Περιγραφή διάσημων νεκρών φύσεων ρωσικής ζωγραφικής. Νεκρή φύση ως είδος καλών τεχνών. (Σύντομη περιγραφή του)

Νεκρή φύση(Γαλλικά Nature morte - νεκρή φύση), ένα από τα είδη ζωγραφικής που απεικονίζει τα δώρα της φύσης (φρούτα, λουλούδια, ψάρια, παιχνίδι), καθώς και πράγματα φτιαγμένα από ανθρώπινο χέρι (επιτραπέζια σκεύη, βάζα, ρολόγια κ.λπ.). Μερικές φορές άψυχα αντικείμενα συνυπάρχουν με ζωντανά όντα - έντομα, πουλιά, ζώα και ανθρώπους.

Μοτίβα νεκρής φύσης βρίσκονται ήδη στην τέχνη αρχαία ανατολήκαι την αρχαιότητα. Υπάρχει ένας θρύλος ότι ο αρχαίος Έλληνας καλλιτέχνης Απελλής απεικόνισε τα σταφύλια τόσο επιδέξια που τα πουλιά τον μπέρδεψαν για αληθινά και άρχισαν να ραμφίζουν.

Η πρώτη αναφορά στη νεκρή φύση βρίσκεται στο XV-XVI αιώνες. Για πολύ καιρό, η νεκρή φύση διατήρησε τη σύνδεσή της με τη θρησκευτική εικόνα.

Ως ανεξάρτητο είδος, η νεκρή φύση αναπτύχθηκε τον 17ο αιώνα. και στη συνέχεια γνώρισε τη λαμπρή ακμή του στο έργο των Ολλανδών, Φλαμανδών και Ισπανών δασκάλων. Η ποικιλομορφία των τύπων και των μορφών του εκείνη την εποχή συνδέεται με την ανάπτυξη εθνικών ρεαλιστικών σχολών ζωγραφικής.

Δημοφιλείς ήταν επίσης εικόνες από μαγειρικά σκεύη, βάζα με λουλούδια και, τέλος, Βανίτας(«ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών»), νεκρές φύσεις με θέμα την αδυναμία της ζωής και τις βραχυπρόθεσμες χαρές της, που απαιτούν να θυμόμαστε τις αληθινές αξίες και να φροντίζουμε για τη σωτηρία της ψυχής. Αγαπημένα χαρακτηριστικά του "Vanitas" είναι ένα κρανίο και ένα ρολόι (J. van Strek. "Vanity of vanities").

Για Ολλανδικές νεκρές φύσεις , όπως και γενικά για τη νεκρή φύση του 17ου αιώνα, είναι χαρακτηριστική η παρουσία κρυμμένων φιλοσοφικών χροιών, σύνθετος χριστιανός ή συμβολισμός αγάπης(το λεμόνι ήταν σύμβολο μέτρου, ο σκύλος ήταν πιστότητα κ.λπ.)

Οι Φλαμανδοί, αντίθετα, ζωγράφιζαν μεγάλους, μερικές φορές τεράστιους καμβάδες που προορίζονταν να διακοσμήσουν τις αίθουσες του παλατιού. Διακρίνονται από μια εορταστική πολυχρωμία, μια πληθώρα αντικειμένων και την πολυπλοκότητα της σύνθεσης. Τέτοιες νεκρές φύσεις ονομάζονταν "μαγαζιά"(J. Feith, F. Σνάιντερς). Απεικόνιζαν τραπέζια γεμάτα με κυνήγι, θαλασσινά, ψωμί, και δίπλα τους ήταν οι ιδιοκτήτες που προσφέρουν τα αγαθά τους. Άφθονο φαγητό, σαν να μην χωρούσε στα τραπέζια, κρεμόταν, έπεσε απευθείας στο κοινό.

ΣΤΟ Ιταλία και ΙσπανίαΗ άνοδος της νεκρής φύσης συνέβαλε σε μεγάλο βαθμό στο έργο του Καραβάτζιο. Τα αγαπημένα θέματα της νεκρής φύσης ήταν τα λουλούδια, τα λαχανικά και τα φρούτα, τα θαλασσινά, ΕΙΔΗ ΚΟΥΖΙΝΑΣκ.λπ. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis κ.ά.).

Ισπανοί καλλιτέχνεςπροτίμησαν να περιοριστούν σε ένα μικρό σύνολο αντικειμένων και δούλεψαν με διακριτικότητα χρωματικό σχέδιο. Οι μορφές είναι απλές και ευγενείς. πλάθονται προσεκτικά με chiaroscuro, σχεδόν απτά, η σύνθεση είναι αυστηρά ισορροπημένη (F. Zurbaran. «Still life with oranes and lemons», 1633· A. Pereda. «Still life with a clock»).

Τον 19ο αιώνα οι παραδόσεις δόλιας έχουν αναθεωρηθεί. Η νεκρή φύση βιώνει μια άνοδο στον πρώτο όροφο. 19ος αιώνας στο έργο του Φ.Π. Τολστόι, που ξανασκέφτηκαν τις παραδόσεις των «κόλπων» («Μούρα από κόκκινες και λευκές σταφίδες», 1818), καλλιτέχνες Ενετικό σχολείο, I. T. Khrutsky. Στα καθημερινά αντικείμενα, οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να δουν την ομορφιά και την τελειότητα.

Τον 18ο αιώνα ο Γάλλος μάστερ J.-B. ΑΠΟ. Chardin. Οι πίνακές του, που απεικονίζουν απλά, συμπαγή σκεύη (μπολ, χάλκινη δεξαμενή), λαχανικά, απλό φαγητό, γεμίζουν με πνοή ζωής, ζεσταίνονται από την ποίηση της εστίας και επιβεβαιώνουν την ομορφιά της καθημερινότητας. Ο Chardin ζωγράφισε επίσης αλληγορικές νεκρές φύσεις (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).

Η ομορφιά της φύσης ανέκαθεν αναστατώνει τις καρδιές και το μυαλό των ανθρώπων. Οι καλλιτέχνες με την ιδιαίτερη αισθητική τους αντίληψη προσπαθούσαν ανά πάσα στιγμή να συνδυάσουν το ζωντανό και το άψυχο. Νεκρή φύση - συνεννόηση ειδών οικιακής χρήσης και φύσης. Η ιδιαιτερότητα της σύνθεσης επιτρέπει στον καλλιτέχνη να μεταφέρει στον θεατή τον συναισθηματικό πλούτο της εικόνας.

Μια νεκρή φύση με λουλούδια είναι τόσο γραφική από μόνη της που δεν απαιτεί ποικιλία πρόσθετων λεπτομερειών. Το χρώμα του φωτισμού, ο συνδυασμός γραμμών και χρωμάτων, το σχήμα και η υφή σας επιτρέπουν να δημιουργήσετε μια μοναδική δραματουργία της εικόνας.

Τι είναι νεκρή φύση;

Νεκρή φύση μεταφρασμένο από γαλλική γλώσσασημαίνει «νεκρή φύση». Σχηματίστηκε ως ανεξάρτητο είδος ζωγραφικής τον 17ο αιώνα. Η νεκρή φύση είναι εξ ολοκλήρου αφιερωμένη στην απεικόνιση πραγμάτων. Αυτό το διακρίνει από πορτραίτο, τοπίο, ιστορικά θέματα. Αντικείμενα της άγριας ζωής (ψάρια, θηράματα, φρούτα, λουλούδια) υπάρχουν στη νεκρή φύση. Είναι όμως αποκομμένοι από τους φυσικό περιβάλλον. Για παράδειγμα, τα ψάρια και το κυνήγι βρίσκονται στο τραπέζι, τα φρούτα σε ένα πιάτο, τα λουλούδια σε ένα βάζο.

Εικόνες ανθρώπων, ζώων ή εντόμων μπορούν να βρεθούν στη νεκρή φύση. Αλλά είναι μάλλον μια προσθήκη στο κύριο κίνητρο. Γιατί ο στόχος μιας νεκρής φύσης είναι η υφή των αντικειμένων, η συγκέντρωση στις λεπτομέρειες. Αυτή είναι μια αισθητική εστίαση στην αντίθεση των σχημάτων, των χρωμάτων και του γενικού φόντου.

Ο ίδιος ο καλλιτέχνης επιλέγει τη σύνθεση για τη ζωγραφική του: είδη σπιτιού, κουρτίνες. Μπορεί να αλλάξει, να μετακινήσει ή να αφαιρέσει εντελώς οποιοδήποτε μέρος. Όλη η ακεραιότητα της σύνθεσης εξαρτάται αποκλειστικά από τον καλλιτέχνη.

Συμβολισμός νεκρής φύσης

Όλα τα αντικείμενα σε μια νεκρή φύση περιέχουν ένα ορισμένο νόημα, ένα μυστικό υποκείμενο. Τα αντικείμενα μιλούν στον θεατή με τη γλώσσα των συμβόλων.

Το κρανίο είναι σύμβολο της αδυναμίας της ζωής.
Κρυστάλλινο γυαλί - ευθραυστότητα.
Ένα άδειο ποτήρι (σε αντίθεση με ένα γεμάτο) είναι μια υπενθύμιση θανάτου.
Τα χρυσά, ασημένια σκεύη είναι συνήθεια πολυτέλειας.
Κλειδιά - απόκρυψη ή αποκάλυψη μυστικών.
Φίδια, σαύρες - δόλος και πονηριά.
Μύγες, αράχνες - κακία.
Ένα καρύδι σε ένα κέλυφος είναι μια ψυχή που δεσμεύεται από την αμαρτία.

Η ποικιλία των σημασιών των αντικειμένων εξαρτάται από την εποχή, τη χώρα στην οποία ζωγραφίστηκε η νεκρή φύση. Τα λουλούδια σε ένα βάζο είναι κρυφό νόημαγηρατειά και μαρασμό αν θρυμματιστούν. Φωτεινό και φρέσκο συμβολίζει τη νεολαία, την ομορφιά.

Οι βιολέτες, οι ξεχασμένοι μιλούν για αγνότητα, αθωότητα. Φωτεινά, κόκκινα λουλούδια - για υπερηφάνεια, αλαζονεία. Το κλαδί ελιάς είναι σύμβολο ειρήνης. μπουμπούκια λουλουδιών - κρυφές ευκαιρίες. Κρίνοι της κοιλάδας, καμπάνες - σεμνότητα, τρυφερότητα. Πετώντας πεταλούδες γύρω από ένα βάζο με λουλούδια σημαίνουν αθανασία, αναγέννηση και αναγέννηση της ανθρώπινης ψυχής.

Νεκρή φύση με λουλούδια

Η μεγαλύτερη άνθηση της νεκρής φύσης ως είδος εκφράζεται στους καμβάδες Φλαμανδών και Ολλανδών καλλιτεχνών. Οικιακά είδη, μαγειρικά σκεύη εξιδανικεύονται, γίνονται σημαντικά ηθοποιοίστην φωτογραφία.

Η δημοτικότητα των φυτικών μοτίβων συνδέεται με την παράδοση των Ολλανδών να καλλιεργούν κήπους, φυτά εσωτερικού χώρου. Το μεγαλείο του πράσινου, η ποικιλία των αποχρώσεων, οι ακτίνες του ήλιου και οι σταγόνες της βροχής στα φύλλα είναι ελκυστικά για την αισθητική γεύση του καλλιτέχνη.

Η νεκρή φύση με λουλούδια γίνεται δημοφιλής μετά την εμφάνιση έργων ζωγραφικής από δασκάλους όπως ο Jan Davids de Heem, ο Ambrosius Bosschaert the Elder, ο Balthasar van der Ast.

Ο γαλλικός ιμπρεσιονισμός υποστήριξε την ανάπτυξη της νεκρής φύσης ως ξεχωριστό είδος. χρωματικές κηλίδες, έντονο φως, μετάδοση ροή αέραστον καμβά - νέες αρχές αντίληψης του περιβάλλοντος κόσμου - εισήγαγαν οι Gustave Courbet και Edouard Manet, Edgar Degas και Claude Monet, Paul Cezanne και Renoir.

Οι Ρώσοι ζωγράφοι (Igor Grabar, Konstantin Korovin, Isaac Levitan) είδαν τον τρόπο νεκρής φύσης κάπως διαφορετικά. Στην πρώτη θέση βάζουν την αξιοπιστία της εικόνας. Γι' αυτό οι φωτογραφίες τους είναι τόσο ρεαλιστικές. Νεκρή φύση, τα λουλούδια κινούνται σε ένα αξιόπιστο επίπεδο, εντυπωσιάζοντας με τη συναισθηματική τους πειστικότητα.

σύγχρονη ζωγραφική

Η νεκρή φύση με λουλούδια εξακολουθεί να είναι επίκαιρη σήμερα. Πρόκειται για πίνακες με λάδι, ακουαρέλα και μολύβι. Ενέργεια του χώρου, φυσικά χρώματα, σύγχρονες δυνατότητεςη φωτογραφία κάνει τις δικές της προσαρμογές στο είδος της νεκρής φύσης. Αυτά είναι λουλούδια κήπου και εξοχής, πολυτελείς ανθοδέσμες συγγραφέα και μέτριο ανοιξιάτικο φύλλωμα.

Τέτοιοι πίνακες ταιριάζουν τέλεια στο εσωτερικό του σπιτιού. Ο κορεσμός των χρωμάτων τους, η πολύχρωμη συναισθηματικότητα θα προσθέσουν τους απαραίτητους τόνους στη διακόσμηση του διαμερίσματος. Η ποικιλία της τακτοποίησης λουλουδιών, αντικειμένων, σύγχρονων πραγματικοτήτων εξαρτάται από την αισθητική φαντασία του καλλιτέχνη.

Χαρακτηρίζεται από την προσοχή στη ζωγραφική ανάπτυξη του φωτεινού περιβάλλοντος, στην ποικιλία των υφών των διαφόρων υλικών, τη λεπτότητα των τονικών σχέσεων και του χρωματικού συνδυασμού - από τον εξαιρετικά μέτριο χρωματισμό των "μονόχρωμων πρωινών" των V. Kheda και P. Klas στις έντονες αντιθέσεις, χρωματικά αποτελεσματικές συνθέσεις του V. Kalf («επιδόρπια»). Η ολλανδική νεκρή φύση διακρίνεται από την αφθονία των δασκάλων που εργάστηκαν σε αυτό το είδος και την ποικιλία των τύπων: εκτός από τα "πρωινά" και τα "επιδόρπια", "ψάρια" (A. Beyeren), "λουλούδια και φρούτα" (J. D. de Heem), "beaten game" (J. Venike, M. Hondekuter), η αλληγορική νεκρή φύση "vanitas" ("ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών") και άλλα. , που συνδυάζει όλες αυτές τις ποικιλίες. Η φλαμανδική νεκρή φύση (κυρίως "αγορές", "καταστήματα", "λουλούδια και φρούτα") διακρίνεται από το εύρος των συνθέσεων: είναι πολλαπλών συστατικών, μεγαλειώδεις και δυναμικές. αυτοί είναι ύμνοι στη γονιμότητα και την αφθονία (F. Snyders, J. Feit). Τον 17ο αιώνα Η γερμανική (G. Flegel, K. Paudis) και η γαλλική (L. Vozhen) νεκρή φύση αναπτύσσονται επίσης. Από τα τέλη του 17ου αι στη γαλλική νεκρή φύση θριάμβευσαν οι διακοσμητικές τάσεις της αυλικής τέχνης. Δίπλα στη νεκρή φύση των λουλουδιών (J. B. Monnoyer και το σχολείο του), το κυνήγι N. (A. F. Deporte και J. B. Oudry) εμφανίζονται μόνο περιστασιακά δείγματα οικιακή νεκρή φύση. Όμως τον 18ο αιώνα στη Γαλλία, ένας από τους σημαντικότερους δεξιοτέχνες έργων νεκρής φύσης - ο J. B. S. Chardin, τα έργα του οποίου ξεχωρίζουν για το ιδιαίτερο βάθος περιεχομένου, την ελευθερία σύνθεσης και τον πλούτο των χρωματικών λύσεων. Οι εικόνες του για τον κόσμο των καθημερινών πραγμάτων έχουν δημοκρατικό χαρακτήρα, οικείοι και ανθρώπινοι, σαν να ζεσταίνονται από την ποίηση της εστίας. Στα μέσα του 18ου αιώνα προέκυψε ο όρος "nature morte", ο οποίος αντανακλούσε την περιφρόνηση για τη νεκρή φύση από την πλευρά των ακαδημαϊκών κύκλων, οι οποίοι προτιμούσαν είδη των οποίων η περιοχή ήταν η "ζωντανή φύση" ( ιστορικό είδος, πορτραίτο, κ.λπ.). Αλλά η προηγμένη τέχνη κατέστρεψε την ακαδημαϊκή ιεραρχία των ειδών, η οποία εμπόδισε την ανάπτυξη της νεκρής φύσης. Τα συνθετικά κλισέ της νεκρής φύσης ξεπεράστηκαν και οι κανονικότητες αυτής της εικονογραφικής μορφής επαναξιολογήθηκαν. Τον 19ο αιώνα η μοίρα της νεκρής φύσης καθορίζεται από τους κορυφαίους δεξιοτέχνες της ζωγραφικής, οι οποίοι εργάζονται σε πολλά είδη και εμπλέκουν τη νεκρή φύση στον αγώνα των αισθητικών και καλλιτεχνικών ιδεών (F. Goya στην Ισπανία, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet και οι ιμπρεσιονιστές στη Γαλλία, που περιστασιακά στρέφονταν στη νεκρή φύση). Ωστόσο, ο 19ος αι για πολύ καιρό δεν παρουσίασε σημαντικούς δασκάλους που ειδικεύονται σε αυτό το συγκεκριμένο είδος στη νεκρή φύση. Με φόντο μια καθημερινή κομμωτική νεκρή φύση του 2ου μισού του 19ου αιώνα. ξεχωρίζουν, γενικά, το παραδοσιακό έργο του Γάλλου A. Fantin-Latour και του Αμερικανού W. Harnet, που αναβίωσαν με ιδιόρρυθμο τρόπο το είδος του "trompel" oeil.Η άνοδος της νεκρής φύσης συνδέεται με την απόδοση του post -ιμπρεσιονιστές δάσκαλοι, για τους οποίους ο κόσμος των πραγμάτων γίνεται ένα από τα κύρια θέματα.Οι εκφραστικές δυνατότητες της νεκρής φύσης, μέχρι τη δραματική έκφραση της κοινωνικής και ηθικής θέσης του καλλιτέχνη, ενσαρκώνονται στο έργο του Ολλανδού W. van Γκογκ. μια δημιουργική ιδέα που είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη της νεκρής φύσης (καθώς και της ζωγραφικής γενικότερα) στην τέχνη του 20ου αιώνα. Από τις αρχές του 20ου αιώνα, η νεκρή φύση ήταν ένα είδος δημιουργικού εργαστηρίου για ζωγραφική, αποκαλύπτοντας τις συναισθηματικές και διακοσμητικές-εκφραστικές δυνατότητες του χρώματος και της υφής και εκπρόσωποι του κυβισμού (J. Braque, Οι P. Picasso, H. Gris και άλλοι), χρησιμοποιώντας τις αναλυτικές δυνατότητες που ενυπάρχουν στις ιδιαιτερότητες της νεκρής φύσης, επιδιώκουν να καθιερώσουν νέους τρόπους μετάδοσης του χώρου και της μορφής. Τα προβλήματα (ή τα κίνητρα) της νεκρής φύσης προσελκύουν επίσης δασκάλους μεταγενέστερων τάσεων - από καλλιτέχνες που, σε διάφορους βαθμούς, συνδυάζουν τον προσανατολισμό προς την κλασική κληρονομιά με νέες ανακαλύψεις στη ζωγραφική (Πικάσο στη Γαλλία, Α. Κανόλντ στη Γερμανία, Γ. Μοράντι στην Ιταλία), σε εκπροσώπους του σουρεαλισμού και της «ποπ αρτ», των οποίων τα έργα στο σύνολό τους ξεπερνούν τα όρια του ιστορικά καθιερωμένου είδους του Ν. Οι ρεαλιστικές παραδόσεις του Ν. (συχνά με έντονη κοινωνική τάση) στον 20ο αιώνα αντιπροσωπεύονται από το έργο των D. Rivera και D. Siqueiros στο Μεξικό, R. Guttuso στην Ιταλία.

Η νεκρή φύση εμφανίστηκε στη ρωσική τέχνη τον 18ο αιώνα. μαζί με την επιβεβαίωση της κοσμικής ζωγραφικής, που αντικατοπτρίζει το γνωστικό πάθος της εποχής και την επιθυμία να μεταδοθεί με ειλικρίνεια και ακρίβεια ο αντικειμενικός κόσμος («κόλπα» των G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, κ.λπ.). Περαιτέρω ανάπτυξηΗ ρωσική νεκρή φύση είναι επεισοδιακή. Κάποια άνοδο του το 1ο μισό του 19ου αιώνα. (F. P. Tolstoy, σχολή A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) συνδέεται με την επιθυμία να δούμε την ομορφιά στα μικρά και τα συνηθισμένα. Στο 2ο μισό του 19ου αι. Οι I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan στρέφονται στη νεκρή φύση μιας πρόχειρης φύσης μόνο περιστασιακά. μια παρόμοια θέση νεκρής φύσης στο καλλιτεχνικό σύστημα των Wanderers προέκυψε από την ιδέα τους για τον κυρίαρχο ρόλο της πλοκής-θεματικής εικόνας. Η ανεξάρτητη σημασία της μελέτης της νεκρής φύσης αυξάνεται στο τέλος του 19ου και του 20ου αιώνα. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Η ακμή της ρωσικής νεκρής φύσης πέφτει στις αρχές του 20ου αιώνα. Σε αυτουνού τα καλύτερα παραδείγματαπεριλαμβάνουν: ιμπρεσιονιστικά στην καταγωγή τους, αλλά διαφορετικά εμπλουτισμένα με νέες καλλιτεχνικές τάσεις, τα έργα των K. A. Korovin, I. E. Grabar, M. F. Larionov. τα έργα των καλλιτεχνών του «Κόσμου της Τέχνης» (A. Ya. Golovin και άλλοι) που παίζουν διακριτικά με τον ιστορικό και καθημερινό χαρακτήρα των πραγμάτων: ρομαντικές, εξυψωμένες και έντονα διακοσμητικές εικόνες των P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin , M. S. Saryan και άλλοι ζωγράφοι του κύκλου "Blue Rose". φωτεινοί, πλαστικοί N. κύριοι του «Jack of Diamonds» (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova) με τη λατρεία τους για την ενότητα του χρώματος και της φόρμας και την πάθος. πολύ διαδικασία ερμηνείας της φύσης[...] 2 .

Στους 17-18 αιώνες. στη βόρεια Ευρώπη, η νεκρή φύση είναι κατειλημμένη σημαντικό μέρος. Ο χώρος του σπιτιού οργανώθηκε γύρω του, «λύθηκε», «έπαιζε» μαζί του. Η νεκρή φύση πήρε τα περισσότερα Ενεργή συμμετοχήεν μέσω της εξαίσιας καθημερινής κουλτούρας του μπαρόκ, του ροκοκό, ακόμη και του κλασικισμού. Και μόνο με την αναχώρηση της «γαλάντιας εποχής» ο ρόλος της νεκρής φύσης στην καθημερινή ζωή γίνεται όλο και πιο διακοσμητικός και διακοσμητικός.

Σε σχέση με τη ζωγραφική, πολλά βιβλία εμβλημάτων έπαιξαν ένα είδος λεξικού, από το οποίο αντλήθηκαν άφθονα σύμβολα. Έτσι, μετά την εμβληματική τέχνη, προκύπτει η τέχνη της απεικόνισης απλών, καθημερινών πραγμάτων, προικισμένων με ένα διαφορετικό, ύψιστο νόημα. Αναδύεται η τέχνη νεκρής φύσης. Ο πιο ακραίος ρεαλισμός εδώ συνδυάζεται φυσικά με την πιο ακραία αλληγορία, την αλληγορία. Και όσο πιο ρεαλιστικά απεικονίζονται τα αντικείμενα, τόσο πιο ενδιαφέρον είναι για τον θεατή ο σημασιολογικός γρίφος τους. Μερικές φορές μπορείτε να ακούσετε μια άποψη για οποιαδήποτε «σκουπίδια» που οι Ολλανδοί δάσκαλοι νεκρής φύσης του 17ου-18ου αιώνα «έσερναν» στους πίνακές τους. Αλλά αυτό δεν είναι καθόλου «σκουπίδια». Το συμβολικό όραμα των καθημερινών αντικειμένων, που δεν είναι καθόλου τυχαία συγκεντρωμένα μαζί, μας κάνει να συζητάμε υψηλή κουλτούρακατανόηση της ζωής στην Ολλανδία, που διχάζεται από θρησκευτικές και ιδεολογικές διαμάχες.

Τον 17ο αιώνα, υπήρχαν πολλοί δάσκαλοι νεκρής φύσης στην Ολλανδία. Αλλά, αν στις αρχές του αιώνα οι πίνακες των Ολλανδών και Φλαμανδών δασκάλων είχαν περισσότερα κοινά, τότε μέχρι το τέλος του αιώνα σκιαγραφήθηκε η πρωτοτυπία τους. Τα έργα των Ολλανδών καλλιτεχνών είναι πιο συγκρατημένα, ευθυγραμμισμένα στο χρώμα, είναι αισθητά μεγάλη προσοχήστις λεπτομέρειες, σε κάθε πράγμα. Τα φλαμανδικά έργα είναι πιο δυναμικά, φωτεινά και τα αντικείμενα σε αυτά συνθέτουν μια σύνθετη σύνθεση. Και αυτό δεν είναι καθόλου μια «νεκρή φύση», αλλά μια ζωή που βράζει.

Υπάρχουν επίσης διάφορα κέντρα νεκρής φύσης στην Ολλανδία. Στις επιχειρήσεις, το αστικό Χάρλεμ, γεννήθηκαν τα «πρωινά», στην αριστοκρατική Ουτρέχτη, που από καιρό φημίζεται για την καλλιέργεια λουλουδιών, - μπουκέτα λουλουδιών, στο λιμάνι της Χάγης - άφθονες συνθέσεις ψαριών, στο Λέιντεν (πανεπιστημιούπολη) - «επιστημονική» νεκρές φύσεις (το λεγόμενο "Vanitas", αφιερωμένο στην αδυναμία της ζωής).

Σε αυτές τις παράξενες εικόνες, αντικείμενα που αφαιρέθηκαν από τον πραγματικό περιβάλλοντα χώρο αποτελούσαν τον δικό τους ασυνήθιστο και έντονα συμβολικό κόσμο. Και στον κόσμο που δεν υπάρχουν τυχαία αντικείμενα. Πίσω στο δεύτερο μισό του 16ου αιώνα στην Πράγα, στην αυλή του αυτοκράτορα Ροδόλφου Β', που αγαπούσε με πάθος την τέχνη, δημιουργήθηκε μια κοινωνία που ονομάζεται «κύκλος των Ροδόλφιων». Περιλάμβανε επιστήμονες και αστρολόγους, αλχημιστές, καλλιτέχνες και ποιητές. Ο υψηλότερος στόχος εδώ θεωρήθηκε η γνώση του Σύμπαντος, οι βασικοί του νόμοι, οι αιώνιες συνδέσεις του κόσμου και του ανθρώπου. Πολύ σύντομα, αυτή η κοινωνία γίνεται το κέντρο μιας νέας καλλιτεχνικής κατεύθυνσης - του «μανιερισμού». Για τους «ρουδόλφιους» δεν υπάρχουν «ασήμαντα» αντικείμενα ή φαινόμενα. Η πορεία των πλανητών είναι επίσης σημαντική, και η πτήση ενός πουλιού και η κίνηση των βακτηρίων κάτω από ένα μικροσκόπιο (τότε μόνο ανοιχτό) και η ανάπτυξη απλού γρασιδιού. Και είναι ο καλλιτέχνης που πρέπει να τα συνδυάσει όλα αυτά σε μια ενιαία αρμονία στον καμβά του.

Επειδή όμως το ίδιο το αντικείμενο, η μορφή, τα χαρακτηριστικά του περιέχουν το νόημά του, τότε είναι απαραίτητο να μεταφέρουμε το αντικείμενο στον καμβά με μεγάλη προσοχή. Έτσι μπαίνει φυσικά ο «δόλος» στη ζωγραφική - μια ψευδαίσθηση μιας αληθινής εικόνας ενός αντικειμένου (συνήθως ενός εντόμου ή μιας σταγόνας νερού), το οποίο εκφυλίστηκε στα τέλη του 18ου αιώνα σε ένα απλό μαγικό κόλπο.

Ταυτόχρονα, ακόμη και η ακριβής εικόνα του αντικειμένου δεν ήταν καθόλου σαφής. Αντίθετα, τα πράγματα, εσκεμμένα αποκλεισμένα από το οικείο περιβάλλον, έδειχναν ένα τελείως διαφορετικό, και συχνά αντίθετο, νόημα. Έτσι, για παράδειγμα, οι νεκρές φύσεις με πολύτιμα σκεύη και εκλεκτά πιάτα, που οι σύγχρονοι αποκαλούσαν «πολυτελή», «διαβάζονταν» συχνότερα από αυτούς ως έκκληση να εγκαταλείψουν τις υπερβολές.

Αν συγκρίνουμε τη συμβολική, γεμάτη με ιδιότροπα νοήματα, τη νεκρή φύση με τη λογοτεχνία, τότε από όλα τα λογοτεχνικά είδη, ίσως το πιο κατάλληλο λυρική ποίηση. Όχι χωρίς λόγο, είναι η ποίηση που ήδη συνδέεται με τα εμβληματικά. Και δεν είναι τυχαίο ότι, παράλληλα με την άνθηση της νεκρής φύσης, είναι η λυρική ποίηση που βιώνει την άνοδό της στις Κάτω Χώρες του 17ου αιώνα (αυτό είναι ιδιαίτερα εμφανές όταν συγκρίνουμε τη νεκρή φύση με τη λεγόμενη «ποίηση για η περίσταση», όπου περιγράφονταν αναλυτικά μικρές λεπτομέρειες της ζωής). Και όπως είναι αδύνατο να περιγραφεί ένα λυρικό ποίημα εντελώς ορθολογικά, έτσι δεν υπάρχει ούτε ένα περισσότερο ή λιγότερο Λεπτομερής περιγραφήσυμβολισμός μιας συγκεκριμένης νεκρής φύσης. Στον θεατή προσφέρεται ένα παιχνίδι - βασισμένο στις πραγματικές ιδιότητες του αντικειμένου, μαντέψτε το συμβολικό νόημασε μια σύνθεση που συνέθεσε ο καλλιτέχνης.

Μερικές φορές, όμως, ο καλλιτέχνης βοηθούσε τον θεατή. Έτσι στον πίνακα του Aartsen «The Butcher's Shop» (1551), σε πρώτο πλάνο είναι ένα τραπέζι γεμάτο με διάφορες ποικιλίες κρέατος, ψαριών και λουκάνικων. Στο βάθος, στα ίδια τα βάθη, υπάρχει μια σκηνή φυγής προς την Αίγυπτο - φυγή από όλον αυτόν τον πλούτο, που φέρνει τον αναπόφευκτο θάνατο.

Συχνά ο καλλιτέχνης συμπεριλάμβανε απευθείας κείμενο στην εικόνα. Αυτό έγινε σίγουρα στις μαθημένες νεκρές φύσεις του Λέιντεν «Vanitas» (Λατινικά «κενότητα, ματαιότητα, αχρηστία, ψεύτικο, κενό»). Αποσπάσματα από τη Βίβλο ή από αρχαίους συγγραφείς που είναι αφιερωμένα στο θέμα της «ματαιοδοξίας των ματαιοτήτων» έχουν γίνει κοινά εδώ: «Όλη η σάρκα είναι χόρτο, και όλη της η ομορφιά είναι σαν το άνθος του αγρού» (από το Βιβλίο του Προφήτη Ησαΐα) , «Οι μέρες του ανθρώπου είναι σαν το γρασίδι, σαν το άνθος του αγρού έτσι ανθίζει» (από το Ψαλτήρι), «Έχοντας περάσει από το τριαντάφυλλο, μην το ψάχνετε πια» (από τον Οράτιο). Το κείμενο τοποθετήθηκε είτε σε ένα όμορφο καρούτσι, είτε γράφτηκε προσεκτικά σε ένα άθλιο φύλλο χαρτιού (η αρχαιότητα έγινε συνώνυμο της αυθεντικότητας), είτε τοποθετήθηκε σε μια ανοιχτή σελίδα ενός παλιού τόμου, είτε ήταν ο τίτλος ενός βιβλίου, όπως ήταν πετάχτηκαν κατά λάθος.

Και κάθε αντικείμενο στην εικόνα αντιστοιχεί στη συνέχεια στο κείμενο: ένα τριαντάφυλλο, λουλούδια του χωραφιού, έντομα - το παραδοσιακό σύμβολο ενός μικρού ανθρώπινη ύπαρξη, και οι πεταλούδες και οι λιβελλούλες είναι σύμβολο της σωτηρίας της ψυχής. Σταδιακά, επιλέχθηκαν ιδιαίτερα σημαντικά αντικείμενα για τέτοιες νεκρές φύσεις. Κλεψύδραυπενθύμισε την παροδικότητα της ζωής, μπουκέτα λουλούδια - μαρασμού και παροδικά, λάμπες καπνού, πίπες - μικρής διάρκειας, και βασιλικά ρέγκαλια - όλα τα πλούτη που δεν θα πάρεις μαζί σου σε μια άλλη ζωή. Το ανθρώπινο κρανίο ξεχώριζε ιδιαίτερα - ένα ζωντανό σύμβολο αδυναμίας, άδειας (ή μισομεθυσμένων) γυάλινων κύπελλων, που σήμαινε την ευθραυστότητα της ανθρώπινης ύπαρξης και ένα στέλεχος κεριού - σύμβολο της εξαφανισμένης ζωής.

Συχνά στις νεκρές φύσεις του «Vanitas» υπάρχουν «τυχαίες» τοποθετήσεις παλαιών βιβλίων (ήδη περασμένης εποχής), οργάνων μέτρησης (δεν χρειάζονται πια), φλάουτα και βιολιά («ο ήχος τους είναι τόσο όμορφος και φευγαλέος»). Στις γαλλικές νεκρές φύσεις, οι χαρακτήρες εμφανίζονται να φυσούν σαπουνόφουσκες - η ανθρώπινη ζωή παρομοιάζεται με τις πιο λεπτές και άπιστες φυσαλίδες. Και στην Αγγλία, μετά το 1649, σε πολλά "Vanitas" υπάρχουν πορτρέτα του εκτελεσμένου Charles I Stuart - το τέλος αυτού του βασιλιά επιβεβαίωσε μόνο την ιδέα της αδυναμίας της επίγειας ευτυχίας και της επισφάλειας της γήινης δύναμης.

Πολύ συχνά, τα λουλούδια και τα βότανα χρησιμεύουν ως σύμβολο αδυναμίας. Ειδικά αν τα λουλούδια και τα βότανα είναι άγρια. Τοποθετημένα με φόντο ένα άδειο άνοιγμα παραθύρου, τονίζουν περαιτέρω την απελπισία. Μερικές φορές τα φύλλα των λουλουδιών τρώγονται από τα έντομα και τα άδεια κοχύλια ή οι ξηροί καρποί είναι διάσπαρτα κοντά.

Στην πραγματικότητα οι νεκρές φύσεις λουλουδιών χωρίστηκαν σε "γιρλάντες" και "μπουκέτα". Ιδιαίτερα δυσνόητες είναι οι «γιρλάντες». Στο είδος των "γιρλάντες" έγραψαν διάσημοι δάσκαλοι - J. Brueghel Velvet, D. Segers, Ya.D. de Heem. Ο πατέρας D. Seghers, μοναχός του τάγματος των Ιησουιτών, απέκτησε ιδιαίτερη φήμη σε αυτόν τον τομέα. Ως ένδειξη θαυμασμού για την ικανότητά του, εστεμμένοι Ευρωπαίοι του έδωσαν ακριβά δώρα - έναν χρυσό σταυρό με αλληγορικές φιγούρες από σμάλτο, χρυσά οστά και μια χρυσή παλέτα κ.λπ. Οι ποιητές αφιέρωσαν ποιήματα στα λουλούδια που ζωγράφιζε.

Η γιρλάντα τυλιγμένη γύρω από την κεντρική εικόνα (και θα μπορούσε να είναι πολύ διαφορετική, τις περισσότερες φορές ήταν ένα πορτρέτο που έγινε από άλλους δασκάλους) έμοιαζε με το γνωστό σύμβολο της Αιωνιότητας - ένα φίδι τυλιγμένο γύρω από ένα φτερωτό ρολόι. Επομένως, τέτοιες συνθέσεις είχαν ένα δοξαστικό νόημα. Λευκά κρίνα και αυτιά ψωμιού πλέκονταν στην ίδια τη γιρλάντα, που παραδοσιακά συνδέονταν με τον Χριστό ή τη Μαρία και μιλούσαν για την αγνότητα των δοξασμένων. Επιπλέον, πολλά εδώ συμβόλιζαν τις εποχές: λουλούδια - άνοιξη, στάχυα και φρούτα - καλοκαίρι, σταφύλια και λαχανικά - φθινόπωρο, λεμόνια - χειμώνας ("όλα αλλάζουν, μόνο μια καλή ανάμνηση παραμένει αμετάβλητη").

Η γλώσσα των λουλουδιών, που δανείστηκε η Αναγέννηση από τον μεσαιωνικό συμβολισμό, ήταν κατανοητή σε σχεδόν κάθε μορφωμένο αριστοκράτη του 17ου αιώνα. Και επομένως οι γιρλάντες «διαβάζονταν» εύκολα από το κοινό. Χιονοσταλίδες, πορτοκάλι, τριαντάφυλλα, ίριδες αφιερώθηκαν στη Μητέρα του Θεού. Η έκκλησή της στον Χριστό συμβολιζόταν με τουλίπες. ένα κλαδί γαϊδουράγκαθου - το πάθος του Χριστού. ο θρίαμβος της ουράνιας αγάπης εκφραζόταν συχνά από τον ναρκισσιστή.

Οι γιρλάντες τυλίγονται γύρω από όχι μόνο πορτρέτα. Συχνά πρόκειται για ρολόγια, ένα ευχαριστιακό δισκοπότηρο, ποτήρια κρασιού και ακόμη και ένα καρτούζι με κείμενο. Μερικές φορές ένα μικρό στεφάνι τοποθετείται απευθείας στο κύπελλο. Αυτή η σύνθεση ανάγεται σε ένα από τα διάσημα εμβλήματα: ένα κύπελλο με ένα φαρδύ μπολ γεμάτο με κρασί, στο οποίο επιπλέει ένα στεφάνι λουλουδιών. Η επιγραφή έγραφε: «Τι πιστεύεις για τη μοίρα των θνητών;» Έτσι η πανηγυρική γιρλάντα στην έννοια της συνδέθηκε με το «Vanitas».

Οι νεκρές φύσεις με τη μορφή ανθοδέσμων (σε βάζο, κανάτα ή απλώς στο τραπέζι) αποτελούνταν συνήθως από τρία είδη. Και η κύρια εστίαση της εικόνας έπεσε σε διάφορα αντικείμενα. Σε μια ακτινωτή σύνθεση (οι βλαστοί των λουλουδιών ανεμίζονται από ένα σημείο), η εικόνα ενός λουλουδιού που τοποθετείται στη σύγκλιση των στελεχών γίνεται η κύρια. Συνθέσεις του δεύτερου τύπου, σαν χαλί, γεμίζουν όλο τον χώρο του καμβά. Στη συνέχεια χτίζεται μια κατακόρυφη ιεραρχία χρωμάτων και των σημασιών τους. Η τρίτη ποικιλία είναι ενσωματωμένη στη σύνθεση ενός τριγώνου. Εδώ το πιο σημαντικό λουλούδι χρησιμεύει ως κεντρικός άξονας και τα υπόλοιπα λουλούδια ομαδοποιούνται συμμετρικά γύρω του. Ωστόσο, η αυστηρή συμμετρία σύντομα σπάει και γίνεται αγαπημένη, που αναπτύχθηκε από την Ya.D. de Heem μπουκέτο σε σχήμα S με κομψές μπούκλες, προσδοκώντας το στυλ ροκοκό.

Υπάρχει ακόμη και ένα ιδιότυπο εικονογραφικό σχήμα με σαφή διαχωρισμό σε χωρικές ζώνες. Κάτω, κοντά στο βάζο, εντοπίζονται συνήθως σημάδια αδυναμίας - σπασμένα ή μαραμένα λουλούδια, θρυμματισμένα πέταλα, άδεια κοχύλια, κάμπιες, μύγες. στο κέντρο - σύμβολα σεμνότητας και αγνότητας (μέτρια μετριοπάθεια), που περιβάλλονται από πλούσια βραχύβια λουλούδια (κρίνος της κοιλάδας, βιολέτες, ξεχασμοί, κυκλάμινα που περιβάλλονται από τριαντάφυλλα, γαρίφαλα, ανεμώνες κ.λπ.). η σύνθεση στέφεται με ένα μεγάλο λουλούδι, συχνά με θετικό νόημα, ένα είδος κορώνας αρετής (και περιβάλλεται ακόμη και από πεταλούδες και λιβελλούλες). Ταυτόχρονα, το ίδιο το αγγείο παρομοιάστηκε με ένα εύθραυστο δοχείο, αλλά θα μπορούσε επίσης να έχει μια ερμηνεία του σώματος ως «σκεύος βδελυγμίας και αμαρτίας».

Πολυάριθμα γυάλινα, κρυστάλλινα, ακόμη και πήλινα αγγεία, με και χωρίς λουλούδια, θεωρήθηκαν ως κάτι εύθραυστο, αναξιόπιστο, έτοιμο να σπάσει. Τα ακριβά σκάφη τόνιζαν μόνο αυτό το συναίσθημα, μεταφέροντας μια επιπλέον αίσθηση της ματαιότητας του πλούτου. Το περιεχόμενο των αγγείων ερμηνεύτηκε με διαφορετικούς τρόπους. Το νερό είναι το θέμα της βάπτισης, η κάθαρση, το κρασί είναι το θέμα της κοινωνίας. Ωστόσο, το κρασί, ειδικά το ημιτελές κρασί, θα μπορούσε να συμβολίζει μια ζωή που δεν έχει ζήσει πλήρως, και το απομεινάρι της άχρηστης πολυτέλειας.

Σχεδόν πάντα, οι νεκρές φύσεις λουλουδιών συμπληρώνονταν από αντικείμενα διάσπαρτα στο τραπέζι. Τις περισσότερες φορές, αυτά είναι άδεια κοχύλια - ένα σημάδι κενών σαρκικών απολαύσεων. Οι καρποί ενός λεμονιού, που είναι όμορφο εξωτερικά, αλλά ξινό εσωτερικά. Το αυγό είναι ένα παραδοσιακό σημάδι της Ανάστασης. Ο καρπός του ροδιού που σκάει είναι σύμβολο της γονιμότητας, του Χριστού και της εξιλεωτικής θυσίας του. Οι φράουλες είναι σημάδι κοσμικής ευχαρίστησης και πειρασμού. Και όλα αυτά μαζί (λουλούδια, αγγεία, αντικείμενα) εξυπηρετούσαν μια ενιαία ιδέα.

Στα μέσα του 17ου αιώνα, οι νεκρές φύσεις που απεικονίζουν ερπετά και αμφίβια έγιναν ιδιαίτερα διαδεδομένες. Η παρουσία τους στη νεκρή φύση διαψεύδει τη σημασία της ως «νεκρή φύση». Μάλλον, το ολλανδικό όνομά του ταιριάζει εδώ - "stilleven" ("ήσυχη, ακίνητη ζωή").

Πιο συχνά από άλλους ήταν Ιταλοί ζωγράφοι. Αλλά οι Ολλανδοί έχουν επίσης σαύρες και φίδια που σέρνονται στο σκληρό γρασίδι. Αυτή δεν είναι καθόλου η προτίμηση του ζωγράφου για τα ερπετά. Απλώς το φίδι ήταν από καιρό σύμβολο εξαπάτησης και κακίας, και το γρασίδι ήταν μια εύθραυστη ανθρώπινη ύπαρξη. Ταυτόχρονα, ελκυστικά μούρα τοποθετούνταν συχνά στο γρασίδι - "η ευχαρίστηση είναι γεμάτη με κακό". Τα ποντίκια, οι βάτραχοι, οι σκαντζόχοιροι θεωρούνταν επίσης διαβολικά ζώα και συχνά απεικονίζονταν αντί για φίδι. Αγαπημένη ζωώδης πλοκή ήταν η εικόνα ενός φιδιού που αρπάζει μια πεταλούδα. Έτσι το κακό κατατρώει κάθε ελπίδα σωτηρίας.

Οι περισσότεροι εκπρόσωποι της πανίδας των νεκρών φύσεων είναι έντομα. Μεγάλη σημασία εδώ είναι η παραδοσιακή ιδέα των τριών σταδίων της ύπαρξης (γήινη ύπαρξη, θάνατος, μετά θάνατον ζωήψυχές). Η πιο εντυπωσιακή ενσάρκωση αυτών των ιδεών σε νεκρές φύσεις ήταν η εικόνα μιας κάμπιας, μιας χρυσαλλίδας και μιας πεταλούδας. Έτσι, η εικόνα μιας πεταλούδας, έτοιμη να πετάξει από το κέλυφος, "διαβάζεται" αναμφισβήτητα ως "μια ψυχή που αφήνει ένα θνητό σώμα". Την ίδια αντινομία ζωής και θανάτου απεικόνιζε μια πεταλούδα δίπλα σε μια κάμπια ή ένα σαλιγκάρι. Μια μύγα ή μια αράχνη θεωρούνταν σύμβολο του κακού, του θανάτου, της αμαρτίας, της τσιγκουνιάς. Επομένως, μια μύγα που κάθεται σε ένα μήλο ή ένα ροδάκινο συνδέεται παραδοσιακά με το θέμα του φθινοπώρου.

Από τα μεγαλύτερα ζώα, οι σκίουροι, για παράδειγμα, συμβόλιζαν τη σκληρή δουλειά, χωρίς την οποία τα γήινα αγαθά είναι αδύνατα. Αλλά μερικές φορές, θα μπορούσε επίσης να αντιπροσωπεύει την επιπολαιότητα. Ο λαγός είναι «σημάδι ακοής, ευαισθησίας, αφθονίας, δειλίας, ντροπαλότητας, φόβου». Οι καραβίδες ή οι αστακοί είναι οι αντιξοότητες του κόσμου, αλλά και η σοφία, η σύνεση, η βραδύτητα. Συχνά υπάρχει μια εικόνα ενός παπαγάλου. Σε αντίθεση με τη δημοφιλή πεποίθηση, στον Μεσαίωνα αυτό το πουλί παρομοιαζόταν με το δίκαιο και συμβόλιζε την ευγλωττία, την ευγνωμοσύνη ή αντιπροσώπευε έναν πιστό. Ο πίθηκος, από την άλλη, θεωρήθηκε ως ένα ζώο που μιμείται τις ανθρώπινες πράξεις και συμβολίζει διάφορες κακίες, έναν αμαρτωλό, ακόμη και τον ίδιο τον διάβολο. Αυτή, δεμένη ή αλυσοδεμένη, είναι εθισμός σε κακίες και κοσμικές υποθέσεις. Αν ο πίθηκος κοιτούσε στον καθρέφτη, γινόταν αντιληπτός ως εικόνα ματαιοδοξίας.

Συχνά μια γάτα εισέρχεται στον κόσμο των νεκρών φύσεων. Ανά θετικά χαρακτηριστικάαυτό το ζώο - επιδεξιότητα και πόθος για ελευθερία - ήταν συχνά αφιερωμένο στη Μητέρα του Θεού (ειδικά με μια λωρίδα σε μορφή σταυρού στην πλάτη). Αλλά συνήθως αυτό το ζώο συνδέθηκε με σκοτεινές δυνάμεις, μαγεία. Ήδη στον Μεσαίωνα, η γάτα συμβόλιζε τον διάβολο και το ποντίκι - την ψυχή, συνεχώς εκτεθειμένη σε κίνδυνο. Στη σύγχρονη εποχή, μια γάτα, ειδικά όταν σήκωνε ένα μεγάλο κομμάτι κρέας με τα νύχια της, ήταν μια σταθερή υπενθύμιση των σαρκικών απολαύσεων. Γι' αυτό είναι τόσο χαρακτηριστικές (ειδικά για τον Σνάιντερς και το σχολείο του) οι εικόνες των γατών που τρελαίνονται στη θέα ενός τραπεζιού γεμάτο ψάρια και κυνήγι. Ο σκύλος, αντίθετα, ως αντίποδας της γάτας, είναι ένας πιστός φρουρός που προσπαθεί να διώξει το κλέφτικο ζώο μακριά από το άφθονο τραπέζι.

Πολυάριθμα χρυσά και ασημένια αντικείμενα (βάζα, κύπελλα, διακοσμητικά), καθώς και σύμβολα εξουσίας (βασιλικά στέμματα, σκήπτρα), ανήκουν αναμφίβολα στον κύκλο του θανάτου στις νεκρές φύσεις. Ο ειλικρινής θαυμασμός του καλλιτέχνη για τα εξαιρετικά σπάνια στοιχεία συνδυάζεται τέλεια με την ηθική. Μερικές φορές, ειδικά στις όψιμες νεκρές φύσεις, τα μικρά γλυπτά έρχονται επίσης στη θέα του ζωγράφου. Αυτό είναι αναμφίβολα το πεδίο των μυθολογικών χαρακτήρων. Ο σάτυρος λύγισε κάτω από το βάρος του ρολογιού - του χρόνου, κατακτώντας τη διαβολική, σαρκική αρχή στον άνθρωπο. ξεπαταλώνοντας τον Ερμή - επιβεβαίωση από μάταιες γήινες ανησυχίες κ.λπ. 3 .

νεκρή φύση - είδος εικαστικές τέχνες, κυρίως καβαλέτο ζωγραφική, αφιερωμένη στην εικόνα άψυχων αντικειμένων: λουλούδια, φρούτα, νεκρό παιχνίδι, ψάρια, ιδιότητες οποιασδήποτε δραστηριότητας.

Εξαιρετικός ορισμός

Ελλιπής ορισμός ↓

ΝΕΚΡΗ ΦΥΣΗ

γαλλική γλώσσα nature morte - νεκρή φύση), ένα από τα είδη της ζωγραφικής. Οι νεκρές φύσεις απεικονίζουν τα δώρα της φύσης (φρούτα, λουλούδια, ψάρια, παιχνίδι), καθώς και πράγματα φτιαγμένα από ανθρώπινα χέρια (επιτραπέζια σκεύη, βάζα, ρολόγια κ.λπ.). Ωρες ωρες άψυχα αντικείμενασυνυπάρχουν με ζωντανά όντα - έντομα, πουλιά, ζώα και ανθρώπους.

Νεκρές φύσεις που περιλαμβάνονται στις συνθέσεις πλοκής βρίσκονται ήδη στη ζωγραφική. αρχαίος κόσμος(τοιχογραφίες στην Πομπηία). Υπάρχει ένας θρύλος ότι ο αρχαίος Έλληνας καλλιτέχνης Απελλής απεικόνισε τα σταφύλια τόσο επιδέξια που τα πουλιά τον μπέρδεψαν για αληθινά και άρχισαν να ραμφίζουν. Ως ανεξάρτητο είδος, η νεκρή φύση αναπτύχθηκε τον 17ο αιώνα. και στη συνέχεια γνώρισε τη λαμπρή ακμή του στο έργο των Ολλανδών, Φλαμανδών και Ισπανών δασκάλων.

Στην Ολλανδία, υπήρχαν πολλές ποικιλίες νεκρής φύσης. Οι καλλιτέχνες ζωγράφιζαν «πρωινά» και «επιδόρπια» με τέτοιο τρόπο που φαινόταν σαν ένα άτομο να ήταν κάπου κοντά και σύντομα θα επέστρεφε. Μια πίπα καπνίζει στο τραπέζι, μια χαρτοπετσέτα τσαλακώνεται, το κρασί σε ένα ποτήρι δεν έχει τελειώσει, ένα λεμόνι κόβεται, το ψωμί σπάει (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Δημοφιλείς ήταν επίσης εικόνες από μαγειρικά σκεύη, βάζα με λουλούδια και, τέλος, «Vanitas» («ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών»), νεκρές φύσεις με θέμα την αδυναμία της ζωής και τις βραχυπρόθεσμες χαρές της, ζητώντας να θυμόμαστε τις αληθινές αξίες και φροντίζοντας να σώσουμε την ψυχή. Αγαπημένα χαρακτηριστικά του "Vanitas" είναι ένα κρανίο και ένα ρολόι (J. van Strek. "Vanity of vanities"). Οι ολλανδικές νεκρές φύσεις, όπως και γενικά οι νεκρές φύσεις του 17ου αιώνα, χαρακτηρίζονται από την παρουσία κρυμμένων φιλοσοφικών χροιών, περίπλοκων χριστιανικών ή ερωτικών συμβολισμών (το λεμόνι ήταν σύμβολο μέτρου, ο σκύλος ήταν πιστότητα κ.λπ.). του χρόνου, οι καλλιτέχνες αναδημιουργούσαν σε νεκρές φύσεις με αγάπη και ενθουσιασμό την ποικιλομορφία του κόσμου (παιχνίδια με μετάξι και βελούδο, βαριά τραπεζομάντιλα χαλιών, αστραφτερό ασήμι, ζουμερά μούρα και ευγενές κρασί). Η σύνθεση των νεκρών φύσεων είναι απλή και σταθερή, ανάλογα με τη διαγώνιο ή το σχήμα μιας πυραμίδας. Ο κύριος "ήρωας" επισημαίνεται πάντα σε αυτό, για παράδειγμα, ένα ποτήρι, μια κανάτα. Οι δάσκαλοι χτίζουν διακριτικά σχέσεις μεταξύ αντικειμένων, αντίθετα ή, αντίθετα, ταιριάζουν με το χρώμα, το σχήμα, την υφή της επιφάνειας τους. Οι πιο μικρές λεπτομέρειες γράφονται προσεκτικά. Μικροί σε μέγεθος, αυτοί οι πίνακες έχουν σχεδιαστεί για προσεκτική εξέταση, μακροχρόνιο στοχασμό και κατανόηση του κρυμμένου νοήματός τους.

Οι Φλαμανδοί, αντίθετα, ζωγράφιζαν μεγάλους, μερικές φορές τεράστιους καμβάδες που προορίζονταν να διακοσμήσουν τις αίθουσες του παλατιού. Διακρίνονται από μια εορταστική πολυχρωμία, μια πληθώρα αντικειμένων και την πολυπλοκότητα της σύνθεσης. Τέτοιες νεκρές φύσεις ονομάζονταν «καταστήματα» (J. Feit, F. Snyders). Απεικόνιζαν τραπέζια γεμάτα με κυνήγι, θαλασσινά, ψωμί, και δίπλα τους ήταν οι ιδιοκτήτες που προσφέρουν τα αγαθά τους. Άφθονο φαγητό, σαν να μην χωρούσε στα τραπέζια, κρεμόταν, έπεσε απευθείας στο κοινό.

Οι Ισπανοί καλλιτέχνες προτίμησαν να περιοριστούν σε ένα μικρό σύνολο αντικειμένων και δούλεψαν σε έναν συγκρατημένο χρωματικό συνδυασμό. Πιάτα, φρούτα ή κοχύλια στους πίνακες των F. Zurbaran και A. Pereda τοποθετούνται με ηρεμία στο τραπέζι. Οι μορφές τους είναι απλές και ευγενείς. πλάθονται προσεκτικά με chiaroscuro, σχεδόν απτά, η σύνθεση είναι αυστηρά ισορροπημένη (F. Zurbaran. «Still life with oranes and lemons», 1633· A. Pereda. «Still life with a clock»).

Τον 18ο αιώνα ο Γάλλος μάστερ J.-B. Σ. Σαρντέν. Οι πίνακές του, που απεικονίζουν απλά, συμπαγή σκεύη (μπολ, χάλκινη κατσαρόλα), λαχανικά, απλό φαγητό, γεμίζουν με πνοή ζωής, ζεσταίνονται από την ποίηση της εστίας και επιβεβαιώνουν την ομορφιά της καθημερινότητας. Ο Chardin ζωγράφισε επίσης αλληγορικές νεκρές φύσεις (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).

Στη Ρωσία, οι πρώτες νεκρές φύσεις εμφανίστηκαν τον 18ο αιώνα. σε διακοσμητικούς πίνακες στους τοίχους των ανακτόρων και σε πίνακες «εικονικής» ζωγραφικής, στους οποίους τα αντικείμενα αναπαράγονταν με τόση ακρίβεια που έμοιαζαν αληθινά (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). Τον 19ο αιώνα οι παραδόσεις δόλιας έχουν αναθεωρηθεί. Η νεκρή φύση γνωρίζει έξαρση στο πρώτο εξάμηνο. 19ος αιώνας στα έργα του F. P. Tolstoy, ο οποίος ξανασκέφτηκε τις παραδόσεις των «κόλπων» («Berry of Red and White Currants», 1818), των καλλιτεχνών της βενετικής σχολής και του I. T. Khrutsky. Στα καθημερινά αντικείμενα, οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να δουν την ομορφιά και την τελειότητα.

Μια νέα ακμή του είδους έρχεται στο τέλος. 19 - ικετεύω. 20ος αιώνας, όταν η νεκρή φύση γίνεται εργαστήριο δημιουργικών πειραμάτων, μέσο έκφρασης της ατομικότητας του καλλιτέχνη. Η νεκρή φύση κατέχει σημαντική θέση στο έργο των μετα-ιμπρεσιονιστών - W. Van Gogh, P. Gauguin και, πάνω απ 'όλα, P. Cezanne. Η μνημειακότητα της σύνθεσης, οι τσιμπημένες γραμμές, οι στοιχειώδεις, άκαμπτες φόρμες στους πίνακες του Σεζάν έχουν σχεδιαστεί για να αποκαλύπτουν τη δομή, τη βάση του πράγματος και να θυμίζουν τους ακλόνητους νόμους της παγκόσμιας τάξης. Ο καλλιτέχνης σμιλεύει τη φόρμα με χρώμα, τονίζοντας την υλικότητά της. Ταυτόχρονα, το άπιαστο παιχνίδι των χρωμάτων, ειδικά το κρύο μπλε, δίνει στις νεκρές φύσεις του μια αίσθηση αέρα και ευρυχωρίας. Η γραμμή της νεκρής φύσης του Cezanne συνεχίστηκε στη Ρωσία από τους δασκάλους του "Jack of Diamonds" (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky και άλλοι), συνδυάζοντάς την με τις παραδόσεις των Ρώσων. παραδοσιακή τέχνη. Οι καλλιτέχνες του «Μπλε τριαντάφυλλου» (N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) δημιούργησαν νοσταλγικές, αντίκες συνθέσεις. Οι νεκρές φύσεις του K. S. Petrov-Vodkin είναι εμποτισμένες με φιλοσοφικές γενικεύσεις. Τον 20ο αιώνα στο είδος της νεκρής φύσης έλυσε τους δημιουργικές εργασίεςΠ. Πικάσο, Α. Ματίς, Ντ. Μοράντι. Στη Ρωσία, οι μεγαλύτεροι δάσκαλοι αυτού του είδους ήταν οι M. S. Saryan, P. V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov και άλλοι.

Εξαιρετικός ορισμός

Ελλιπής ορισμός ↓

Τι είναι νεκρή φύση;

Η νεκρή φύση (από τη γαλλική φύση morte - "νεκρή φύση") είναι ένα είδος τέχνης που απεικονίζει άψυχα αντικείμενα σε μια ειδικά δημιουργημένη σύνθεση.

Ας ρίξουμε μια πιο προσεκτική ματιά στο τι είναι νεκρή φύση, σε ποιους τύπους μπορεί να χωριστεί.

Ολλανδική νεκρή φύση του 17ου αιώνα

Στην ολλανδική νεκρή φύση αυτής της εποχής, ως επί το πλείστον, απαθανάτισαν μια μετρημένη, σαν παγωμένη ζωή.

Αυτή την εποχή, στην Ολλανδία, η νεκρή φύση ως είδος αναπτύχθηκε αρκετά εντατικά, κάτι που διευκολύνθηκε από διάφορους παράγοντες. Εκείνη την εποχή υπήρχε υψηλό επίπεδο επιστημονική ανάπτυξηστα μαθηματικά, τη φυσική, τις επιστήμες, κοινωνικές επιστήμες. Οι πλοηγοί έφεραν πολλά νέα αντικείμενα από το εξωτερικό, προέκυψαν νέες τεχνολογίες για την κατασκευή διαφόρων πραγμάτων και πολλά διαφορετικά όμορφα προϊόντα τοποθετήθηκαν στα παράθυρα.

Υπάρχουν δύο τύποι δημοφιλών νεκρών φύσεων αυτή τη στιγμή - λουλούδι και επιστήμονας.

λουλούδι νεκρή φύση

Από τη δεκαετία του '40. Η νεκρή φύση του XVII αιώνα άρχισε να αναπτύσσεται ως ανεξάρτητο είδος. Η δημοτικότητά του εξηγείται εύκολα: εκείνη την εποχή θεωρείτο παραδοσιακό να έχει πολυτελείς κήπους και να καλλιεργεί ενεργά λουλούδια.

Εκπρόσωποι: Ambrosius Bosschaert ο Πρεσβύτερος, Balthasar van der Ast, Jan David de Heem.

επιστήμονας νεκρή φύση

Θεωρείται διανοητικός τύπος νεκρής φύσης. Για να κατανοήσει μια τέτοια νεκρή φύση, ένα άτομο πρέπει να κατανοήσει τη Βίβλο και τον θρησκευτικό συμβολισμό. Δεν είναι ασυνήθιστο για αυτό το είδος να χρησιμοποιεί ψευδαισθήσεις για να δημιουργήσει μια οπτική ψευδαίσθηση. Κέρδισαν τη μεγαλύτερη δημοτικότητα στα μέσα του 17ου αιώνα στην Ολλανδία και στο εξωτερικό.

Μεταξύ των δημοφιλών καλλιτεχνών είναι οι εξής: Jacob de Gijn the Younger, Floris van Dyck, Hans van Essen, Amborius Bosschaert the Elder and Younger, Clara Peters, David Bailey, Maria van Osterwijk, Cornelis Briese, Abraham Mignon, Willem van Aelst, Jan van Huysum.

Νεκρή φύση στη Ρωσία XVIII-XX αιώνες.

Πώς διαμορφώθηκε το είδος της νεκρής φύσης στη Ρωσία αρχές XVIIIσε. Μέχρι τον 19ο αιώνα θεωρούνταν κατώτερο είδος, κατανοητό με περιορισμένο τρόπο, κυρίως ως απλή σύνθεση, για παράδειγμα, παραγωγή φρούτων και λουλουδιών. Αρχικά, η νεκρή φύση απεικόνιζε τα δώρα της θάλασσας και της γης, διάφορα πράγματα.

Τον 20ο αιώνα, αυτό το είδος ανέβηκε μια βαθμίδα, αυτή είναι η εποχή της ακμής του στη Ρωσία. Ξεκίνησε η αναζήτηση νέων χρωμάτων, σχημάτων, συνθέσεων. Μέσα σε κυριολεκτικά 15 χρόνια, η νεκρή φύση άλλαξε από τον ιμπρεσιονισμό στην αφηρημένη τέχνη.

Στη δεκαετία του 30-40. Στον εικοστό αιώνα, η ανάπτυξη του είδους σταμάτησε λίγο, αλλά στη δεκαετία του '50 υπήρξε μια νέα άνοδος και η νεκρή φύση ενίσχυσε τη θέση της μεταξύ άλλων εικαστικά είδη.

Ρώσοι καλλιτέχνες που εργάζονταν εκείνη την εποχή: Pyotr Konchalovsky, Viktor Teterin, Sergei Zakharov, Nikolai Pozdneev, Ilya Meshkov, Konstantin Korovin, Sergei Osipov, Maya Kopyttseva, Evgenia Antipova, Yaroslav Krestovsky, Kapitolina Rumyantseva κ.λπ.

Νεκρή φύση XX-XXI αιώνες.

Η νεκρή φύση σε αυτήν την εποχή είναι ένα ευρύ πεδίο πειραματισμού. Αυτό το είδος αναπτύσσεται σε διάφορους τομείς:

Τώρα, γνωρίζοντας τι είναι νεκρή φύση, αν θέλετε, μπορείτε να εξασκηθείτε σε αυτό το είδος. Θα χρειαστείτε επίσης ένα άρθρο χρήσιμα υλικάθα βρείτε στην ενότητα.