Художници натюрморти с цветя. Най-добрите натюрморти

И. Машков "Натюрморт" (1930)

Думата "натюрморт" Френскипреведено като "мъртва природа" (фр. смъртна природа).

За натюрморта

Всичко, което вече не живее, диша, което е откъснато, отсечено, но продължава да радва човек със своето съществуване - всичко това е обект на натюрморт.

Като независим жанр на живописта натюрмортът започва да съществува през 17 век. в творчеството на холандски и фламандски художници. И по-рано беше само украшение и изпълняваше утилитарна функция.

Ранните натюрморти често съдържат скрита алегория (алегория), която се изразява чрез ежедневни предмети, надарени с символично значение. Понякога в натюрморти се изобразявал череп, който трябвало да напомня за преходността на живота и неизбежността на смъртта.

Алегоричният натюрморт се наричаше Ванитас (лат. vanitasбукв.: "суета, суета"). Композиционният му център традиционно е човешки череп.

Вартоломей Мозък Старши (I половина на 16 век). Ванитас

„Суета на суетите – каза Еклисиаст, „Суета на суетите, всичко е суета!“

Вилем Клас Хеда. Ванитас

Черепът символизира слабост човешки живот. Димящата лула е символ на мимолетни и неуловими земни удоволствия. Стъклото символизира крехкостта на живота. Ключовете са силата на домакинята, управляваща инвентара. Ножът напомня за уязвимостта на човека и неговата смъртност. Лист хартия обикновено с морализаторски (често песимистичен) израз. Например:

Hodie mihi cras tibi - днес за мен, утре за теб;

спомен за смъртта - спомен Мори;

Aeterne pungit cito volat et occidit - славата на героичните дела ще изчезне по същия начин като мечтата;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum - всичко е унищожено от смъртта, смъртта - последна границавсички неща;

Nil omne - всичко е нищо.

Но все пак по-често в натюрмортите се усеща възхищението на художника към предметите: кухненски прибори, цветя, плодове, предмети от бита - такива картини са закупени от клиенти, за да украсят интериора на домовете си.

От средата на XVII век. натюрморт в холандската живопис получи широко използваневече като самостоятелен жанр. И един от първите е флоралният натюрморт, особено в творбите на Амброзиус Босхарт Стари и Балтазар ван дер Аст, а след това продължава своето развитие в луксозните натюрморти на Ян Давидс де Хем през втората половина на 17 век . Флоралният натюрморт също е популярен сред художниците на нашето време.

Темата на натюрмортите е обширна: това са вече споменатите цветни натюрморти, изображения на закуски, сервирани маси, натюрморти на учени, които изобразяват книги и други предмети на човешката дейност, музикални инструментии т.н.

Помислете за някои от най-известните натюрморти.

Вилем Клас Хеда (1594-1682) "Натюрморт с шунка и сребърни прибори" (1649)

Вилем Клас Хеда "Натюрморт с шунка и сребърни прибори" (1649)

В тази картина се забелязва виртуозното умение на художника да пренася обикновени, ежедневни предмети от бита. Хеда ги изобразява така, че да си личи, че самият той им се възхищава: създава се усещане за осезаемост на всеки от обектите.

На малка масичка, покрита с богата тежка покривка, виждаме лимон и се възхищаваме на кехлибарената му мекота, усещаме миризмата на прясна шунка и чуваме звъна на искрящо сребро. Закуската е свършила, така че предметите на масата са в естествен безпорядък.

Сребърни прибори означава земно богатство, шунка - чувствени радости, лимон - външна красотав който се крие горчивина. Картината завършва размисъл за необходимостта да се грижим не само за тялото, но и за душата.

Натюрмортът е решен в един единствен кафяво-сив тон, характерен за цялата холандска живопис от онова време. Платното е не само красиво, но и разказва за скрития "тих живот" на предметите, видени от внимателния поглед на художника.

Натюрмортът е в Държавния музей изящни изкустватях. А. С. Пушкин в Москва.

Пол Сезан (1830-1906) Праскови и круши (1895)

Пол Сезан "Праскови и круши" (1895)

Пол Сезан е най-великият френски художник края на XIXв. Изпитал влиянието на импресионизма, Сезан им се противопоставя със свой собствен метод. Той се обявява против стремежа им да следват в изкуството само визуалното си впечатление - той е за обективно предаване на действителността, основано на закономерностите в природата. Искаше да види не променливи, а постоянни качества. Сезан е казал: "Искам да върна вечността на природата." Творческите си търсения художникът осъществява чрез синтеза на форма и цвят, форма и пространство. Особено това търсене може да се проследи в неговите натюрморти.

Всеки от обектите в този натюрморт е изобразен от различна гледна точка. Виждаме масата отгоре, покривката и плодовете отстрани, масата отдолу и каната едновременно. различни точкивизия. Сезан се стреми да покаже възможно най-пълно формата и обема, характерни за прасковите и крушите. Техниката му се основава на оптичен закон: топлите цветове (червено, розово, жълто, златно) ни се струват изпъкнали, а студените цветове (синьо, циан, зелено) се отдалечават в дълбините на платното.

Формата на обектите в натюрмортите на Сезан не зависи от произволно осветление, а става постоянна, присъща на всеки предмет. Затова натюрмортите на Сезан изглеждат монументални.

Картината се съхранява в Държавния музей за изящни изкуства. А. С. Пушкин в Москва.

Анри Матис (1869-1954) Синя покривка (1909)

Анри Матис "Синята покривка" (1909)

Известният френски художник Анри Матис в чуждестранното изкуство на XX век. заема една от водещите позиции. Но това място е специално.

В самото начало на 20в. Матис става ръководител на първата нова група по европейска живопис, която се нарича фовизъм(от френски "див"). Характеристика на тази тенденция беше свободата да се използва всеки цвят, произволно избран от художника, желанието за декоративна колоритност. Това беше предизвикателство към установените норми на официалното изкуство.

Но след известно време тази група се разпадна и Матис вече не принадлежеше към никоя посока, а избра свой собствен път. Със своето ясно, жизнерадостно изкуство Матис се стреми да даде мир на измъчените души на хората в емоционалната атмосфера на 20 век.

В натюрморта „Синя покривка“ Матис използва любимата си композиционна техника: платът се спуска отгоре. Материята на преден план сякаш затваря пространството на платното, което го прави плитко. Зрителят се възхищава на причудливата игра на синия орнамент върху тюркоазения фон на покривката, линиите на предметите от натюрморта. Художникът обобщава формите на златна кана за кафе, зелена гарафа и румени ябълки във ваза, те губят обема си, а малките предмети се подчиняват на ритъма на тъканта, допълват цветния акцент на картината.

Натюрморт в руската живопис

Натюрмортът като самостоятелен жанр на живописта се появява в Русия в началото на 18 век, но първоначално се смята за „нисш“ жанр. Най-често се използва като образователна средаи е разрешено само в ограничен смисъл като рисуване на цветя и плодове.

Но в началото на ХХ век. натюрмортът в руската живопис процъфтява и за първи път става равностоен жанр. Художниците търсеха нови възможности в областта на цвета, формата, композицията на натюрморта. Сред руските натурмористи може да се нарече I.F. Хруцки, И.Е. Грабар, П.П. Кончаловски, И. Левитан, А. Осмеркин, К. Петров-Водкин, М. Сарьян, В. Нестеренко и др.

от най-много известен натюрмортП. Кончаловски е неговият "Люляк".

П. Кончаловски "Люляк" (1939)

П. Кончаловски "Люляк" (1939)

П. Кончаловски в живописта е последовател на Сезан, той се стреми да изрази празничността на цвета, присъща на руския фолклорно изкуство, с помощта на цветовата конструктивност на Пол Сезан. Художникът придоби известност именно благодарение на своите натюрморти, често изпълнени в стил, близък до кубизма и фовизма.

Неговият натюрморт „Люляк” е пълен с този празничен колорит, радващ окото и въображението. Изглежда, че пролетният аромат на люляк идва от платното.

Гроздовете люляк са изобразени обобщено, но вътрешната памет ни подсказва очертанията на всяко цвете в грозда и затова картината на Кончаловски изглежда реалистична.

И. Машков, съвременник на Кончаловски, беше не по-малко щедър в изобразяването на материалността на света, колоритността на палитрата.

И. Машков "Ягоди на фона на червен поднос" (1910)

В този натюрморт има и бунт от цветове, способността да се наслаждавате на всеки момент, който животът дава, защото всеки момент е красив.

Всички теми от натюрморта са ни познати, но се усеща, че художникът се възхищава на щедростта на природата, богатството на заобикалящия ни свят и ни кани да споделим тази радост с него.

В. Нестеренко "Бащата на отечеството" (1997)

Това е натюрморт от съвременния художник В. Нестеренко. Темата на картината е изразена в нейното заглавие, а съдържанието се разкрива в изображението на предмети от натюрморта - символи на императорската власт на Петър I. Портретът на императора е разположен на фона на бойна сцена, каквито в живота му е имало много. Няма смисъл да се преразказват всички онези дела, за които Петър I е наречен баща на Отечеството. Можете да чуете различни мнения за дейността на първия руски император, но в този случайхудожникът изразява своето мнение и това мнение е изразено от него много убедително.

Натюрмортът е в Кремъл, в приемната на президента на Руската федерация.

Отношението към натюрморта се променя в различни епохи, понякога е почти забравено, а понякога е най-популярният жанр на живописта. Като независим жанр на живописта се появява в творчеството на холандски художници през 17 век. В Русия дълго време натюрмортът се третира като по-нисък жанр и едва в началото на 20 век той се превръща в пълноправен жанр. В продължение на четиривековна история художниците са създали много голям бройнатюрморти, но дори сред този брой могат да се откроят най-известните и значими произведения за жанра.

„Натюрморт с шунка и сребърни прибори“ (1649) Вилем Клас Хеда (1594-1682).

Холандският художник беше признат майстор на натюрморта, но именно тази картина се откроява в творчеството му. Тук се забелязва виртуозното майсторство на Кеда в пренасянето на предмети от ежедневието – създава се усещане за реалност на всеки един от тях. На маса, покрита с богата покривка, има кехлибарен лимон, парче прясна шунка и сребърни прибори. Утре току-що приключи, така че има лека бъркотия на масата, което прави картината още по-реална. Подобно на повечето холандски натюрморти от този период, тук всеки обект носи някакво семантично натоварване. И така, сребърните съдове говорят за земно богатство, шунката означава чувствени радости, а лимонът - външна красота, която крие вътрешната горчивина. Чрез тези символи художникът ни напомня, че трябва да мислим повече за душата, а не само за тялото. Картината е направена в една кафяво-сива гама, характерна за цялата холандска живопис от тази епоха. В допълнение към очевидната декоративност, този натюрморт разказва и за незабележимия "тих живот" на предметите, който е забелязан от внимателния поглед на художника.

„Праскови и круши“ (1895) Пол Сезан (1830-1906).

Жанрът на натюрморта винаги е бил много консервативен. Следователно почти до началото на 20 век изглеждаше по същия начин, както през 17 век. Докато Пол Сезан не пое управлението. Той вярваше, че живописта трябва обективно да предава реалността, а картините трябва да се основават на законите на природата. Сезан се стреми да предаде не променливите, а постоянните качества на субекта чрез синтеза на форма и цвят, обединяването на формата и пространството. И жанрът на натюрморта се превърна в отличен обект за тези експерименти. Всеки от предметите в натюрморта „Праскови и круши“ е изобразен от различен ъгъл. Така виждаме масата отгоре, плодовете и покривката - отстрани, масичката - отдолу, и каната като цяло едновременно с различни партии. Сезан се опитва да предаде формата и обема на прасковите и крушите възможно най-точно. За да направи това, той използва оптични закони, така че топлите нюанси (червено, розово, жълто, златно) се възприемат от нас като високоговорители, а студените (синьо, синьо, зелено) се отдалечават в дълбините. Следователно формата на предметите в неговите натюрморти не зависи от осветлението, а става постоянна. Ето защо Сезан изглежда монументално.

Синята покривка (1909) Анри Матис (1869-1954).

Е, да видим още снимки, става ли?
Неочаквани натюрморти - това е така, защото обикновено очакваме напълно различни теми от техните автори. Традиционно тези художници са работили в напълно различни жанрове, предпочитайки пейзаж, портрет или жанрова живопис. Само от време на време им идваше нещо в главите и те възкликваха: "А аз ще нарисувам тази ваза с тубероза!" Вярно, това се случваше много рядко. Толкова рядко, че трябваше половин ден да се ровя из източниците, за да намеря натюрмортите им.

НЕКА ЗАПОЧНЕМ С НАШИТЕ:

Марк Шагал "Бели цветя на червен фон". 1970 г. Марк вече има нарисувани само няколко натюрморта зряла възраст, и тогава той, свикнал с изобразяването на човеко-животински фантасмагории, не можеше да устои в нито една от тях - дори парче от човешка физиономия, поне някъде с парче хляб, нека го вмъкне.

Аз например много обичам натюрмортите, но повечето художници не. Някак си това не е твърдо за един уважаван творец, всички ученици учат основите на рисуването от сценични натюрморти.

Натюрмортът е особено непопулярен през втората половина на 19 век, в най-голяма степен - сред импресионистите нашите скитници също не го харесват. Някои от тях не намерих нито един натюрморт. Няма такива произведения и например Нестеров, Куинджи, Айвазовски, Перов, Григорий Мясоедов (който намери, кажете ми, ще добавя).

Виктор Васнецов "Букет". Приказна или епична история - моля, Киевската Владимирска катедрала е лесна за рисуване, но художникът няма много натюрморти. Те обаче са!

Разбира се, сред импресионистите има изключения - Сезан много обичаше натюрмортите, въпреки че не се смяташе за импресионист. Постимпресионистите Ван Гог и Матис "излязоха" на натюрморти (няма да разглеждам изброените тук - ние търсим редки произведения на "нехаресващите" натюрморти). Но в основата си представителите на тези течения не харесваха този бизнес с цветя и плодове - буржоазен и патриархален, без любим пленер - скука! Дори Берт Моризо е единственото момиче сред импресионистите и тя не харесва този леко "момичешки" жанр.

Иля Репин "Ябълки и листа", 1879 . Натюрморт - нетипичен за Репин. Дори тук композицията не прилича на класическа продукция - всичко това може да лежи някъде на земята под дърво, без очила и драперии.

Натюрмортът не винаги е минавал през лоши времена. Започва да се появява през 16-ти век, докато е част от жанровата живопис, а през 17-ти век, благодарение на холандците, прераства в независим жанр на живописта. Той е бил много популярен през 18-ти и през първата половина на 19-ти век, а след това, благодарение на новаторските движения в изкуството, популярността му започва да пада. Възраждането на модата за натюрморт започва около 20-те години на 20 век. Много представители на художниците съвременно изкуствоотново взеха вази и праскови, но това вече бяха нови форми. Разбира се, жанрът никога не е изчезнал напълно и е имало (и все още има) цяла плеяда художници на натюрморти. Ще говорим за това по-късно, но засега ще мълча, само ще коментирам нещо, а вие просто погледнете редките натюрморти на авторите, които са ги написали само от време на време:

Валентин Серов "Люляк във ваза", 1887 г.
В известните му творби можете да видите само парче натюрморт - праскови пред момиче. Най-проницателният портретист очевидно се е отегчил от рисуването на цветя и трупове на птици.

Исак Левитан. "Горски теменужки и незабравки", 1889 г.Геният на руския пейзаж понякога рисува прекрасни натюрморти. Но много рядко! Има и кана с глухарчета - прекрасно!

Василий Суриков "Букет".
Авторът на „Сутринта на екзекуцията Стрелци“ обичаше мащаба и драмата. Но и това е запазено - малко наивни и чаровни рози.

Борис Кустодиев. „Натюрморт с фазани", 1915 . Често в творбите му има огромни натюрморти - той рисува търговци и румени селяни на маси, буквално пълни с храна. И като цяло неговите весели ярки платна изглеждат като натюрморт, дори и да е портрет, но има малко отделни изображения не на съпругата на търговец, а на нейната закуска.

Виктор Борисов-Мусатов "Люляк", 1902 г.
Наистина харесвам неговия оригинален плътен, никой друг не е подобен. Винаги можеш да го познаеш, а в този натюрморт – също.

Михаил Врубел "Цветя в синя ваза", 1886 г
Какъв талант! Колко обидно малко време! Цветята също са прекрасни, както и демоните.

Василий Тропинин "Бекас и снекири", 1820 г.
Изглежда, че крепостният художник се е отнасял без особено уважение към жанра на натюрморта и затова почти никога не го е рисувал. Това, което виждате, дори не е пълноценно платно, а скица.

Казимир Малевич. "Натюрморт". И си помислихте, че ябълките му са квадратни?

Иван Крамской "Букет цветя. Флокси", 1884г
Исках да отида направо в дачата - там също имах флокси през лятото.

Василий Кандински "Риба в синя чиния" Все още не всичко е напълно в завъртания, очите и дори устата са проследени на снимката и дори са наблизо!

Нейтън Алтман "Мимоза", 1927 г
Харесвам. Има нещо в това.

Иван Шишкин, 1855 г.
И къде са мечките и гората?!

Исках да вмъкна и Петров-Водкин, но той имаше доста натюрморти, както изглежда. И Машков, Лентулов, Кончаловски, така че те не са подходящи за този пост.

ЧУЖДЕСТРАНЕН:

Егон Шиле "Натюрморт", 1918 г
И си мислехте, че знае как да рисува само голи непълнолетни?

Алфред Сисли. "Натюрморт с чапла". Мъртви птици - драма в ежедневието.

| Повече ▼ Сисли. Е, аз го обичам!

Гюстав Курбе. Ябълки и нарове в поднос. 1871 г

Едгар Дега "Жена, седнала до ваза с цветя", 1865 г
Въпреки името, жената заема 30 процента от площта на платното, така че тя го смята за натюрморт. Като цяло Дега обичаше да рисува хора много повече от цветя. Особено балерините.

Йожен Делакроа. "Букет".
Е, слава богу, никой никого не яде и никой не стреля!

Теодор Жерико "Натюрморт с три черепа"
Като цяло Gericault някак си подозрително обичаше сините трупове и всякакви "разчленения". И натюрмортът му е подходящ.

Камил Писаро, Натюрморт с ябълки и кана, 1872 г

Клод Моне "Натюрморт с круши и грозде", 1867 г.
Имаше натюрморти, имаше, но сравнително малко.

Огюст Реноар, Натюрморт с голяма ваза за цветя, 1866 г
Той, в сравнение с другите представени тук, има доста натюрморти. И какво! Един негов съвременник каза, че той няма тъжни произведения, а аз го обожавам, затова ги бутнах тук. А и защото неговите натюрморти все още са малко известни, много по-малко от всички тези къпещи се и т.н.

И знаете ли кой? Пабло Пикасо! 1919 г

Пабло беше невероятно продуктивен! Огромен брой снимки! И сред тях натюрмортите заемат много по-малък процент от всичко останало и дори тогава са били предимно "кубистични". Затова е включен в селекцията. За да ви даде представа колко луд (но със сигурност талантлив!) и непостоянен беше той, погледнете снимката по-долу. Това също е той и то през същата година!

Пабло Пикасо "Натюрморт върху скрин", 1919 г

Пол Гоген "Шунка", 1889 г.
Таитянките по-късно отидоха, той замина за Таити след 2 години (сега ще добавя и отивам да ровя в хладилника).

Едуард Мане, Карамфили и клематис в кристална ваза, 1882 г.
Има и прекрасни творби, като „Рози в чаша шампанско“, но натюрмортите на Мане в наследството му са винаги на заден план. И напразно, нали?

Франсоа Миле, 1860 г.
Просто вечеря за всичките му селяни и жътвари.

Берта Моризо "Синя ваза", 1888 г
Все още не можах да устоя!

Фредерик Базил. "Натюрморт с риба", 1866 г
Просто и дори грубо, но мисля, че дори помирисвам рибата! Да отида ли да изхвърля боклука?

Анри "Митнически служител" Русо, "Букет цветя", 1910 г.

Неочаквани като жанр, но неизменно като стил. Простодушният митничар винаги е бил верен на себе си.

Всички, благодаря ви за вниманието!
Как сте?

PS. И все пак Кузма Петров-Водкин, защото той е красив!:

Кузма Петров-Водкин "Цигулка в калъф", 1916 г., Музей на изкуствата в Одеса
Има доста натюрморти. Прекрасно, просто прекрасно! Такива ярки, летни - не забравяйте да погледнете в мрежата, преместете настрана червения кон и други революционни атрибути! Но тъй като имаме публикация за необичайни натюрморти, избрах най-нетипичния за този автор.

Благодаря отново за вниманието!

Нека да преминем към последния етап от тази поредица от публикации за жанра натюрморт. Той ще бъде посветен на творчеството на руски художници.

Да започнем с Фьодор Петрович Толстой (1783-1873). Графика на натюрморт от F.P. Толстой, известен руски скулптор, медалист, чертожник и художник, вероятно най-забележителната и ценна част от творческо наследство, въпреки че самият художник каза, че е създал тези творби „в свободното си време от сериозни проучвания“.

Основното свойство на натюрмортните рисунки на Толстой е тяхната илюзорност. Художникът внимателно копира природата. Опитвал се е, според него собствени думи, „със строга яснота, прехвърлете копираното цвете от живота на хартия такова, каквото е, с всички най-малки детайли, принадлежащи на това цвете.“ За да подведе зрителя, Толстой използва такива илюзионистични техники като изображението на капки роса или полупрозрачна хартия, покриваща рисунката и помагаща да се заблуди окото.

Иля Ефимович Репин (1844-1930) също многократно се обръща към такъв мотив за натюрморт като цветята. Тези творби включват картината „Есенен букет“ (1892, Третяковска галерия, Москва), където художникът изобразява с еднакво внимание есенен пейзаж, млада жена, стояща на фона на златни дървета, и скромен букет от жълти и бели цветя в нейните ръце.

И. Репин. Есенен букет. Портрет на Вера Репина. 1892, Третяковска галерия

Историята на картината "Ябълки и листа" е малко необичайна. Натюрмортът, съчетаващ плодове и листа, е поставен за ученика на Репин, В.А. Серов. Учителят толкова много хареса тематичната композиция, че реши сам да напише такъв натюрморт. Цветята и плодовете привличат много художници, които предпочитат, освен всичко друго, да покажат света на природата най-поетично и красиво. Дори И.Н. Крамской, който беше пренебрежителен към този жанр, също отдаде почит на натюрморта, създавайки ефектна картина „Букет цветя. Флокси” (1884, Третяковска галерия, Москва).

Валентин Александрович Серов (1865-1911) е известен на повечето от нас като художник, който обръща внимание в работата си на пейзажа, портрета и историческата живопис. Въпреки това, трябва да се отбележи, че темата в работата му винаги играе важна роляи често заемат същата равна позиция като другите елементи на композицията. Малко по-горе вече споменах неговата студентска работа „Ябълки върху листата“, 1879 г., направена под ръководството на Репин. Ако сравним това произведение с произведение, написано на същата тема от Репин, можем да видим, че натюрмортът на Серов е повече етюд, отколкото платното на неговия учител. Използван начинаещ художник ниска точкаизглед, така че първият и вторият план са комбинирани, а фонът е намален.

Познатата на всички от детството картина "Момиче с праскови" надхвърля портретния жанр и неслучайно се нарича "Момиче с праскови", а не "Портрет на Вера Мамонтова". Виждаме, че тук се съчетават характеристиките на портрет, интериор и натюрморт. Художникът обръща еднакво внимание на образа на момиче в розова блуза и няколко, но умело групирани предмета. Бледожълти праскови, кленови листа и лъскав нож лежат върху бяла покривка. Други неща на заден план също са нарисувани с любов: столове, голяма порцеланова чиния, украсяваща стената, фигурка на играчка войник, свещник на перваза на прозореца. Слънчевата светлина, изливаща се от прозореца и падаща върху предмети с ярки отблясъци, придава на изображението поетичен чар.

Михаил Александрович Врубел (1856-1910) пише: „И пак ме удря, не, не ме удря, но чувам онази интимна национална нотка, която толкова искам да уловя на платното и в орнамента. Това е музиката на цяла личност, която не е разчленена от разсейването на един подреден, диференциран и блед Запад.”

В Художествената академия любимият учител на Врубел е Павел Чистяков, който учи младия художник да "рисува с форма" и твърди, че триизмерните форми не трябва да се създават в пространството със засенчване и контури, те трябва да се изграждат с линии. Благодарение на него Врубел се научи не само да показва природата, но и сякаш да води искрен, почти любовен разговор с нея. В този дух е направен прекрасният натюрморт на майстора „Дивата роза” (1884 г.).

На фона на изящна драперия с флорални мотиви, художникът е поставил елегантна заоблена ваза, изрисувана с ориенталски мотиви. Деликатен бяло цветешипки, оцветени със синьо-зелена тъкан, а листата на растението почти се сливат със смътно блестящото черно гърло на вазата. Тази композиция е изпълнена с неизразим чар и свежест, на които зрителят просто не може да не се поддаде.

По време на болестта Врубел започва да рисува повече от природата и неговите рисунки се отличават не само с преследвана форма, но и с много специална духовност. Като че ли всяко движение на ръката на художника издава неговото страдание и страст.

Особено забележителна в това отношение е рисунката „Натюрморт. Свещник, гарафа, чаша”. Това е съкрушителен триумф на яростната обективност. Всяка част от натюрморта носи скрита експлозивна сила. Материалът, от който са направени нещата, независимо дали е бронзът на свещник, стъклото на гарафа или матовото отражение на свещ, осезаемо трепти от колосалното вътрешен стрес. Пулсацията се предава от художника в кратки пресичащи се щрихи, което прави текстурата експлозивна и напрегната. Така обектите придобиват невероятна острота, която е истинска същностот нещата.

Г.Н. Теплов и Т. Улянов. Най-често те изобразяват стена от дъски, върху която са нарисувани възли и вени на дърво. По стените се окачват различни предмети или се запушват зад заковани панделки: ножици, гребени, писма, книги, нотни тетрадки. Часовници, мастилници, бутилки, свещници, съдове и други дребни неща са поставени на тесни рафтове. Изглежда, че такъв набор от елементи е напълно случаен, но всъщност това далеч не е така. Гледайки такива натюрморти, можете да гадаете за интересите на художници, които са се занимавали с музика, четене и са били любители на изкуството. Майсторите с любов и усърдие изобразяваха скъпи за тях неща. Тези картини докосват със своята искреност и непосредственост на възприемане на природата.

Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) също посвещава много от творчеството си на жанра на натюрморта. На жизнерадостните му платна могат да се видят ярки сатенени тъкани, искрящи медни самовари, блясък на фаянс и порцелан, червени резени диня, гроздови гроздове, ябълки, апетитни кифли. Една от забележителните му картини е "Търговецът на чай", 1918 г. Невъзможно е да не се възхищаваме на яркото великолепие на обектите, изобразени на платното. Искрящ самовар, яркочервена каша от дини, лъскави ябълки и прозрачно грозде, стъклена ваза със сладко, позлатена захарница и чаша, стоящи пред съпругата на търговеца - всички тези неща внасят празнично настроение в образа.

В жанра на натюрморта голямо вниманиебеше даден на т. нар. "натюрморт-манекен". Много натюрморти са „трикове“, въпреки факта, че те основна задачабеше подвеждането на зрителя, те имат несъмнени художествени достойнства, особено забележими в музеите, където, окачени по стените, такива композиции, разбира се, не могат да заблудят публиката. Но има и изключения. Например „Натюрморт с книги“, дело на П.Г. Богомолов, е поставена в илюзорна „библиотека“ и посетителите не разбират веднага, че това е просто картина.

Много добър „Натюрморт с папагал“ (1737) G.N. Теплов. С помощта на ясни, точни линии, преминаващи в меки, плавни контури, светли, прозрачни сенки, фини цветови нюанси, художникът показва разнообразни предмети, окачени на дъсчена стена. Майсторски обработено дърво, синкави, розови, жълтеникави нюанси помагат да се създаде почти истинско усещане. свежа миризмапрясно отсечено дърво.

Г.Н. Теплов. "Натюрморт с папагал", 1737 г., Държавен музейкерамика, им.Кусково

Руските натюрморти-"трикове" от 18 век свидетелстват за факта, че художниците все още не умело предават пространство и обеми. За тях е по-важно да покажат текстурата на обектите, сякаш прехвърлени на платното от реалността. За разлика от холандските натюрморти, където нещата, погълнати от светлата среда, са изобразени в единство с нея, в картините на руските майстори предметите, рисувани много внимателно, дори дребни, сякаш живеят сами, независимо от околното пространство.

AT началото на XIXвек, голяма роля в по-нататъшното развитие на натюрморта играе школата на A.G. Венецианов, който се противопоставя на строгото разграничаване на жанровете и се стреми да научи своите ученици на цялостна визия за природата.

А. Г. Венецианов. Barnyard, 1821-23

Венецианската школа откри нов жанр за руското изкуство - интериора. Художниците показаха различни помещения на благородния дом: всекидневни, спални, кабинети, кухни, класни стаи, стаи за хора и др. В тези творби важно място беше отделено на изобразяването на различни предмети, въпреки че самият натюрморт не представляваше голям интерес за представителите на кръга Венецианов (във всеки случай са оцелели много малко натюрморти, направени от учениците на известния художник). Въпреки това Венецианов призова своите ученици да изучават внимателно не само лицата и фигурите на хората, но и нещата около тях.

Предметът в картината на Венецианов не е аксесоар, той е неразривно свързан с останалите детайли на картината и често е ключът към разбирането на изображението. Например, сърповете в картината „Жътварите“ (втората половина на 1820-те години, Руският музей, Санкт Петербург) изпълняват подобна функция. Нещата във венецианското изкуство сякаш са въвлечени в забързания и спокоен живот на героите.

Въпреки че Венецианов по всяка вероятност всъщност не рисува натюрморти, той включи този жанр в своята система на преподаване. Художникът написа: Неодушевените неща не са подложени на онези различни промени, които са характерни за одушевените предмети, те стоят, държат се спокойно, неподвижно пред неопитен художник и му дават време да проникне по-точно и разумно, да надникне в отношението на една част към друга, както в линии, така и в светлина и сянка от самия цвят., които зависят от мястото, заето от обектите”.

Разбира се, натюрмортът изигра голяма роля в педагогическа системаХудожествената академия през XVIII-XIX век (в класни стаиучениците правеха копия от натюрморти на холандски майстори), но Венецианов, който насърчи младите художници да се обърнат към природата, въведе натюрморт през първата си година на обучение, съставен от неща като гипсови фигури, съдове , свещници, разноцветни панделки, плодове и цветя. Венецианов подбра теми за образователни натюрморти, така че да представляват интерес за начинаещи художници, разбираеми по форма, красиви по цвят.

В картините, създадени от талантливи ученици на Венецианов, нещата са предадени правдиво и свежо. Това са натюрмортите на К. Зеленцов, П.Е. Корнилов. В произведенията на венецианците има и произведения, които по същество не са натюрморти, но въпреки това ролята на нещата в тях е огромна. Можете да назовете например платната „Етюд в Островки“ и „Отражение в огледалото“ на Г.В. Свраките се съхраняват в колекцията на Руския музей в Санкт Петербург.

Г.В. Сврака. "Офис в Островки". Фрагмент, 1844 г., Руски музей, Санкт Петербург

Натюрмортите в тези произведения не действат самостоятелно, а като части от интериора, аранжирани по своеобразен начин от майстора, съответстващ на общата композиционна и емоционална структура на картината. Основният свързващ елемент тук е светлината, нежно преминаваща от един предмет в друг. Гледайки платната, разбирате колко е интересно Светътхудожник, който изобразява с любов всеки предмет, всяко най-малко нещо.

Натюрмортът, представен в „Етюд в Островки“, въпреки че заема малко място в общата композиция, изглежда необичайно значим, подчертан поради факта, че авторът го е оградил от останалото пространство с висок гръб на диван, и го отрежете отляво и отдясно с рамка. Изглежда, че Magpie беше толкова увлечен от предметите, лежащи на масата, че почти забрави за останалите детайли на картината. Майсторът грижливо изписа всичко: перо, молив, компас, транспортир, канцеларско ножче, сметало, листове хартия, свещ в свещник. Гледната точка отгоре ви позволява да видите всички неща, нито едно от тях не закрива другото. Атрибути като череп, часовник, както и символи на „земна суета“ (статуетка, хартии, сметало) позволяват на някои изследователи да класифицират натюрморта като vanitas, въпреки че това съвпадение е чисто съвпадение, най-вероятно крепостният селянин художникът използва това, което е на масата на неговия господар.

Известният майстор на сюжетни композиции от първия половината на XIXвек е художникът I.F. Хруцки, който рисува много красиви картини в духа на холандците натюрморт XVIIвек. Сред най-добрите му творби са „Цветя и плодове“ (1836, Третяковска галерия, Москва), „Портрет на съпруга с цветя и плодове“ (1838, Художествен музей на Беларус, Минск), „Натюрморт“ (1839, Музей на Академия на изкуствата, Санкт Петербург).

През първата половина на 19 век в Русия „ботаническият натюрморт“, който дойде при нас Западна Европа. Във Франция по това време са публикувани произведения на ботаници с красиви илюстрации. По-голяма слава в много европейски държавиполучена от художника П.Ж. Редут, който е смятан за „най-известния художник на цветя на своето време“. „Ботаническата рисунка“ беше значимо явление не само за науката, но и за изкуството и културата. Такива рисунки бяха представени като подарък, украсени албуми, което ги постави наравно с други произведения на живописта и графиката.

През втората половина на 19 век П.А. Федотов. Въпреки че всъщност не е рисувал натюрморти, светът на нещата, които е създал, възхищава със своята красота и правдивост.

Обектите в творбите на Федотов са неотделими от живота на хората, те са пряко въвлечени в драматичните събития, изобразени от художника.

Гледайки картината „Свежият кавалер“ („Сутрин след празника“, 1846 г.), човек е изумен от изобилието от предмети, внимателно боядисани от майстора. Истински натюрморт, изненадващ със своя лаконизъм, е представен в известната картина на Федотов „Ухажването на майор“ (1848 г.). Чашата е осезаемо истинска: чаши за вино на високи крака, бутилка, гарафа. Най-тънкият и прозрачен, той сякаш издава нежен кристален звън.

Федотов П.А. Бракът на майора. 1848-1849 г. GTG

Федотов не отделя предметите от интериора, така че нещата са показани не само надеждно, но и живописно фино. Всеки най-обикновен или не особено атрактивен предмет, който заема своето място в общото пространство, изглежда удивителен и красив.

Въпреки че Федотов не рисува натюрморти, той проявява несъмнен интерес към този жанр. Интуицията му подсказа как да подреди този или онзи обект, от каква гледна точка да го представи, какви неща ще изглеждат по-нататък не само логически обосновано, но и изразително.

Светът на нещата, който помага да се покаже живота на човека във всичките му проявления, придава на произведенията на Федотов специална музикалност. Такива са картините „Котва, още котва” (1851-1852), „Вдовицата” (1852) и много други.

През втората половина на 19 век жанрът натюрморт практически престава да интересува художниците, въпреки че много жанрови художници доброволно включват елементи от натюрморт в своите композиции. Нещата в картините на В.Г. Перов („Пиенето на чай в Митищи“, 1862 г., Третяковска галерия, Москва), Л.И. Соломаткин („Славильщики-городовие“, 1846 г., Държава исторически музей, Москва).

Натюрмортите са представени в жанрови сцени от A.L. Юшанова („Изпращане на началника“, 1864), М.К. Клод („Болният музикант“, 1855 г.), В.И. Якоби („Разносчик“, 1858), А.И. Корзухин („Преди изповед“, 1877; „В хотела на манастира“, 1882), К.Е. Маковски ("Алексеич", 1882). Всички тези платна сега се съхраняват в колекцията на Третяковската галерия.

К.Е. Маковски. „Алексеич”, 1882, Третяковска галерия, Москва

През 1870-1880-те години ежедневието остава водещ жанр в руската живопис, въпреки че пейзажът и портретът също заемат важно място. огромна роляза по-нататъчно развитиеРуското изкуство беше изиграно от Странниците, които се стремяха да покажат истината за живота в своите произведения. Художниците започнаха да дават голямо значениеработещи от природата и следователно все повече се обръщат към пейзажа и натюрморта, въпреки че много от тях смятат последното за загуба на време, безсмислена страст към формата, лишена от вътрешно съдържание. И така, I.N. Крамской споменава известния френски художник, който не пренебрегва натюрмортите, в писмо до В.М. Васнецов: „Талантливият човек няма да губи време за изображение, например басейни, риби и т.н. Добре е да направите това за хора, които вече имат всичко, но имаме много работа за вършене.“

Въпреки това много руски художници, които не рисуваха натюрморти, им се възхищаваха, гледайки платната на западни майстори. Например, V.D. Поленов, който беше във Франция, пише на И.Н. Крамской: „Вижте как вървят нещата тук, като по часовник, всеки работи по свой начин, в различни посоки, каквото на когото му харесва, и всичко това се оценява и заплаща. При нас най-важно е какво се прави, но тук е как се прави. Например за меден леген с две риби те плащат двайсет хиляди франка и освен това смятат този майстор на мед за първия художник и може би не без основание.

Посетен през 1883 г. на изложба в Париж V.I. Суриков се възхищаваше на пейзажи, натюрморти и картини, изобразяващи цветя. Той написа: „Рибите на Gibert са добри. Рибената слуз е предадена майсторски, колоритно, омесена тон в тон.” Има в писмото му до П.М. Третяков и такива думи: „А рибите на Гилбърт са чудо. Е, можете напълно да го вземете в ръцете си, написано е за измама.

И Поленов, и Суриков могат да станат отлични майстори на натюрморта, както се вижда от майсторски изрисуваните предмети в техните композиции („Болна“ от Поленова, „Меншиков в Березов“ от Суриков).

В.Д. Поленов. „Болен“, 1886, Третяковска галерия

Повечето от натюрмортите, създадени от известни руски художници през 1870-те и 1880-те години, са произведения от ескизен характер, показващи желанието на авторите да предадат характеристиките на нещата. Някои от тези произведения изобразяват необичайни, редки предмети (например изследване с натюрморт за картината на И. Е. Репин „Казаците пишат писмо до турския султан“, 1891 г.). Самооценкатакива произведения не е имало.

Натюрморти от A.D. Литовченко, направени като подготвителни скици за голямото платно „Иван Грозни показва своите съкровища на посланик Хорси“ (1875 г., Руски музей, Санкт Петербург). Художникът показа луксозни брокатени платове, инкрустирани оръжия скъпоценни камъни, златни и сребърни предмети, съхранявани в царските съкровищници.

По-редки по това време са етюдните натюрморти, представляващи обикновени битови предмети. Такива произведения са създадени с цел изучаване на структурата на нещата и също са резултат от упражнение в техниката на рисуване.

Натюрмортът играе важна роля не само в жанровата живопис, но и в портрета. Например на снимката I.N. Крамской „Некрасов в периода на последните песни“ (1877-1878, Третяковска галерия, Москва), предметите служат като аксесоари. С.Н. Голдщайн, който изучава творчеството на Крамской, пише: „В търсене на цялостната композиция на произведението той се стреми интериорът, който пресъздава, въпреки собствения си битов характер, да допринася преди всичко за осъзнаването на духовния образ на поета, неувяхващо значение на неговата поезия. И наистина, отделните аксесоари на този интериор - томовете на "Съвременник", безразборно подредени на маса до леглото на пациента, лист хартия и молив в отслабналите му ръце, бюст на Белински, портрет на Добролюбов, окачен на стената - придобили в тази работа смисъл в никакъв случай външни признациситуации, но реликви, тясно свързани с образа на човек.

Сред малкото натюрморти на Скитниците основното място заемат „букети“. Интересен „Букет” от В.Д. Поленов (1880 г., Музей на имението Абрамцево), по начин на изпълнение малко напомнящ натюрмортите на И.Е. Репин. Непретенциозен в своя мотив (малки диви цветя в семпла стъклена ваза), той все пак радва със свободната си живопис. През втората половина на 1880-те подобни букети се появяват в картините на I.I. Левитан.

По различен начин И. Н. демонстрира цветята на зрителя. Крамской. Много изследователи смятат, че две картини са „Букет цветя. Флокси” (1884, Третяковска галерия, Москва) и „Рози” (1884, колекция на Р. К. Викторова, Москва) са създадени от майстора по време на работа върху платното „Неутешима скръб”.

Крамской демонстрира два „букета“ на XII пътуваща изложба. Ефектни, ярки композиции, изобразяващи градински цветя на тъмен фон, намериха купувачи още преди откриването на изложбата. Собствениците на тези произведения бяха барон G.O. Гюнцбург и императрицата.

На IX пътуваща изложба от 1881-1882 г. вниманието на публиката беше привлечено от картината на К.Е. Маковски, наречена в каталога "Nature morte" (сега се намира в Третяковската галерия под името "В ателието на художника"). Голямото платно изобразява огромно куче, лежащо върху килим, и дете, което се протяга от фотьойла, за да вземе плодове на масата. Но тези фигури са само детайлите, от които авторът се нуждае, за да съживи натюрморта - много луксозни неща в ателието на художника. Написана в традициите на фламандското изкуство, картината на Маковски все още докосва душата на зрителя. Художникът, увлечен от пренасянето на красотата на скъпите неща, не успя да покаже своята индивидуалност и създаде произведение, основната целкоето е демонстрация на богатство и лукс.

Всички предмети на картината сякаш са събрани, за да удивят зрителя с великолепието си. На масата има традиционен натюрморт от плодове - големи ябълки, круши и грозде върху голяма красива чиния. Има и голяма сребърна чаша, украсена с орнаменти. В близост стои бяло-син фаянсов съд, до който има богато украсено старинно оръжие. За това, че това е работилница на художник, напомнят четки, поставени в широка кана на пода. Позлатеното кресло има меч в луксозна ножница. Подът е покрит с килим с ярък орнамент. Скъпите тъкани също служат като декорация - брокат, гарниран с дебела козина, и кадифе, от което е ушита завесата. Цветът на платното е издържан в наситени нюанси с преобладаване на алено, синьо, златисто.

От всичко казано по-горе става ясно, че през втората половина на 19 век натюрмортът не играе съществена роля в руската живопис. Разпространен е само като етюд за картина или образователен етюд. Много художници, рисували натюрморти вътре академична програма, в самостоятелна работа, те не се върнаха повече към този жанр. Натюрмортите са рисувани предимно от непрофесионалисти, които създават акварели с цветя, горски плодове, плодове, гъби. Големите майстори не смятаха натюрморта за достоен за внимание и използваха предмети само за да покажат убедително обстановката и да украсят изображението.

Първите наченки на нов натюрморт могат да бъдат намерени в картините на художници, работили в началото на 19-20 век: I.I. Левитан, И.Е. Грабар, В.Е. Борисов-Мусатов, М.Ф. Ларионова, К.А. Коровин. По това време натюрмортът се появява в руското изкуство като независим жанр.

Но това беше много особен натюрморт, разбиран от художници, които работеха по импресионистичен начин, а не като обикновена затворена сюжетна композиция. Майсторите изобразяват детайли от натюрморт в пейзаж или интериор и за тях е важен не толкова животът на нещата, а самото пространство, мъгла от светлина, която разтваря очертанията на предметите. Голям интерес представляват и графичните натюрморти на М.А. Врубел, отличаващи се с уникалната си оригиналност.

В началото на 20 век такива художници като А.Я. Головин, С.Ю. Судейкин, А.Ф. Гауш, Б.И. Анисфелд, И.С. ученик. Нова дума в този жанр каза и N.N. Сапунов, който създава цяла линияпана с букети цветя.

През 1900 г. много художници от различни посоки се обръщат към натюрморта. Сред тях бяха и т.нар. Московски сезанисти, символисти (П. В. Кузнецов, К. С. Петров-Водкин) и др. важно мястопредметни композиции, заети в работата на такива известни майстори като M.F. Ларионов, Н.С. Гончарова, А.В. Лентулов, Р.Р. Фалк, П.П. Кончаловски, А.В. Шевченко, Д.П. Щеренберг, който направи натюрморта пълноправен сред другите жанрове в руската живопис на 20 век.

Един списък с руски художници, които са използвали елементи от натюрморт в работата си, ще заеме много място. Затова се ограничаваме до представения тук материал. Заинтересованите могат да научат повече за линковете, предоставени в първата част на тази поредица от публикации за жанра натюрморт.

Предишни публикации: Част 1 -
Част 2 -
част 3 -
част 4 -
част 5 -

За някои емблематични художници, създали натюрморти.

Въведение

Терминът "натюрморт" се използва за определяне на картини, изобразяващи неодушевени обекти (от латински "мъртва природа"). Освен това обектите могат да бъдат естествен произход(плодове, цветя, мъртви животни и насекоми, черепи и др.) и създадени от човека (различни прибори, часовници, книги и хартиени свитъци, Бижутаи така нататък). Често натюрмортът включва някакъв скрит подтекст, предаден чрез символичен образ. Произведенията с алегоричен характер принадлежат към поджанра "vanitas".

Натюрмортът като жанр е най-развит в Холандия през 17 век като начин за протест срещу установената църква и налагането на религиозно изкуство. AT по-нататъшна историякартини на холандци от онова време (Утрех, Лайден, Делфт и др.) огромно въздействиеза развитието на изкуството: композиция, перспектива, използване на символика като елемент на разказа. Въпреки значението и интереса на публиката, според академиите по изкуствата, натюрмортът заема последното място в общата йерархия на жанровете.

Рейчъл Руиш

Рюйш е един от най-известните холандски реалисти и художници на натюрморти. Композициите на този художник съдържат много символика, различни морални и религиозни послания. Нейният характерен стил е комбинация от тъмен фон, прецизно внимание към детайла, деликатно оцветяване и изображение на допълнителни елементи, които добавят интерес (насекоми, птици, влечуги, кристални вази).

Хармен ван Стенуик

Работата на този холандски реалист перфектно демонстрира натюрморти в стил vanitas, илюстриращи шума и суетата на земния живот. Една от най-известните картини е "Алегория на суетата на човешкия живот", която показва човешки череп в лъчите слънчева светлина. Различни предметикомпозициите препращат към идеите за неизбежността на физическата смърт. Детайлите и нивото на реализъм в картините на Stenwijk се постигат чрез използването на фини четки и техники за нанасяне на бои.

Пол Сезан

Известен със своите пейзажи, портрети и жанрови произведения, Сезан допринася и за развитието на натюрморта. След като интересът към импресионизма избледнява, художникът започва да изследва плодовете и природни обекти, експериментирайте с триизмерни фигури. Тези проучвания помогнаха за създаването на перспектива и измерение в картините на натюрморт, не само чрез класически техники, но и чрез майсторското използване на цветовете. Всички посоки, разгледани от Сезан, са допълнително проучени от Жорж Брак и Пикасо в развитието на аналитичния кубизъм. В преследване на целта да създаде нещо "постоянно", художникът предпочита да рисува едни и същи предмети, а невероятно дългият процес на създаване на натюрморт доведе до факта, че плодовете и зеленчуците започнаха да гният и да се разлагат много преди картината да бъде завършена .

Кхем

Ученик на Давид Байи, холандският реалист Хем е известен със своите великолепни натюрморти с много детайли, наситени с композиции, изобилие от насекоми и други декоративни и символни елементи. Често художникът използва религиозни мотиви в творбите си, като Ян Брьогел и Федерико Боромео.

Жан Батист Шарден

Синът на дърводелеца Жан Шарден придобива трудолюбието и жаждата си за ред именно благодарение на баща си. Картините на майстора често са спокойни и трезви, защото той се стреми към хармония на тона, цвета и формата, до голяма степен постигната чрез работа с осветление и контрасти. Стремежът към чистота и ред се изразява и в липсата на алегории в композициите.

Франс Снайдерс

Авторът на барокови натюрморти и животински сцени е невероятно плодовит майстор и способността му да изобразява текстурата на кожа, козина, стъкло, метал и други материали е ненадмината. Снайдерс също беше виден художник на животни, често изобразяващ мъртви животни в своите натюрморти. По-късно той става официален художник на ерцхерцог Алберт Австрийски, което води до създаването на друг Повече ▼шедьоври.

Франсиско де Сурбаран

Зурбаран - известен авторкартини на религиозна тема – е един от най-големите създатели на натюрморти. Рисувана в строгата испанска традиция, работата му има вечно качество и безупречна простота. Като правило те представляват малък брой обекти на затъмнен фон.

Конър Уолтън

от съвременни авториЗабележителен е Конър Уолтън. Приносът на ирландския художник за развитието на натюрморта може да се види ясно в творбите "Скрити: портокали и лимони" (2008), "Натюрморт с големи орхидеи" (2004). Работата на занаятчиите е прецизна и изпълнена с изключително използване на светлина, за да помогне за предаването на текстурите на различни повърхности.

Най-добрите натюрмортиактуализиран: 4 юни 2017 г. от: Глеб