Husholdnings stilleben. "Historien om utviklingen av stilleben som en sjanger for maleri"

stilleben stilleben

(fransk natur morte, italiensk natura morta, bokstavelig talt - død natur; nederlandsk stilleven, tysk Stilleben, engelsk stilleben, bokstavelig talt - stille eller ubevegelig liv), en sjanger av kunst (hovedsakelig staffeli maleri), som er dedikert til bildet ting rundt en person, plassert, som regel, i virkeligheten husholdningsmiljø og komposisjonsmessig organisert i en enkelt gruppe. Spesiell organisasjon motiv (den såkalte iscenesettelsen) er en av hovedkomponentene i stillebensjangerens figurative system. I tillegg til livløse gjenstander (for eksempel husholdningsartikler), skildrer stilleben gjenstander av dyreliv, isolert fra naturlige forbindelser og dermed forvandlet til en ting - fisk på bordet, blomster i en bukett, etc. Som komplement til hovedmotivet, livet kan inneholde bilder av mennesker, dyr, fugler, insekter. Bildet av ting i et stilleben har sitt eget kunstnerisk verdi, selv om det i utviklingsprosessen ofte tjente til å uttrykke symbolsk innhold, løse dekorative problemer eller nøyaktig fikse den objektive verden i naturvitenskap, etc. Samtidig kan stilleben karakterisere ikke bare ting i seg selv, men også sosial status, innholdet og livsstilen til eieren deres, gir opphav til en rekke assosiasjoner og sosiale analogier.

Stillebenmotiver som detaljer i komposisjoner finnes allerede i kunsten. gamle øst og antikken, noen fenomener i middelalderkunsten er delvis sammenlignbare med stilleben Langt øst(for eksempel den såkalte "blomster-fugler"-sjangeren), men fødselen av stilleben som en selvstendig sjanger skjer i moderne tid, når oppmerksomheten til den materielle verden, til dens konkret-sanselige bilde, utvikler seg i arbeidet med Italienske og spesielt nederlandske renessansemestere. Historien om stilleben som en sjanger av staffelimaleri, og spesielt dens type "trompe l" oeil (den såkalte snag), åpnes av "Still Life" av italieneren Jacopo de Barbari (1504), som illusjonistisk sett gjenskaper objekter nøyaktig. halvparten av XVI - tidlig XVIIårhundrer, noe som ble tilrettelagt av naturvitenskapelige tilbøyeligheter som er karakteristiske for denne epoken, kunstens interesse i hverdagen og personvern mennesket, samt selve utviklingen av metoder for den kunstneriske utviklingen av verden (verkene til nederlenderen P. Aartsen, Fleming J. Brueghel Velvet, etc.).

Stillebens storhetstid - XVII århundre. Mangfoldet av dens typer og former på den tiden er assosiert med utviklingen av nasjonalrealistiske malerskoler. I Italia og Spania ble fremveksten av stilleben i stor grad lettet av arbeidet til Caravaggio og hans tilhengere ( cm. karavaggisme). Favoritt-temaene for stilleben var blomster, grønnsaker og frukt, sjømat, kjøkkenutstyr etc. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis og andre). Det spanske stilleben er preget av sublim alvorlighet og spesiell betydning av bildet av ting (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda, etc.). Interesse for tingenes hverdagslige natur, intimitet, ofte demokratisme av bilder ble tydelig manifestert i det nederlandske stilleben. Det er preget Spesiell oppmerksomhet til overføringen av lysmiljøet, den mangfoldige teksturen til materialer, subtiliteten i tonale relasjoner og fargeskjema - fra den utsøkt beskjedne fargeleggingen av de "monokrome frokostene" av V. Kheda og P. Klas til de intenst kontrasterende, koloristisk spektakulære komposisjonene av V. Kalf ("desserter"). Nederlandsk stilleben har overflod forskjellige typer av denne sjangeren: "fisk" (A. Beyeren), "blomster og frukt" (J. D. de Heem), "slått vilt" (J. Venike, M. Hondekuter), allegorisk stilleben "vanitas" ("forfengelighet av forfengelighet" Flamsk stilleben (hovedsakelig "markeder", "butikker", "blomster og frukt") skiller seg ut for sitt omfang og samtidig dekorative komposisjoner: disse er salmer til fruktbarhet og overflod (F. Snyders, J. Feit), på 1600-tallet. Tysk (G. Flegel, K. Paudis) og fransk (L. Bozhen) stilleben er også i utvikling. MED sent XVII V. i det franske stilleben triumferte de dekorative trendene innen hoffkunst (blomster av J. B. Monnoyer og hans skole, jaktstilleben av A. F. Deport og J. B. Oudry). På denne bakgrunn skiller verkene til en av de mest betydningsfulle mesterne av fransk stilleben - J. B. S. Chardin, preget av strenghet og komposisjonsfrihet, subtile fargeløsninger seg ut med ekte menneskelighet og demokrati. I midten av attende V. i perioden med den endelige dannelsen av det akademiske hierarkiet av sjangere, oppsto begrepet "nature morte", som reflekterte den foraktfulle holdningen til denne sjangeren av tilhengere av akademiskisme, som foretrakk sjangere hvis område var "levende natur" ( historisk sjanger, portrett osv.).

På 1800-tallet stillebenets skjebne ble bestemt av de ledende malermesterne, som arbeidet i mange sjangre og involverte stillebenet i kampen estetiske synspunkter Og kunstneriske ideer(F. Goya i Spania, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet i Frankrike). Blant mesterne på 1800-tallet som spesialiserte seg på denne sjangeren, skiller A. Fantin-Latour (Frankrike) og W. Harnet (USA) seg også ut. Den nye fremveksten av stilleben ble assosiert med fremføringen av postimpresjonismens mestere, for hvem tingenes verden blir et av hovedtemaene (P. Cezanne, V. van Gogh). Siden begynnelsen av XX århundre. stilleben er et slags kreativt laboratorium for maleri. I Frankrike følger fauvismens mestere (A. Matisse og andre) veien for økt identifikasjon av de emosjonelle og dekorative-ekspressive mulighetene til farge og tekstur, og representantene for kubismen (J. Braque, P. Picasso, X. Gris og andre), ved å bruke spesifikasjonene til stillebens kunstneriske og analytiske muligheter, søker å etablere nye måter å formidle rom og form på. Stilleben tiltrekker seg også mestere av andre trender (A. Kanoldt i Tyskland, G. Morandi i Italia, S. Lukyan i Romania, B. Kubista og E. Filla i Tsjekkia, etc.). Sosiale trender i stilleben på 1900-tallet er representert ved arbeidet til D. Rivera og D. Siqueiros i Mexico, R. Guttuso i Italia.

Stilleben dukket opp i russisk kunst på 1700-tallet. sammen med bekreftelsen av sekulært maleri, som gjenspeiler tidens kognitive patos og ønsket om å sannferdig og nøyaktig formidle den objektive verden ("triks" av G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, etc.). Videre utvikling Russisk stilleben hadde i lang tid en episodisk karakter. Det er en viss økning i første halvdel av XIX århundre. (F. P. Tolstoy, skole til A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) er assosiert med ønsket om å se skjønnhet i det lille og vanlige. I andre halvdel av XIX århundre. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan vendte seg bare av og til til stilleben av skisseaktig natur; Den ekstra betydningen av stilleben i det kunstneriske systemet til Wanderers fulgte av ideen deres om den dominerende rollen til det plottematiske bildet. Uavhengig verdi stilleben-studier øker ved overgangen til XIX og XX århundrer. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Storhetstiden til russisk stilleben faller på begynnelsen av 1900-tallet. Til hans de beste eksemplene inkluderer impresjonistiske verk av K. A. Korovin, I. E. Grabar; verkene til kunstnerne i "Kunstens verden" (A. Ya. Golovin og andre) som subtilt leker med tingenes historiske og hverdagslige karakter; skarpt dekorative bilder av P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan og andre malere av Blue Rose-sirkelen; lyse stilleben gjennomsyret av fylden av å være av mesterne av "Jack of Diamonds" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Det sovjetiske stillebenet, som utvikler seg i tråd med den sosialistiske realismens kunst, er beriket med nytt innhold. På 20-30-tallet. den inkluderer både den filosofiske forståelsen av modernitet i kompositorisk skjerpede verk (K.S. Petrov-Vodkin), og tematiske «revolusjonære» stilleben (F.S. Bogorodsky og andre), og forsøk på konkret å gjenvinne «tingen» som ble avvist av de såkalte ikke- mål gjennom eksperimenter innen farge og tekstur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman), og en fullblods gjenskaping av den fargerike rikdommen og mangfoldet i den objektive verden (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin og andre), så vel som søket etter subtil fargeharmoni, poetisering av tingenes verden (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa og andre). På 40-50-tallet. stilleben, som er betydelig forskjellige i stil, og gjenspeiler de essensielle egenskapene moderne epoker, opprettet av P. V. Kuznetsov, Yu. I. Pimenov og andre. På 60-70-tallet. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich jobber aktivt i stilleben. Blant stillebens mestere i unionsrepublikkene skiller A. Akopyan i Armenia, T. F. Narimanbekov i Aserbajdsjan, L. Svemp og L. Endzelina i Latvia seg ut, N. I. Kormashov i Estland. Tiltrekningen til den økte "objektiviteten" til bildet, estetiseringen av verden av ting rundt en person bestemte interessen for stilleben til unge kunstnere på 70- og begynnelsen av 80-tallet. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis, etc.).

V. Kheda. "Frokost med bjørnebærpai." 1631. Bildegalleri. Dresden.

P. Cezanne. "Fersken og pærer" Sent på 1880-tallet Museum of Fine Arts oppkalt etter A. S. Pushkin. Moskva.

K.S. Petrov-Vodkin. "Morgen stilleben". 1918. Russisk museum. Leningrad.

I. I. Mashkov. "Snedd Moskva: brød". 1924. Tretjakovgalleriet. Moskva.
Litteratur: B. R. Vipper, stillebens problem og utvikling. (Tingenes liv), Kazan, 1922; Yu. I. Kuznetsov, Vesteuropeisk stilleben, L.-M., 1966; M. M. Rakova, russisk stilleben på slutten av XIX - tidlige XX århundrer, M., 1970; I. N. Pruzhan, V. A. Pushkarev, Stilleben i russisk og sovjetisk maleri. L., (1971); Yu Ya Gerchuk, Living things, M., 1977; Stilleben i europeisk maleri fra det 16. - tidlige 20. århundre. Catalogue, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l "antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., Introduction to stilleben og blomstermaleri, L., 1976; Ryan A., Still-life painting techniques, L. , 1978.

Kilde: Populær kunstleksikon." Ed. Felt V.M.; M.: Forlag " Sovjetisk leksikon", 1986.)

stilleben

(Fransk natur morte - død natur), en av maleriets sjangere. Stilleben skildrer naturens gaver (frukt, blomster, fisk, vilt), så vel som ting laget av menneskehender (servise, vaser, klokker, etc.). Noen ganger livløse gjenstander sameksistere med levende vesener - insekter, fugler, dyr og mennesker.
Stilleben inkludert i plottkomposisjoner finnes allerede i maleriet av den antikke verden (veggmalerier i Pompeii). Det er en legende om at den antikke greske kunstneren Apelles avbildet druer så dyktig at fuglene forvekslet ham med en ekte og begynte å hakke. Som en selvstendig sjanger utviklet stilleben seg på 1600-tallet. og opplevde deretter sin lyse storhetstid i arbeidet til de nederlandske, flamske og spanske mestrene.
I Holland var det flere varianter av stilleben. Kunstnerne malte "frokoster" og "desserter" på en slik måte at det virket som om en person var et sted i nærheten og snart ville komme tilbake. En pipe ryker på bordet, en serviett er krøllet, vin i et glass er ikke ferdig, en sitron kuttes, brød er knust (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Populære var også bilder av kjøkkenutstyr, vaser med blomster og til slutt "Vanitas" ("forfengelighet av forfengelighet"), stilleben med temaet livets skrøpelighet og dets kortsiktige gleder, som krever å huske sanne verdier og ta vare på å redde sjelen. Favorittattributter til "Vanitas" er en hodeskalle og en klokke (J. van Strek. "Vanity of vanities"). Til Nederlandsk stilleben, så vel som generelt for stilleben på 1600-tallet, er tilstedeværelsen av skjulte filosofiske overtoner karakteristisk, en kompleks kristen eller kjærlighetssymbolikk(sitronen var et symbol på måtehold, hunden var troskap osv.) Samtidig gjenskapte kunstnerne verdens mangfold i stilleben med kjærlighet og glede (skimmer av silke og fløyel, tunge teppeduker, skimrende sølv , saftige bær og edelvin). Sammensetningen av stilleben er enkel og stabil, underlagt diagonalen eller formen til en pyramide. Den viktigste "helten" er alltid fremhevet i den, for eksempel et glass, en kanne. Mestere bygger subtilt relasjoner mellom objekter, motstående eller omvendt matchende farge, form, overflatetekstur. De minste detaljene er nøye skrevet ut. Disse maleriene er små i størrelse og er utformet for nær undersøkelse, lang kontemplasjon og forståelse av deres skjulte betydning.

Flemingerne malte tvert imot store, noen ganger enorme lerreter beregnet på å dekorere palasshallene. De er preget av en festlig flerfarge, en overflod av gjenstander og kompleksiteten i komposisjonen. Slike stilleben ble kalt "butikker" (J. Feit, F. Snyders). De avbildet bord strødd med vilt, sjømat, brød, og ved siden av dem sto eierne som tilbød varene sine. Rikelig mat, som om den ikke passet på bordene, hang ned, falt ut direkte på publikum.
Spanske kunstnere foretrakk å begrense seg til et lite sett med gjenstander og arbeidet på en behersket måte. fargevalg. Retter, frukt eller skjell i maleriene til F. Zurbarana og A. Frontene er rolig plassert på bordet. Formene deres er enkle og edle; de er nøye støpt med chiaroscuro, nesten håndgripelige, komposisjonen er strengt balansert (F. Zurbaran. "Still life with appelsiner og sitroner", 1633; A. Pereda. "Still life with a clock").
På 1700-tallet den franske mester J.-B. MED. Chardin. Hans malerier, som skildrer enkle, solide redskaper (skåler, en kobbertank), grønnsaker, enkel mat, er fylt med livspust, varmet opp av ildstedets poesi og bekrefter skjønnheten i hverdagen. Chardin malte også allegoriske stilleben (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).
I Russland dukket de første stillebenene opp på 1700-tallet. i dekorative malerier på veggene til palasser og "dummy" malerier, der gjenstander ble gjengitt så nøyaktig at de virket ekte (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). På 1800-tallet lurertradisjoner har blitt tenkt nytt. Stilleben opplever en oppgang i første etasje. 1800-tallet i arbeidet til F.P. Tolstoj, som tenkte om tradisjonene for "triks" ("Bær av røde og hvite rips", 1818), kunstnere venetiansk skole, I. T. Khrutsky. I dagligdagse gjenstander søkte kunstnere å se skjønnhet og perfeksjon.
En ny storhetstid for sjangeren kommer på slutten. 19 - beg. 20. århundre, da stilleben blir et laboratorium for kreative eksperimenter, et middel til å uttrykke kunstnerens individualitet. Stilleben inntar en betydelig plass i postimpresjonistenes arbeid - V. van Gogh, P. Gauguin og fremfor alt P. Cezanne. Komposisjonens monumentalitet, gjerrige linjer, elementære, stive former i Cezannes malerier er designet for å avsløre strukturen, grunnlaget for tingen og minne om verdensordenens urokkelige lover. Kunstneren skulpturerer formen med farger, og understreker dens materialitet. Samtidig gir unnvikende fargespill, spesielt kaldt blått, stillebenene hans en følelse av luft og romslighet. Linjen til Cezanne stilleben ble videreført i Russland av mesterne " Jack of Diamonds"(I.I. Mashkov, P.P. Konchalovsky etc.), kombinerer det med tradisjonene til den russiske folkekunst. Kunstnere "Blå rose"(N.N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) laget nostalgiske komposisjoner i antikk stil. Filosofiske generaliseringer gjennomsyrer stillebenene til K.S. Petrova-Vodkina. På 1900-tallet i sjangeren stilleben løste deres kreative oppgaver P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi. I Russland var de største mesterne i denne sjangeren M.S. Saryan, P.V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov og andre.

Stilleben i maleri - bilder av statiske livløse gjenstander kombinert til et enkelt ensemble. Et stilleben kan presenteres som et selvstendig lerret, men noen ganger blir det en del av komposisjonen av en sjangerscene eller et helt maleri.

Hva er stilleben?

Dette maleriet kommer til uttrykk i subjektiv holdning person til verden. Dette viser mesterens iboende forståelse av skjønnhet, som blir legemliggjørelsen av sosiale verdier og tidens estetiske ideal. Stilleben i maleriet forvandlet seg gradvis til en egen betydelig sjanger. Denne prosessen tok mer enn hundre år, og hver nye generasjon kunstnere forsto lerreter og farger i henhold til tidens trender.

Stillebens rolle i komposisjonen av et maleri er aldri begrenset til enkel informasjon, et tilfeldig tillegg til hovedinnholdet. Avhengig av historiske forhold og offentlige forespørsler kan ta mer eller mindre Aktiv deltakelse i å lage en komposisjon eller et hotellbilde, tilsløre et eller annet mål. Stilleben i maleri som en uavhengig sjanger er designet for å pålitelig formidle skjønnheten til ting som daglig omgir en person.

Noen ganger får en enkelt del eller et element plutselig dyp betydning, får sin egen mening og lyd.

Historie

Som en gammel og aktet sjanger kjente stilleben i maleriet sine opp- og nedturer. Alvorlig, asketisk og minimalistisk bidro til å skape udødelige monumentale generaliserte høye heroiske bilder. Skulptører med ekstraordinær uttrykksevne likte bildet av individuelle objekter. Typer stilleben i maleriet og alle slags klassifiseringer oppsto under dannelsen av kunsthistorien, selv om lerretene eksisterte lenge før skrivingen av den første læreboken.

Ikonmalingstradisjoner og stilleben

I gammelt russisk ikonmaleri spilte de få tingene som kunstneren våget å introdusere i den strenge lakonismen til kanoniske verk en stor rolle. De bidrar til manifestasjonen av alt umiddelbart og demonstrerer uttrykk for følelser i et verk viet til et abstrakt eller mytologisk plot.

Typer stilleben i maleri eksisterer atskilt fra ikonmalerier, selv om en streng kanon ikke forbyr skildring av noen gjenstander som er iboende i sjangeren.

stilleben renessanse

Men verkene fra 1400- og 1500-tallet spiller en viktig rolle i renessansen. Maleren trakk først oppmerksomheten til verden rundt ham, forsøkte å bestemme betydningen av hvert element i menneskehetens tjeneste.

Moderne maleri, stilleben som en populær og kjær sjanger oppsto i Tricento-perioden. Husholdningsartikler fikk en viss adel og betydning av eieren de tjente. På store lerreter ser et stilleben som regel veldig beskjedent og diskret ut - en glasskrukke med vann, sølvet i en elegant vase eller delikate liljer på tynne stilker ofte sammenkrøpet i et mørkt hjørne av bildet, som fattige og glemte slektninger.

Likevel, i bildet av vakre og nære ting var det så mye kjærlighet i poetisk form at moderne maleri, stilleben og dets rolle i det allerede forsiktig så gjennom hull i landskap og tunge gardiner av sjangerscener.

Avgjørende øyeblikk

Emner fikk et reelt innslag i malerier og en ny mening på 1600-tallet – en tid da stilleben med blomster hersket og dominerte. Maleri av denne typen har fått mange beundrere blant adelen og presteskapet. I komplekse komposisjoner med en utpreget litterær historie, fikk scenene sin plass sammen med hovedpersonene. Når man analyserer tidens verk, er det lett å se det viktig rolle stilleben manifesterte seg på samme måte i litteratur, teater og skulptur. Ting begynte å "handle" og "leve" i disse verkene - de ble vist som hovedpersonene, og demonstrerte de beste og mest fordelaktige aspektene ved gjenstander.

Kunstgjenstander laget av hardtarbeidende og talentfulle håndverkere bærer et personlig preg av tanker, ønsker og tilbøyeligheter. spesifikk person. maleri er det beste psykologiske tester hjelpe spore psyko-emosjonell tilstand og oppnå indre harmoni og integritet.

Ting tjener trofast en person, vedtar hans entusiasme for husholdningsartikler og inspirerer eiere til å kjøpe nye vakre, elegante små ting.

flamsk renessanse

Gouache maleri, stilleben som sjanger folk ikke umiddelbart akseptere. Historien om fremveksten, utviklingen og utbredt implementering av ulike ideer og prinsipper tjener som en påminnelse om den konstante utviklingen av tanke. Stilleben ble berømt og moteriktig på midten av 1600-tallet. Sjangeren begynte i Nederland, det lyse og festlige Flandern, hvor naturen i seg selv bidrar til skjønnhet og moro.

Gouache-maleri, stilleben blomstret i en tid med storslåtte endringer, en fullstendig endring av politiske, sosiale og religiøse institusjoner.

flandern gjeldende

Den borgerlige retningen for utviklingen av Flandern var en nyhet og et fremskritt for hele Europa. Endringer i politiske liv førte til lignende innovasjoner innen kultur - horisontene som åpnet seg før kunstnere var ikke lenger begrenset til religiøse forbud og ble ikke støttet av de relevante tradisjonene.

Stilleben ble flaggskipet til den nye kunsten, som glorifiserte alt naturlig, lyst og vakkert. Katolisismens strenge kanoner holdt ikke lenger malernes fantasi og nysgjerrighet tilbake, og derfor begynte vitenskap og teknologi å utvikle seg sammen med kunsten.

Vanlige hverdagslige ting og gjenstander, tidligere ansett som basale og uverdige å nevne, steg plutselig til gjenstander for nærstudie. Dekorativt maleri, stilleben og landskap har blitt et ekte speil av livet - daglig rutine, kosthold, kultur, ideer om skjønnhet.

Sjangeregenskaper

Det er herfra, fra det bevisste, dybdestudie av omverdenen har en egen sjanger av hverdagsmaleri, landskap, stilleben utviklet seg.

Kunst, som skaffet seg visse kanoner på 1600-tallet, bestemte sjangerens hovedkvalitet. Maleri, dedikert til verden ting, beskriver de grunnleggende egenskapene som er iboende i gjenstandene som omgir en person, viser holdningen til mesteren og hans hypotetiske samtid til det som vises, uttrykker naturen og fullstendigheten av kunnskap om virkeligheten. Kunstneren skal ha formidlet materiell eksistens ting, deres volum, vekt, teksturer, farger, det funksjonelle formålet med husholdningsartikler og deres vitale forbindelse med menneskelige aktiviteter.

Stillebens oppgaver og problemer

Dekorativt maleri, stilleben og hjemlige scener absorberte tidens nye trender - avgangen fra kanonene og den samtidige bevaringen av bildets konservative naturalisme.

Stilleben revolusjonær tid ganger fullstendig seier borgerskapet gjenspeiler kunstnerens respekt for nye former nasjonalt liv landsmenn, respekt for vanlige håndverkeres arbeid, beundring for vakre bilder skjønnhet.

Problemene og oppgavene til sjangeren formulert på 1600-tallet ble ikke generelt diskutert i europeiske skoler før på midten av 1800-tallet. I mellomtiden satte kunstnerne seg stadig nye og nye oppgaver, og fortsatte ikke mekanisk å reprodusere ferdige komposisjonsløsninger og fargevalg.

Moderne lerreter

Bilder av stilleben for maleri, utarbeidet i moderne studioer, viser tydelig forskjellen mellom oppfatningen av verden av en samtidig og en person fra middelalderen. Dynamikken til objekter i dag overskrider alle tenkelige grenser, og statikken til objekter var normen for den tiden. Fargekombinasjoner fra 1600-tallet er preget av lysstyrke og renhet av farger. Mettede nyanser passer harmonisk inn i komposisjonen og understreker ideen og ideen til kunstneren. Fraværet av noen kanoner på beste måte påvirket stilleben på 1900- og 2000-tallet, og noen ganger slått fantasien med sin styggehet eller bevisste variasjon.

Metoder for å løse problemene med stilleben endres raskt hvert tiår, metoder og teknikker holder ikke tritt med fantasien til anerkjente og ikke så mestere.

Verdien av dagens malerier ligger i uttrykket av virkeligheten gjennom samtidskunstnernes øyne; gjennom legemliggjøringen på lerretet oppstår nye verdener som kan fortelle mye om deres skapere til fremtidens mennesker.

Påvirkning av impresjonismen

Den neste milepælen i stillebens historie var impresjonisme. Hele utviklingen av retningen ble reflektert i komposisjonene gjennom farger, teknikk og romforståelse. De siste romantikerne i årtusenet overførte livet til lerretet som det er - raske, lyse strøk og uttrykksfulle detaljer ble hjørnesteinene i stilen.

Malerier, stilleben av moderne kunstnere bærer absolutt preg av impresjonistiske inspiratorer gjennom farger, måter og billedteknikker.

Avgang fra klassisismens standardkanoner - tre planer, sentral komposisjon og historiske helter- lot kunstnerne utvikle sin egen oppfatning av farger og lys, samt demonstrere følelsenes frie flukt for publikum på en tilgjengelig og visuell måte.

Impresjonistenes hovedoppgaver er å endre maleteknikken og psykologisk innhold malerier. Og i dag, selv om man kjenner situasjonen til den tiden, er det vanskelig å finne det riktige svaret på spørsmålet om hvorfor impresjonistiske landskap, like gledelige og usofistikerte som poesi, forårsaket skarp avvisning og frekk latterliggjøring fra kresne kritikere og en opplyst offentlighet.

Impresjonistisk maleri passet ikke inn i den allment aksepterte rammen, så stilleben og landskap ble oppfattet som noe vulgært, uverdig til anerkjennelse sammen med andre drakter av høy kunst.

Kunstutstillingen, som ble en slags misjonsvirksomhet for den tidens kjente kunstnere, var i stand til å nå hjertene og demonstrere skjønnheten og ynden.Bilder av gjenstander og gjenstander med alle tilgjengelige midler ble vanlig selv innenfor murene til formidable institusjoner som bekjenner seg bare til prinsippene for klassisk kunst. Triumftoget av stillebenmalerier har ikke stoppet siden slutten av 1800-tallet, og mangfoldet av sjangere og teknikker i dag gjør det mulig å ikke være redd for eksperimenter med farger, teksturer og materialer.

Stilleben, kunstsjanger

På 1800-tallet stillebens skjebne ble bestemt av de ledende malermestrene, som arbeidet i mange sjangre og involverte stillebenet i kampen for estetiske synspunkter og kunstneriske ideer (F. Goya i Spania, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet i Frankrike). Blant mesterne på 1800-tallet som spesialiserte seg på denne sjangeren, skiller A. Fantin-Latour (Frankrike) og W. Harnet (USA) seg også ut. Den nye fremveksten av stilleben ble assosiert med fremførelsen av postimpresjonistiske mestere, for hvem tingenes verden blir et av hovedtemaene (P. Cezanne, V. van Gogh). Siden begynnelsen av XX århundre. stilleben er et slags kreativt laboratorium for maleri. I Frankrike følger fauvismens mestere (A. Matisse og andre) veien for økt identifikasjon av de emosjonelle og dekorative-ekspressive mulighetene til farge og tekstur, og representantene for kubismen (J. Braque, P. Picasso, X. Gris og andre), ved å bruke spesifikasjonene til stillebens kunstneriske og analytiske muligheter, søker å etablere nye måter å formidle rom og form på. Stilleben tiltrekker seg også mestere av andre trender (A. Kanoldt i Tyskland, G. Morandi i Italia, S. Lukyan i Romania, B. Kubista og E. Filla i Tsjekkia, etc.). Sosiale trender i stilleben på 1900-tallet er representert ved arbeidet til D. Rivera og D. Siqueiros i Mexico, R. Guttuso i Italia.

I russisk kunst stilleben dukket opp på 1700-tallet. sammen med bekreftelsen av sekulært maleri, som gjenspeiler tidens kognitive patos og ønsket om å sannferdig og nøyaktig formidle den objektive verden ("triks" av G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, etc.). Den videre utviklingen av russisk stilleben i en betydelig tid var episodisk. Det er en viss økning i første halvdel av XIX århundre. (F. P. Tolstoy, skole til A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) er assosiert med ønsket om å se skjønnhet i det lille og vanlige. I andre halvdel av XIX århundre. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan vendte seg bare av og til til stilleben av skisseaktig natur; den ekstra betydningen av stilleben i det kunstneriske systemet til Wanderers fulgte av deres idé om den dominerende rollen til det plottematiske bildet. Stillebenstudiets selvstendige betydning øker ved overgangen til 1800- og 1900-tallet. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Storhetstiden til russisk stilleben faller på begynnelsen av 1900-tallet. Hans beste eksempler inkluderer de impresjonistiske verkene til K. A. Korovin, I. E. Grabar; verkene til kunstnerne i "Kunstens verden" (A. Ya. Golovin og andre) som subtilt leker med tingenes historiske og hverdagslige karakter; skarpt dekorative bilder av P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan og andre malere av Blue Rose-sirkelen; lyse, gjennomsyret av fylden av å være stilleben til mesterne av "Jack of Diamonds" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Det sovjetiske stillebenet, som utvikler seg i tråd med den sosialistiske realismens kunst, er beriket med nytt innhold. På 20-30-tallet. den inkluderer både den filosofiske forståelsen av modernitet i kompositorisk skjerpede verk (K.S. Petrov-Vodkin), og tematiske «revolusjonære» stilleben (F.S. Bogorodsky og andre), og forsøk på konkret å gjenvinne «tingen» som ble avvist av de såkalte ikke- mål gjennom eksperimenter innen farge og tekstur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman), og en fullblods gjenskaping av den fargerike rikdommen og mangfoldet i den objektive verden (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin og andre), så vel som søket etter subtil fargeharmoni, poetisering av tingenes verden (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa og andre). På 40-50-tallet. P.V. Kuznetsov, Yu. P.P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich. Blant stillebens mestere i unionsrepublikkene skiller A. Akopyan i Armenia, T. F. Narimanbekov i Aserbajdsjan, L. Svemp og L. Endzelina i Latvia seg ut, N. I. Kormashov i Estland. Tiltrekningen til den økte "objektiviteten" til bildet, estetiseringen av verden av ting rundt en person bestemte interessen for stilleben til unge kunstnere på 70- og begynnelsen av 80-tallet. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis, etc.).

Bokst.: B. R. Vipper, stillebens problem og utvikling. (Tingenes liv), Kazan, 1922; Yu. I. Kuznetsov, Vesteuropeisk stilleben, L.-M., 1966; M. M. Rakova, russisk stilleben på slutten av XIX - tidlige XX århundrer, M., 1970; I. N. Pruzhan, V. A. Pushkarev, Stilleben i russisk og sovjetisk maleri. L., ; Yu Ya Gerchuk, Living things, M., 1977; Stilleben i europeisk maleri fra det 16. - tidlige 20. århundre. Catalogue, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l "antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., Introduction to stilleben og blomstermaleri, L., 1976; Ryan A., Still-life painting techniques, L. , 1978.

Stilleben (fr. nature morte - «død natur») er en kunstgenre der gjenstander rundt oss er avbildet som har en semantisk forbindelse med hverandre. Denne typen kunst tiltrekker med sitt store billedlige muligheter, som bidrar til utvikling av komposisjonsferdigheter og fargekonstruksjon.

Stilleben formidler til oss visse bilder og symboler av verden rundt oss. Involverer oss i en verden av kommunikasjon av objekter, og gir en mulighet til å være i rollen som en samtalepartner. En ekte artist organiserer muligheten for betrakteren til å se hemmelig betydning gjenstander rundt oss. Ved å forhåndsvelge og bygge visse attributter inn i en bestemt sammensetning, som bærer en spesifikk semantisk oppgave.

Stilleben oppsto i Europa på 1500- og 1600-tallet, men forhistorien oppsto mye tidligere. Sammen med hverdagssjangeren kunne stilleben i lang tid ikke ta en ledende posisjon innen maleri. Siden det ble ansett som umulig å formidle de viktigste sosiale ideene gjennom denne typen maleri. Takket være de store mesterne ble denne sjangeren anerkjent som ganske i stand til å overføre forskjellige sosiale forhold, og dermed påvirke ulike sosiale dyder. Ved hjelp av forskjellige attributter ble det opprettet et eller annet bilde, som gjenspeiler betydningen av hovedideen. Husholdningsartikler klassifiserte den sosiale statusen, livsstilen til eieren deres, noe som var viktig for å formidle bilder av sosiale lag.

Når man ser på kronologien til kunsthistorien, kan man spore rekkefølgen av veksten og fallet til en så særegen sjanger som stilleben.

"Danningen av stilleben som en uavhengig sjanger av maleri var på grunn av arbeidet til nederlandske og flamske kunstnere på 1600-tallet. 1600-tallet i Europa er markert som stillebens storhetstid. I løpet av denne perioden ble alle hovedvariantene av stilleben opprettet.

Den progressive utviklingen av stilleben i vesteuropeisk maleri på 1600-tallet kan i stor grad forklares av særegenhetene ved den generelle kulturelle og verdensbilde situasjonen, spesielt den ultimate utvanningen og samtidig den gjensidige personifiseringen av slike kategorier som materiell og åndelig , individuell og universell. I stilleben ble den mest konkrete av alle spesifisitetene til denne verden kunstnerisk bekreftet - en ting, et produkt av en veldig spesifikk menneskelig aktivitet, samtidig ble disse jordiske menneskeskapte tingene utstyrt med en allegorisk, emblematisk betydning , oppfattet som tegn på immaterielle, åndelige verdier, som personifisert meditasjon på mening menneskelig liv. En ting, etter å ha mistet sin allegoriske betydning, slutter å være gjenstand for stor kunst. Sjangeren stilleben begynner gradvis å bli foreldet.

Gjenopplivingen finner sted på slutten av det 19. - begynnelsen av det 20. århundre. På grunn av plottet og til en viss grad semantisk sterilitet, viser stilleben i disse stormfulle tiårene for utvikling av kunst seg å være spesielt praktisk for kreativ eksperimentering. En av de mest konservative, fra ikonografiens synspunkt, en av de mest veletablerte når det gjelder komposisjon, tillot stilleben kunstnere å utføre de mest vågale, noen ganger paradoksale brudd på sjangerens lover, mens de holdt seg innenfor den. De fleste eksperimentene i dette området hadde som oppgave den mest komplette plottet og figurative frikoblingen av ting.

Ting går så å si utover deres grenser, mister sin selvbetydning, slutter å være lik seg selv. De løses enten opp i lys og farger, spres i strålingen av energier, eller kondenserer til klumper av materie, danner kombinasjoner av de enkleste volumene, eller smuldrer opp i mange fragmenter - og av alt dette nye ekstra-substantielle eller omvendt super-substantielle ting lages på lerretet. Som i maleriene på 1600-tallet har de en allegorisk betydning, men i motsetning til klassiske stilleben, utføres rollen til primærelementene i disse billedkryptogrammene ikke så mye av gjenstandene selv som av deres individuelle trekk, deres kvaliteter er mettet. med økt semantisk spenning.

I de første årene av 1900-tallet var det ikke bare en utvisking av grensene for ting innenfor stilleben, men også en betydelig utvisking av grensene for selve sjangeren. I de åpne lerretene til Matisse smelter gjenstandene som utgjør stillebenet, gjennomsyret av naturens organiske rytmer, sammen med landskapet eller blir selv til et landskap, og overvinner barrieren mellom de levendes og de livløses verden. . I de konstruerte kubistiske landskapene til Picasso objektiveres naturen selv, får trekk av å være laget, materialitet, landskapet sammenlignes med et stilleben. .

"Stilleben inntok også en fremtredende plass i arbeidet til franske impresjonistiske kunstnere (Manet, Cezanne, Monet, etc.). De forsøkte å legemliggjøre de første friske inntrykkene av det de så i verkene sine. For stillebenene deres, så vel som for maleriet av impresjonistene generelt, er de preget av: harmonien av rene farger som oppfattes direkte i naturen, komposisjonens naturlighet og vitalitet.

En av de beste håndverkerne stilleben var den berømte franske kunstneren Chardin, som klarte å trenge inn i det intime livet til de mest vanlige ting, bringe dem nærmere betrakteren, og dette mer bidrar til den myke fargen på maleriene hans, dypt gjennomtenkt og kommer fra observasjon av liv, enkelhet og naturlighet i arrangementet av objekter.

I Chardins stilleben er det ingen strenge ordninger utviklet av den nederlandske skolen, monotoni i komposisjonsteknikker, valg av emner, fargepalett. .

I Russland dukket stilleben, som en uavhengig sjanger av maleri, opp i tidlig XVIIIårhundre. Ideen om det var opprinnelig assosiert med bildet av jordens og havets gaver, mangfoldig verden ting rundt personen. Frem til slutten av 1800-tallet ble stillebenet, i motsetning til portrett- og historiemaleriet, sett på som en «mindreverdig» sjanger. Den eksisterte hovedsakelig som utdanningsmiljø og var bare tillatt i begrenset forstand som å male blomster og frukt.

Begynnelsen av 1900-tallet var preget av oppblomstringen av russisk stillebenmaleri, som for første gang fikk likestilling blant andre sjangre. Ønsket til kunstnere om å styrke billedspråk ledsaget aktivt søk innen farge, form, komposisjon. Alt dette er spesielt tydelig i stilleben. Beriket med nye temaer, bilder og kunstneriske teknikker, russisk stilleben utviklet seg uvanlig raskt: på halvannet tiår går det fra impresjonisme til abstrakt formskaping.

På 1930- og 1940-tallet stoppet denne utviklingen, men siden midten av 1950-tallet har stilleben opplevd et nytt oppsving i det sovjetiske maleriet, og fra den tid står det endelig og solid på linje med andre sjangere.

I kunst begrepet "stilleben" refererer til en spesifikk sjanger av maleri, inkludert det frie arrangementet av gjenstander Hverdagen på bordet:

snittblomster, spesielt roser,
kjøkkenutstyr,
husholdningsprodukter,
frukt, grønnsaker, frukt,
mat,
fisk,
kokt mat.

Begrepet er en direkte oversettelse av det nederlandske ordet "Stilleven", som har blitt brukt siden 1656 for å beskrive sjangeren malerier. Tidligere ble slike lerreter ganske enkelt kalt "frukt", "blomst", "roser", "frokost", "bankett" eller pronk (prangende).

I barokktiden fikk allegoriske bilder med religiøse overtoner betegnelsen Vanitas ("forfengelighet"). Den obligatoriske egenskapen og hovedaksenten i maleriene var hodeskallen.

Konvensjonelt er stilleben delt inn i fire hovedgrupper, inkludert:

floral;
frokoster eller banketter;
følelsesmessig;
symbolsk.

Noen arbeider er utført for å demonstrere den tekniske virtuositeten til tegning og kunstnerens evne, eller for å demonstrere følelser.

følelsesmessig;
luksuriøs;
illusjonsduker.

I kjente stilleben inneholdt komplekse symbolske meldinger uttrykt i objekttyper. Når du studerer sammensetningen av et stilleben, var hvert viste element et symbol og brakt inn i bildet viss verdi. Som et resultat inneholder stillebensjangeren, i likhet med landskapet, vanligvis ikke menneskelige former, men er i stand til å formidle et politisk, moralsk eller åndelig budskap. Selv om tilhengere av akademisk kunst anser stilleben som den enkleste blant de fem hovedsjangrene.

Symbolske lerreter er en bred kategori for alle typer stillebenmalerier med tydelig religiøs karakter. konkret eksempel slik symbolikk er Vanitas-maleriet, som blomstret mellom 1620 og 1650 og inneholdt symbolske bilder av hodeskaller, lys, roser, timeglass, spille kort, sommerfugler og andre gjenstander som bør minne betrakteren om det jordiske livets forgjengelighet og trivialitet. De symbolske bildene i maleriene er åpenlyst religiøse – brød, vin, vann og andre.

Hovedkarakteristikkene til maleriene

Magien med stilleben ligger i evnen til å vise vår egen oppfatning av vanlige gjenstander rundt oss. Det spesielle arrangementet og skildringen av gjenstander ved bruk av maling, blekk, pasteller eller andre medier gir gjenstandene en helt ny betydning.

Objektene som er valgt for lerreter har spesiell betydning på et personlig, kulturelt, sosialt, religiøst eller filosofisk nivå. Temaene rundt kunstverk provoserer introspeksjon og refleksjon over stemningen til betrakteren. Derfor fremkaller de avbildede objektene et bredt spekter av følelser, avhengig av plassering, valg av farge, belysning.

Temaet i stillebenmalerier er definert av gjenstandene som er representert. Studiet av symbolikk lar deg trenge inn i betydningen av bildet.

pytt følelser og hendelser, som er basert på de materielle egenskapene til farge eller tekstur. Temaene er grasiøst vevd inn i bildet av vakre gjenstander, men ikke alle klarer å se meningen innenfor rammen av ett verk.

Historie

Bildet av mat ble praktisert inn eldgamle verden, men ble gjenopplivet i kunsthistorien som en selvstendig sjanger på 1500-tallet. Uavhengig av dannelsen av navnet på sjangeren, utviklet stilleben aktivt i Nord-Europa - i Holland og Flandern blant kunstnerne fra den sene nordrenessansen. Skoler for stilleben dukker opp i Napoli, Spania og Frankrike.

Historisk sett har stillebenmalerier vært gjennomsyret av religiøs og mytologisk mening.
På 1500-tallet var samfunnet i endring. Vitenskap og naturlig verden begynte å fortrenge religion i maleriene.
Ved midten av 1800-tallet naturlig verden og roser er ute av moten. I malernes verk var det en interesse for å studere vår indre verden, stemninger og følelser.

På 1900-tallet ble stilleben oppløst i geometri. Ved slutten av årtusenet begynte gjenstander i malerier å bevege seg inn i popkunst- og fotorealismebevegelsene. Malerier i dag inkluderer et ubegrenset spekter moderne fasiliteter Fra urinaler til tomme ølbokser.

Stilleben fra den nordlige renessansen og nederlandsk realisme etter 1517

Det rike borgerlige samfunnet i Nederland er preget av en materialistisk oppvisning av prangende forbruk. Men det var i vesteuropeisk maleri den esoteriske kristne symbolikken og dens Vanskelig språk under middelalderen og renessansen.

Stilleben begynte å bli kalt "død natur eller natur", og maleriene inneholdt en vekt på livløse symbolske konnotasjoner. Symbolisme utviklet seg i den abstrakte og metafysiske manierismen i Italia, Spania på 1600-tallet:

På 1700-tallet

I fransk maleri var J. B. Chardin (1699-1779) en mester i mange typer stilleben, fra beskjedne kjøkkengjenstander til unike allegorier og poetisk formidling av følelser ved det enkle arrangementet av frukt og roser. Hans verk er preget av realisme på grunn av fargespillet og den kunstneriske overføringen av lys.

Anna Coster (1744-1818) var en tilhenger av Chardin. Arbeidet hennes blir ofte forvekslet med mesteren. Men Kosters komposisjoner er mer delikate og gjengir veldig merkelige motiver.
De ekstravagante samlingene av koraller og skjell på steinhyllen forbløffer med nesten fotografisk nøyaktighet.

På 1800-tallet

Frem til midten av det nittende århundre ble stilleben ansett som en underordnet sjanger med begrenset potensial for å uttrykke et tema. Filosofien om realisme og rent maleri av Courbet (1819-1877) ble sett på som et uavhengig kjøretøy for form, farge og maling. Malerne ignorerte den hånende holdningen til sjangeren.

Revolusjonen innen maleri ledet av Manet, Renoir (1841-1919), Cezanne (1839-1906), C. Monet (1840-1926) og Van Gogh (1853-1890) lukket for alltid temaet for denne diskusjonen. Beundrere erkjente at stilleben er en veltalende, poetisk, "edel" sjanger av kunst.

I det 20. århundre

Livløse gjenstander i det nye stillebenet uttrykker verdens mysterium gjennom samsvaret mellom former og rom.

Alle beundret Manets tallerken med østers, Cezannes hodeskaller og klokker, eller Van Goghs irisvase som fantastiske tolkninger av verden rundt dem.

Cezanne skildrer et eple som en kvinne eller et fjell, og J. Braque (1882-1963) skildrer et eple som et sett med overlappende geometriske ansikter.

Transformasjonen av form og innhold til de reneste elementene av geometri, farger og symbolikk er synlig i komposisjonene til G. Chirico (1888-1976) og S. Dali (1904-1989) - dette er begynnelsen av det 20. århundre.

Den mystiske G. Morandi (1890-1964) brakte sin egen stil til maleriet - plastisitet med en begrenset palett, som minner om romersk maleri.

Sjangeren ble utnyttet til det maksimale av Pablo Picasso (1881-1973), slående med ufattelige former og et bredt spekter av stilistiske permutasjoner.

Den berømte popkunsten til Andy Warhol forvandler en hverdagsgjenstand til et kolossalt bilde.
Kunstnere på 1900-tallet brukte stilleben som et laboratorium for å oppdage nye teknikker og teste nye konseptuelle ideer. De gjorde det i representasjons- og abstrakte formater, utvidet til andre sjangre, blandet maleri med skulptur, collage, fotografi, video og hologrammer, i verk som er klassifisert som stilleben. På lerretene i dag kan du se forskjellene:

I farge fra kald til varm;
I farger fra kontraster til nyanserte toner;
I retning av belysning på lerretet;
I bakgrunnen arrangement av objekter;
I formuleringen av problemet fra en dekorativ funksjon til et realistisk bilde.

Stilfriheten til å formidle bildet ved hjelp av kubisme, kubofuturisme, popkunst, fotorealisme, neo-pop lar deg presentere stilleben på en ny måte, og det er grunnen til at sjangeren fortsetter å glede fansen.