Ilya Kabkov: tranh vẽ và mô tả của chúng. Nghệ sĩ Ilya Iosifovich Kabkov

Ilya Kabkov sinh năm 1933 tại Dnepropetrovsk. Mẹ là kế toán, bố là thợ cơ khí. Năm 1941, cùng với mẹ, ông di tản đến Uzbek Samarkand, nơi Viện Hội họa, Điêu khắc và Kiến trúc Leningrad tạm thời được chuyển đến. Repina. Năm 1943, Ilya được chuyển đến trường nghệ thuật dưới sự chỉ đạo của Repinsky ở Samarkand, và năm 1945 - đến Trường Nghệ thuật Mátxcơva: Trường Nghệ thuật Trung học Mátxcơva trên Krymsky Val, nay là trung tâm nghệ thuật của Học viện Nghệ thuật Nga. Khi không đăng ký ở Moscow, Kabkov sống trong ký túc xá, còn mẹ anh sống trong điều kiện khó tin nhất: trong nhà vệ sinh của trường, trong góc phòng, trong chuồng trại. Sau khi tốt nghiệp Trường Nghệ thuật Mátxcơva năm 1951, Kabkov vào Học viện Surikov trong xưởng sách của nghệ sĩ trưởng nhà xuất bản “Detgiz” (từ năm 1963 – “Văn học thiếu nhi”), Giáo sư Boris Aleksandrovich Dekhterev. Ngay cả trước khi tốt nghiệp học viện vào năm 1957, Kabkov đã bắt đầu làm họa sĩ minh họa tại Detgiz và cho các tạp chí Funny Pictures và Murzilka. Sau đó, Kabkov kể về cảm giác sợ hãi thường xuyên bị áp bức, đã thấm nhuần vào anh khi còn là một đứa trẻ, trong ký túc xá và cảm nhận sâu sắc sau đó. Anh ấy nói rằng anh ấy thậm chí còn không có thời gian để hình thành, trở thành chính mình, và nỗi sợ hãi đã có sẵn, nỗi sợ không đạt được tiêu chuẩn, đúng đắn, mong đợi. Anh cảm nhận rõ ràng sự chia rẽ giữa bản thân - yếu đuối, không đủ hấp dẫn, không có tài năng - và những phản ứng tự động được rèn luyện trước những yêu cầu bên ngoài. Tôi cảm nhận rõ ràng sự mâu thuẫn của mình với những kỳ vọng của xã hội cũng như với những kỳ vọng nghề nghiệp. Từng được đào tạo thành một họa sĩ, Kabkov thừa nhận rằng ông hoàn toàn không có cảm nhận về màu sắc và có thể hiểu nhưng không hành động một cách tự phát. Anh ấy đã thay thế sự thiếu cảm giác bằng sự rèn luyện và kiến ​​thức. Chỉ có sự thật này phải được giấu kín, luôn luôn được giấu kín. Cả đời, anh coi mình là kẻ bỏ học, nói rằng anh vào trường nghệ thuật vào thời điểm nó đang ở độ sâu, nhiều người dạy vì phải làm vậy, thường xuyên say xỉn và không cố gắng phát triển bất cứ ai về bất cứ điều gì. Do đó, không an toàn và có liên quan cực kỳ tiêu cực đến bộ máy nhà nước, đến toàn xã hội Liên Xô, Kabkov bước vào thế giới chuyên nghiệp. Trong studio của Ilya Kabkov trên Đại lộ Sretensky, Ảnh: Igor Palmin

Bắt đầu từ cuối những năm 50 và trong 30 năm tiếp theo, Kabkov đã tham gia vẽ tranh minh họa cho trẻ em. Đây là lĩnh vực dễ dàng nhất theo quan điểm kiểm duyệt; điều quan trọng nhất là phải “được đào tạo”, vẽ chính xác theo cách mà người biên tập nghệ thuật muốn, học, như chính nghệ sĩ nói, để nhìn qua con mắt của người khác. biên tập viên. Kabkov hòa nhập vào hệ thống, trở thành thành viên của Hội Nghệ sĩ và trong 2-3 tháng, anh đã viết được 3 cuốn sách, cung cấp tài chính cho bản thân và gia đình trong một năm. Hơn nữa, chất liệu văn học càng yếu thì càng ít hối hận. Như chính anh ấy nói, anh ấy không yêu thích minh họa và coi nó như một cách tối thiểu và đầy đủ để tồn tại trong một hệ thống mà anh ấy thấy không có lý do gì để phản đối - đối với anh ấy, nó trông có vẻ vĩnh cửu. Tuy nhiên, nguyên tắc này - bề ngoài nói bằng ngôn ngữ tầm thường, được chấp nhận rộng rãi, nhưng đồng thời tạo nên ý nghĩa của riêng bạn và sống trong thế giới cá nhân của riêng bạn - trở thành nền tảng cho tác phẩm của Kabkov.

Minh họa cho cuốn sách “Ngôi nhà mà Jack xây” của S. Marshak", 1967, bộ sưu tập của Bảo tàng ART4

Năm 1957, Lễ hội Thanh niên và Sinh viên Thế giới được tổ chức tại Moscow, một số lượng lớn người nước ngoài tươi sáng, vui vẻ, bao gồm cả các nghệ sĩ, đã đến Moscow, các cuộc triển lãm chung và một studio nghệ thuật quốc tế đã được tổ chức. Năm 1959, Triển lãm Hoa Kỳ diễn ra ở Sokolniki. Album và sách về nghệ thuật đương đại đang tìm đường vào đất nước này. Các nghệ sĩ Liên Xô ngầm đang bị kích động.

Nghệ thuật không chính thức

Trong thời kỳ này, Ilya Kabkov bắt đầu hoạt động nghệ thuật không chính thức. Anh là thành viên của “Câu lạc bộ những người theo chủ nghĩa siêu thực”, do Hulot Sooster và Yuri Sobolev (biên tập nghệ thuật của nhà xuất bản Znanie) đứng đầu, Yuri Pivovarov và Vladimir Yankilevsky cũng là thành viên của nhóm này. Trong một xưởng dưới mái nhà của công ty bảo hiểm Rossiya trước đây trên Quảng trường Turgenevskaya, Sooster, người thông qua các kênh tiếng Estonia đã tiếp cận với di sản ít được biết đến của chủ nghĩa siêu thực ở Liên Xô, vẽ những bụi cây bách xù, cá, phát minh ra những câu chuyện ngụ ngôn và rút ra những hệ thống biểu tượng phức tạp từ những giấc mơ của mình. Như Kabkov nói - và việc xác định sự tương ứng giữa những câu chuyện của ông với hiện thực lịch sử là rất khó và không hề cần thiết - trong những năm đầu tiên sau đại học, ông cố gắng vẽ một bức tranh “tuyệt đối”, một “kiệt tác”, một tác phẩm nghệ thuật đẹp và hoàn hảo. - và sau một thời gian, anh ấy hoàn toàn từ bỏ ý tưởng này. Trong thời kỳ này, một cụm xưởng đã được hình thành ở khu vực Chistye Prudy, nơi trở thành nơi giao lưu giữa các nghệ sĩ, nhà thơ, những người làm sân khấu và điện ảnh cũng như tổ chức các cuộc triển lãm không chính thức. Giám đốc bảo tàng, người nước ngoài và nhân viên các cơ quan ngoại giao đến đây khá tự do, đặc biệt coi trọng việc liên hệ với các nhà hoạt động cánh tả từ các quốc gia khác - vì Liên Xô không thể xúc phạm họ vì lý do chính trị. Tất cả điều này xảy ra hoàn toàn không chính thức, không được xã hội hoặc KGB hoan nghênh, nhưng cũng không cảm nhận được sự kiểm soát chặt chẽ. Năm 1962, tại một cuộc triển lãm ở Manege, Khrushchev gọi các nghệ sĩ hiện thực phi xã hội chủ nghĩa là “những kẻ đi bộ” và xác định thái độ chính thức đối với họ; sự “tan băng” sắp kết thúc. Tuy nhiên, vào năm 1965, tác phẩm của các thành viên chính của Câu lạc bộ Siêu thực đã được đưa vào triển lãm lớn “Thực tế thay thế II” ở Ý, nơi cả Hockney và Magritte đều được trưng bày và được phân bổ trong danh mục thành các danh mục khác nhau. Sooster kết thúc trong “Phép thuật biểu tượng”, Sobolev và Yankilevsky - trong “Quan điểm nhìn xa trông rộng”, Kabkov - trong “Fiction and Irony”. Sau đó, Kabkov bắt đầu được triển lãm ở nước ngoài với tư cách là một nghệ sĩ Liên Xô không chính thức - ở Venice, London, Cologne.

Người ta tin rằng vào đầu những năm 70, Vitaly Komar và Alexander Melamid đã nghĩ ra một cách hành động mới để đáp ứng nhu cầu bắt chước bên ngoài, bắt buộc đối với các nghệ sĩ không chính thức: họ bắt đầu làm việc thay mặt cho các nghệ sĩ được phát minh - nhà trừu tượng thế kỷ 18 Apelles Zyablov, nhà hiện thực đầu thế kỷ 20 Nikolai Buchumov, “Những nghệ sĩ nổi tiếng đầu thập niên 70 của thế kỷ XX” hay pha trộn nhiều phong cách từ các thời kỳ khác nhau. Kabkov áp dụng chiến lược nhân vật từ Komar và Melamid và phát triển nó. Ông là người đầu tiên hiểu được đặc điểm về mặt lý thuyết. Trong văn bản “Nhân vật nghệ sĩ”, viết năm 1985, Kabkov nhấn mạnh sự bất khả thi của sự sáng tạo trực tiếp, ngay lập tức, một mặt, trước sự thống trị của nghệ thuật chính thức của Liên Xô và mặt khác, trong tình trạng thiếu vắng đời sống nghệ thuật. - triển lãm, khán giả, phê bình - dành cho các nghệ sĩ không chính thức. Và chính họ buộc phải sáng tạo ra một thế giới nghệ thuật cho riêng mình, nhưng hóa ra nó lại đóng băng, vô hồn, vĩnh cửu - suy cho cùng thì không có đời sống nghệ thuật hiện tại. Trong thế giới ảo tưởng, người nghệ sĩ thấy mình ở trong toàn bộ lịch sử nghệ thuật, và khả năng sáng tạo của chính anh ta chủ yếu bị tách biệt khỏi nó trong khoảng thời gian đáng kinh ngạc này. Mức độ phản ánh theo yêu cầu của bức tranh toàn cảnh về lịch sử đang được khảo sát không để lại cơ hội chỉ đơn giản là chụp và vẽ một bức tranh. Chúng ta cần một nhân vật nghệ sĩ, riêng biệt, có tiểu sử và tính cách riêng; chính anh ta sẽ tạo ra nghệ thuật theo nhu cầu nội tâm của mình. Nghĩa là, nghệ sĩ tưởng tượng là một loại công cụ để thích ứng với hoàn cảnh nghệ thuật Xô Viết.

Chủ nghĩa khái niệm Mátxcơva

A. Aksinin và I. Kabkov trong xưởng của Kabkov trên Đại lộ Sretensky. Mátxcơva, tháng 9 năm 1979

Từ năm 1970-76, Kabkov đã tạo ra 55 album đồ họa về “10 nhân vật” (“Flying Komarov”, “Looking Arkhipov”, “Toán học Gorsky”, “Những giấc mơ của Anna Petrovna”, “Tra tấn Surikov”, v.v.). Mỗi thư mục màu đen chứa từ 30 đến 100 tờ minh họa quan điểm hoặc trực tiếp quan điểm của nhân vật chính và nhận xét của những người tham gia khác trong sự kiện. Thông thường những "album" này được gọi là truyện tranh khái niệm. Việc xem các album thư mục này là trong môi trường gia đình, tác giả sẽ đọc thuộc lòng và cho các đồng tu tập hợp xem các câu chuyện. Trong “10 nhân vật” Kabkov chỉ ra những cách khác nhau để vượt qua hiện thực; trên thực tế, đây là chủ đề chính trong tác phẩm của ông. Sau này kể cho Boris Groys về sự buồn chán khủng khiếp của cuộc sống và sự buồn chán tương tự của nghệ thuật, Kabkov nói về khoảnh khắc kỳ diệu khi một vật thể nhàm chán, chỉ đơn giản là nhờ anh, Kabkov, đột nhiên biến thành vĩnh cửu - nó trở thành nghệ thuật. Bạn chỉ cần tìm ra cách - và khoảnh khắc này khiến anh ấy vô cùng phấn khích. Sau đó, vào giữa những năm 70, Kabkov bắt đầu thực hiện các “album” về đời sống cộng đồng và văn phòng nhà ở. Kabkov coi căn hộ chung cư mà ông biết rõ từ tiểu sử của chính mình là tinh hoa của thời Xô Viết: nơi mà người ta không thể sống nhưng cũng không thể trốn thoát.

Năm 1979, Boris Groys, người vừa mới chuyển từ Leningrad đến Moscow, đã viết một văn bản mang tính lập trình “Chủ nghĩa Khái niệm Lãng mạn Moscow”, xác định rằng các nghệ sĩ Nga, thậm chí là những nhà theo chủ nghĩa khái niệm và các nhà phân tích, không thể, không giống như các nghệ sĩ châu Âu và Mỹ, thoát khỏi tâm linh và sự vĩnh hằng. . Groys trích dẫn những phân tích ngắn gọn về hoạt động của 4 nghệ sĩ làm ví dụ; Kabkov không nằm trong số đó, nhưng chẳng bao lâu sau, danh hiệu người cha sáng lập và lãnh đạo của chủ nghĩa khái niệm lãng mạn Moscow, mà ông vẫn được coi là như vậy, đã gắn chặt với ông.

Ilya Kabkov, “Anna Evgenievna Koroleva: Con ruồi này của ai?", 1987, từ bộ sưu tập của Bảo tàng ART4

Ilya Kabkov, Kabkov phản ánh về sự tương tác giữa từ ngữ và hình ảnh như sau: hình ảnh, theo một cách nào đó, là một trường ý thức được ngoại hiện hóa. Để nhận thức được nó, công việc của ý thức là cần thiết. Mặt khác, hình ảnh trong tranh tương tác với việc bức tường nơi nó treo cũng có hình ảnh riêng. Và khi những hình ảnh khác nhau được kết hợp trong một bức tranh, như trường hợp của Kabkov, toàn bộ khung cảnh được quan sát sẽ được chia thành các thành phần đối tượng khác nhau, và bức tranh rơi ra khỏi ý thức và trở thành một vật thể. Nhưng chữ viết được đọc ngay và đi thẳng vào ý thức, vẽ nên toàn bộ bức tranh ở đó. Mặt thứ ba, những từ ngữ mà Kabkov sử dụng trong tranh của mình là lời nói trực tiếp, đời thường, rời rạc. Đây là bài phát biểu mà chúng ta thực sự nghe thấy trong tâm trí của mình. Những người phát âm những từ này - và chúng tôi luôn biết tên và họ của họ - dường như đang đứng gần đó. Vì thế lời nói trở thành vật chất, theo một cách nào đó, trở thành một đối tượng. Hơn nữa, không chỉ về mặt vật lý, mà thậm chí cả “không gian”. Kabkov viết: Một biển giọng nói và lời nói liên tục lắc lư xung quanh mọi người, và nếu bạn bắt chước một đoạn bài phát biểu của ai đó, người nghe thấy nó sẽ bị khuấy động bởi biển lời nói bên trong của mình. Như vậy, sự kết hợp giữa ngôn từ và hình ảnh trong tranh khiến người xem bên ngoài và bên trong bối rối, khiến họ đắm chìm trong những ảo ảnh mạnh mẽ.

Kabkov nghĩ về sự tương tác giữa từ ngữ và hình ảnh: theo cách nào đó, hình ảnh là một trường ý thức được ngoại hiện hóa. Để nhận thức được nó, công việc của ý thức là cần thiết. Mặt khác, hình ảnh trong tranh tương tác với việc bức tường nơi nó treo cũng có hình ảnh riêng. Và khi những hình ảnh khác nhau được kết hợp trong một bức tranh, như trường hợp của Kabkov, toàn bộ khung cảnh được quan sát sẽ được chia thành các thành phần đối tượng khác nhau, và bức tranh rơi ra khỏi ý thức và trở thành một vật thể. Nhưng chữ viết được đọc ngay và đi thẳng vào ý thức, vẽ nên toàn bộ bức tranh ở đó. Mặt thứ ba, những từ ngữ mà Kabkov sử dụng trong tranh của mình là lời nói trực tiếp, đời thường, rời rạc. Đây là bài phát biểu mà chúng ta thực sự nghe thấy trong tâm trí của mình. Những người phát âm những từ này - và chúng tôi luôn biết tên và họ của họ - dường như đang đứng gần đó. Vì thế lời nói trở thành vật chất, theo một cách nào đó, trở thành một đối tượng. Hơn nữa, không chỉ về mặt vật lý, mà thậm chí cả “không gian”. Kabkov viết: Một biển giọng nói và lời nói liên tục lắc lư xung quanh mọi người, và nếu bạn bắt chước một đoạn bài phát biểu của ai đó, người nghe thấy nó sẽ bị khuấy động bởi biển lời nói bên trong của mình. Như vậy, sự kết hợp giữa ngôn từ và hình ảnh trong tranh khiến người xem bên ngoài và bên trong bối rối, khiến họ đắm chìm trong những ảo ảnh mạnh mẽ.

Kabkov gọi tác phẩm của mình bằng từ “che giấu” - khi điều gì đó được nói ra mà không có ý nghĩa gì, đưa vào lĩnh vực nghệ thuật tình hình Xô Viết bằng một từ đã mất hết ý nghĩa, hoặc bằng “dải cấm ngôn luận”. Theo một cách thú vị, Kabkov cũng biến khoảng cách giữa từ ngữ và ý nghĩa này vào chính mình. Anh ấy viết một cách nhiệt tình rằng việc nhìn vào những tác phẩm đã hoàn thành của mình gợi lên trong anh ấy hoạt động tinh thần tích cực nhất trong việc diễn giải chúng. Ở đây, anh ấy gợi ý rằng một số điều anh ấy nghĩ chỉ sau khi bức tranh hoàn thành đã có sẵn trong anh ấy vào thời điểm nó được tạo ra, ngay cả khi một cách vô thức - và do đó, có khả năng, người xem cũng có thể bắt tay vào thực hiện những cách giải thích khác nhau này. Nhưng điều quan trọng là ý định này không được truyền vào bức tranh một cách có ý thức, có nghĩa là ý thức của Kabkov vẫn ở bên ngoài nó, anh ta thoát khỏi nó. Bức ảnh là “tùy chọn” không chỉ đối với người xem mà còn đối với Kabkov.

Tất nhiên, có nhiều cách giải thích khác, trong đó có cả từ chính Kabkov. Ví dụ, trong cuộc trò chuyện với Groys vào năm 1990, Kabkov giải thích các từ trong tranh của mình bằng nỗi sợ hãi đã được đề cập, về nguyên tắc mà ông nói rất nhiều. Đối với chủ đề Xô Viết không có giáo dục, lấy văn học làm trung tâm - vì sợ “không được hiểu đầy đủ và nỗi sợ hãi tột độ về sự thiếu chú ý của người khác” - Kabkov chỉ đơn giản nói ra những gì người nghệ sĩ muốn nói. Anh ta đoán trước và do đó làm tê liệt lời nói của người xem cũng như đánh giá tiêu cực tiềm ẩn của anh ta.

Một sự khởi đầu mới

Vào những năm 1980, một hướng đi mới trong nghệ thuật Kabkov bắt đầu: ông bắt đầu vẽ những bức tranh đầy màu sắc. Văn bản không biến mất khỏi nó mà được biến đổi đáng kể. Bây giờ bức tranh theo trường phái hiện thực-ấn tượng lấp đầy toàn bộ lĩnh vực của bức tranh, và văn bản tồn tại một cách kín đáo ở phía trên, không còn khẳng định tính ưu việt như trước mà chỉ hòa nhập vào thế giới của bức tranh. Có một sự chuyển đổi rõ ràng ở đây - hoàn toàn trùng khớp với một quá trình chuyển đổi tương tự trên khắp thế giới phương Tây - từ chủ nghĩa khái niệm lãng mạn phê phán sang chủ nghĩa hậu hiện đại, sang mối bận tâm với hình ảnh. Cần lưu ý rằng toàn bộ hình ảnh của Liên Xô đã được biến đổi trong thời kỳ này. Perestroika mở ra cánh cửa cho văn hóa đại chúng nước ngoài, truyền hình và tạp chí trở nên đầy màu sắc, và ngôn ngữ giáo huấn về cơ bản tiên phong của báo tường trở nên lỗi thời và không được ưa chuộng. Kabkov, phản ứng với những điều kiện thay đổi, duy trì thái độ mỉa mai đối với họ. Những bức tranh về giới hạn của những giấc mơ hàng ngày của Liên Xô hoặc những bức ảnh minh họa sống động được bình luận bằng những văn bản trống rỗng hoặc giàu cảm xúc, chứng tỏ sự thiếu vắng bất kỳ ý nghĩa nào trong mối quan hệ với thế giới. Các tác phẩm nổi tiếng nhất của chu kỳ này là “Phòng sang trọng” (1981) – quảng cáo về phòng khách sạn, “Gastronom” (1981) – giấc mơ về sự sung túc, “Ngõ” (1982) – công trường xây dựng của Liên Xô cho các đơn vị xã hội mới , “Beetle” (1982 ) – ảnh một con bọ có vần điệu dành cho trẻ mẫu giáo.

Ilya Kabkov, “Phòng sang trọng”,1981

Đầu những năm 1980, Kabkov bắt đầu tạo ra những tác phẩm sắp đặt đầu tiên của mình. Tác phẩm sắp đặt đầu tiên của anh là “Ant” (1993), bìa cuốn sách thiếu nhi “Detgiza” và năm trang viết tay những suy ngẫm của một người về tiềm năng nghệ thuật và trí tuệ của phi nghệ thuật: trang bìa này. Tất nhiên, như Kabkov sau này nói, con kiến ​​này, về mặt ẩn dụ và bản thể học, với tư cách là một loại sinh vật, chính là chính nó. Bức tiếp theo – “Bảy cuộc triển lãm của một bức tranh” – trưng bày 4 bức tranh, mỗi bức được bao quanh bởi nhiều lời bình luận mang tính thư pháp từ nhiều người xem khác nhau. Ở đây Kabkov nhận ra rằng những giọng nói mà anh ấy cũng nói rất nhiều, những giọng nói đó là những đánh giá và thái độ hoàn toàn khác, điều này quan trọng đối với anh ấy hơn những đánh giá và thái độ của những người gần gũi, hiểu biết - bởi vì những giọng nói ngẫu nhiên là văn hóa, nơi Kabkov phấn đấu trở thành một cái tên chung - đây là cách anh ấy định nghĩa tầm ảnh hưởng. Trong tất cả các tác phẩm sắp đặt tiếp theo của ông, luôn có lời nói của người khác, tiếng gầm gừ của người khác, sự cáu kỉnh trước sự có mặt của người khác, tâm trạng của một căn hộ chung cư. Từ năm 1982-1986, ông đã thực hiện tác phẩm nổi tiếng “Người đàn ông bay vào vũ trụ từ căn phòng của mình”. Giải pháp không gian cho phép ẩn dụ chính của Kabkov về cuộc sống Xô Viết cho phép anh làm việc theo một cách mới với những gì anh mô tả là mandala Xô Viết - một không gian khép kín với năng lượng mạnh mẽ của riêng nó, điều khiển mọi thứ xảy ra trong đó. Tất cả các thiết chế xã hội quen thuộc với nhân loại đều tìm thấy hiện thân của mình trong không gian của một căn hộ chung cư.

Ilya Kabkov, pdự án lắp đặt “Red Car”, 1991

Công nhận quốc tế

Năm 1988, cuộc đấu giá Sotheby's đầu tiên ở Moscow đã diễn ra - tác phẩm của các nghệ sĩ không chính thức được đưa ra thị trường mở. Năm 1989, Kabkov kết hôn với Emilia Lekah, người di cư từ Liên Xô vào năm 1975. Kể từ thời điểm này, họ hợp tác làm việc và các tác phẩm của họ được ký tên kép, còn sai hơn khi nói về các tác phẩm của Ilya Kabkov với tư cách là một tác giả cá nhân. Thông thường, vai trò của Emilia được coi là đơn giản hóa trong việc quản lý và tổ chức chính xác, nhưng, thứ nhất, theo lý thuyết của Kabkov, nghệ sĩ-quản lý là loại người không kém phần quan trọng so với những người khác, và thứ hai, họ tích cực khẳng định quyền tác giả song ca nghiêm ngặt của các tác phẩm.

Từ năm 1987, Kabkov, đã 54 tuổi, bắt đầu tích cực hoạt động nghệ thuật và triển lãm ở nước ngoài. Vào thời điểm này, sự quan tâm đến nghệ thuật perestroika ở Châu Âu và Hoa Kỳ đang lên đến đỉnh điểm. Tác phẩm sắp đặt đầu tiên dưới sự tài trợ được thực hiện cho nhà hát opera ở Graz, Áo: “Trước bữa tối”. Các công trình sau đây đang ở New York, Pháp, Đức. Năm 1989, Kabkovs chuyển đến Berlin và không bao giờ quay trở lại Nga. Năm 1992, Ilya và Emilia đã thiết kế bối cảnh cho “vở opera hậu cộng sản đầu tiên” - “Cuộc đời với một kẻ ngốc” của Schnittke dựa trên câu chuyện của Viktor Erofeev - tại Nhà hát Opera Amsterdam. Trong suốt những năm 90, Kabkovs liên tục trưng bày ở Châu Âu và Hoa Kỳ: tại Trung tâm Pompidou ở Paris, tại MoMA ở New York, tại Kunsthalle ở Cologne, tại Trung tâm Nghệ thuật Đương đại Quốc gia ở Oslo, năm 1992 tại Documenta IX ở Kassel , năm 1993 tại Venice Biennale, gia đình Kabkov đã nhận được “Sư tử vàng” cho tác phẩm “Red Pavilion”; năm 1997, gia đình Kabkov đã lắp đặt đối tượng “Tra cứu, đọc từ” cho Skulptur.Projecte ở Münster. Nhiều giải thưởng và danh hiệu Chevalier of the Arts của Pháp theo sau.

Ilya và Emilia Kabkov

Emilia khéo léo xây dựng khía cạnh tiếp thị của hoạt động nghệ thuật. Nó hạn chế số lượng tác phẩm của bộ đôi trên thị trường, trong đó các bảo tàng nghệ thuật đương đại lớn trở thành chủ sở hữu ưu tiên - ngay cả khi họ không có đủ ngân sách để trả theo giá trị thị trường. Kabkovs đáp ứng chính xác nhất có thể với nhu cầu và quy luật của thị trường và nhanh chóng không chỉ trở thành những nghệ sĩ hậu Xô Viết thành công mà còn là những nhân vật nghệ thuật đẳng cấp thế giới. Họ tạo ra một huyền thoại về con người Xô Viết, điều mà cộng đồng nghệ thuật phương Tây có thể hiểu được. Công việc của họ thật ngoạn mục và tuyệt vời cho những địa điểm lớn. Kabkovs trở thành hiện thân cho thế giới quan của một con người Liên Xô đối với người xem Tây Âu và Mỹ bị hấp dẫn và nuôi dưỡng trong một mô hình thẩm mỹ nhất định.

Vào những năm 2000, sự phổ biến của Kabkovs ở Nga bắt đầu. Năm 2003, triển lãm “Ilya Kabkov. Tài liệu ảnh và video về cuộc sống và sự sáng tạo" tại Nhà Nhiếp ảnh Moscow (MAMM), năm 2004 - một cuộc triển lãm lớn về "Mười nhân vật" tại Phòng trưng bày Tretykov và cùng với Emilia, "Một sự cố trong Bảo tàng và các tác phẩm sắp đặt khác" - tại Bộ Tổng tham mưu Hermecca. Người Kabkov tặng 2 tác phẩm sắp đặt cho Hermecca và Mikhail Piotrovsky gọi chúng là sự khởi đầu của bộ sưu tập nghệ thuật đương đại Hermecca. Tiếp theo là cuộc triển lãm gồm 9 tác phẩm sắp đặt từ năm 1994-2004 tại Stella Art Foundation. Vào năm 2006 và 2008, khi nghệ thuật Nga đã lâu chưa gây chấn động quốc tế, nhưng lại có làn sóng tăng giá thứ hai nhờ sự quan tâm bùng nổ của các nhà sưu tập Nga, các bức tranh “Lux Room” (1981) và “Beetle” (1982) đã được bán tại cuộc đấu giá Philips de Pury (London) với số tiền kỷ lục cho các tác phẩm nghệ thuật của Nga.

Ngày nay, Ilya và Emilia Kabkov tiếp tục hoạt động khá tích cực trong hoạt động triển lãm, tác phẩm của họ nằm trong bộ sưu tập của 250 bảo tàng trên khắp thế giới, hơn 50 tác phẩm điêu khắc nằm trong không gian đô thị.

Thật tốt khi trở thành một nhà phê bình nghệ thuật trong thời đại Internet và những biệt danh trừu tượng - sẽ không ai biết tên thật của bạn, bạn không cần phải kiềm chế bản thân, bởi vì mọi thứ đều quá rõ ràng và dễ hiểu - tất cả đều là những kẻ lừa đảo và hack! Ví dụ, nhà khái niệm Ilya Kabkov. Tranh vẽ, đồ họa, sắp đặt - một số thứ không giống bất cứ thứ gì khác trên thế giới, nhưng có giá hàng triệu USD - mọi thứ đều rõ ràng!

Nhưng một số người sành sỏi nên bình tĩnh lại, thà đi xem triển lãm của bậc thầy này còn hơn. Và nếu bạn nhìn bằng đôi mắt thực sự rộng mở, bạn có thể thấy một thế giới tuyệt vời, vô tận, đôi khi đầy hài hước và mỉa mai, đôi khi vang lên nỗi đau đối với những con người đã và đang sống ở đất nước khó hiểu này…

14 năm học

Nhưng trước tiên phải có một thời gian dài nghiên cứu về nghề. Kabkov Ilya Iosifovich sinh ra ở Dnepropetrovsk, trong một gia đình thợ cơ khí và kế toán. Trong chiến tranh, anh và mẹ đến Samarkand, nơi Viện Repin được sơ tán khỏi Leningrad. Ilya bắt đầu học tại trường nghệ thuật dành cho trẻ em tại viện này. Sau chiến tranh, Kabkov được chuyển đến Trường Trung học Nghệ thuật Mátxcơva, từ đó ông tốt nghiệp năm 1951 và vào trường đại học nghệ thuật tốt nhất trong nước - Viện Surikov, khoa đồ họa. Anh chọn chuyên về nghệ thuật sách với Giáo sư Dekhterev.

Trong cuốn hồi ký ngày nay của người thầy đầy sự mỉa mai và bí ẩn, người ta có thể tìm thấy thái độ phù phiếm của ông đối với việc nghiên cứu thiết kế sách dành cho trẻ em, công việc mà ông đảm nhận sau khi tốt nghiệp học viện năm 1957. Anh ta gọi chúng chỉ là một cách để kiếm được thức ăn mà anh ta đã dành một phần nhỏ thời gian và công sức của mình. Các tài liệu in ấn dành cho trẻ em đặc biệt thấm nhuần những khuôn sáo và giáo điều về hệ tư tưởng, và do đó được cho là không thể làm được điều gì thú vị trong đó.

Điều này có vẻ hơi thiếu trung thực: chất lượng sách của nhà xuất bản “Văn học thiếu nhi”, tạp chí “Murzilka”, “Ảnh vui nhộn” được nhiều người nhớ đến một cách thích thú, không chỉ vì nỗi nhớ tuổi tác. Ilya Kabkov là nghệ sĩ đã vẽ tranh minh họa cho các bài thơ của Marshak, truyện cổ tích của Charles Perrault và truyện về Peter Pan. Sự tự do, mới lạ và trí tưởng tượng được thể hiện rõ ràng trong những tác phẩm mang tính chất phi học thuật này. Thiết kế sách khoa học và giáo dục dành cho trẻ em rất thú vị: “Kỳ quan của gỗ” (1960), “Đất sét và bàn tay” (1963), “Đại dương bắt đầu từ một giọt nước” (1966) của E. Mara, “Truyện kể về Gas" (1960), "Điểm khó khăn" (1966).

Hội thảo dưới mái nhà “Nga”

Từ cuối những năm 60, một hiệp hội gồm những nghệ sĩ không theo chủ nghĩa tuân thủ có tên là “Đại lộ Sretensky” đã được thành lập ở Moscow. Nó bao gồm Ilya Kabkov. Những bức tranh của các nghệ sĩ thuộc hiệp hội thân thiện này rất khác so với bức tranh được phê duyệt chính thức.

Cơ hội gặp nhau xuất hiện phần lớn nhờ Kabkov. Làm việc cho các nhà xuất bản mang lại nhiều tiền và người nghệ sĩ có xưởng riêng. Anh ta kể lại câu chuyện thần bí về việc anh ta tìm thấy một căn phòng dưới mái nhà của tòa nhà chung cư Rossiya cũ trên Đại lộ Sretensky và đồng ý với chính quyền về việc trang bị một studio ở đó.

Các tác phẩm của Ilya Kabkov, Hulo Sooster, Erik Bulatov, Oleg Vasiliev và những người khác đã được trưng bày tại các cuộc triển lãm không chính thức ở Moscow và nước ngoài, nhân cách hóa nghệ thuật thay thế của Liên Xô trong thời kỳ tan băng. Nhưng phản ứng gay gắt đối với nghệ thuật trừu tượng của một số “nhà phê bình nghệ thuật” hàng đầu của đất nước đã dẫn đến chiến thắng của riêng chủ nghĩa hiện thực xã hội chủ nghĩa.

Trước khi studio của riêng tôi ra đời, “làm việc cho chính tôi” bao gồm các trang đồ họa theo phong cách và các album khổ nhỏ. Sau đó, những bức tranh khổ lớn hơn bắt đầu xuất hiện: “Đầu có bóng” (1965), “Ống, gậy, bóng và bay” (1966), “Máy tự động và con gà” (1966).

Văn bản như một phương tiện hình ảnh

Ilya Kabkov, người có những bức tranh ngày càng chứa đựng nhiều âm bội triết học, đã trở thành một trong những người đi đầu của những người theo chủ nghĩa khái niệm. Loạt tranh “trắng” khổ lớn - “Berdyansk đang ngủ” (1970), “Một người đàn ông và ngôi nhà nhỏ” (1970) - gợi lên những suy nghĩ về điều kiện cảm nhận bức tranh mới, về sự tương tác giữa người xem và người xem. nghệ sĩ. Những thử nghiệm của nghệ sĩ với việc đưa văn bản vào không gian của bức tranh đóng vai trò là một phong trào theo hướng này. Những tác phẩm đầu tiên như vậy là “Họ ở đâu?” (1970), “Mọi thứ về anh ấy” (1970), “Câu trả lời từ nhóm thử nghiệm” (1970) - thể hiện nhiều đối tượng khác nhau từ đời thực của các chung cư ở Mátxcơva với các nhận xét bằng văn bản, thường là những lời nhại lại có ý nghĩa giả tạo về các hướng dẫn hoặc thông báo chính thức.

Văn bản này sau này cũng được Ilya Kabkov sử dụng. “Phòng sang trọng” (1981) là bức tranh thể hiện quang cảnh một căn phòng khách sạn với hình ảnh quảng cáo về chuyến đi đến các khu nghỉ dưỡng ở Biển Đen.

Các album do Kabkov phát minh, tiền thân của các tác phẩm sắp đặt, cũng là những tác phẩm mang tính khái niệm. Những album như vậy - sự kết hợp giữa điêu khắc, minh họa, văn học, sân khấu - được xây dựng xung quanh một chủ đề hoặc trải nghiệm của nhân vật, được thể hiện thông qua các phương tiện hình ảnh và văn bản. Việc xem các sự kiện quan trọng hoặc vô nghĩa nối tiếp nhau thật thú vị. Nó gây ấn tượng với sự trọn vẹn hoặc cởi mở theo bất kỳ hướng nào về thời gian và không gian.

Ilya Kabkov là một nghệ sĩ đồ họa, họa sĩ minh họa và nhà thiết kế kiểu chữ. Trong những album như vậy, bản chất hoạt động của anh ấy được thể hiện chính xác nhất. Album nổi tiếng nhất là “Mười nhân vật” (1970-74).

Chiến tranh và hoà bình của chung cư

Điều kiện xã hội thời Xô Viết là đối tượng nghiên cứu chính của tác phẩm Kabkov. Ảnh hưởng áp bức của sự thống trị của một hệ tư tưởng được thể hiện trong các tác phẩm như Đã xác minh! (1981) và "Siêu thị" (1981). Cuộc chiến giữa những người hàng xóm trong các căn hộ chung để giành không khí và không gian bổ sung là chủ đề của các sáng tác “nhà ở” “Đổ rác” (1980), “Tối chủ nhật” (1980). Trong “Dòng nhà bếp” cùng thời kỳ, những dụng cụ nhà bếp quen thuộc đều mang một ý nghĩa nghệ thuật cao nhất định, một ý nghĩa văn hóa, thường tách biệt khỏi chức năng.

Rác thải sinh hoạt thông thường cũng mang ý nghĩa như vậy trong tác phẩm sắp đặt tiếp theo “Người đàn ông không bao giờ vứt bỏ bất cứ thứ gì” (1985). Trong đó, người ta cũng có thể thấy các cuộc thảo luận toàn cầu về ý nghĩa hoạt động của con người, về thói quen liều lĩnh tích trữ những gì cần thiết và không cần thiết, hoặc ngược lại, việc xem xét lại lịch sử với việc điều chỉnh quá khứ cho phù hợp với nhu cầu của chính trị hiện đại.

Tổng số lượt cài đặt

Năm 1987, Ilya Iosifovich Kabkov di cư sang phương Tây. Tại đây anh có quyền tiếp cận các không gian triển lãm rộng lớn. “Tổng số sắp đặt” là cái mà Ilya Kabkov gọi là những bức tranh và đồ vật chiếm không gian rộng lớn và được thống nhất bởi một khái niệm chung toàn cầu.

Tác phẩm sắp đặt nổi tiếng nhất là “Người đàn ông bay vào vũ trụ từ căn hộ của mình”, phần lớn tượng trưng cho số phận của chính người nghệ sĩ. Ở trung tâm của một căn phòng nhỏ với những bức tường dán đầy áp phích của Liên Xô, có một thứ gì đó trông giống như súng cao su. Cái lỗ trên trần nhà, những bình luận và vị trí xảy ra vụ việc - mọi thứ đều chứng minh thực tế của một sự kiện phi thường: một nhà phát minh nào đó, sử dụng một máy phóng khéo léo, dùng cơ thể của mình xuyên thủng trần nhà, đi ra ngoài không gian gần trái đất - thi thể không được tìm thấy...

Nếu chỉ nhìn thấy ở một đối tượng như vậy, việc chỉ nói đùa và chế nhạo hệ thống là không chính xác. Cũng giống như trong tác phẩm sắp đặt “Nhà vệ sinh” (1992), người ta chỉ có thể tìm thấy sự tương đồng khó chịu về điều kiện sống thông thường trên cả nước. Đối tượng nghệ thuật này đặc biệt gây ấn tượng với người xem phương Tây, vốn coi sự riêng tư trong không gian sống là nhu cầu tự nhiên của một người bình thường.

“Chiếc ô tô màu đỏ” (1991), “Cây cầu” (1991), “Cuộc đời của những con ruồi” (1992), “Chúng tôi sống ở đây” (1995) - tổng số tác phẩm sắp đặt đã mang lại danh tiếng cho Kabkov. Chúng được trưng bày trong các viện bảo tàng ở Mỹ và Châu Âu, đồng thời được kết hợp thành các triển lãm như “Cung điện của các dự án” (1998, London) và “50 tác phẩm sắp đặt” (2000, Bern) thể hiện tác phẩm của Kabkov như một hiện tượng

Vợ và đồng tác giả

Kabkov thích tô màu cuộc sống bằng những trò lừa bịp. Các nghệ sĩ xuất hiện định kỳ Charles Rosenthal, Igor Spivak và Stepan Koshelev thường có xu hướng phát minh như vậy. Kabkov bắt đầu hợp tác sáng tạo với họ, thậm chí ông còn viết bài về họ theo phong cách của những nhà phê bình nghệ thuật nhàm chán.

Từ năm 1989, họa sĩ đã tìm được một đồng tác giả thực sự - Emilia Lekah. Cô trở thành vợ anh và đảm nhận nhiều vấn đề về tổ chức và tài chính, giúp chủ nhân có nhiều thời gian hơn cho sự sáng tạo. Và những câu hỏi như vậy ngày càng trở nên thường xuyên hơn, bởi vì sự quan tâm đến tác phẩm của Kabkov ngày càng tăng. Một ví dụ về điều này là cuộc đấu giá Phillips de Pury & Company. Năm 2007, lô “Ilya Kabkov. "Thượng hạng". Bức tranh được mua với giá 2 triệu bảng Anh, khiến Kabkov trở thành họa sĩ Nga đương đại đắt giá nhất.

Năm 2008, điều này đã được xác nhận trong phiên đấu giá tiếp theo tại cùng phiên đấu giá. Lô tiếp theo là “Ilya Kabkov, “Beetle” (1982)”, và một kỷ lục khác - 2,93 triệu bảng.

Khả năng gây ngạc nhiên

Việc đếm đô la và bảng Anh là cần thiết - thế giới hiện tại là như vậy. Nhưng tôi muốn ý tưởng tầm thường này tồn tại trong anh ấy, rằng tiền không mua được hạnh phúc. Đó là sự tồn tại của những nghệ sĩ như vậy, trong công việc và tài năng của họ. Nhân loại sẽ bao gồm con người chứ không phải động vật, miễn là nó có khả năng ngạc nhiên và vui vẻ trong nghệ thuật.

Cho đến ngày 17 tháng 11, Bảo tàng Nghệ thuật Đa phương tiện trên Ostozhenka sẽ tổ chức triển lãm “Không tưởng và Hiện thực. El Lissitzky, Ilya và Emilia Kabkov.” Dự án được khởi xướng bởi Bảo tàng Van Abbemuseum người Hà Lan ở Eindhoven và giới thiệu một cuộc triển lãm các tác phẩm của hai nghệ sĩ này, được mang về từ nhiều bảo tàng nổi tiếng trên thế giới và các bộ sưu tập tư nhân. Triển lãm đã được trưng bày tại Van Abb ở Eindhoven, tại Hermecca ở St. Petersburg, và sau Moscow, nó sẽ đến Áo, đến Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại ở Graz.

Không tưởng và hiện thực. Cuộc đối thoại giữa hai nghệ sĩ Nga, hai nhân vật nghệ thuật mang tính biểu tượng của thời đại họ - bậc thầy vĩ đại nhất của trường phái tiên phong Nga đầu thế kỷ 20, nhà không tưởng El Lissitzky và người khổng lồ của chủ nghĩa khái niệm Moscow Ilya Kabkov, người gần đây đang làm việc tại hợp tác với vợ anh là Emilia.

El Lissitzky. Người xây dựng (chân dung tự họa). 1924 Bảo tàng Van Abbemuseum, Eindhoven

Cả hai nghệ sĩ đều nổi tiếng ở Nga, Châu Âu và Mỹ, đều lớn lên ở Nga. Họ chỉ sống ở những thời điểm khác nhau và không bao giờ đi ngang qua nhau. Ý tưởng kết hợp chúng thuộc về Bảo tàng Van Abbemuseum Hà Lan ở Eindhoven, nơi lưu giữ bộ sưu tập lớn nhất các tác phẩm của Lissitzky bên ngoài nước Nga. Các nhà sử học nghệ thuật của bảo tàng nhận thấy những mâu thuẫn rõ ràng trong các tác phẩm của Lissitzky và Kabkov. Công việc của họ dường như tranh cãi với nhau.

Một người dự đoán một tương lai tươi sáng cho con cháu của mình, và người kia, cũng là hậu duệ của mình, đã chẩn đoán kết quả thực tế. Người đầu tiên tin vào việc xây dựng một tương lai cộng sản lý tưởng, trong khi người thứ hai đã đánh mất những giấc mơ như vậy. Hơn nữa, Kabkov không phát minh ra bất cứ thứ gì đặc biệt cho cuộc triển lãm này, các tác phẩm được tìm thấy trong kho lưu trữ rộng lớn của ông. Mọi điều không tưởng tiên phong của Lissitzky đều bị tác phẩm của Kabkov phản đối. Khi Lissitzky tuyên bố “Cuộc sống hàng ngày sẽ bị đánh bại” và mô tả những căn hộ chung cư lý tưởng với nội thất được lắp sẵn ban đầu, nơi cư dân sẽ chuyển đến chỉ với những chiếc vali, vì không cần gì khác, Kabkov phơi bày cuộc sống không thể chịu đựng nổi của những căn hộ chung cư Xô Viết với cuộc sống theo theo một lịch trình, nơi anh ta quy định cả thời gian để sử dụng nhà vệ sinh. “Cuộc sống đã chiến thắng,” anh trả lời.

El Lissitzky. Dự án nội thất. 1927. Phòng trưng bày Bang Tretykov

Ilya Kabkov. Giá treo tranh

Kabkov đáp lại những chiếc ghế gỗ dán của Lisitsky bằng những chiếc tủ bếp tồi tàn, phủ những tấm vải dầu sặc sỡ và chất đầy những dụng cụ nhà bếp tồi tàn.

Lắp đặt ghế do El Lissitzky thiết kế cho triển lãm quốc tế. 1927 Phòng trưng bày Bang Tretyak

Ilya Kabkov. Tại bếp chung. Một phần của quá trình cài đặt. 1991 Phòng trưng bày Regina, Moscow

Sự thuần khiết của các hình thức đại từ và tòa nhà chọc trời nằm ngang bị phản đối bởi các tác phẩm sắp đặt của Ilya Kabkov được làm từ rác thải thông thường.

El Lissitzky. Proun.1922-1923. Bảo tàng Van Abbemuseum, Eindhoven, Hà Lan.

El Lissitzky. Tòa nhà chọc trời nằm ngang ở Cổng Nikitsky. Photomontage, 1925

Dự án một nhà hát lý tưởng là một dự án “vở opera dọc” không tưởng.

Ilya Kabkov. Mô hình "Opera dọc" tại Bảo tàng Guggenheim ở New York.

Mô hình của “Chiến thắng Mặt trời” là mô hình của “Ngôi nhà của giấc ngủ”, sự kết hợp địa ngục giữa lăng mộ và căn phòng số 6.

El Lissitzky. Chiến thắng mặt trời: mọi thứ đều tốt đẹp khi bắt đầu tốt đẹp và không có kết thúc. Áp phích. 1913

El Lissitzky. Phác thảo vở opera “Chiến thắng mặt trời”

Kabkov đáp lại diễn đàn của Lissitzky dành cho nhà lãnh đạo vô sản bằng dự án “Tượng đài bạo chúa”, trong đó nhà lãnh đạo có ria mép bước xuống từ bệ đang cố gắng bắt người khác.

Khi Lissitzky đóng vai trò là người thiết kế một thế giới mới, nơi “các thành phố cộng sản nguyên khối sẽ được xây dựng, nơi mọi người trên toàn hành tinh sẽ sinh sống” (Trực tiếp là anh em với Thành phố Rạng rỡ của mình), Kabkov đã nhìn thấy các nguyên mẫu của doanh trại, xe kéo, nhà thay đồ và doanh trại, từ đó anh ta muốn trốn đến bất cứ nơi nào, bằng mọi cách, thậm chí vào không gian bằng máy phóng. Chỉ để được tự do.

Ilya Kabkov. Phòng vệ sinh. Cài đặt. 1992

Ilya Kabkov. Một người đàn ông bay vào vũ trụ từ căn hộ của mình. 1985 Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại Quốc gia, Trung tâm Georges Pompidou, Paris

Thiên thần của anh xuyên qua trần nhà, phá vỡ tác phẩm sắp đặt với tấm áp phích “Đánh bại người da trắng bằng chiếc nêm đỏ” của Lissitzky và… rơi từ trên cao xuống, vỡ tan.

Đây là cách mà điều không tưởng tự sụp đổ.

Hầu như tất cả các dự án kiến ​​trúc của Lissitzky vẫn chưa được thực hiện. Chỉ có một tòa nhà duy nhất được xây dựng theo thiết kế của ông - đây là nhà in của tạp chí Ogonyok ở ngõ Samotechny số 1 ở Moscow. Tòa nhà hiện được đưa vào Sổ đăng ký Di sản Văn hóa của thành phố.

Những tòa nhà chọc trời nằm ngang nổi tiếng của ông chưa bao giờ xuất hiện trên đường phố Moscow. Nhưng ý tưởng tuyệt vời không chết và theo thời gian, những tòa nhà tương tự xuất hiện ở các thành phố và quốc gia khác. Người theo dõi.

Căn hộ Parkrand ở Amsterdam

Và tất nhiên, đó không phải là tất cả. Có những tòa nhà khác trên khắp thế giới.

El Lissitzky đã làm việc một thời gian với Kazimir Malevich; họ cùng nhau phát triển nền tảng của Chủ nghĩa Siêu việt.

Nghệ sĩ Nga đắt giá nhất. Những bức tranh “Beetle” (bán năm 2008 với giá 5,8 triệu USD) và “Phòng sang trọng” (bán năm 2006 với giá 4,1 triệu USD) đã trở thành những tác phẩm nghệ thuật Nga đắt nhất từng được bán. Bản thân nghệ sĩ tất nhiên sống ở Mỹ.

Ảnh lấy từ Internet

Ilya Iosifovich Kabkov sinh ngày 30 tháng 9 năm 1933 tại Dnepropetrovsk. Mẹ anh, Berta Solodukhina, là một kế toán, còn cha anh, Joseph Kabkov, là một thợ cơ khí. Năm 1941, cùng với mẹ, ông được sơ tán đến Samarkand. Năm 1943, ông được nhận vào Trường Nghệ thuật tại Viện Hội họa, Điêu khắc và Kiến trúc Leningrad mang tên Repin, nơi các giáo viên và học sinh cũng được sơ tán đến Samarkand. Từ đó, Kabkov được chuyển đến Trường Trung học Nghệ thuật Mátxcơva (MSHS) vào năm 1945. Ông tốt nghiệp năm 1951, đồng thời vào khoa đồ họa tại Viện Surikov (Viện Nghệ thuật Hàn lâm Bang Moscow được đặt theo tên của V.I. Surikov), nơi ông học trong xưởng sách của Giáo sư B.A. Dekhtereva. Tốt nghiệp Học viện Kabkov năm 1957.

Từ năm 1956, Ilya Kabkov bắt đầu vẽ minh họa sách cho nhà xuất bản "Detgiz" (từ năm 1963 - "Văn học thiếu nhi") và cho các tạp chí "Malysh", "Murzilka", "Những bức ảnh vui nhộn". Từ nửa sau những năm 1950, ông bắt đầu vẽ tranh “cho chính mình”: ông thử sức mình với những hướng như nghệ thuật trừu tượng và chủ nghĩa siêu thực.

Vào những năm 1960, Kabkov là người tích cực tham gia các triển lãm nghệ thuật bất đồng chính kiến ​​​​ở Liên Xô và nước ngoài.

Năm 1968, Kabkov chuyển đến xưởng vẽ của Hulo Sooster, nơi sau này trở nên nổi tiếng, trên gác mái của tòa nhà chung cư cũ "Nga" trên Đại lộ Sretensky. Cùng năm 1968, ông cùng với Oleg Vasiliev, Erik Bulatov và những người không tuân thủ khác đã tham gia một cuộc triển lãm tại quán cà phê Blue Bird.

Một số tác phẩm của nghệ sĩ đã được đưa vào triển lãm “Thực tế thay thế II” (L'Aquila, Ý) vào năm 1965, và từ đầu những năm 1970, chúng đã được đưa vào các cuộc triển lãm nghệ thuật không chính thức của Liên Xô được tổ chức ở phương Tây: ở Cologne, London, Venice.

Từ năm 1970 đến năm 1976, Kabkov đã vẽ 55 album cho loạt tranh Mười nhân vật. Album đầu tiên là "Flying Komarov". Chu kỳ, mà các nhà báo sau này gọi là “truyện tranh theo chủ nghĩa khái niệm”, được tạo ra đặc biệt để xem tại nhà: đó là một dự án không chính thức, không theo chủ nghĩa tuân thủ.

Vào giữa những năm 1970, Kabkov đã thực hiện một bộ ba bức tranh ý tưởng gồm ba bức tranh sơn dầu màu trắng và bắt đầu một loạt tranh “albs” - những tờ giấy có dòng chữ về chủ đề “cộng đồng”, và từ năm 1978, ông đã phát triển bộ truyện “Zhekovsky” đầy mỉa mai. Năm 1980, ông bắt đầu ít làm việc với đồ họa và tập trung vào các tác phẩm sắp đặt trong đó ông sử dụng rác thải thông thường và mô tả cuộc sống cũng như cuộc sống đời thường của các căn hộ chung cư.

Năm 1982, Kabkov nghĩ ra một trong những tác phẩm sắp đặt nổi tiếng nhất của mình, “Người đàn ông bay vào không gian từ căn phòng của mình”, hoàn thành vào năm 1986. Sau đó, ông bắt đầu gọi những dự án quy mô lớn như vậy là “tổng công trình lắp đặt”.

Tốt nhất trong ngày

Năm 1987, Kabkov nhận được khoản tài trợ nước ngoài đầu tiên - từ hiệp hội Graz Kunstverein của Áo - và xây dựng tác phẩm sắp đặt "Bữa tối" ở Graz. Một năm sau, ông tổ chức buổi "sắp đặt tổng thể" đầu tiên của dự án Mười nhân vật tại Phòng trưng bày Ronald Feldman ở New York và nhận được học bổng từ Bộ Văn hóa Pháp. Năm 1989, Kabkov được DAAD (Dịch vụ trao đổi học thuật Đức) trao học bổng và chuyển đến Berlin. Kể từ đó, ông liên tục làm việc bên ngoài biên giới Liên Xô và sau đó là Nga.

Kể từ đầu những năm 1990, Kabkov đã có hàng chục cuộc triển lãm ở Châu Âu và Châu Mỹ, bao gồm cả các bảo tàng lớn như Trung tâm Paris Pompidou, Trung tâm Nghệ thuật Đương đại Quốc gia Na Uy, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại New York, Cologne Kunsthalle, cũng như tại Venice Biennale và tại triển lãm Documenta ở Kassel.

Những năm 1990 trở thành thời kỳ được công nhận đối với nghệ sĩ: trong thập kỷ này, ông đã nhận được giải thưởng từ các bảo tàng Đan Mạch, Đức và Thụy Sĩ, cũng như danh hiệu Hiệp sĩ Nghệ thuật và Thư từ của Bộ Văn hóa Pháp.

Vào những năm 2000, nghệ sĩ bắt đầu tích cực triển lãm ở Nga. Vì vậy, vào mùa thu năm 2003, Nhà Nhiếp ảnh Moscow đã trưng bày dự án "Ilya Kabkov. Tài liệu ảnh và video về cuộc sống và sự sáng tạo." Vào đầu năm 2004, Phòng trưng bày Tretykov đã tổ chức chương trình triển lãm "Ilya Kabkov. Mười nhân vật".

Vào tháng 6 năm 2004, một cuộc triển lãm của Ilya Kabkov và vợ ông là Emilia (họ đã kết hôn từ năm 1992) “Một sự cố trong Bảo tàng và các công trình sắp đặt khác” đã khai mạc tại Tòa nhà Bộ Tổng tham mưu Hermitage, nơi “đánh dấu sự trở về quê hương của họ”. Đồng thời, các nghệ sĩ đã tặng hai tác phẩm sắp đặt cho bảo tàng, theo Mikhail Piotrovsky, đánh dấu sự khởi đầu của bộ sưu tập nghệ thuật đương đại Hermecca. Vào tháng 12 cùng năm 2004, phòng trưng bày "Stella-Art" ở Moscow đã trưng bày chín tác phẩm sắp đặt của Kabkov, được thực hiện vào năm 1994-2004.

Khi chương trình triển lãm “Nước Nga!” đến Bảo tàng Guggenheim ở New York năm 2006, nó bao gồm tác phẩm sắp đặt “Người đàn ông bay vào vũ trụ” của Kabkov. Sự hiện diện của tác phẩm này trong cùng một không gian với các biểu tượng của Andrei Rublev và Dionysius, các bức tranh của Bryullov, Repin và Malevich cuối cùng đã củng cố vị thế của Kabkov như một trong những nghệ sĩ Liên Xô và Nga quan trọng nhất của thế hệ hậu chiến.

Vào mùa hè năm 2007, tại một cuộc đấu giá ở London tại Phillips de Pury & Company, bức tranh “Phòng sang trọng” của Kabkov đã được mua với giá 2 triệu bảng Anh (khoảng 4 triệu USD). Vì vậy, ông trở thành nghệ sĩ Nga đắt giá nhất nửa sau thế kỷ XX.

Vào tháng 2 năm 2008, tác phẩm "Beetle" (1982) của Kabkov đã được Phillips de Pury & Company bán đấu giá với giá 2,93 triệu bảng Anh (5,84 triệu USD). Vào tháng 4 cùng năm, album "Flying Komarov" đã được bán tại cuộc đấu giá của Sotheby's New York với giá 445 nghìn đô la.

Vào tháng 7 năm 2008, người ta biết về cuộc hồi tưởng lớn nhất của Ilya và Emilia Kabkov đang được chuẩn bị ở Moscow, được thiết kế cho ba địa điểm cùng một lúc: Bảo tàng Mỹ thuật Bang Pushkin, Trung tâm Nghệ thuật Đương đại Winzavod và Trung tâm Nghệ thuật Đương đại Garage mới , sẽ được mở bởi Daria Zhukova với sự hỗ trợ của Roman Abramovich. Có thông tin cho rằng ban đầu cuộc triển lãm được tài trợ bởi Quỹ Mikhail Prokhorov; số tiền dự định cho dự án được đặt tên là - 2 triệu USD. Nhưng vào ngày 5 tháng 6, tổ chức này đã từ chối hỗ trợ triển lãm của Kabkov.

Được biết, Ilya Kabkov từng là thành viên của Hội nghệ sĩ và là thành viên của bộ phận đồ họa sách. Vào tháng 9 năm 2008, Kabkov đã trở thành người đoạt giải Imperiale Imperial Prize Premium của Nhật Bản. Emilia Kabakova cho biết phần tiền của giải thưởng sẽ được chia thành ba phần, một phần dành cho Life Line Foundation để mua thiết bị và điều trị cho trẻ em mắc bệnh tim, phần thứ hai dành cho việc xây dựng thư viện dành cho trẻ em. , và phần thứ ba sẽ được tặng cho viện dưỡng lão.

Kabkov có ba cô con gái.

Ilya Iosifovich sinh năm 1933 tại Dnepropetrovsk. Trong thời chiến, ông và mẹ phải sơ tán đến Leningrad, nơi chuyển Trường Nghệ thuật tại Viện Hội họa Leningrad. Repina. Năm mười tuổi, cậu bé được nhận vào trường này và hai năm sau cậu được chuyển đến Trường Trung học Nghệ thuật Mátxcơva. Sau đó, chàng trai trẻ tốt nghiệp Học viện nghệ thuật Surikov ở Moscow.

Về tính cách và thế giới quan của mình, Kabkov khác hẳn với các nghệ sĩ cổ điển. Trở lại những năm 1960, ông tích cực trưng bày các tác phẩm của mình tại các triển lãm bất đồng chính kiến ​​trong và ngoài nước, sau đó làm việc tại xưởng của Hulo Sooster, nơi nổi tiếng với nghệ thuật không được xã hội công nhận.

Vào những năm 1970, ông bắt đầu thực hiện một số loạt tranh dành riêng cho cuộc sống trong các căn hộ chung cư và văn phòng nhà ở. Và vào những năm 1980, ông bắt đầu quan tâm đến các tác phẩm sắp đặt đang nổi lên trong những năm đó và trở thành người đi đầu trong chủ nghĩa khái niệm của Liên Xô. Việc lắp đặt đã mở ra những góc nhìn mới cho Kabkov. Lần đầu tiên anh nhận được một khoản trợ cấp từ Áo và xây dựng tác phẩm sắp đặt “Trước bữa tối” ở đó, sau đó là học bổng từ Pháp và Đức. Từ năm 1988, nghệ sĩ liên tục hoạt động ở nước ngoài.

Vào những năm 1990, Kabkov đã nhận được sự công nhận trên toàn thế giới. Tác phẩm của ông đã được trưng bày tại nhiều triển lãm ở Châu Âu và Hoa Kỳ. Ở Nga, các cuộc triển lãm cuối cùng được tổ chức vào năm 2004 tại St. Petersburg, vào năm 2012 và 2017 tại Moscow. Vào thế kỷ 21, nghệ sĩ đã nhận được Giải thưởng Oscar Kokoschka của Áo, Giải thưởng Hoàng gia của Nhật Bản, danh hiệu Hiệp sĩ của Huân chương Nghệ thuật và Thư từ Pháp, Huân chương Hữu nghị từ Nga và các giải thưởng khác.

Hiện tại, Ilya Kabkov được coi là nghệ sĩ Nga nổi tiếng nhất ở phương Tây. Các tác phẩm của ông nằm trong các bảo tàng lớn nhất ở Nga và Hoa Kỳ, thường xuyên được trưng bày tại các cuộc triển lãm và trong các cuộc đấu giá đã nhiều lần được bán với số tiền vượt quá một triệu đô la (sẽ nói thêm về điều này sau). Những năm gần đây, anh thường xuyên cộng tác với vợ là Emilia.

Lĩnh vực hoạt động của Master

Chủ nghĩa khái niệm Mátxcơva

Khái niệm “chủ nghĩa khái niệm Moscow” xuất hiện vào năm 1979. Những người đại diện cho xu hướng này tuyên bố các tác phẩm nghệ thuật như một phương tiện để nghiên cứu bản chất của nghệ thuật. Để đạt được mục tiêu này, những người theo chủ nghĩa khái niệm đã tạo ra các tác phẩm sắp đặt (xem thêm về chúng ở bên dưới), tổ chức các sự kiện và nghiên cứu phản ứng của mọi người đối với chúng, đồng thời cũng thúc đẩy xã hội thảo luận về các vấn đề của nghệ thuật.

Ngoài các tác phẩm sắp đặt, Kabkov còn gây ảnh hưởng đến người xem bằng cách đưa văn bản vào tranh của mình. Đây là cách mà các tác phẩm “Câu trả lời của nhóm thử nghiệm”, “Họ ở đâu?” ra đời. và những người khác. Các tác phẩm mang tính ý tưởng cũng bao gồm album của nghệ sĩ - hình ảnh có văn bản, thống nhất theo một chủ đề.

Một đặc điểm khác biệt khác trong tác phẩm của Kabkov là tác phẩm của ông thay mặt cho các nhân vật hư cấu: những kẻ theo chủ nghĩa hiện thực xã hội chủ nghĩa, những nghệ sĩ phát minh, v.v.

Tổng số lượt cài đặt

Chuyển ra nước ngoài vào cuối những năm 1980, Kabkov có cơ hội hiện thực hóa những dự án hoành tráng của mình. Trong hơn hai thập kỷ, nghệ sĩ đã cố gắng tạo ra hơn năm trăm tác phẩm sắp đặt, mà ông gọi là tổng cộng.

Các tác phẩm sắp đặt đại diện cho những thế giới do nghệ sĩ xây dựng mà người xem có thể nhìn thấy và cảm nhận từ bên trong. Ví dụ, tác phẩm sắp đặt nổi tiếng “Người đàn ông bay vào vũ trụ từ phòng của mình” là một căn phòng có trần nhà bị hỏng, ở giữa có một thiết bị được tạo ra để thoát ra và trên tường có những bức tranh giúp bạn hiểu. trạng thái của người sống trong đó. Tác phẩm sắp đặt này tượng trưng cho mong muốn của người dân Liên Xô thoát ra khỏi xiềng xích của chung cư đang áp bức họ và đất nước đang áp bức họ bằng những yêu cầu và lý tưởng của nó.

Năm 2006, tác phẩm sắp đặt này được trưng bày tại Bảo tàng Guggenheim (New York) cùng với các tác phẩm của các nghệ sĩ nổi tiếng người Nga, điều này không chỉ góp phần vào sự nổi tiếng của Kabkov mà còn đảm bảo vị thế của ông như một đại diện quan trọng của cộng đồng nghệ thuật. .

Kỷ lục tại các cuộc đấu giá, giá tranh của Kabkov

Ilya Iosifovich được coi là nghệ sĩ người Nga còn sống đắt giá nhất. Hãy cùng tìm hiểu xem tranh của Kabkov có giá bao nhiêu trên thị trường nghệ thuật hiện đại.

Hãy bắt đầu với tác phẩm "Con chó", được trưng bày tại cuộc đấu giá của nhà đấu giá nổi tiếng Phillips. Đây là một bức tranh ghép đôi được tạo ra bằng men trên canvas, thể hiện trò chơi mô phỏng. Ở phía bên trái, nghệ sĩ hiển thị dữ liệu cá nhân được chép lại cẩn thận của một nhân vật hư cấu của Liên Xô, và ở bên phải là một con chó, tượng trưng cho một người đàn ông nhỏ bé trước bộ máy quan liêu khổng lồ.

Tác phẩm được trưng bày tại triển lãm ở New York năm 1990. Đó là một thành công trong cuộc đấu giá và với ước tính sơ bộ là 300-500 nghìn bảng Anh, nó đã kiếm được 458 nghìn bảng Anh (662 nghìn đô la).

Đợt giảm giá lớn tiếp theo bao gồm sự ra đi của các tác phẩm “Ngày lễ số 6” và “Ngày lễ số 10”. Đây là những tác phẩm thuộc loạt tranh “Ngày lễ”, gồm 12 bức tranh. Theo kế hoạch của họa sĩ, những bức tranh trong bộ tranh này nên được treo trong một căn phòng bừa bộn với những chiếc ghế và bàn lật ngược. Tác phẩm "Ngày lễ số 6" được bán tại Sotheby's vào năm 2013 với giá 962 nghìn bảng Anh (1,5 triệu USD) với ước tính khoảng 0,8-1,2 triệu bảng Anh.

Bức tranh “Ngày lễ số 10” được bán tại Phillips vào năm 2011 với giá 1,5 triệu bảng Anh (2,4 triệu USD), thấp hơn mức ước tính. Từ năm 1987, nó đã được trưng bày tại nhiều triển lãm trên thế giới.

Tác phẩm “Phòng sang trọng” thậm chí còn được bán với giá cao hơn tại cuộc đấu giá Phillips năm 2007. Người nghệ sĩ đã tạo ra một bức tranh vẽ theo phong cách hình ảnh đặc trưng của mình, mô tả một căn phòng sang trọng và chồng lên đó dòng chữ quảng cáo cho các khu nghỉ dưỡng ở Biển Đen. Tác phẩm đã thành công rực rỡ tại cuộc đấu giá và với ước tính khoảng 400-600 nghìn bảng Anh, nó đã thu về 2 triệu bảng Anh (4 triệu USD).

Cuối cùng, việc bán tác phẩm “Beetle” tại cuộc đấu giá Phillips năm 2008 được coi là một kỷ lục. Đây là một hình ảnh gần như chụp ảnh về một con bọ trên lá, kèm theo một bài đồng dao theo phong cách Kabkov. Con bọ tượng trưng cho một người muốn thoát khỏi mọi khuôn khổ, kể cả khuôn khổ hội họa. Tác phẩm này đã nhiều lần được trưng bày tại các cuộc triển lãm, đồng thời cũng được đưa vào danh mục và sách về chủ nghĩa khái niệm Mátxcơva và nghệ thuật của các nghệ sĩ đối lập Liên Xô.

Dù một năm trước đó tác phẩm “Luxury Room” được bán với giá 2 triệu bảng nhưng sự ra đi của “Beetle” đã trở thành một chấn động, bởi ước tính ban đầu là 1,2-1,8 triệu bảng đã tăng gấp đôi. Bức tranh được bán đấu giá với giá 2,9 triệu bảng Anh (5,8 triệu USD), trở thành tác phẩm đắt giá nhất của họa sĩ.

Nếu chúng ta nói về những chuyến khởi hành với giá thấp hơn, thì chúng cũng thường xuyên xảy ra tại các cuộc đấu giá khác nhau. Ví dụ, tại cuộc đấu giá Phillips, những bức tranh sau đã được bán: “Bức tranh trang trọng” (241 nghìn đô la), “Chúng tôi sẵn sàng bay” (29 nghìn đô la), tại “Trận chiến trong căn hộ” của Christie (68 nghìn euro), “ Làm thế nào để gặp một thiên thần" (24 nghìn bảng), "Hai người bạn" (250 bảng), tại Sotheby's "Người hái nấm" (9 nghìn bảng), "Cửa sổ" (5 nghìn bảng) và những thứ khác.

Quay trở lại câu hỏi tranh của Kabkov giá bao nhiêu, chúng ta có thể kết luận rằng chúng rất phổ biến trên thị trường tranh và thường vượt quá ước tính. Những món đồ cụ thể có giá khác nhau từ vài trăm đến vài triệu đô la. Trong phần tiếp theo, chúng ta sẽ xem xét cách thức và địa điểm bán tranh của Kabkov.

Kiểm tra và bán tranh của Kabkov

Cách đánh giá bức tranh của Kabkov

Trước đây, chúng tôi phát hiện ra rằng có sự chênh lệch đáng kể về giá giữa các tác phẩm của nghệ sĩ. Để không tính toán sai chi phí của một công việc cụ thể, chúng tôi khuyên bạn nên yêu cầu kiểm tra chuyên môn. Quy trình này bao gồm việc kiểm tra hình ảnh theo nhiều thông số khác nhau và có thể là một phần hoặc phức tạp. Trong trường hợp nghiên cứu một phần, một hoặc nhiều thông số quan trọng nhất sẽ được đánh giá, chẳng hạn như tính xác thực của bức tranh được xác nhận. Một nghiên cứu toàn diện về nhiều đặc điểm sẽ giúp ích. Nó đặc biệt có nhu cầu nếu tác phẩm đòi hỏi giá cao.

Bán tranh của Kabkov ở đâu và như thế nào