Melding om kunstnerne som malte stilleben. Stilleben som en sjanger innen kunst. (En kort beskrivelse av)

død natur - sjanger visuell kunst, hovedsakelig staffelimaleri, dedikert til bildet av livløse gjenstander: blomster, frukt, dødt vilt, fisk, attributter til enhver aktivitet.

Flott definisjon

Ufullstendig definisjon ↓

STILLEIV

fransk nature morte - død natur), en av sjangrene til maleri. Stilleben skildrer naturens gaver (frukt, blomster, fisk, vilt), så vel som ting laget av menneskehender (servise, vaser, klokker, etc.). Noen ganger sameksisterer livløse gjenstander med levende vesener - insekter, fugler, dyr og mennesker.

Stilleben inkludert i plottkomposisjoner finnes allerede i maleri. eldgamle verden(veggmalerier i Pompeii). Det er en legende om at den antikke greske kunstneren Apelles avbildet druer så dyktig at fuglene forvekslet ham med en ekte og begynte å hakke. Som en selvstendig sjanger utviklet stilleben seg på 1600-tallet. og opplevde deretter sin lyse storhetstid i arbeidet til de nederlandske, flamske og spanske mestrene.

I Holland var det flere varianter av stilleben. Kunstnerne malte "frokoster" og "desserter" på en slik måte at det virket som om en person var et sted i nærheten og snart ville komme tilbake. En pipe ryker på bordet, en serviett er krøllet, vin i et glass er ikke ferdig, en sitron kuttes, brød er knust (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Populære var også bilder av kjøkkenutstyr, vaser med blomster og til slutt "Vanitas" ("forfengelighet av forfengelighet"), stilleben med temaet livets skrøpelighet og dets kortsiktige gleder, som krever å huske sanne verdier og ta vare på å redde sjelen. Favorittattributter til "Vanitas" er en hodeskalle og en klokke (J. van Strek. "Vanity of vanities"). For nederlandske stilleben, så vel som for stilleben på 1600-tallet generelt, er tilstedeværelsen av skjulte filosofiske overtoner karakteristisk, en kompleks kristen eller kjærlighetssymbolikk(sitronen var et symbol på måtehold, hunden var troskap osv.) Samtidig gjenskapte kunstnerne verdens mangfold i stilleben med kjærlighet og glede (skimmer av silke og fløyel, tunge teppeduker, skimrende sølv , saftige bær og edelvin). Sammensetningen av stilleben er enkel og stabil, underlagt diagonalen eller formen til en pyramide. Den viktigste "helten" er alltid fremhevet i den, for eksempel et glass, en kanne. Mestere bygger subtilt relasjoner mellom objekter, motstående eller omvendt matchende farge, form, overflatetekstur. De minste detaljene er nøye skrevet ut. Disse maleriene er små i størrelse og er utformet for nær undersøkelse, lang kontemplasjon og forståelse av deres skjulte betydning.

Flemingerne malte tvert imot store, noen ganger enorme lerreter beregnet på å dekorere palasshallene. De er preget av en festlig flerfarge, en overflod av gjenstander og kompleksiteten i komposisjonen. Slike stilleben ble kalt "butikker" (J. Feit, F. Snyders). De avbildet bord strødd med vilt, sjømat, brød, og ved siden av dem sto eierne som tilbød varene sine. Rikelig mat, som om den ikke passet på bordene, hang ned, falt ut direkte på publikum.

Spanske kunstnere foretrakk å begrense seg til et lite sett med gjenstander og arbeidet på en behersket måte. fargevalg. Retter, frukt eller skjell i maleriene til F. Zurbaran og A. Pereda er rolig plassert på bordet. Formene deres er enkle og edle; de er nøye støpt med chiaroscuro, nesten håndgripelige, komposisjonen er strengt balansert (F. Zurbaran. "Still life with appelsiner og sitroner", 1633; A. Pereda. "Still life with a clock").

På 1700-tallet den franske mester J.-B. S. Chardin. Hans malerier, som skildrer enkle, solide redskaper (skåler, en kobbergryte), grønnsaker, enkel mat, er fylt med livspust, varmet opp av ildstedets poesi og bekrefter hverdagens skjønnhet. Chardin malte også allegoriske stilleben (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).

I Russland dukket de første stillebenene opp på 1700-tallet. i dekorative malerier på veggene til palasser og "dummy" malerier, der gjenstander ble gjengitt så nøyaktig at de virket ekte (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). På 1800-tallet lurertradisjoner har blitt tenkt nytt. Stillebenet opplever en opptur i første halvdel. 1800-tallet i verkene til F. P. Tolstoy, som tenkte om tradisjonene for "triks" ("Bær av røde og hvite rips", 1818), kunstnere fra den venetianske skolen og I. T. Khrutsky. I dagligdagse gjenstander søkte kunstnere å se skjønnhet og perfeksjon.

En ny storhetstid for sjangeren kommer på slutten. 19 - beg. 20. århundre, da stilleben blir et laboratorium for kreative eksperimenter, et middel til å uttrykke kunstnerens individualitet. Stilleben inntar en betydelig plass i postimpresjonistenes arbeid – W. Van Gogh, P. Gauguin og fremfor alt P. Cezanne. Komposisjonens monumentalitet, gjerrige linjer, elementære, stive former i Cezannes malerier er designet for å avsløre strukturen, grunnlaget for tingen og minne om verdensordenens urokkelige lover. Kunstneren skulpturerer formen med farger, og understreker dens materialitet. Samtidig gir unnvikende fargespill, spesielt kaldt blått, stillebenene hans en følelse av luft og romslighet. Linjen til Cezanne stilleben ble videreført i Russland av mesterne til "Jack of Diamonds" (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky og andre), og kombinerte den med russerens tradisjoner folkekunst. Kunstnerne av "Blue Rose" (N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) skapte nostalgiske komposisjoner i antikk stil. Stilleben til K. S. Petrov-Vodkin er gjennomsyret av filosofiske generaliseringer. På 1900-tallet i sjangeren stilleben løste deres kreative oppgaver P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi. I Russland var de største mesterne i denne sjangeren M. S. Saryan, P. V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov og andre.

Flott definisjon

Ufullstendig definisjon ↓

Naturens skjønnhet har alltid forstyrret menneskers hjerter og sinn. Kunstnere, med sin spesielle estetiske oppfatning, forsøkte hele tiden å kombinere det levende og det livløse. Stilleben - konsonans av husholdningsartikler og natur. Det særegne ved komposisjonen lar kunstneren formidle til betrakteren den følelsesmessige rikdommen til bildet.

Et stilleben med blomster er så pittoresk i seg selv at det ikke krever en rekke tilleggsdetaljer. Fargen på belysningen, kombinasjonen av linjer og farger, form og tekstur lar deg lage en unik dramaturgi av bildet.

Hva er stilleben?

Stilleben oversatt fra fransk betyr "død natur". Det tok form som en selvstendig sjanger av maleri på 1600-tallet. Stilleben er helt og holdent dedikert til skildringen av ting. Dette skiller det fra portrett, landskap, historiske motiver. Gjenstander av dyreliv (fisk, vilt, frukt, blomster) er til stede i stilleben. Men de er løsrevet fra sine naturlige omgivelser. For eksempel er fisk og vilt på bordet, frukt er på en tallerken, blomster er i en vase.

Bilder av mennesker, dyr eller insekter kan finnes i stilleben. Men de er snarere et tillegg til hovedmotivet. Fordi målet med et stilleben er teksturen til gjenstander, konsentrasjonen om detaljer. Dette er et estetisk fokus på kontrasten til former, farger og den generelle bakgrunnen.

Kunstneren velger selv komposisjonen for maleriet sitt: husholdningsartikler, draperi. Han kan endre, flytte eller fjerne alle deler. All komposisjonell integritet avhenger helt av kunstneren.

Stillebens symbolikk

Alle objekter i et stilleben inneholder en viss mening, en hemmelig undertekst. Objekter snakker til betrakteren på symbolspråket.

Hodeskallen er et symbol på livets skrøpelighet.
Krystallglass - skjørhet.
Et tomt glass (i motsetning til et fullt) er en påminnelse om døden.
Gull, sølv redskaper er en vane med luksus.
Nøkler - fortielse eller avsløring av hemmeligheter.
Slanger, øgler - bedrag og list.
Fluer, edderkopper - ondskap.
En nøtt i et skall er en sjel bundet av synd.

Variasjonen av betydninger av gjenstander avhenger av epoken, landet der stillebenet ble malt. Blomster i en vase er skjult mening alderdom og visner hvis de smuldrer opp. Lyst og friskt symboliserer ungdom, skjønnhet.

Fioler, forglemmigei snakker om renhet, uskyld. Lyse, røde blomster - om stolthet, arroganse. Olivengrenen er et symbol på fred. blomsterknopper - skjulte muligheter. Liljer i dalen, bjeller - beskjedenhet, ømhet. Flyvende sommerfugler rundt en vase med blomster betyr udødelighet, gjenfødelse og gjenfødelse av menneskesjelen.

Stilleben med blomster

Den største oppblomstringen av stilleben som sjanger kommer til uttrykk i lerretene til flamske og nederlandske kunstnere. Husholdningsartikler, kjøkkenutstyr idealisert, bli viktig skuespillere i bildet.

Populariteten til blomstermotiver er assosiert med nederlendernes tradisjon for å dyrke hager, stueplanter. Den grønne prakten, en rekke nyanser, solstrålene og regndråper i bladene er attraktive for den estetiske smaken til kunstneren.

Stilleben med blomster blir populært etter utseendet til malerier av slike mestere som Jan Davids de Heem, Ambrosius Bosschaert den eldre, Balthasar van der Ast.

Fransk impresjonisme støttet utviklingen av stilleben som en egen sjanger. fargeflekker, intenst lys, transmisjon luftstrøm i lerretet - nye prinsipper for oppfatning av omverdenen - ble introdusert av Gustave Courbet og Edouard Manet, Edgar Degas og Claude Monet, Paul Cezanne og Renoir.

Russiske malere (Igor Grabar, Konstantin Korovin, Isaac Levitan) så stillebenstilen noe annerledes. I første omgang setter de påliteligheten til bildet. Det er derfor bildene deres er så realistiske. Stilleben, blomster flytter inn i et pålitelig plan, slående med sin emosjonelle overtalelsesevne.

samtidsmaleri

Stilleben med blomster er fortsatt aktuelt i dag. Dette er olje-, akvarell- og blyantmalerier. Energi av plass, naturlige farger, moderne muligheter fotografering gjør sine egne justeringer av stillebenssjangeren. Dette er hage- og landblomster, luksuriøse forfatterbuketter og beskjedent vårløvverk.

Slike malerier passer perfekt inn i det indre av huset. Deres fargemetning, fargerike emosjonalitet vil legge til de nødvendige aksentene til innredningen av leiligheten. Variasjonen av å arrangere blomster, gjenstander, moderne realiteter avhenger av kunstnerens estetiske fantasi.

I skjønnhetens verden

(informative og kreative møter)

Hva er stilleben?

Formål: Å gjøre lærere kjent med stilleben, lære å skille mellom typer og typer stilleben, å trene i å sammenstille dem.

Kunst bærer på en enorm opplevelse av menneskelige forhold til omverdenen – andre mennesker, natur, ting – og er derfor for oss alle det viktigste middelet til å forstå universelle menneskelige moralske og estetiske verdier. "Bare gjennom kunst kan en person ikke lære, ikke studere, men oppleve andres opplevelse med sine følelser!" sier den kjente kunstneren og læreren BM Nemensky. Estetiske følelser er flerdimensjonale, ofte motsatt rettet ("Laughter, and tears, and love"); de trener den emosjonelle naturen til en person, og gjentar seg selv, går de inn i følelsesfondet, beriker det, gjør tilgjengelig forståelse slike opplevelser som en person selv ennå ikke har møtt i livet, åpner veien for å bli kjent med åndelige verdier.

Maleri er en av hovedtypene innen kunst. Henne uttrykksfulle midler er: farge (fargekonsonans), tegning og komposisjon. Ved hjelp av farger kan kunstneren fremkalle en viss følelsesmessig tilstand: glede, tristhet, angst, angst, fred .. Tegningen formidler funksjonene i bildets form og karakter. Komposisjon - å bygge et bilde, fremheve det viktigste - styrer vår oppfatning av bildet.

Stilleben , som regel, bli den første billedsjangeren som barn blir introdusert for. "Død natur", "urørlig natur", "rolig, stille liv" - dette er hvordan konseptet "Still Life" oversettes. Alle disse navnene er betingede og uttømmer ikke essensen av sjangeren. Dette forklares med mangfoldet av bildeobjekter i stillebenet, som er delt i to store grupper: naturlige gjenstander (blomster, frukt, mat, noen ganger ledsaget av fugler, små dyr, insekter) og ting laget av menneskehender.

Gjenstandene til bildet for kunstneren er verdifulle i seg selv: mangfoldet av deres former, fargekombinasjoner, teksturer, deres tetthet, mykhet, hardhet, saftighet, fuktighet, fuktighet, modenhet, ynde og skjørhet gleder ham og inspirerer til kreativitet. Kunstneren undersøker rolig, uforstyrret objekter på nært hold, viser dem til betrakteren nærbilde, fra forskjellige vinkler - hel, kuttet, ødelagt. Alt dette lar ham avsløre slike egenskaper og kvaliteter til objekter som får betrakteren til å se kjente, kjente ting på en ny måte og sette pris på deres skjønnhet.

Dette er imidlertid ikke kunstnerens eneste mål. Gjennom bilder av gjenstander og gjenstander fra plante- og dyreverdenen, som avslører deres individuelle egenskaper, gir han betrakteren muligheten til å se rollen de spiller i menneskelivet, viser funksjonene i livet, synspunkter, holdning til verden som er iboende i mennesker. forskjellige land og epoker.

Et av hovedtemaene for stillebensjangeren er temaet kjærlighet til naturen, temaet for dens kunnskap og utvikling, beundring for overfloden av dens gaver, deres skjønnhet og uendelige variasjon. Men dette er ikke bare å beundre naturen, men også forherligelsen av personen som oppdro, samlet og bevarte alle disse rikdommene. Kunstkritiker K.G. Cherlikina skriver at på lerretene til Snyders, bak fiskebutikkene, gjettes de utrettelige seilskutene til nederlenderne som seiler på hele verdens hav, og bak de fargerike frukthaugene i maleriene til Saryan - de hardtarbeidende hendene til armenske bønder . I stilleben leses som regel alltid temaet arbeid og menneskelig kreativitet. Når du ser på gjenstandene som er avbildet på bildet, begynner du å forstå hvor mye innsats og dyktighet som er investert i å lage en vase, et malt brett, et brodert håndkle, dyrke grønnsaker, bake brød.

Storhetstiden for stilleben som sjanger kom på 1600-tallet. Den ble forherliget av kunstnere som fikk kallenavnet «Lille nederlendere», enten for den lille størrelsen på maleriene, eller for «bagatell»-temaer – stillebenet var da en nyhet.

Mest av alt likte "Little Dutch" å tegne vakre retter, rike husholdningsredskaper, bord dekket med utsøkte, luksuriøse retter. De ble kalt "frokoster"

Samtidig, i nabolandet Flandern, mestret kunstnere en annen slags stilleben - "Sned". På store lerreter avbildet de fjell av vilt, fisk, frukt, som fikk maleriene til å se ut som et dagligvarebutikkvindu.

Russiske kunstnere likte de flamske stillebenene som prydet salene i Eremitasjen – Imperial Museum i St. Petersburg. Og russiske kunstnere begynte å lære av de flamske, imitere dem og komponere de samme store og fargerike maleriene.

Russiske malere komponerte faktisk stillebenene sine, og skrev ikke fra naturen. Se på Legashovs maleri "Frukt". Her, rett på bakken, under en gammel bjørkestubbe, ligger det hele hauger med frukt og bær – fersken og druer, epler og pærer, appelsiner og plommer. Til venstre er et stort gresskar. Umiddelbart ser vi en blomstrende rosebusk, voksende sopp, eføy vikler seg rundt tregrener. Selvfølgelig er det en fantasi! En kunstner som skaper et stilleben er som en historieforteller, bare han skriver et eventyr ikke om mennesker, men om blomster og frukt.

Impresjonistiske kunstnere i Frankrike var veldig glad i stilleben. De malte ikke i verksteder, men rett på gatene i Paris, og oppnådde fantastisk lysstyrke, saftighet og solskinn av farger på lerretene deres.

Dermed var det to typer stilleben:

1. Stilleben der ting snakker om eieren deres (hans vane, karakter, yrke)

2. Stilleben der ting først og fremst snakker om seg selv, deres egenskaper. De ser ut til å tilby å beundre skjønnheten i utseende, form, farge.

Ved å introdusere barn til et stilleben, bør man ta hensyn til alle dets egenskaper: utseendet, bildets natur, uttrykksmidlene, den individuelle stilen til kunstnernes kreativitet.

Kunsthistorikere deler ikke stilleben inn etter type. Men for å jobbe med barn ser dette ut til å være viktig. Vi trekker frem følgendetyper stilleben:

enkelt bestilling- gjenstander og gjenstander av samme type er avbildet (bare grønnsaker, frukt, blomster)

Blandet - en rekke gjenstander og gjenstander presenteres

plott - skildrer en rekke objekter og objekter forent av plotdesignet. Handlingen inkluderer stilleben som skildrer levende skapninger: fugler, dyr, mennesker.

Ved å introdusere barn til den kunstneriske kulturen i samfunnet, introdusere dem til stilleben som en av maleriets sjangere, må vi ta hensyn til underordningen av barnets intellekt til hans emosjonelle interesser. Det er emosjonell respons som gir barnet tilgang til å forstå betydningen av det kunstneriske bildet, ideen om arbeidet. barn førskolealder vanskelig å forstå estetiske og moralske verdier innebygd i kunstneriske bilder. Derfor er rollen som en voksen så stor, som med spørsmålene sine trekker barnas oppmerksomhet til et stillebens uttrykksfullhet, lærer dem å målbevisst vurdere et kunstnerisk bilde, se hvordan, ved hjelp av tegning , farge, komposisjon, kunstneren formidler sitt humør, holdning til det han skildrer.

Det er mulig å gjøre barn kjent med stilleben fra tidlig førskolealder (4. leveår). Utvalget av kunstmalerier og innholdet i samtaler om dem bør være alderstilpasset og individuelle muligheter barn.

Prosessen med å gjøre barn kjent med maleri krever mye tålmodighet, langsomhet, takt, dyktighet og deres egen følelsesmessig positive holdning til de aktuelle kunstverkene fra lærere og foreldre. Det bør huskes at for å se på en reproduksjon av et kunstnerisk bilde med barn og snakke om det, er det nødvendig å velge riktig tidspunkt, koble fra alle hverdagslige bekymringer, skape en holdning til oppfatningen av et kunstverk, vekke emosjonell interesse hos barn og den passende stemningen. Det er ingen grunn til å forhaste seg og vurdere alle arbeidene på en gang i "ett møte". Gjør det gradvis. Tilby en annen reproduksjon, la først barna undersøke den på egenhånd, beundre den. Vis interesse for om de likte det og hvorfor de likte det. Start deretter en samtale - en dialog. Respekter hvert barns følelser; uttrykke velvilje, glede, hvis babyen klarte å se noe spesielt i bildet. Fortell oss på sin side hva som gledet eller overrasket deg. Etter å ha undersøkt reproduksjonen, sett den på et fremtredende sted, ved enhver anledning, referer til den igjen og igjen, hver gang du legger merke til og finner noe nytt.

Barn 5-7 år tegner stilleben med fargeblyanter, tusj, maling. For bildet av en vase eller en kanne er det noen ganger mer praktisk å bruke silhuetter kuttet ut av farget papir. I denne vasen tegner barnet en bukett blomster med maling, ved siden av er det frukt og grønnsaker. Slike stilleben er spesielt interessante for barnet fordi de kombinerer teknikken med collage og maleri.

Før du tegner et stilleben, kan du invitere barnet til å se seg rundt og velge de gjenstandene eller plantene det kan komponeres av; spør ham hvorfor han valgte disse spesielle elementene.

Voksne kan sette blomster i en kanne eller vase og invitere barnet til å se på dem, beundre skjønnheten til kronbladene og bladene.

Prøv neste oppgave. La barnet ta to epler og en banan. Det er ønskelig at eplene var annen farge(grønn og rød), så i kombinasjon med en gul banan vil de skape en komposisjon som er lys i fargen. Inviter barnet til først å beundre stillebenet, og tegn deretter denne komposisjonen med gouachemaling på landskapsark. Fyller du hele arkets plass med brede streker, får du et vakkert stilleben på en farget bakgrunn.

Avhengig av årstid endres innholdet i stillebenet og barna finner nye motiver for maleriene sine.

Å gjøre barn kjent med stilleben bidrar til å utvikle estetiske følelser, billedlig tale, som det fremgår av utseendet til levende assosiasjoner, metaforer, sammenligninger.

Stilleben(Fransk Nature morte - død natur), en av sjangrene i maleriet som skildrer naturens gaver (frukt, blomster, fisk, vilt), samt ting laget av menneskehender (servise, vaser, klokker, etc.). Noen ganger livløse gjenstander sameksistere med levende vesener - insekter, fugler, dyr og mennesker.

Stillebensmotiver finnes allerede i kunsten gamle øst og antikken. Det er en legende om at den antikke greske kunstneren Apelles avbildet druer så dyktig at fuglene forvekslet ham med en ekte og begynte å hakke.

Den første omtale av stilleben kan finnes i XV-XVI århundrer. I lang tid beholdt stilleben sin forbindelse med det religiøse bildet.

Som en selvstendig sjanger utviklet stilleben seg på 1600-tallet. og opplevde deretter sin lyse storhetstid i arbeidet til de nederlandske, flamske og spanske mestrene. Mangfoldet av dens typer og former på den tiden er assosiert med utviklingen av nasjonalrealistiske malerskoler.

Også populære var bilder av kjøkkenutstyr, vaser med blomster, og til slutt, Vanitas("forfengelighet av forfengelighet"), stilleben med temaet livets skrøpelighet og dets kortsiktige gleder, som krever å huske sanne verdier og ta vare på sjelens frelse. Favorittattributter til "Vanitas" er en hodeskalle og en klokke (J. van Strek. "Vanity of vanities").

Til Nederlandsk stilleben, så vel som generelt for stilleben på 1600-tallet, er tilstedeværelsen av skjulte filosofiske overtoner, kompleks kristen eller kjærlighetssymbolikk karakteristisk (sitronen var et symbol på moderasjon, hunden var troskap, etc.)

Flemingerne malte tvert imot store, noen ganger enorme lerreter beregnet på å dekorere palasshallene. De er preget av en festlig flerfarge, en overflod av gjenstander og kompleksiteten i komposisjonen. Slike stilleben ble kalt "butikker"(J. Feith, F. Snyders). De avbildet bord strødd med vilt, sjømat, brød, og ved siden av dem sto eierne som tilbød varene sine. Rikelig mat, som om den ikke passet på bordene, hang ned, falt ut direkte på publikum.

PÅ Italia og Spania Fremveksten av stilleben var sterkt bidratt til arbeidet til Caravaggio. Favoritt-temaene for stilleben var blomster, grønnsaker og frukt, sjømat, kjøkkenutstyr osv. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis, etc.).

Spanske artister foretrakk å begrense seg til et lite sett med objekter og jobbet i et behersket fargevalg. Formene er enkle og edle; de er nøye støpt med chiaroscuro, nesten håndgripelige, komposisjonen er strengt balansert (F. Zurbaran. "Still life with appelsiner og sitroner", 1633; A. Pereda. "Still life with a clock").

På 1800-tallet lurertradisjoner har blitt tenkt nytt. Stilleben opplever en oppgang i første etasje. 1800-tallet i arbeidet til F.P. Tolstoj, som tenkte om tradisjonene for "triks" ("Bær av røde og hvite rips", 1818), kunstnere venetiansk skole, I. T. Khrutsky. I dagligdagse gjenstander søkte kunstnere å se skjønnhet og perfeksjon.

På 1700-tallet den franske mester J.-B. FRA. Chardin. Hans malerier, som skildrer enkle, solide redskaper (skåler, en kobbertank), grønnsaker, enkel mat, er fylt med livspust, varmet opp av ildstedets poesi og bekrefter skjønnheten i hverdagen. Chardin malte også allegoriske stilleben (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).

Det er preget av oppmerksomhet til den billedlige utviklingen av lysmiljøet, til variasjonen av teksturer av forskjellige materialer, subtiliteten til tonale forhold og fargeskjema - fra den utsøkt beskjedne fargeleggingen av de "monokrome frokostene" av V. Kheda og P. Klas til de intenst kontrasterende, koloristisk effektive komposisjonene til V. Kalf ("desserter"). Nederlandsk stilleben skiller overfloden av mestere som jobbet i denne sjangeren og variasjonen av typer: i tillegg til "frokost" og "desserter", "fisk" (A. Beyeren), "blomster og frukt" (J. D. de Hem), "banket vilt " (J. Venicke, M. Hondekuter), det allegoriske stilleben "vanitas" ("forfengelighet av forfengelighet"), og andre. alle disse variantene. Det flamske stillebenet (hovedsakelig "markeder", "butikker", "blomster og frukt") utmerker seg ved omfanget av komposisjonene: de er multikomponent, majestetiske og dynamiske; dette er salmer til fruktbarhet og overflod (F. Snyders, J. Feit). På 1600-tallet Tysk (G. Flegel, K. Paudis) og fransk (L. Vozhen) stilleben er også i utvikling. Fra slutten av 1600-tallet i det franske stilleben seiret hoffkunstens dekorative trender. Ved siden av stilleben av blomster (J. B. Monnoyer og hans skole), jakter N. (A. F. Deporte og J. B. Oudry) bare sporadisk prøver. husholdningsstilleben. Men på 1700-tallet i Frankrike, en av de mest betydningsfulle mesterne av stillebenverk - J. B. S. Chardin, hvis verk skiller seg ut for deres spesielle innholdsdybde, komposisjonsfrihet og rikdom av fargeløsninger. Hans bilder av hverdagstingenes verden er av demokratisk natur, intime og humane, som om de varmes opp av ildstedets poesi. På midten av 1700-tallet begrepet "nature morte" oppsto, noe som reflekterte forakten for stilleben fra akademiske sirkler, som foretrakk sjangere hvis område var "levende natur" ( historisk sjanger, portrett osv.). Men avansert kunst ødela det akademiske hierarkiet av sjangere, noe som hindret utviklingen av stilleben. Stillebenets kompositoriske klisjeer ble utlevd, og regelmessighetene til denne billedformen ble revurdert. På 1800-tallet stillebens skjebne bestemmes av maleriets ledende mestere, som arbeider i mange sjangre og involverer stilleben i kampen for estetiske og kunstneriske ideer (F. Goya i Spania, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet og impresjonistene i Frankrike, som tidvis vendte seg til stilleben). Imidlertid 1800-tallet lenge stilte han ikke frem store mestere med spesialisering i denne sjangeren i stilleben. På bakgrunn av et rutinemessig salongstilleben fra 2. halvdel av 1800-tallet. skiller seg ut, generelt, det tradisjonelle arbeidet til franskmannen A. Fantin-Latour og amerikaneren W. Harnet, som gjenopplivet typen "trompel" oeil på en særegen måte. Fremveksten av stilleben er assosiert med fremføringen av post -impresjonistiske mestere, for hvem tingenes verden blir et av hovedtemaene Stillebens uttrykksmuligheter, opp til det dramatiske uttrykket for kunstnerens sosiale og moralske posisjon, er nedfelt i nederlenderen W. vans arbeid. Gogh.et kreativt konsept som hadde stor innflytelse på utviklingen av stilleben (så vel som maleri generelt) i kunsten på 1900-tallet Siden begynnelsen av 1900-tallet har stilleben vært et slags kreativt laboratorium for maleri, som avslører de emosjonelle og dekorative-ekspressive mulighetene til farge og tekstur, og representanter for kubismen (J. Braque, P. Picasso, H. Gris og andre), ved å bruke de analytiske mulighetene som ligger i stillebens spesifikasjoner, søker å etablere nye måter å formidle rom og form på. Stillebens problemer (eller motiv) tiltrekker seg også mestere av senere trender – fra kunstnere som i ulik grad kombinerer orientering mot den klassiske arven med nye oppdagelser innen maleriet (Picasso i Frankrike, A. Kanoldt i Tyskland, G. Morandi i Italia), til representanter for surrealisme og "popart", hvis verk som helhet går utover grensene for den historisk etablerte sjangeren N. De realistiske tradisjonene til N. (ofte med en fremhevet sosial trend) på 1900-tallet er representert ved arbeidet til D. Rivera og D. Siqueiros i Mexico, R. Guttuso i Italia.

Stilleben dukket opp i russisk kunst på 1700-tallet. sammen med bekreftelsen av sekulært maleri, som gjenspeiler tidens kognitive patos og ønsket om å sannferdig og nøyaktig formidle den objektive verden ("triks" av G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, etc.). Videre utvikling Russisk stilleben er episodisk. Det er en viss økning i første halvdel av 1800-tallet. (F. P. Tolstoy, skole til A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) er assosiert med ønsket om å se skjønnhet i det lille og vanlige. I 2. halvdel av 1800-tallet. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan vender seg til stilleben av skisseaktig natur bare av og til; en lignende stilling av stilleben i det kunstneriske systemet til Wanderers fulgte av deres idé om den dominerende rollen til det plottematiske bildet. Stillebenstudiets selvstendige betydning øker ved overgangen til 1800- og 1900-tallet. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Storhetstiden til russisk stilleben faller på begynnelsen av 1900-tallet. Til hans de beste eksemplene inkluderer: impresjonistiske i sin opprinnelse, men annerledes beriket med nye kunstneriske trender, verkene til K. A. Korovin, I. E. Grabar, M. F. Larionov; verkene til kunstnere fra "Kunstens verden" (A. Ya. Golovin og andre) leker subtilt med tingenes historiske og hverdagslige karakter: romantiserte, forhøyede og skarpt dekorative bilder av P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin , M. S. Saryan og andre malere av "Blue Rose"-sirkelen; lyse, plastiske N.-mestere av "Jack of Diamonds" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova) med deres kult av enheten av farge og form og patosen til patosen veldig prosess med å tolke naturen[...] 2 .

På 17-18 århundrer. i Nord-Europa, stilleben okkupert viktig sted. Rommet i huset var organisert rundt ham, han ble "løst", "lekt" med ham. Stilleben tok mest Aktiv deltakelse midt i den utsøkte hverdagskulturen av barokk, rokokko og til og med klassisisme. Og bare med avgangen av den "galante alderen" blir stillebens rolle i hverdagen mer og mer dekorativ og dekorativ.

I forhold til maleri spilte mange emblembøker en slags rolle som en ordbok, som symboler ble rikelig hentet fra. Etter den emblematiske kunsten oppstår altså kunsten å skildre enkle, hverdagslige ting, utstyrt med en annen, sublim mening. Stillebenskunst dukker opp. Den mest ekstreme realismen er her naturlig kombinert med den mest ekstreme allegori, allegori. Og jo mer realistiske objektene er avbildet, jo mer interessant er deres semantiske gåte for betrakteren. Noen ganger kan du høre en mening om noe "søppel" som de nederlandske stillebenmesterne på 1600- og 1700-tallet "dradde" inn i maleriene sine. Men det er ikke "søppel" i det hele tatt. Den symbolske visjonen om hverdagslige gjenstander, slett ikke tilfeldig samlet, får oss til å snakke om høykultur forståelse av livet i Nederland, revet i stykker av religiøse og ideologiske tvister.

På 1600-tallet var det mange stillebenmestere i Nederland. Men hvis maleriene til de nederlandske og flamske mestrene helt i begynnelsen av århundret hadde mer til felles, ble originaliteten skissert på slutten av århundret. Kunstverk nederlandske kunstnere mer behersket, justert i fargen, de merkbart nøye oppmerksomhet til detaljene, til hver eneste ting. Flamske verk er mer dynamiske, lyse og objektene i dem utgjør en kompleks komposisjon. Og dette er ikke en «død natur» i det hele tatt, men et sydende liv.

Det er også ulike sentre for stilleben i Nederland. I næringslivet, borgerlige Haarlem, ble "frokoster" født, i aristokratiske Utrecht, som lenge har vært kjent for å dyrke blomster, - blomsterbuketter, i havnen i Haag - rikelig med fiskekomposisjoner, i Leiden (universitetscampus) - "vitenskapelig" stilleben (de såkalte "Vanitas", dedikert til livets skrøpelighet).

I disse merkelige bildene utgjorde gjenstander fjernet fra det virkelige omgivelsesrommet sin egen uvanlige og sterkt symboliserte verden. Og i verden at det ikke finnes tilfeldige objekter. Tilbake i andre halvdel av 1500-tallet i Praha, ved hoffet til keiser Rudolf II, som var lidenskapelig glad i kunst, oppsto et samfunn kalt "sirkelen av Rudolphians". Det inkluderte forskere og astrologer, alkymister, kunstnere og poeter. Det høyeste målet her ble ansett som kunnskapen om universet, dets grunnleggende lover, de evige forbindelsene mellom verden og mennesket. Svært snart blir dette samfunnet sentrum for en ny kunstnerisk retning - "manerisme". For «Rudolphierne» er det ingen «ubetydelige» gjenstander eller fenomener. Forløpet til planetene er også viktig, og flukten til en fugl, og bevegelsen av bakterier under et mikroskop (da bare åpen), og veksten av enkelt åkergress. Og det er kunstneren som må slå alt dette sammen i en enkelt harmoni på lerretet sitt.

Men siden selve objektet, dets form, funksjoner inneholder dens betydning, er det nødvendig å formidle objektet på lerretet med stor forsiktighet. Dette er hvordan "bedrag" naturlig kommer inn i maleriet - en illusjon av et sannferdig bilde av en gjenstand (vanligvis et insekt eller en dråpe vann), som på slutten av 1700-tallet degenererte til et enkelt magisk triks.

Samtidig var selv det nøyaktige bildet av objektet ikke entydig. Tvert imot, ting, bevisst ekskludert fra det kjente miljøet, viste en helt annen, og ofte motsatt, mening. Så for eksempel ble stilleben med dyrebare redskaper og utsøkte retter, som samtidige refererte til som "luksuriøse", oftere "lest" av dem som en oppfordring til å forlate utskeielser.

Hvis vi sammenligner den symbolske, fylt med lunefulle betydninger, stillebenkunst med litteratur, så av alle litterære sjangere, kanskje den mest passende lyrisk poesi. Ikke uten grunn er det poesi som allerede forbindes med emblematikk. Og det er ikke for ingenting at det, parallelt med blomstringen av stilleben, er lyrisk poesi som opplever sin fremgang i Nederland på 1600-tallet (dette er spesielt tydelig når man sammenligner stilleben med den såkalte "poesi for anledningen", hvor små detaljer om livet ble beskrevet i detalj). Og akkurat som det er umulig å beskrive et lyrisk dikt helt rasjonelt, så er det ikke ett mer eller mindre Detaljert beskrivelse symbolikk av et bestemt stilleben. Seeren tilbys et spill - basert på objektets virkelige egenskaper, gjett det symbolsk betydning i en komposisjon komponert av kunstneren.

Noen ganger hjalp artisten imidlertid betrakteren. Så i maleriet av Aartsen «Slakterbutikken» (1551) er det i forgrunnen et bord full av ulike varianter av kjøtt, fisk og pølser. I bakgrunnen, i selve dypet, er det en scene for flukt til Egypt - flukt fra all denne rikdommen, som bringer uunngåelig død.

Ofte tok kunstneren direkte med tekst i bildet. Dette ble absolutt gjort i de lærde leidens stilleben «Vanitas» (latinsk «tomhet, nytteløshet, unyttighet, falskhet, tomhet»). Sitater fra Bibelen eller fra eldgamle forfattere viet til temaet "forfengelighetens forfengelighet" har blitt vanlig her: "Alt kjød er gress, og all dets skjønnhet er som markens blomst" (fra profeten Jesajas bok) , "Menneskets dager er som gress, som blomsten på marken, så den blomstrer" (fra Salmen), "Når du har gått forbi rosen, se ikke lenger etter den" (fra Horace). Teksten ble plassert enten i en vakker kartusj, eller var nøye skrevet ut på et lurvete ark (antikken ble synonymt med autentisitet), eller plassert på en åpen side i et gammelt bind, eller var tittelen på en bok, ettersom den ble kastet ved et uhell.

Og hver gjenstand i bildet tilsvarer teksten: en rose, markens blomster, insekter - det tradisjonelle symbolet på en kort menneskelig eksistens, og sommerfugler og øyenstikkere er et symbol på sjelens frelse. Etter hvert ble spesielt betydningsfulle gjenstander valgt ut til slike stilleben. Timeglass minnet om livets forgjengelighet, blomsterbuketter - av visnende og forbigående, rykende lamper, piper - av kort varighet, og kongelige regalier - om alle rikdommene du ikke vil ta med deg til et annet liv. Den menneskelige hodeskallen skilte seg spesielt ut - et levende symbol på skrøpelige, tomme (eller halvfulle) glassbeger, som betydde skjørheten til menneskelig eksistens, og en stearinlys - et symbol på utdødd liv.

Ofte i stillebenene til "Vanitas" er det "tilfeldige" plasseringer av gamle bøker (allerede svunnen tid), måleinstrumenter (ikke lenger nødvendig), fløyter og fioliner ("lyden deres er så vakker og flyktig"). I franske stilleben dukker karakterer opp når de blåser såpebobler – menneskelivet sammenlignes med de tynneste og mest utro boblene. Og i England, etter 1649, er det i mange "Vanitas" portretter av den henrettede Charles I Stuart - slutten av denne kongen bekreftet bare ideen om skrøpeligheten til jordisk lykke og usikkerheten til jordisk makt.

Svært ofte tjener blomster og urter som et symbol på skrøpelighet. Spesielt hvis blomstene og urtene er ville. Plassert på bakgrunn av en tom vindusåpning understreker de håpløsheten ytterligere. Noen ganger blir bladene på blomstene spist bort av insekter, og tomme skall eller nøtter er spredt i nærheten.

Egentlig ble blomsterstilleben delt inn i "guirlander" og "buketter". Spesielt vanskelig å forstå er "guirlandene". I sjangeren "kranser" skrev kjente mestere - J. Brueghel Velvet, D. Segers, Ya.D. de Heem. Far D. Seghers, en munk av jesuittordenen, fikk særlig berømmelse på dette feltet. Som et tegn på beundring for hans dyktighet ga kronede europeiske personer ham dyre gaver - et gyldent kors med allegoriske figurer laget av emalje, gyldne bein og en gylden palett, etc. Poetene dedikerte dikt til blomstene han malte.

Kransen viklet rundt det sentrale bildet (og det kan være veldig annerledes, oftest var det et portrett laget av andre mestere) lignet det velkjente symbolet på evigheten - en slange pakket rundt en bevinget klokke. Derfor hadde slike komposisjoner en glorifiserende betydning. Hvite liljer og brødører ble vevd inn i selve kransen, tradisjonelt assosiert med Kristus eller Maria og snakket om renheten til de herliggjorte. I tillegg symboliserte mye her årstidene: blomster - vår, aks og frukt - sommer, druer og grønnsaker - høst, sitroner - vinter ("alt forandrer seg, bare et godt minne forblir uendret").

Blomsterspråket, lånt av renessansen fra middelalderens symbolikk, var forståelig for nesten enhver utdannet aristokrat på 1600-tallet. Og derfor ble kransene lett "lest" av publikum. Snøklokker, appelsin, roser, iris ble viet til Guds mor; hennes appell til Kristus ble symbolisert av tulipaner; en tistelgren - Kristi lidenskap; den himmelske kjærlighetens triumf ble ofte uttrykt av narsissisten.

Guirlander er pakket rundt ikke bare portretter. Ofte er dette klokker, en eukaristisk kalk, glass vin og til og med en kartusj med tekst. Noen ganger legges en liten krans direkte i begeret. Denne komposisjonen går tilbake til et av de berømte emblemene: en beger med en bred bolle fylt med vin, der en blomsterkrans flyter. Inskripsjonen lød: "Hva tenker du om skjebnen til dødelige?" Så den høytidelige kransen i sin betydning var forbundet med "Vanitas".

Stilleben i form av buketter (i en vase, mugge eller bare på bordet) var vanligvis sammensatt av tre typer. Og hovedfokuset i bildet falt på ulike objekter. I en radiell komposisjon (blomsterstilker viftet ut fra ett punkt), blir bildet av en blomst plassert ved konvergensen av stilkene det viktigste. Komposisjoner av den andre typen, som et teppe, fyller hele rommet på lerretet. Deretter bygges et vertikalt hierarki av farger og deres betydninger. Den tredje varianten er kompositorisk innebygd i figuren til en trekant. Her fungerer den mest betydningsfulle blomsten som den sentrale aksen, og resten av blomstene er gruppert symmetrisk rundt den. Imidlertid brytes streng symmetri snart og blir en favoritt, utviklet av Ya.D. de Heem S-formet bukett med grasiøse krøller, i påvente av rokokkostilen.

Det er til og med et særegent ikonografisk opplegg med en klar inndeling i romlige soner. Nedenfor, nær vasen, er tegn på skrøpelighet vanligvis plassert - ødelagte eller visne blomster, smuldrende kronblader, tomme skjell, larver, fluer; i sentrum - symboler på beskjedenhet og renhet (middels moderasjon), omgitt av frodige kortlivede blomster (liljer i dalen, fioler, forglemmegei, cyclamens omgitt av roser, nelliker, anemoner, etc.); komposisjonen er kronet med en stor blomst, ofte med en positiv betydning, en slags dydskrone (og til og med omgitt av sommerfugler og øyenstikkere). Samtidig ble selve vasen sammenlignet med et skjørt kar, men det kunne også ha en tolkning av kroppen som «et vederstyggelighets og syndens kar».

Tallrike glass-, krystall- og til og med leirekar, med og uten blomster, ble oppfattet som noe skjørt, upålitelig, klart til å gå i stykker. Dyre fartøyer understreket bare denne følelsen, og hadde en ekstra følelse av rikdommens nytteløshet. Innholdet i karene ble tolket på forskjellige måter. Vann er temaet for dåpen, rensing, vin er temaet for nattverd. Vin, spesielt uferdig vin, kunne imidlertid symbolisere et liv som ikke ble levd fullt ut, og resten av ubrukelig luksus.

Nesten alltid ble blomsterstilleben supplert med gjenstander spredt på bordet. Oftest er dette tomme skall - et tegn på tomme kjødelige gleder. Fruktene av en sitron, som er vakker på utsiden, men syrlig på innsiden. Egget er et tradisjonelt tegn på oppstandelsen. Den sprengende granateplefrukten er et symbol på fruktbarhet, Kristus og hans soningsoffer. Jordbær er et tegn på verdslig nytelse og fristelse. Og alt dette sammen (blomster, kar, gjenstander) tjente en enkelt idé.

På midten av 1600-tallet ble stilleben som skildrer krypdyr og amfibier spesielt utbredt. Deres tilstedeværelse i stillebenet tilbakeviser dens betydning som "død natur". Det nederlandske navnet passer heller her - "stilleven" ("stille, ubevegelig liv").

Oftere enn andre var de italienske malere. Men nederlenderne har også øgler og slanger som kryper i det harde gresset. Dette er slett ikke malerens forkjærlighet for krypdyr. Det er bare at slangen lenge har vært et symbol på svik og ondskap, og gresset har vært en skjør menneskelig eksistens. Samtidig ble attraktive bær ofte plassert i gresset - "glede er full av ondskap." Mus, frosker, pinnsvin ble også ansett som djevelske dyr og ble ofte avbildet i stedet for en slange. Et yndet dyrisk plott var bildet av en slange som grep en sommerfugl. Slik fortærer ondskapen alt håp om frelse.

De fleste av representantene for stillebenfaunaen er insekter. Av stor betydning her er den tradisjonelle ideen om de tre stadiene av væren (jordisk eksistens, død, livet etter døden sjeler). Den mest slående utførelsen av disse ideene i stilleben var bildet av en larve, en puppe og en sommerfugl. Så bildet av en sommerfugl, klar til å fly opp fra skallet, "leses" utvetydig som "en sjel som forlater en dødelig kropp". Den samme antinomien på liv og død ble avbildet av en sommerfugl ved siden av en larve eller snegle. En flue eller en edderkopp ble ansett som et symbol på ondskap, død, synd, gjerrighet. Derfor er en flue som sitter på et eple eller fersken tradisjonelt forbundet med høstens tema.

Av de større dyrene symboliserte for eksempel ekorn hardt arbeid, uten hvilket jordiske goder er umulige. Men noen ganger kan hun også representere lettsindighet. Haren er "et tegn på hørsel, følsomhet, overflod, engstelighet, sjenanse, frykt." Kreps eller hummer er verdens omskiftelser, men også visdom, klokskap, langsomhet. Ofte er det et bilde av en papegøye. I motsetning til populær tro ble denne fuglen i middelalderen sammenlignet med de rettferdige og symboliserte veltalenhet, takknemlighet eller representerte en troende. Apen ble på sin side oppfattet som et dyr som etterligner menneskelige handlinger og symboliserer ulike laster, en synder og til og med djevelen selv. Hun, bundet eller lenket, er en avhengighet av laster og verdslige anliggender. Hvis apen så seg i speilet, ble det oppfattet som et bilde på forfengelighet.

Ofte kommer en katt inn i stillebensverdenen. Per positive egenskaper dette dyret - fingerferdighet og ønske om frihet - det ble ofte dedikert til Guds mor (spesielt med en stripe i form av et kors på baksiden). Men vanligvis var dette dyret assosiert med mørke krefter, magi. Allerede i middelalderen symboliserte katten djevelen, og musen - sjelen, konstant utsatt for fare. I moderne tid var en katt, spesielt når den plukket opp et stort stykke kjøtt med klørne, en jevn påminnelse om kjødelige nytelser. Det er derfor så karakteristiske (spesielt for Snyders og skolen hans) er bildene av katter som blir gale ved synet av et bord strødd med fisk og vilt. Hunden, tvert imot, som antipoden til katten, er en trofast vakt som prøver å drive det tyvende dyret bort fra det overdådige bordet.

Tallrike gull- og sølvgjenstander (vaser, kopper, dekorative gjenstander), samt maktsymboler (kongekroner, septre), hører utvilsomt til dødskretsen i stilleben. Kunstnerens oppriktige beundring for utsøkte rariteter er perfekt kombinert med moralisering. Noen ganger, spesielt i sene stilleben, kommer også små skulpturer inn i synet på maleren. Dette er utvilsomt feltet for mytologiske karakterer. Satyren bøyde seg under tyngden av klokken - tiden, og erobret den djevelske, kjødelige begynnelsen i mennesket; unshoeing Mercury - trygghet fra forgjeves jordiske bekymringer, etc. 3 .