre insisterer de aktivt på strengt duettforfatterskap av verk.

Siden 1987 har Kabakov, som allerede er 54, begynt aktiv kunstnerisk og utstillingsvirksomhet i utlandet. På denne tiden er interessen for perestroikakunst i Europa og USA på topp. Den første installasjonen under bevilgningen ble laget for operahuset i Graz, Østerrike: "Før middag." Følgende arbeider er i New York, Frankrike, Tyskland. I 1989 flyttet familien Kabakov til Berlin og kom aldri tilbake til Russland. I 1992 skapte Ilya og Emilia scenografien for den "første post-kommunistiske operaen" - Schnittkes "Livet med en idiot" basert på historien til Viktor Erofeev - ved operahuset i Amsterdam. Gjennom 90-tallet stilte ekteparet Kabakov stadig ut i Europa og USA: på Pompidou-senteret i Paris, på MoMA i New York, på Kunsthalle i Köln, ved National Center for Contemporary Art i Oslo, i 1992 på Documenta IX i Kassel. , i 1993 på Venezia-biennalen, mottok Kabakov-familien «Den gyldne løve» for verket «Red Pavilion»; i 1997 installerte Kabakov-familien objektet «Looking Up, Reading Words» for Skulptur.Projecte i Münster. Tallrike priser og den franske tittelen Chevalier of the Order of Arts fulgte.

Ilya og Emilia Kabakov

Emilia bygger dyktig markedsføringssiden av kunstnerisk aktivitet. Det begrenser antallet av duoens verk på markedet, med store samtidskunstmuseer som blir de foretrukne eierne – selv om de ikke har budsjett til å betale markedsverdi. Kabakovene reagerer så nøyaktig som mulig på markedets krav og lover og blir raskt ikke bare suksessrike postsovjetiske kunstnere, men kunstfigurer i verdensklasse. De skaper en myte om det sovjetiske mennesket, forståelig for det vestlige kunstneriske fellesskapet. Arbeidet deres er spektakulært og flott for store arenaer. Kabakovene blir personifiseringen av verdensbildet til en sovjetisk person for en vesteuropeisk og amerikansk seer som er fascinert og oppdratt i et visst estetisk paradigme.

På 2000-tallet begynte populariteten til Kabakovene i Russland. I 2003, utstillingen "Ilya Kabakov. Foto- og videodokumentasjon av liv og kreativitet" ved Moscow House of Photography (MAMM), i 2004 - en stor utstilling av "Ten Characters" i Tretyakov Gallery og, sammen med Emilia, "An Incident in the Museum and Other Installations" - hos Eremitasjens generalstab. Kabakovene donerer 2 installasjoner til Eremitasjen, og Mikhail Piotrovsky kaller dem begynnelsen på Eremitasjens samling av samtidskunst. Deretter fulgte en utstilling med 9 installasjoner fra 1994-2004 ved Stella Kunststiftelse. I 2006 og 2008, da russisk kunst ikke hadde skapt internasjonal oppsikt på lenge, men det var en ny bølge med prisstigning takket være en boom i interesse fra russiske samlere, maleriene "Lux Room" (1981) og «Beetle» (1982) ble solgt på Philips de Pury-auksjonen (London) for rekordbeløp for russiske kunstverk.

I dag fortsetter Ilya og Emilia Kabakov å være ganske aktive i utstillingsaktiviteter; verkene deres er i samlingene til 250 museer rundt om i verden, mer enn 50 skulpturelle komposisjoner er i urbane rom.

Det er godt å være kunstkritiker i en tid med internett og abstrakte kallenavn - ingen vil vite det virkelige navnet ditt, du trenger ikke holde deg tilbake, fordi alt er så klart og forståelig - de er alle gripere og hackere! For eksempel konseptualisten Ilya Kabakov. Malerier, grafikk, installasjoner - noen ting er ulikt noe annet i verden, men koster millioner - alt er klart!

Men noen kjennere bør roe ned sine knusende stemmer, og det ville være bedre å gå på utstillingen til denne mesteren. Og hvis du ser med virkelig åpne øyne, kan du se en fantastisk, uuttømmelig verden, noen ganger full av humor og ironi, noen ganger ringende av smerte for menneskene som levde og lever i dette uforståelige landet...

14 års studier

Men først var det et langt studium av yrket. Kabakov Ilya Iosifovich ble født i Dnepropetrovsk, i familien til en mekaniker og regnskapsfører. Under krigen havnet han og moren i Samarkand, hvor Repin-instituttet ble evakuert fra Leningrad. Ilya begynte å studere ved barnas kunstskole ved dette instituttet. Etter krigen ble Kabakov overført til Moscow Secondary Art School, hvorfra han ble uteksaminert i 1951 og gikk inn på det beste kunstuniversitetet i landet - Surikov Institute, i den grafiske avdelingen. Han valgte å spesialisere seg i bokkunsten sammen med professor Dekhterev.

I dagens memoarer av mesteren, fulle av selvironi og mystifisering, kan man finne hans useriøse holdning til studiene i design av barnebøker, som han tok opp etter eksamen ved instituttet i 1957. Han kaller dem bare en måte å skaffe mat på, som han viet en liten del av sin tid og krefter på. Trykt materiale for barn var spesielt gjennomsyret av ideologiske klisjeer og dogmer, og det var visstnok derfor umulig å gjøre noe interessant i dem.

Dette virker som en liten uoppriktighet: kvaliteten på bøker fra forlaget "Barnelitteratur", magasiner "Murzilka", "Funny Pictures" huskes av mange med glede, ikke bare på grunn av aldersrelatert nostalgi. Ilya Kabakov er en kunstner som skapte illustrasjoner til Marshaks dikt, Charles Perraults eventyr og historier om Peter Pan. Frihet, nyhet og fantasi er tydelig i disse desidert ikke-akademiske verkene. Utformingen av vitenskapelige og pedagogiske barnebøker er veldig interessant: "Wonders of Wood" (1960), "Clay and Hands" (1963), "The Ocean Begins with a Drop" (1966) av E. Mara, "The Tale of Gas" (1960), "Tricky Point" (1966).

Workshop under taket til "Russland"

Siden slutten av 60-tallet ble et samfunn av ikke-konformistiske kunstnere kalt "Sretensky Boulevard" dannet i Moskva. Det inkluderte Ilya Kabakov. Maleriene til kunstnerne i denne vennlige foreningen var veldig forskjellige fra det offisielt godkjente maleriet.

Muligheten til å komme sammen dukket opp i stor grad takket være Kabakov. Arbeid for forlag ga gode penger, og kunstneren hadde eget verksted. Han kaller den mystiske historien om hvordan han fant et rom under taket av den tidligere Rossiya-leilighetsbygningen på Sretensky Boulevard og ble enig med myndighetene om utstyret til et studio der.

Verk av Ilya Kabakov, Hulo Sooster, Erik Bulatov, Oleg Vasiliev og andre ble stilt ut på uoffisielle utstillinger i Moskva og i utlandet, og personifiserte den alternative kunsten til USSR under Tine-tiden. Men den harde reaksjonen på abstrakt kunst fra de viktigste "kunstkritikerne" i landet førte til triumf av sosialistisk realisme alene.

Før bruken av mitt eget studio, besto "arbeid for meg selv" av grafiske ark i stilen og album i småformat. Senere begynte det å dukke opp malerier i større format: "Hode med ball" (1965), "Rør, stokk, ball og flue" (1966), "Automatisk maskin og kylling" (1966).

Tekst som billedmedium

Ilya Kabakov, hvis malerier begynte å inneholde flere og flere filosofiske overtoner, ble en av lederne for konseptualistene. En serie "hvite" malerier av stor størrelse - "Berdyansk sover" (1970), "A Man and Small House" (1970) - vekket tanker om forholdene for oppfatning av nytt maleri, om samspillet mellom betrakteren og kunstner. Kunstnerens eksperimenter med introduksjon av tekst i maleriets rom fungerer som en bevegelse i denne retningen. De første slike verk er "Hvor er de?" (1970), "Alt om ham" (1970), "Svar fra den eksperimentelle gruppen" (1970) - representerer ulike objekter fra det virkelige livet til Moskva kommunale leiligheter med tekstkommentarer, ofte pseudo-signifikante parodier på offisielle instruksjoner eller kunngjøringer.

Teksten ble også brukt senere av Ilya Kabakov. "Luxury Room" (1981) er et maleri som representerer en visning av et hotellrom med en annonse for en tur til feriestedene ved Svartehavet lagt over bildet.

Albumene som ble oppfunnet av Kabakov, som ble forløperne til installasjoner, er også konseptuelle verk. Slike album – en fusjon av skulptur, illustrasjon, litteratur, teater – er bygget rundt ett tema eller karakters opplevelse, uttrykt gjennom visuelle og tekstlige virkemidler. Det er fascinerende å se på betydningsfulle eller meningsløse hendelser. Det imponerer med enten fullstendighet eller åpenhet i alle retninger av tid og rom.

Ilya Kabakov er grafiker, illustratør og typedesigner. I slike album spores essensen av aktiviteten hans mest nøyaktig. Det mest kjente albumet er "Ten Characters" (1970-74).

Krig og fred i fellesleiligheter

De sosiale forholdene i sovjettiden er hovedobjektet for forskning for Kabakovs arbeid. Den undertrykkende innflytelsen fra dominansen til én ideologi kommer til uttrykk i verk som Verified! (1981) og "Supermarked" (1981). Krig mellom naboer i fellesleiligheter for luft og ekstra plass er temaet for "bolig"-komposisjonene "Taking Out the Garbage" (1980), "Sunday Evening" (1980). I «Kjøkkenserien» fra samme periode er kjente kjøkkenredskaper utstyrt med en viss høy kunstnerisk betydning, en kulturell betydning, ofte skilt fra funksjonalitet.

Vanlig husholdningsavfall er også fylt med slik betydning i den påfølgende installasjonen «The Man Who Never Threw Away Anything» (1985). I den kan man også se globale diskusjoner om betydningen av menneskelig aktivitet, om vanen med hensynsløs lagring av det som er nødvendig og unødvendig, eller omvendt, revidering av historien med fortidens tilpasning til behovene til moderne politikk.

Totale installasjoner

I 1987 emigrerte Ilya Iosifovich Kabakov til Vesten. Her har han tilgang til store utstillingslokaler. «Totale installasjoner» kaller Ilya Kabakov malerier og objekter som opptar store rom og forenes av et felles globalt konsept.

Den mest kjente installasjonen var «The Man Who Flew into Space from His Apartment», som i stor grad er symbolsk for skjebnen til kunstneren selv. I midten av et lite rom med vegger dekket av sovjetiske plakater, er det noe som ser ut som en sprettert. Hullet i taket, kommentarene og plasseringen av hendelsen - alt beviser virkeligheten av en ekstraordinær begivenhet: en viss oppfinner, ved hjelp av en genial katapult, brøt gjennom taket med kroppen sin, gikk ut i det nære jordrommet - kroppen ble ikke funnet...

Å se i et slikt objekt er bare småprat og hån mot systemet feil. Akkurat som i installasjonen «Toalett» (1992), kan man bare finne en ondskapsfull analogi av de vanlige levekårene i hele landet. Dette kunstobjektet overrasket spesielt den vestlige betrakteren, som anser privatlivet til et oppholdsrom som et naturlig behov for en normal person.

"The Red Car" (1991), "The Bridge" (1991), "The Life of Flies" (1992), "We Live Here" (1995) - totale installasjoner som brakte Kabakov berømmelse. De er utstilt på museer i USA og Europa, og kombinert til utstillinger som «Palace of Projects» (1998, London) og «50 Installations» (2000, Bern) representerer Kabakovs arbeid som fenomen

Kone og medforfatter

Kabakov elsker å farge livet med bløff. Periodiske kunstnere Charles Rosenthal, Igor Spivak og Stepan Koshelev var utsatt for slike oppfinnelser. Kabakov inngikk kreativt samarbeid med dem, han skrev til og med artikler om dem i stil med kjedelige kunstkritikere.

Siden 1989 har kunstneren funnet en ekte medforfatter - Emilia Lekah. Hun blir hans kone og tar på seg mange organisatoriske og økonomiske problemer, og gir mesteren mer tid til kreativitet. Og slike spørsmål blir stadig hyppigere, fordi interessen for Kabakovs arbeid vokser. Et eksempel på dette er auksjonen Phillips de Pury & Company. I 2007 ble partiet "Ilya Kabakov. "Suite". Maleriet ble kjøpt for 2 millioner pund, noe som gjorde Kabakov til den dyreste moderne russiske maleren.

I 2008 ble dette bekreftet av neste auksjon på samme auksjon. Det neste partiet er "Ilya Kabakov, "Beetle" (1982)", og en annen rekord - 2,93 millioner pund.

Evnen til å bli overrasket

Å telle dollar og pund er nødvendig - slik er den nåværende verden. Men jeg vil at denne banale ideen skal overleve i ham, at penger ikke kjøper lykke. Det er i eksistensen av slike kunstnere, i deres arbeid og talent. Menneskeheten vil bestå av mennesker, og ikke av dyr, så lenge den er i stand til undring og glede i kunst.

Frem til 17. november vil Multimedia Art Museum på Ostozhenka være vertskap for utstillingen «Utopia and Reality. El Lissitzky, Ilya og Emilia Kabakov.» Prosjektet ble initiert av det nederlandske Van Abbemuseum i Eindhoven og presenterer en utstilling med verk av disse to kunstnerne, hentet fra mange kjente museer rundt om i verden og private samlinger. Utstillingen er allerede vist i Van Abb i Eindhoven, i Eremitasjen i St. Petersburg, og etter Moskva skal den til Østerrike, til Museum of Modern Art i Graz.

Utopi og virkelighet. En dialog mellom to russiske kunstnere, to ikoniske kunstfigurer i sin tid - den største mester i den russiske avantgarden på begynnelsen av 1900-tallet, utopisten El Lissitzky og giganten i Moskva-konseptualismen Ilya Kabakov, som nylig har jobbet i samarbeid med kona Emilia.

El Lissitzky. Konstruktør (selvportrett). 1924 Van Abbemuseum, Eindhoven

Begge artistene er kjent i Russland, Europa og USA, begge vokste opp i Russland. De levde bare til forskjellige tider og krysset aldri veier. Ideen om å kombinere dem tilhører det nederlandske Van Abbemuseum i Eindhoven, som huser den største samlingen av Lissitzkys verk utenfor Russland. Museumskunsthistorikere la merke til åpenbare motsetninger i verkene til Lissitzky og Kabakov. Verkene deres så ut til å krangle med hverandre.

Den ene projiserte en lys fremtid for sine etterkommere, og den andre, som var denne samme etterkommeren, diagnostiserte den resulterende virkeligheten. Den første trodde på å bygge en ideell kommunistisk fremtid, mens den andre allerede hadde mistet slike drømmer. Dessuten fant ikke Kabakov opp noe spesifikt for denne utstillingen, verkene ble funnet i hans omfattende arkiv. Hver avantgarde-utopi av Lissitzky motvirkes av Kabakovs verk. Der Lissitzky proklamerer «Hverdagen vil bli beseiret» og skildrer ideelle fellesleiligheter med i utgangspunktet innebygde møbler, der beboerne vil flytte inn med kun kofferter, fordi ingenting annet vil være nødvendig, avslører Kabakov det uutholdelige livet til sovjetiske fellesleiligheter med liv iht. til en tidsplan, der han fastsetter jevn tid til å bruke toalettet. "Livet vant," svarer han.

El Lissitzky. Interiørprosjekt. 1927. Statens Tretjakovgalleri

Ilya Kabakov Bildestativ

Kabakov reagerer på Lisitskys kryssfinerstoler med elendige kjøkkenskap, dekket med fargerike oljekluter og fylt med elendig kjøkkenutstyr.

Installasjon av stoler designet av El Lissitzky for internasjonale utstillinger. 1927 Statens Tretyakov-galleri

Ilya Kabakov. På felleskjøkkenet. En del av installasjonen. 1991 Regina Gallery, Moskva

Renheten i formene til prounene og den horisontale skyskraperen motarbeides av Ilya Kabakovs installasjoner laget av vanlig søppel.

El Lissitzky. Proun.1922-1923. Van Abbemuseum, Eindhoven, Nederland.

El Lissitzky. Horisontal skyskraper ved Nikitsky-porten. Fotomontasje, 1925

Prosjektet til et ideelt teater er et prosjekt av en utopisk "vertikal opera".

Ilya Kabakov. Modell av "Vertical Opera" på Guggenheim-museet i New York.

Modellen til "Seier over solen" er en modell av "Søvnens hus", en helvetes blanding av et mausoleum og kammer nr. 6.

El Lissitzky. Seier over solen: alt er bra som begynner bra og ingen slutt. Plakat. 1913

El Lissitzky. Skisse til operaen "Seier over solen"

Kabakov svarer på Lissitzkys tribune for den proletariske lederen med prosjektet «Monument to the Tyrann», der den bartekledde lederen som har kommet ned fra pidestallen prøver å fange noen andre.

Der Lissitzky fungerte som en designer av en ny verden, hvor "monolittiske kommunistiske byer vil bli bygget, hvor mennesker på hele planeten vil bo" (Direkte en bror med sin Radiant City), så Kabakov prototyper av brakker, trailere, bytte hus og brakker, hvorfra han ønsket å rømme dit alt, på noen måte, til og med ut i verdensrommet ved hjelp av en katapult. Bare for å være fri.

Ilya Kabakov. Toalett. Installasjon. 1992

Ilya Kabakov. En mann som fløy ut i verdensrommet fra leiligheten sin. 1985 Nasjonalmuseet for moderne kunst, Centre Georges Pompidou, Paris

Engelen hans bryter gjennom taket, bryter gjennom installasjonen med Lissitzkys plakat «Beat the Whites with a Red Wedge» og ... faller ovenfra og går i stykker.

Slik kollapser selve utopien.

Nesten alle Lissitzkys arkitektoniske prosjekter forble urealiserte. Bare én enkelt bygning ble bygget i henhold til hans design - dette er trykkeriet til Ogonyok-magasinet i 1st Samotechny Lane i Moskva. Bygget er nå inkludert i byens kulturminneregister.

Hans berømte horisontale skyskrapere dukket aldri opp i gatene i Moskva. Men den gode ideen døde ikke, og over tid dukket lignende bygninger opp i andre byer og land. Følgere.

Parkrand Apartments i Amsterdam

Og det er selvfølgelig ikke alt. Det er andre bygninger rundt om i verden.

El Lissitzky jobbet en stund med Kazimir Malevich; sammen utviklet de grunnlaget for suprematismen.

Den dyreste russiske artisten. Hans malerier "Beetle" (solgt i 2008 for 5,8 millioner dollar) og "Luxury Room" (solgt i 2006 for 4,1 millioner dollar) ble de dyreste russiske kunstverkene som noen gang er solgt. Kunstneren selv bor selvfølgelig i Amerika.

Bilder tatt fra Internett

Ilya Iosifovich Kabakov ble født 30. september 1933 i Dnepropetrovsk. Hans mor, Berta Solodukhina, var regnskapsfører, og faren hans, Joseph Kabakov, var mekaniker. I 1941 ble han sammen med moren evakuert til Samarkand. I 1943 ble han tatt opp på kunstskolen ved Leningrad Institute of Painting, Sculpture and Architecture oppkalt etter Repin, hvis lærere og studenter også ble evakuert til Samarkand. Derfra ble Kabakov overført til Moscow Secondary Art School (MSHS) i 1945. Han ble uteksaminert fra det i 1951 og gikk samtidig inn i grafikkavdelingen ved Surikov Institute (Moscow State Academic Art Institute oppkalt etter V.I. Surikov), hvor han studerte i bokverkstedet til professor B.A. Dekhtereva. Uteksaminert fra Kabakov Institute i 1957.

Siden 1956 begynte Ilya Kabakov å illustrere bøker for forlaget "Detgiz" (siden 1963 - "Barnelitteratur") og for magasinene "Malysh", "Murzilka", "Funny Pictures". Fra andre halvdel av 1950-tallet begynte han å male "for seg selv": han prøvde seg på retninger som abstrakt kunst og surrealisme.

På 1960-tallet var Kabakov en aktiv deltaker i dissidente kunstutstillinger i Sovjetunionen og i utlandet.

I 1968 flyttet Kabakov til studioet til Hulo Sooster, som senere ble berømt, på loftet i den tidligere leilighetsbygningen "Russland" på Sretensky Boulevard. I samme 1968 deltok han, sammen med Oleg Vasiliev, Erik Bulatov og andre ikke-konformister, i en utstilling på Blue Bird-kafeen.

Noen av kunstnerens verk var allerede inkludert i utstillingen "Alternative Reality II" (L'Aquila, Italia) i 1965, og fra begynnelsen av 1970-tallet ble de inkludert i utstillinger av sovjetisk uoffisiell kunst organisert i Vesten: i Köln, London, Venezia.

Fra 1970 til 1976 malte Kabakov 55 album for Ten Characters-serien. Det første albumet var "Flying Komarov". Syklusen, som journalister senere kalte en "konseptualistisk tegneserie", ble laget spesielt for hjemmevisning: det var et ikke-konformt, uoffisielt prosjekt.

På midten av 1970-tallet laget Kabakov en konseptuell triptyk av tre hvite lerreter og begynte en serie "albs" - ark med inskripsjoner om "felles" temaer, og siden 1978 har han utviklet den ironiske "Zhekovsky-serien". I 1980 begynte han å jobbe mindre med grafikk og satset på installasjoner der han brukte vanlig søppel og skildret livet og hverdagen i fellesleiligheter.

I 1982 kom Kabakov med en av sine mest kjente installasjoner, «The Man Who Flew into Space from His Room», fullført i 1986. Deretter begynte han å kalle slike storskalaprosjekter "totale installasjoner."

Beste i dag

I 1987 mottok Kabakov sitt første utenlandsstipend – fra den østerrikske foreningen Graz Kunstverein – og bygde installasjonen «Dinner» i Graz. Et år senere iscenesatte han den første «totale installasjonen» av Ten Characters-prosjektet på Ronald Feldman Gallery i New York og mottok et stipend fra det franske kulturdepartementet. I 1989 fikk Kabakov et stipend fra DAAD (German Academic Exchange Service) og flyttet til Berlin. Fra den tiden arbeidet han konstant utenfor grensene til først Sovjetunionen og deretter Russland.

Siden begynnelsen av 1990-tallet har Kabakov hatt dusinvis av utstillinger i Europa og Amerika, inkludert i store museer som Paris Pompidou-senteret, Norsk nasjonalt senter for samtidskunst, New York Museum of Modern Art, Köln Kunsthalle, samt på Veneziabiennalen og på Documenta-utstillingen i Kassel.

1990-tallet ble en tid med anerkjennelse for kunstneren: i dette tiåret mottok han priser fra danske, tyske og sveitsiske museer, og tittelen Chevalier of the Order of Arts and Letters fra det franske kulturdepartementet.

På 2000-tallet begynte kunstneren å aktivt stille ut i Russland. Så høsten 2003 viste Moscow House of Photography prosjektet "Ilya Kabakov. Foto- og videodokumentasjon av liv og kreativitet." I begynnelsen av 2004 arrangerte Tretjakovgalleriet en programutstilling "Ilya Kabakov. Ti tegn."

I juni 2004 åpnet en utstilling av Ilya Kabakov og kona Emilia (de har vært gift siden 1992) "En hendelse i museet og andre installasjoner" i Hermitage General Staff Building, som "markerte deres retur til hjemlandet." Samtidig donerte kunstnerne to installasjoner til museet, som ifølge Mikhail Piotrovsky markerte begynnelsen på Hermitage-samlingen av samtidskunst. I desember samme 2004 viste Moskva-galleriet "Stella-Art" ni installasjoner av Kabakov, laget i 1994-2004.

Da programutstillingen «Russland!» gikk til Guggenheim-museet i New York i 2006, inkluderte den Kabakovs installasjon «The Man Who Flew into Space». Tilstedeværelsen av dette verket i samme rom med ikoner av Andrei Rublev og Dionysius, malerier av Bryullov, Repin og Malevich sementerte endelig Kabakovs status som en av de viktigste sovjetiske og russiske kunstnerne i etterkrigsgenerasjonen.

Sommeren 2007, på en London-auksjon hos Phillips de Pury & Company, ble Kabakovs maleri "Luxury Room" kjøpt for 2 millioner pund sterling (omtrent 4 millioner dollar). Så han ble den dyreste russiske kunstneren i andre halvdel av det tjuende århundre.

I februar 2008 ble Kabakovs verk "Beetle" (1982) auksjonert av Phillips de Pury & Company for 2,93 millioner pund (5,84 millioner dollar). I april samme år ble albumet "Flying Komarov" solgt på Sotheby's New York-auksjon for 445 tusen dollar.

I juli 2008 ble det kjent om det største retrospektivet av Ilya og Emilia Kabakov som ble utarbeidet i Moskva, designet for tre arenaer på en gang: Pushkin State Museum of Fine Arts, Winzavod Center for Contemporary Art og det nye Garage Center for Contemporary Art , som vil bli åpnet av Daria Zhukova med støtte fra Roman Abramovich. Det ble rapportert at utstillingen opprinnelig skulle finansieres av Mikhail Prokhorov Foundation; beløpet beregnet på prosjektet ble navngitt - 2 millioner dollar. Men 5. juni nektet stiftelsen å støtte Kabakovs utstilling.

Det er kjent at Ilya Kabakov var medlem av Union of Artists og var medlem av bokgrafikkseksjonen. I september 2008 ble Kabakov vinner av den japanske keiserprisen Premium Imperiale. Emilia Kabakova uttalte at den økonomiske delen av prisen vil bli delt inn i tre deler, hvorav den ene er ment for Life Line Foundation for kjøp av utstyr og behandling av barn som lider av hjertesykdom, den andre for bygging av et barnebibliotek , og den tredje delen skal doneres til et sykehjem.

Kabakov har tre døtre.

Ilya Iosifovich ble født i 1933 i Dnepropetrovsk. I krigstid ble han og moren evakuert til Leningrad, hvor kunstskolen ved Leningrad Institute of Painting ble flyttet. Repina. I en alder av ti ble gutten tatt opp på denne skolen, og to år senere ble han overført til Moskva Secondary Art School. Senere ble den unge mannen uteksaminert fra Surikov Art Institute i Moskva.

I sin karakter og verdenssyn skilte Kabakov seg kraftig fra klassiske kunstnere. Tilbake på 1960-tallet stilte han aktivt ut verkene sine på dissidentutstillinger i sitt land og i utlandet, og jobbet senere i verkstedet til Hulo Sooster, kjent for sin kunst som ikke er anerkjent av samfunnet.

På 1970-tallet begynte han å jobbe med flere serier med malerier dedikert til livet i fellesleiligheter og boligkontoret. Og på 1980-tallet ble han interessert i installasjonene som dukket opp i disse årene og ble lederen av den sovjetiske konseptualismen. Installasjonene åpnet nye perspektiver for Kabakov. Han fikk først et stipend fra Østerrike og bygde installasjonen "Before Dinner" der, deretter et stipend fra Frankrike og Tyskland. Siden 1988 har kunstneren konstant jobbet i utlandet.

På 1990-tallet fikk Kabakov verdensomspennende anerkjennelse. Arbeidene hans har blitt stilt ut på en rekke utstillinger i Europa og USA. I Russland ble de siste utstillingene holdt i 2004 i St. Petersburg, i 2012 og 2017 i Moskva. I det 21. århundre mottok kunstneren Oscar Kokoschka-prisen fra Østerrike, Imperial-prisen fra Japan, tittelen Chevalier of the Order of Arts and Letters from France, Order of Friendship from Russia og andre priser.

For tiden regnes Ilya Kabakov som den mest kjente russiske kunstneren i Vesten. Arbeidene hans er i de største museene i Russland og USA, blir jevnlig presentert på utstillinger, og har under auksjoner gjentatte ganger solgt for beløp over en million dollar (mer om dette senere). De siste årene har han ofte jobbet i samarbeid med kona Emilia.

Masters aktivitetsområde

Moskva konseptualisme

Konseptet "Moskva-konseptualisme" dukket opp i 1979. Representanter for denne trenden erklærte kunstverk som et middel for å studere essensen av kunst. For dette formål skapte konseptualister installasjoner (mer om dem nedenfor), holdt arrangementer og studerte folks reaksjoner på dem, og motiverte også samfunnet til å diskutere kunstens problemer.

I tillegg til installasjoner, påvirket Kabakov seerne ved å introdusere tekst i maleriene sine. Slik dukket verkene "Svar fra forsøksgruppen", "Hvor er de?" ut. og andre. Konseptuelle verk inkluderer også artistens album - bilder med tekst, forent av ett tema.

Et annet særtrekk ved Kabakovs arbeid er hans arbeid på vegne av fiktive karakterer: sosialistiske realistiske hacks, oppfunne kunstnere, etc.

Totale installasjoner

Etter å ha flyttet til utlandet på slutten av 1980-tallet, fikk Kabakov muligheten til å bringe sine grandiose prosjekter til live. I løpet av to tiår klarte kunstneren å lage mer enn fem hundre installasjoner, som han kalte totalt.

Installasjonene representerer verdener konstruert av kunstneren som betrakteren kan se og føle fra innsiden. For eksempel er den berømte installasjonen "The Man Who Flew into Space from His Room" et rom med et ødelagt tak, i midten av hvilket en enhet er laget for å bryte ut, og på veggene er det bilder som hjelper til å forstå tilstanden til personen som bor i den. Denne installasjonen symboliserte sovjetfolkets ønske om å bryte ut av lenkene til fellesleiligheten som undertrykker dem og landet som undertrykker dem med sine krav og idealer.

I 2006 ble denne installasjonen vist på Guggenheim-museet (New York) sammen med verk av så kjente russiske kunstnere som, som ikke bare bidro til veksten av Kabakovs popularitet, men også til å sikre hans status som en viktig representant for det kunstneriske fellesskapet .

Rekorder på auksjoner, pris på Kabakovs malerier

Ilya Iosifovich regnes som den dyreste levende russiske kunstneren. La oss finne ut hvor mye Kabakovs malerier koster på det moderne kunstmarkedet.

La oss starte med verket "Dog", presentert på auksjonen til det berømte auksjonshuset Phillips. Dette er en diptyk laget med emalje på lerret, og demonstrerer spillet mockumentary. På venstre side viser kunstneren nøye transkriberte personlige data av en fiktiv sovjetisk karakter, og til høyre en hund, som symboliserer en liten mann i møte med et enormt byråkratisk apparat.

Verket ble stilt ut på en utstilling i New York i 1990. Det var en suksess på auksjonen og, med et foreløpig estimat på 300-500 tusen pund sterling, gikk det for 458 tusen pund (662 tusen dollar).

De neste store salgene inkluderer avgang av verkene "Holidays No. 6" og "Holidays No. 10". Dette er verk fra «Holidays»-serien, bestående av 12 malerier. I henhold til kunstnerens plan skal maleriene i denne serien henges i et forsøplet rom med veltede stoler og bord. Verket «Holidays No. 6» ble solgt på Sotheby's i 2013 for 962 tusen pund (1,5 millioner dollar) med et estimat på 0,8-1,2 millioner pund.

Maleriet "Holidays No. 10" ble solgt på Phillips i 2011 for halvannen million pund (2,4 millioner dollar) i den nedre delen av estimatet. Siden 1987 har den vært stilt ut på mange utstillinger rundt om i verden.

Verket "Luxury Room" ble solgt for enda mer penger på Phillips-auksjonen i 2007. Kunstneren skapte en diptyk på sin karakteristiske billedmessige måte, og skildret et luksusrom og overlagret teksten til en annonse for feriesteder ved Svartehavet. Verket var en stor suksess på auksjonen, og med et estimat på 400-600 tusen pund, gikk det for 2 millioner pund (4 millioner dollar).

Til slutt regnes salget av verket "Beetle" på den samme Phillips-auksjonen i 2008 som en rekord. Dette er et nesten fotografisk bilde av en bille på et blad, akkompagnert av et barnerim i stil med Kabakov. Billen symboliserer en person som ønsker å forbli fri fra enhver ramme, inkludert rammeverket for maleri. Dette arbeidet ble gjentatte ganger presentert på utstillinger, og ble også inkludert i kataloger og bøker om Moskva-konseptualisme og kunsten til sovjetiske opposisjonelle kunstnere.

Selv om et år tidligere solgte verket "Luxury Room" for 2 millioner pund, ble avgangen til "Beetle" en sensasjon, fordi det opprinnelige anslaget på 1,2-1,8 millioner pund ble doblet. Maleriet ble auksjonert for 2,9 millioner pund (5,8 millioner dollar), og ble kunstnerens dyreste verk.

Hvis vi snakker om billigere avganger, så skjer de også jevnlig på ulike auksjoner. For eksempel, på Phillips-auksjonen ble følgende malerier solgt: "Høydelig maleri" (241 tusen dollar), "Vi er klare til å fly" (29 tusen dollar), på Christie's "Slaget i leiligheten (68 tusen euro), " Hvordan møtes med en engel" (24 tusen pund), "Two Friends" (250 pund), hos Sotheby's "Mushroom Pickers" (9 tusen pund), "Window" (5 tusen pund) og andre.

For å gå tilbake til spørsmålet om hvor mye Kabakovs malerier koster, kan vi konkludere med at de er veldig populære på malerimarkedet og ofte går over estimatet. Spesifikke deler får varierende priser fra noen få hundre til flere millioner dollar. I neste avsnitt vil vi se på hvordan og hvor vi skal selge Kabakovs maleri.

Undersøkelse og salg av malerier av Kabakov

Hvordan vurdere Kabakovs maleri

Tidligere har vi funnet ut at det er en betydelig variasjon i pris på kunstnerens verk. For ikke å feilberegne kostnadene for et bestemt arbeid, anbefaler vi å bestille en profesjonell undersøkelse. Denne prosedyren innebærer å undersøke bildet i henhold til en rekke parametere og kan være delvis eller kompleks. Ved delundersøkelser vurderes en eller flere av de mest betydningsfulle parametrene, for eksempel bekreftes maleriets ekthet. En omfattende studie av mange egenskaper vil hjelpe. Det er spesielt etterspurt dersom arbeidet krever en høy pris.

Hvordan og hvor selge Kabakovs maleri