Ένα μήνυμα για καλλιτέχνες που ζωγράφισαν νεκρές φύσεις. Νεκρή φύση ως είδος καλών τεχνών. (Σύντομη περιγραφή του)

νεκρή φύση - είδος εικαστικές τέχνες, κυρίως καβαλέτο ζωγραφική αφιερωμένη στην απεικόνιση άψυχων αντικειμένων: λουλούδια, φρούτα, νεκρό παιχνίδι, ψάρια, ιδιότητες οποιασδήποτε δραστηριότητας.

Εξαιρετικός ορισμός

Ελλιπής ορισμός ↓

ΝΕΚΡΗ ΦΥΣΗ

γαλλική γλώσσα nature morte – νεκρή φύση), ένα από τα είδη της ζωγραφικής. Οι νεκρές φύσεις απεικονίζουν δώρα της φύσης (φρούτα, λουλούδια, ψάρια, παιχνίδι), καθώς και πράγματα φτιαγμένα από ανθρώπινο χέρι (επιτραπέζια σκεύη, βάζα, ρολόγια κ.λπ.). Μερικές φορές άψυχα αντικείμενα συνυπάρχουν με ζωντανά όντα - έντομα, πουλιά, ζώα και ανθρώπους.

Νεκρές φύσεις που περιλαμβάνονται στις συνθέσεις πλοκής βρίσκονται ήδη στη ζωγραφική Αρχαίος κόσμος(τοιχογραφίες στην Πομπηία). Υπάρχει ένας θρύλος ότι ο αρχαίος Έλληνας καλλιτέχνης Απελλής απεικόνιζε τα σταφύλια τόσο επιδέξια που τα πουλιά τα μπέρδεψαν με αληθινά και άρχισαν να τα ραμφίζουν. Η νεκρή φύση εμφανίστηκε ως ανεξάρτητο είδος τον 17ο αιώνα. και ταυτόχρονα γνώρισε τη λαμπρή ακμή του στο έργο Ολλανδών, Φλαμανδών και Ισπανών δασκάλων.

Υπήρχαν διάφοροι τύποι νεκρής φύσης στην Ολλανδία. Οι καλλιτέχνες ζωγράφιζαν «πρωινά» και «επιδόρπια» με τέτοιο τρόπο που φαινόταν σαν το άτομο να ήταν κάπου κοντά και σύντομα θα επέστρεφε. Καπνίζει μια πίπα στο τραπέζι, μια χαρτοπετσέτα τσαλακωμένη, το κρασί στο ποτήρι δεν έχει τελειώσει, το λεμόνι κόβεται, το ψωμί σπάει (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Δημοφιλείς ήταν επίσης εικόνες από μαγειρικά σκεύη, βάζα με λουλούδια και, τέλος, «Vanitas» («ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών»), νεκρές φύσεις με θέμα την αδυναμία της ζωής και τις βραχυπρόθεσμες χαρές της, που καλούσαν να θυμηθούμε αληθινές αξίες και φρόντισε για τη σωτηρία της ψυχής. Αγαπημένα χαρακτηριστικά του «Vanitas» είναι ένα κρανίο και ένα ρολόι (J. van Streck. «Vanity of vanities»). Οι ολλανδικές νεκρές φύσεις, καθώς και γενικά οι νεκρές φύσεις του 17ου αιώνα, χαρακτηρίζονται από την παρουσία κρυμμένων φιλοσοφικών χροιών, σύνθετων χριστιανικών ή συμβολισμός αγάπης(το λεμόνι ήταν σύμβολο του μέτρου, ο σκύλος - πίστη κ.λπ.) Ταυτόχρονα, καλλιτέχνες με αγάπη και χαρά αναδημιουργούσαν στις νεκρές φύσεις τη διαφορετικότητα του κόσμου (η λάμψη του μεταξιού και του βελούδου, τραπεζομάντιλα με βαριά χαλιά, η λάμψη από ασήμι, ζουμερά μούρα και ευγενές κρασί). Η σύνθεση των νεκρών φύσεων είναι απλή και σταθερή, υποταγμένη στο σχήμα της διαγώνιας ή της πυραμίδας. Ο κύριος «ήρωας» τονίζεται πάντα σε αυτό, για παράδειγμα ένα ποτήρι, μια κανάτα. Οι δάσκαλοι χτίζουν διακριτικά σχέσεις μεταξύ αντικειμένων, αντίθετες ή, αντίθετα, συγκρίνοντας το χρώμα, το σχήμα, την υφή της επιφάνειας τους. Οι πιο μικρές λεπτομέρειες γράφονται προσεκτικά. Μικροί σε μορφή, αυτοί οι πίνακες έχουν σχεδιαστεί για προσεκτική εξέταση, μακροσκελή στοχασμό και κατανόηση του κρυμμένου νοήματός τους.

Οι Φλαμανδοί, αντίθετα, ζωγράφιζαν μεγάλους, μερικές φορές τεράστιους καμβάδες που προορίζονταν να διακοσμήσουν τις αίθουσες του παλατιού. Διακρίνονται για την εορταστική πολυχρωμία τους, την αφθονία των αντικειμένων και την πολυπλοκότητα της σύνθεσης. Τέτοιες νεκρές φύσεις ονομάζονταν «καταστήματα» (J. Veit, F. Snyders). Απεικόνιζαν τραπέζια στοιβαγμένα με κυνήγι, θαλασσινά, ψωμί και δίπλα τους ιδιοκτήτες που προσφέρουν τα αγαθά τους. Το άφθονο φαγητό, σαν να μην χωρούσε στα τραπέζια, κρεμόταν και έπεσε ακριβώς πάνω στο κοινό.

Οι Ισπανοί καλλιτέχνες προτίμησαν να περιοριστούν σε ένα μικρό σύνολο αντικειμένων και εργάστηκαν με συγκρατημένο τρόπο. χρωματικό σχέδιο. Πιάτα, φρούτα ή κοχύλια στους πίνακες των F. Zurbaran και A. Fronts τοποθετούνται με ηρεμία στο τραπέζι. Οι μορφές τους είναι απλές και ευγενείς. είναι προσεκτικά σμιλεμένα με chiaroscuro, σχεδόν απτά, η σύνθεση είναι αυστηρά ισορροπημένη (F. Zurbaran. “Still Life with Orange and Lemons”, 1633· A. Pereda. “Still Life with a Clock”).

Τον 18ο αιώνα Ο Γάλλος δεξιοτέχνης J.-B. στράφηκε στο είδος της νεκρής φύσης. Σ. Σαρντέν. Οι πίνακές του, που απεικονίζουν απλά, καλής ποιότητας σκεύη (μπολ, χάλκινες δεξαμενές), λαχανικά, απλά φαγητά, γεμίζουν με πνοή ζωής, ζεσταίνονται από την ποίηση της εστίας και επιβεβαιώνουν την ομορφιά της καθημερινότητας. Ο Chardin ζωγράφισε επίσης αλληγορικές νεκρές φύσεις (“Still Life with Attributes of the Arts”, 1766).

Στη Ρωσία, οι πρώτες νεκρές φύσεις εμφανίστηκαν τον 18ο αιώνα. σε διακοσμητικούς πίνακες στους τοίχους των ανακτόρων και σε «ψεύτικους» πίνακες, στους οποίους τα αντικείμενα αναπαράγονταν με τόση ακρίβεια που έμοιαζαν αληθινά (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). Τον 19ο αιώνα Οι παραδόσεις του trompe l'oeil έχουν αναθεωρηθεί. Η νεκρή φύση γνωρίζει άνοδο στο πρώτο εξάμηνο. 19ος αιώνας στα έργα του Φ. Π. Τολστόι, ο οποίος ξανασκέφτηκε τις παραδόσεις των «κόλπων» («Μούρα από κόκκινες και λευκές σταφίδες», 1818), καλλιτέχνες της βενετσιάνικης σχολής, I. T. Khrutsky. Οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να δουν την ομορφιά και την τελειότητα στα καθημερινά αντικείμενα.

Μια νέα ανθοφορία του είδους έρχεται στο τέλος. 19 – αρχή 20ος αιώνας, όταν η νεκρή φύση έγινε εργαστήριο δημιουργικών πειραμάτων, μέσο έκφρασης της ατομικότητας του καλλιτέχνη. Η νεκρή φύση κατέχει σημαντική θέση στο έργο των μετα-ιμπρεσιονιστών - V. Van Gogh, P. Gauguin και, πάνω απ 'όλα, P. Cezanne. Η μνημειακότητα της σύνθεσης, οι εφεδρικές γραμμές, οι στοιχειώδεις, άκαμπτες φόρμες στους πίνακες του Σεζάν έχουν σκοπό να αποκαλύψουν τη δομή, τη βάση του πράγματος και να θυμίσουν τους αμετάβλητους νόμους της παγκόσμιας τάξης. Ο καλλιτέχνης σμιλεύει τη φόρμα με χρώμα, τονίζοντας την υλικότητά της. Ταυτόχρονα, το λεπτό παιχνίδι των χρωμάτων, ιδιαίτερα το κρύο μπλε, δίνει στις νεκρές φύσεις του μια αίσθηση αέρα και ευρυχωρίας. Η γραμμή της νεκρής φύσης του Σεζάν συνεχίστηκε στη Ρωσία από τους δασκάλους του «Jack of Diamonds» (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, κ.λπ.), συνδυάζοντάς τη με τις παραδόσεις των ρωσικών παραδοσιακή τέχνη. Οι καλλιτέχνες του «The Blue Rose» (N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) δημιούργησαν νοσταλγικές, αντίκες συνθέσεις. Οι νεκρές φύσεις του K. S. Petrov-Vodkin είναι εμποτισμένες με φιλοσοφικές γενικεύσεις. Τον 20ο αιώνα στο είδος της νεκρής φύσης αποφάσισαν μόνοι τους δημιουργικές εργασίεςΠ. Πικάσο, Α. Ματίς, Ντ. Μοράντι. Στη Ρωσία, οι μεγαλύτεροι δάσκαλοι αυτού του είδους ήταν οι M. S. Saryan, P. V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov και άλλοι.

Εξαιρετικός ορισμός

Ελλιπής ορισμός ↓

Η ομορφιά της φύσης αγγίζει πάντα τις καρδιές και τα μυαλά των ανθρώπων. Οι καλλιτέχνες, με την ιδιαίτερη αισθητική τους αντίληψη, προσπαθούσαν πάντα να συνδυάζουν έμβια και μη. Η νεκρή φύση είναι ένα σύμφωνο καθημερινών αντικειμένων και φύσης. Η ιδιαιτερότητα της σύνθεσης επιτρέπει στον καλλιτέχνη να μεταφέρει στον θεατή τον συναισθηματικό πλούτο της εικόνας.

Μια νεκρή φύση με λουλούδια είναι τόσο γραφική από μόνη της που δεν απαιτεί ποικιλία πρόσθετων λεπτομερειών. Το χρώμα του φωτισμού, ο συνδυασμός γραμμών και χρωμάτων, το σχήμα και η υφή σας επιτρέπουν να δημιουργήσετε μια μοναδική δραματουργία της εικόνας.

Τι είναι νεκρή φύση;

Νεκρή φύση μεταφρασμένο από γαλλική γλώσσασημαίνει «νεκρή φύση». Αναπτύχθηκε σε ανεξάρτητο είδος ζωγραφικής τον 17ο αιώνα. Η νεκρή φύση είναι εξ ολοκλήρου αφιερωμένη στην απεικόνιση πραγμάτων. Αυτό το διακρίνει από πορτραίτα, τοπία και ιστορικά θέματα. Αντικείμενα της ζωντανής φύσης (ψάρια, παιχνίδι, φρούτα, λουλούδια) υπάρχουν στη νεκρή φύση. Αλλά είναι αποκομμένοι από τα δικά τους φυσικό περιβάλλον. Για παράδειγμα, ψάρια και κυνήγι βρίσκονται στο τραπέζι, τα φρούτα είναι σε ένα πιάτο, τα λουλούδια σε ένα βάζο.

Εικόνες ανθρώπων, ζώων ή εντόμων μπορούν να βρεθούν στη νεκρή φύση. Αλλά είναι μάλλον μια προσθήκη στο κύριο κίνητρο. Γιατί ο στόχος της νεκρής φύσης είναι η υφή των αντικειμένων, η συγκέντρωση στις λεπτομέρειες. Αυτή είναι μια αισθητική εστίαση στην αντίθεση σχημάτων, χρωμάτων και γενικού φόντου.

Ο ίδιος ο καλλιτέχνης επιλέγει τη σύνθεση για τη ζωγραφική του: είδη σπιτιού, κουρτίνες. Μπορεί να αλλάξει, να μετακινήσει ή να αφαιρέσει εντελώς οποιοδήποτε μέρος. Ολόκληρη η ακεραιότητα της σύνθεσης εξαρτάται αποκλειστικά από τον καλλιτέχνη.

Συμβολισμός νεκρής φύσης

Όλα τα αντικείμενα σε μια νεκρή φύση περιέχουν ένα ορισμένο νόημα, ένα μυστικό υποκείμενο. Τα αντικείμενα μιλούν στον θεατή με τη γλώσσα των συμβόλων.

Το κρανίο είναι σύμβολο της αδυναμίας της ζωής.
Κρυστάλλινο γυαλί - ευθραυστότητα.
Ένα άδειο ποτήρι (σε αντίθεση με ένα γεμάτο) είναι μια υπενθύμιση θανάτου.
Τα χρυσά και ασημένια πιάτα είναι μια συνήθεια πολυτέλειας.
Κλειδιά - απόκρυψη ή αποκάλυψη μυστικών.
Φίδια, σαύρες - δόλος και πονηριά.
Μύγες, αράχνες - κακία.
Ένα καρύδι σε ένα κέλυφος είναι μια ψυχή που δεσμεύεται από την αμαρτία.

Η ποικιλία των σημασιών των αντικειμένων εξαρτάται από την εποχή και τη χώρα στην οποία ζωγραφίστηκε η νεκρή φύση. Τα λουλούδια μεταφέρονται σε ένα βάζο κρυφό νόημαγηρατειά και μαρασμό, αν θρυμματιστούν. Φωτεινό και φρέσκο συμβολίζει τη νεότητα και την ομορφιά.

Οι βιολέτες και οι ξεχασμένοι μιλούν για αγνότητα και αθωότητα. Φωτεινά, κόκκινα λουλούδια - για υπερηφάνεια, αλαζονεία. Το κλαδί ελιάς είναι σύμβολο ειρήνης. μπουμπούκια λουλουδιών - κρυφές δυνατότητες. Κρίνοι της κοιλάδας, καμπάνες - σεμνότητα, τρυφερότητα. Οι πεταλούδες που πετούν γύρω από ένα βάζο με λουλούδια σημαίνουν αθανασία, αναγέννηση και αναγέννηση της ανθρώπινης ψυχής.

Νεκρή φύση με λουλούδια

Η μεγαλύτερη άνθηση της νεκρής φύσης ως είδος εκφράζεται στους πίνακες Φλαμανδών και Ολλανδών καλλιτεχνών. ΟΙΚΙΑΚΑ ΕΙΔΗ, ΕΙΔΗ ΚΟΥΖΙΝΑΣεξιδανικεύεται, γίνεται σημαντικός ηθοποιοίστην φωτογραφία.

Η δημοτικότητα των φυτικών μοτίβων συνδέεται με την ολλανδική παράδοση της καλλιέργειας κήπων, φυτά εσωτερικού χώρου. Το πλούσιο πράσινο, η ποικιλία των αποχρώσεων, οι ακτίνες του ήλιου και οι σταγόνες βροχής στα φύλλα είναι ελκυστικά για το αισθητικό γούστο του καλλιτέχνη.

Η νεκρή φύση με λουλούδια έγινε δημοφιλής μετά την εμφάνιση έργων ζωγραφικής από δασκάλους όπως ο Jan Davids de Heem, ο Ambrosius Bosschaert ο Πρεσβύτερος και ο Balthasar van der Ast.

Ο γαλλικός ιμπρεσιονισμός υποστήριξε την ανάπτυξη της νεκρής φύσης ως ξεχωριστό είδος. Κηλίδες χρώματος, πλούσιο φως, μετάδοση ροή αέραστον καμβά - νέες αρχές αντίληψης του περιβάλλοντος κόσμου - εισήγαγαν οι Gustave Courbet και Edouard Manet, Edgar Degas και Claude Monet, Paul Cezanne και Renoir.

Οι Ρώσοι ζωγράφοι (Igor Grabar, Konstantin Korovin, Isaac Levitan) είδαν το στυλ της νεκρής φύσης κάπως διαφορετικά. Βάζουν πρώτα την αυθεντικότητα της εικόνας. Γι' αυτό οι πίνακές τους είναι τόσο ρεαλιστικές. Νεκρή φύση, τα λουλούδια μεταμορφώνονται σε ένα αξιόπιστο επίπεδο, εντυπωσιακό με τη συναισθηματική πειστικότητα τους.

Σύγχρονη ζωγραφική

Η νεκρή φύση με λουλούδια εξακολουθεί να είναι επίκαιρη σήμερα. Πρόκειται για πίνακες ζωγραφικής με λάδι, ακουαρέλα και μολύβι. Ενέργεια του χώρου, φυσικά χρώματα, σύγχρονες δυνατότητεςΟι φωτογραφικές τέχνες κάνουν τις δικές τους προσαρμογές στο είδος της νεκρής φύσης. Αυτά είναι λουλούδια κήπου και εξοχής, πολυτελείς μπουκέτα σχεδιαστών και μέτριο ανοιξιάτικο φύλλωμα.

Τέτοιοι πίνακες ταιριάζουν τέλεια στο εσωτερικό του σπιτιού. Ο κορεσμός χρώματος και η πολύχρωμη συναισθηματικότητα τους θα προσθέσουν τις απαραίτητες πινελιές στη διακόσμηση του διαμερίσματος. Η ποικιλία των διατάξεων των χρωμάτων, των αντικειμένων και της σύγχρονης πραγματικότητας εξαρτάται από την αισθητική φαντασία του καλλιτέχνη.

Στον κόσμο της ομορφιάς

(γνωστικές και δημιουργικές συναντήσεις)

Τι είναι νεκρή φύση;

Στόχος: Να εισαγάγουν τους εκπαιδευτικούς στη νεκρή φύση, να τους διδάξουν να διακρίνουν τους τύπους και τους τύπους νεκρών φύσεων και να εξασκήσουν τη σύνθεσή τους.

Η τέχνη κουβαλά μέσα της μια τεράστια εμπειρία ανθρώπινων σχέσεων με τον περιβάλλοντα κόσμο - άλλους ανθρώπους, φύση, πράγματα - και ως εκ τούτου είναι για όλους μας το πιο σημαντικό μέσο κατανόησης των παγκόσμιων ανθρώπινων ηθικών και αισθητικών αξιών. «Μόνο μέσω της τέχνης δεν μπορεί κάποιος να μάθει, να μη μελετήσει, αλλά να βιώσει την εμπειρία κάποιου άλλου με τα συναισθήματά του!» λέει ο διάσημος καλλιτέχνης και δάσκαλος B.M. Nemensky. Τα αισθητικά συναισθήματα είναι πολυδιάστατα, συχνά σε αντίθετες κατευθύνσεις ("Και γέλιο, και δάκρυα, και αγάπη"). εκπαιδεύουν τη συναισθηματική φύση ενός ατόμου και επαναλαμβάνοντας τον εαυτό τους μπαίνουν στο συναισθηματικό ταμείο, εμπλουτίζοντάς το, φτιάχνοντας προσιτή κατανόησητέτοιες εμπειρίες που ο ίδιος ο άνθρωπος δεν έχει συναντήσει ακόμα στη ζωή, ανοίγοντας το δρόμο για εξοικείωση με τις πνευματικές αξίες.

Η ζωγραφική είναι ένα από τα κύρια είδη καλών τεχνών. Αυτήν εκφραστικά μέσαείναι: χρώμα (χρωματική αρμονία), σχέδιο και σύνθεση. Με τη βοήθεια του χρώματος, ο καλλιτέχνης μπορεί να προκαλέσει ένα συγκεκριμένο συναίσθημα στο κοινό. συναισθηματική κατάσταση: χαρά, λύπη, άγχος, ανησυχία, γαλήνη.. Το σχέδιο αποδίδει τα χαρακτηριστικά της μορφής και του χαρακτήρα της εικόνας. Η σύνθεση - η κατασκευή μιας εικόνας, η ανάδειξη του κυριότερου - καθοδηγεί την αντίληψή μας για την εικόνα.

Νεκρή φύση Το , κατά κανόνα, γίνεται το πρώτο εικαστικό είδος με το οποίο εισάγονται τα παιδιά. "Νεκρή φύση", "ακίνητη φύση", "ήρεμη, ήσυχη ζωή" - έτσι μεταφράζεται η έννοια της "Νεκρή φύση". Όλα αυτά τα ονόματα είναι αυθαίρετα και δεν εξαντλούν την ουσία του είδους. Αυτό εξηγείται από την ποικιλία των αντικειμένων εικόνας στη νεκρή φύση, τα οποία χωρίζονται σε δύο μεγάλες ομάδες: φυσικά αντικείμενα (λουλούδια, φρούτα, τρόφιμα, μερικές φορές συνοδευόμενα από πουλιά, μικρά ζώα, έντομα) και πράγματα φτιαγμένα από ανθρώπινο χέρι.

Τα αντικείμενα της εικόνας είναι πολύτιμα για τον καλλιτέχνη από μόνα τους: η ποικιλία των σχημάτων τους, οι χρωματικοί συνδυασμοί, οι υφές, η πυκνότητα, η απαλότητα, η σκληρότητα, η χυμότητα, η υγρασία, η υγρασία, η ωριμότητα, η χάρη και η ευθραυστότητά τους τον ευχαριστούν και τον εμπνέουν να δημιουργήσει. Ο καλλιτέχνης ήρεμα, χαλαρά, εξετάζει προσεκτικά τα αντικείμενα από κοντά, τα δείχνει στον θεατή κοντινό πλάνο, από διαφορετικές γωνίες - ολόκληρο, κομμένο, σπασμένο. Όλα αυτά του επιτρέπουν να εντοπίσει τέτοιες ιδιότητες και ποιότητες αντικειμένων που κάνουν τον θεατή να δει οικεία, οικεία πράγματα με έναν νέο τρόπο και να εκτιμήσει την ομορφιά τους.

Ωστόσο, αυτός δεν είναι ο μοναδικός στόχος του καλλιτέχνη. Μέσα από εικόνες αντικειμένων και αντικειμένων της χλωρίδας και πανίδας, αποκαλύπτοντας τα ατομικά τους χαρακτηριστικά, δίνει στον θεατή την ευκαιρία να δει τον ρόλο που παίζουν στην ανθρώπινη ζωή, δείχνει τις ιδιαιτερότητες της ζωής, τις απόψεις, τις στάσεις απέναντι στον κόσμο που ενυπάρχουν στους ανθρώπους. διαφορετικές χώρεςκαι εποχές.

Ένα από τα κύρια θέματα του είδους νεκρής φύσης είναι το θέμα της αγάπης για τη φύση, το θέμα της γνώσης και της ανάπτυξής της, ο θαυμασμός για την αφθονία των δώρων της, την ομορφιά και την ατελείωτη ποικιλομορφία τους. Αλλά αυτό δεν είναι μόνο ένας θαυμασμός της φύσης, αλλά και μια δοξολογία του ατόμου που μεγάλωσε, συγκέντρωσε και διατήρησε όλα αυτά τα πλούτη. Ο κριτικός τέχνης Κ.Γ. Η Cherlikina γράφει ότι στους καμβάδες του Snyders, πίσω από τα ιχθυοπωλεία, μπορεί κανείς να διακρίνει τα ακούραστα ιστιοφόρα των Ολλανδών που πέταξαν τις θάλασσες όλου του κόσμου, και πίσω από τους πολύχρωμους σωρούς φρούτων στους πίνακες του Saryan είναι τα εργατικά χέρια του Αρμένιου αγρότες. Σε μια νεκρή φύση, κατά κανόνα, διαβάζεται πάντα το θέμα της ανθρώπινης εργασίας και δημιουργικότητας. Πράγματι, κοιτάζοντας τα αντικείμενα που απεικονίζονται στην εικόνα, αρχίζεις να καταλαβαίνεις πόση προσπάθεια και επιδεξιότητα καταβλήθηκε για την κατασκευή ενός βάζου, ενός ζωγραφισμένου δίσκου, μιας κεντημένης πετσέτας, της καλλιέργειας λαχανικών, του ψησίματος του ψωμιού.

Η ακμή της νεκρής φύσης ως είδος ήρθε τον 17ο αιώνα. Δοξάστηκε από καλλιτέχνες που έλαβαν το παρατσούκλι "Μικροί Ολλανδοί", είτε για το μικρό μέγεθος των έργων ζωγραφικής είτε για τα «μικρά» θέματα - η νεκρή φύση ήταν τότε μια καινοτομία.

Πάνω από όλα, οι «μικροί Ολλανδοί» αγαπούσαν να ζωγραφίζουν όμορφα πιάτα, πλούσια οικιακά σκεύη και τραπέζια στρωμένα με εκλεκτά, πολυτελή πιάτα. Τα έλεγαν «πρωινά»

Ταυτόχρονα, στη γειτονική Φλάνδρα, οι καλλιτέχνες κατακτούσαν έναν άλλο τύπο νεκρής φύσης - το "Food." Σε μεγάλους καμβάδες απεικόνιζαν βουνά από κυνήγι, ψάρια και φρούτα, κάνοντας τους πίνακες να μοιάζουν με βιτρίνα παντοπωλείου.

Στους Ρώσους καλλιτέχνες άρεσαν οι φλαμανδικές νεκρές φύσεις που διακοσμούσαν τις αίθουσες του Ερμιτάζ, του αυτοκρατορικού μουσείου στην Αγία Πετρούπολη. Και οι Ρώσοι καλλιτέχνες άρχισαν να μαθαίνουν από τους Φλαμανδούς, να τους μιμούνται και να δημιουργούν εξίσου μεγάλους και πολύχρωμους πίνακες.

Οι Ρώσοι ζωγράφοι στην πραγματικότητα συνέθεσαν τις νεκρές φύσεις τους και δεν ζωγράφιζαν από τη ζωή. Κοιτάξτε τον πίνακα του Legashov "Fruit". Εδώ, ακριβώς στο έδαφος, κάτω από ένα παλιό κούτσουρο σημύδας, βρίσκονται ολόκληροι σωροί από φρούτα και μούρα - ροδάκινα και σταφύλια, μήλα και αχλάδια, πορτοκάλια και δαμάσκηνα. Στα αριστερά είναι μια μεγάλη κολοκύθα. Εδώ βλέπουμε μια ανθισμένη τριανταφυλλιά, μανιτάρια που αναπτύσσονται, κισσούς πλεγμένους γύρω από τα κλαδιά των δέντρων. Φυσικά και είναι φαντασία! Ένας καλλιτέχνης που δημιουργεί μια νεκρή φύση μοιάζει με έναν αφηγητή, μόνο που συνθέτει ένα παραμύθι όχι για ανθρώπους, αλλά για λουλούδια και φρούτα.

Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες της Γαλλίας αγαπούσαν πολύ τις νεκρές φύσεις. Ζωγράφησαν όχι σε εργαστήρια, αλλά ακριβώς στους δρόμους του Παρισιού, πετυχαίνοντας εκπληκτική φωτεινότητα, πλούτο και ηλιοφάνεια στο χρώμα στους καμβάδες τους.

Έτσι, προέκυψαν δύο τύποι νεκρής φύσης:

1.Νεκρή φύση , στο οποίο τα πράγματα μιλούν για τον ιδιοκτήτη τους (τη συνήθεια, τον χαρακτήρα, το επάγγελμά του)

2. Νεκρή φύση , στο οποίο τα πράγματα μιλούν πρωτίστως για τον εαυτό τους, τις ιδιότητές τους. Φαίνεται να σας προσκαλούν να θαυμάσετε την ομορφιά της εμφάνισης, του σχήματος και του χρώματός τους.

Όταν εισάγετε τα παιδιά στη νεκρή φύση, θα πρέπει να δώσετε προσοχή σε όλα τα χαρακτηριστικά της: εμφάνιση, χαρακτήρας της εικόνας, μέσα έκφρασης, ατομικό στυλ δημιουργικότητας των καλλιτεχνών.

Οι ιστορικοί τέχνης δεν χωρίζουν τις νεκρές φύσεις ανά τύπο. Αλλά για την εργασία με παιδιά αυτό φαίνεται σημαντικό. Ας τονίσουμε το εξήςείδη νεκρών φύσεων:

Ενιαίας παραγγελίας– απεικονίζονται αντικείμενα και αντικείμενα του ίδιου τύπου (μόνο λαχανικά, φρούτα, λουλούδια)

Μικτός - παρουσιάζεται μια ποικιλία αντικειμένων και αντικειμένων

Οικόπεδο – απεικονίζει μια ποικιλία αντικειμένων και αντικειμένων που ενώνονται με μια έννοια πλοκής. Οι θεματικοί πίνακες περιλαμβάνουν νεκρές φύσεις που απεικονίζουν ζωντανά πλάσματα: πουλιά, ζώα, ανθρώπους.

Όταν εισάγουμε τα παιδιά στην καλλιτεχνική κουλτούρα της κοινωνίας, εισάγοντάς τα στη νεκρή φύση ως ένα από τα είδη ζωγραφικής, πρέπει να λάβουμε υπόψη την υποταγή της διάνοιας του παιδιού στα συναισθηματικά του ενδιαφέροντα. Είναι η συναισθηματική ανταπόκριση που δίνει σε ένα παιδί πρόσβαση στην κατανόηση του νοήματος μιας καλλιτεχνικής εικόνας, της ιδέας ενός έργου. Για παιδιά ΠΡΟΣΧΟΛΙΚΗ ΗΛΙΚΙΑείναι δύσκολο να κατανοήσει κανείς ανεξάρτητα την αισθητική και ηθικές αξίες, ενσωματωμένος σε καλλιτεχνικές εικόνες. Ως εκ τούτου, ο ρόλος ενός ενήλικα είναι τόσο μεγάλος, ο οποίος, με τις ερωτήσεις του, εφιστά την προσοχή των παιδιών στα μέσα εκφραστικότητας μιας νεκρής φύσης, τους διδάσκει να εξετάζουν σκόπιμα μια καλλιτεχνική εικόνα, να δουν πώς, με τη βοήθεια του σχεδίου , χρώμα και σύνθεση, ο καλλιτέχνης μεταφέρει τη διάθεση και τη στάση του σε αυτό που απεικονίζει.

Μπορείτε να μυήσετε τα παιδιά στη νεκρή φύση ξεκινώντας από την πρώιμη προσχολική ηλικία (4ο έτος της ζωής). Η επιλογή των καλλιτεχνικών έργων ζωγραφικής και το περιεχόμενο των συζητήσεων για αυτούς θα πρέπει να είναι κατάλληλα για την ηλικία και ατομικές δυνατότητεςπαιδιά.

Η διαδικασία εισαγωγής των παιδιών στη ζωγραφική απαιτεί από δασκάλους και γονείς να έχουν πολλή υπομονή, βραδύτητα, διακριτικότητα, επιδεξιότητα και τη δική τους συναισθηματικά θετική στάση απέναντι στα εν λόγω έργα τέχνης. Θα πρέπει να θυμόμαστε ότι για να δούμε μια αναπαραγωγή μιας καλλιτεχνικής ζωγραφικής με παιδιά και να μιλήσουμε γι 'αυτό, είναι απαραίτητο να επιλέξετε την κατάλληλη στιγμή, να αποσυνδεθείτε από όλες τις καθημερινές ανησυχίες, να δημιουργήσετε μια νοοτροπία για την αντίληψη ενός έργου τέχνης και να διεγείρετε συναισθηματικό ενδιαφέρον και κατάλληλη διάθεση στα παιδιά. Δεν χρειάζεται να βιαστείτε και να κοιτάξετε όλα τα έργα ταυτόχρονα σε «μία συνεδρίαση». Κάντε το σταδιακά. Όταν προσφέρετε μια άλλη αναπαραγωγή, αφήστε πρώτα τα παιδιά να την εξετάσουν μόνα τους και να τη θαυμάσουν. Δείξτε ενδιαφέρον για το αν τους άρεσε και γιατί τους άρεσε. Στη συνέχεια, ξεκινήστε μια συζήτηση - έναν διάλογο. Να σέβεστε τα συναισθήματα κάθε παιδιού. εκφράστε την καλοσύνη και τη χαρά σας αν το παιδί κατάφερε να δει κάτι ιδιαίτερο στην εικόνα. Με τη σειρά σας, πείτε μας τι σας ικανοποίησε ή σας εξέπληξε. Αφού κοιτάξετε την αναπαραγωγή, τοποθετήστε την σε περίοπτη θέση και με κάθε ευκαιρία, ανατρέξτε σε αυτήν ξανά και ξανά, σημειώνοντας και βρίσκοντας κάθε φορά κάτι νέο.

Παιδιά 5-7 ετών ζωγραφίζουν νεκρές φύσεις με χρωματιστά μολύβια, μαρκαδόρους και μπογιές. Για να απεικονίσετε ένα βάζο ή κανάτα, μερικές φορές είναι πιο βολικό να χρησιμοποιείτε σιλουέτες κομμένες από έγχρωμο χαρτί. Σε αυτό το βάζο, το παιδί ζωγραφίζει ένα μπουκέτο λουλούδια και τοποθετεί φρούτα και λαχανικά κοντά. Τέτοιες νεκρές φύσεις είναι ιδιαίτερα ενδιαφέρουσες για ένα παιδί γιατί συνδυάζουν τεχνικές κολάζ και ζωγραφικής.

Πριν σχεδιάσετε μια νεκρή φύση, μπορείτε να προσκαλέσετε το παιδί σας να κοιτάξει γύρω του και να επιλέξει τα αντικείμενα ή τα φυτά από τα οποία μπορεί να συντεθεί. ρωτήστε τον γιατί διάλεξε αυτά τα συγκεκριμένα αντικείμενα.

Οι ενήλικες μπορούν να βάλουν λουλούδια σε μια κανάτα ή ένα βάζο και να προσκαλέσουν το παιδί να τα κοιτάξει, να θαυμάσει την ομορφιά των πετάλων και των φύλλων.

Δοκιμάστε την παρακάτω εργασία. Αφήστε το παιδί να πάρει δύο μήλα και μια μπανάνα. Είναι επιθυμητό να υπάρχουν μήλα διαφορετικό χρώμα(πράσινο και κόκκινο), στη συνέχεια σε συνδυασμό με μια κίτρινη μπανάνα θα δημιουργήσουν μια σύνθεση με λαμπερό χρώμα. Προσκαλέστε το παιδί σας να θαυμάσει πρώτα τη νεκρή φύση και στη συνέχεια να χρησιμοποιήσει χρώματα γκουάς για να ζωγραφίσει αυτή τη σύνθεση φύλλο άλμπουμ. Εάν γεμίσετε ολόκληρο τον χώρο του φύλλου με πλατιές πινελιές, θα έχετε μια όμορφη νεκρή φύση σε έγχρωμο φόντο.

Ανάλογα με την εποχή του χρόνου, το περιεχόμενο της νεκρής φύσης αλλάζει και τα παιδιά βρίσκουν νέα θέματα για τις ζωγραφιές τους.

Η εισαγωγή των παιδιών στη νεκρή φύση βοηθά στην ανάπτυξη αισθητικών συναισθημάτων, εικονιστικός λόγος, όπως αποδεικνύεται από την εμφάνιση ζωντανών συσχετισμών, μεταφορών και συγκρίσεων.

Νεκρή φύση(Γαλλικά: Nature morte - νεκρή φύση), ένα από τα είδη ζωγραφικής που απεικονίζει τα δώρα της φύσης (φρούτα, λουλούδια, ψάρια, παιχνίδι), καθώς και πράγματα φτιαγμένα από ανθρώπινο χέρι (επιτραπέζια σκεύη, βάζα, ρολόγια κ.λπ.). Ωρες ωρες άψυχα αντικείμενασυνυπάρχουν με ζωντανά όντα - έντομα, πουλιά, ζώα και ανθρώπους.

Μοτίβα νεκρής φύσης βρίσκονται ήδη στην τέχνη Αρχαία Ανατολήκαι την αρχαιότητα. Υπάρχει ένας θρύλος ότι ο αρχαίος Έλληνας καλλιτέχνης Απελλής απεικόνιζε τα σταφύλια τόσο επιδέξια που τα πουλιά τα μπέρδεψαν με αληθινά και άρχισαν να τα ραμφίζουν.

Η πρώτη αναφορά στη νεκρή φύση βρίσκεται στο XV-XVI αιώνες. Για πολύ καιρό, η νεκρή φύση διατήρησε μια σύνδεση με τη θρησκευτική ζωγραφική.

Η νεκρή φύση εμφανίστηκε ως ανεξάρτητο είδος τον 17ο αιώνα. και ταυτόχρονα γνώρισε τη λαμπρή ακμή του στο έργο Ολλανδών, Φλαμανδών και Ισπανών δασκάλων. Η ποικιλομορφία των τύπων και των μορφών του αυτή την εποχή συνδέεται με την ανάπτυξη εθνικών ρεαλιστικών σχολών ζωγραφικής.

Εικόνες από μαγειρικά σκεύη, βάζα με λουλούδια, και τέλος "Βανίτας"(«ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών»), νεκρές φύσεις με θέμα την αδυναμία της ζωής και τις βραχυπρόθεσμες χαρές της, καλώντας να θυμηθούμε τις αληθινές αξίες και να φροντίσουμε για τη σωτηρία της ψυχής. Αγαπημένα χαρακτηριστικά του «Vanitas» είναι ένα κρανίο και ένα ρολόι (J. van Streck. «Vanity of vanities»).

Για Ολλανδικές νεκρές φύσεις, όπως γενικά για τη νεκρή φύση του 17ου αιώνα, χαρακτηρίζεται από την παρουσία κρυφών φιλοσοφικών χροιών, πολύπλοκων χριστιανικών ή ερωτικών συμβολισμών (το λεμόνι ήταν σύμβολο μέτρου, ο σκύλος - πίστη κ.λπ.)

Οι Φλαμανδοί, αντίθετα, ζωγράφιζαν μεγάλους, μερικές φορές τεράστιους καμβάδες που προορίζονταν να διακοσμήσουν τις αίθουσες του παλατιού. Διακρίνονται για την εορταστική πολυχρωμία τους, την αφθονία των αντικειμένων και την πολυπλοκότητα της σύνθεσης. Τέτοιες νεκρές φύσεις ονομάζονταν "παγκάκι"(Y. Faith, F. Σνάιντερς). Απεικόνιζαν τραπέζια στοιβαγμένα με κυνήγι, θαλασσινά, ψωμί και δίπλα τους ιδιοκτήτες που προσφέρουν τα αγαθά τους. Το άφθονο φαγητό, σαν να μην χωρούσε στα τραπέζια, κρεμόταν και έπεσε ακριβώς πάνω στο κοινό.

ΣΕ Ιταλία και ΙσπανίαΗ άνοδος της ζωγραφικής νεκρής φύσης διευκολύνθηκε πολύ από το έργο του Καραβάτζιο. Τα αγαπημένα θέματα της νεκρής φύσης ήταν τα λουλούδια, τα λαχανικά και τα φρούτα, τα θαλασσινά, τα μαγειρικά σκεύη κ.λπ. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, G. Recco, G. B. Ruoppolo, E. Baskenis κ.λπ.).

Ισπανοί καλλιτέχνεςπροτίμησαν να περιοριστούν σε ένα μικρό σύνολο αντικειμένων και δούλευαν σε έναν συγκρατημένο χρωματικό συνδυασμό. Οι μορφές είναι απλές και ευγενείς. είναι προσεκτικά σμιλεμένα με chiaroscuro, σχεδόν απτά, η σύνθεση είναι αυστηρά ισορροπημένη (F. Zurbaran. “Still Life with Orange and Lemons”, 1633· A. Pereda. “Still Life with a Clock”).

Τον 19ο αιώνα Οι παραδόσεις του trompe l'oeil έχουν αναθεωρηθεί. Η νεκρή φύση γνωρίζει άνοδο στο πρώτο εξάμηνο. 19ος αιώνας στα έργα του Φ.Π. Τολστόι, που ξανασκέφτηκαν τις παραδόσεις των «blemneys» («Μούρα από κόκκινες και λευκές σταφίδες», 1818), καλλιτέχνες Βενετσιάνικο σχολείο, I. T. Khrutsky. Οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να δουν την ομορφιά και την τελειότητα στα καθημερινά αντικείμενα.

Τον 18ο αιώνα Ο Γάλλος δεξιοτέχνης J.-B. στράφηκε στο είδος της νεκρής φύσης. ΜΕ. Chardin. Οι πίνακές του, που απεικονίζουν απλά, καλής ποιότητας σκεύη (μπολ, χάλκινη δεξαμενή), λαχανικά, απλά φαγητά, γεμίζουν με πνοή ζωής, ζεσταίνονται από την ποίηση της εστίας και επιβεβαιώνουν την ομορφιά της καθημερινότητας. Ο Chardin ζωγράφισε επίσης αλληγορικές νεκρές φύσεις (“Still Life with Attributes of the Arts”, 1766).

Χαρακτηρίζεται από προσοχή στη γραφική ανάπτυξη του φωτεινού περιβάλλοντος, στην ποικιλία των υφών των διαφόρων υλικών, στη λεπτότητα των τονικών σχέσεων και στη χρωματική δομή - από τον εξαιρετικά μέτριο χρωματισμό των «μονόχρωμων πρωινών» των V. Heda και P. Klas στις έντονες αντιθέσεις, χρωματικά αποτελεσματικές συνθέσεις του V. Kalfa («Επιδόρπιο»). Ολλανδική νεκρή φύσηδιακρίνεται από την αφθονία των δασκάλων που εργάστηκαν σε αυτό το είδος και την ποικιλία των τύπων: εκτός από τα «πρωινά» και τα «επιδόρπια», «ψάρια» (A. Beyeren), «λουλούδια και φρούτα» (J. D. de Heem), «σκοτωμένα παιχνίδι» (J. Venicke, M. Hondekoeter), αλληγορική νεκρή φύση «vanitas» («ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών») κ.λπ. Η ολλανδική εκδοχή του όρου «Νεκρή φύση» - «stilleven» (η αρχική σημασία ήταν «στάσιμο μοντέλο ") - προέκυψε μόνο στα τέλη του 17ου αιώνα, ενώνοντας όλες αυτές τις ποικιλίες. Η φλαμανδική νεκρή φύση (κυρίως "αγορές", "καταστήματα", "λουλούδια και φρούτα") διακρίνεται από το εύρος των συνθέσεων της: είναι πολυσυστατικές, μεγαλειώδεις και δυναμικές. αυτοί είναι ύμνοι στη γονιμότητα και την αφθονία (F. Snyders, J. Veit). Τον 17ο αιώνα Αναπτύχθηκε επίσης η γερμανική (G. Flegel, K. Paudis) και η γαλλική (L. Vozhen) νεκρή φύση. Από τα τέλη του 17ου αι. οι διακοσμητικές τάσεις της αυλικής τέχνης θριάμβευσαν στη γαλλική νεκρή φύση. Δίπλα στη νεκρή φύση των λουλουδιών (J.B. Monnoyer και το σχολείο του), τα κυνηγετικά δείγματα N. (A.F. Deporte και J.B. Oudry) εμφανίζονται μόνο περιστασιακά οικιακή νεκρή φύση. Όμως τον 18ο αιώνα. Στη Γαλλία, ένας από τους πιο σημαντικούς δεξιοτέχνες έργων νεκρής φύσης - ο J. B. S. Chardin, του οποίου τα έργα ξεχωρίζουν για το ιδιαίτερο βάθος περιεχομένου, την ελευθερία σύνθεσης και τον πλούτο των χρωματικών λύσεων. Οι εικόνες του για τον κόσμο των καθημερινών πραγμάτων είναι στην ουσία δημοκρατικές, οικείες και ανθρώπινες, σαν να θερμαίνονται από την ποίηση της εστίας. Στα μέσα του 18ου αιώνα. προέκυψε ο όρος "nature morte", ο οποίος αντανακλούσε την περιφρονητική στάση απέναντι στη νεκρή φύση από την πλευρά των ακαδημαϊκών κύκλων, οι οποίοι έδιναν προτίμηση στα είδη των οποίων η περιοχή ήταν η "ζωντανή φύση" ( ιστορικό είδος, πορτραίτο, κ.λπ.). Αλλά η προηγμένη τέχνη κατέστρεψε την ακαδημαϊκή ιεραρχία των ειδών, η οποία εμπόδισε την ανάπτυξη της νεκρής φύσης. Τα συνθετικά κλισέ της νεκρής φύσης εξαλείφθηκαν και τα μοτίβα αυτής της ζωγραφικής μορφής επαναξιολογήθηκαν. Τον 19ο αιώνα Η μοίρα της νεκρής φύσης καθορίζεται από κορυφαίους δεξιοτέχνες της ζωγραφικής, που εργάζονται σε πολλά είδη και εμπλέκουν τη νεκρή φύση στον αγώνα των αισθητικών και καλλιτεχνικών ιδεών (F. Goya στην Ισπανία, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet και οι ιμπρεσιονιστές στη Γαλλία, που περιστασιακά στράφηκε στη νεκρή φύση). Παράλληλα, ο 19ος αι. Για πολύ καιρό δεν ξεχώρισα σημαντικούς δασκάλους που ειδικεύονται σε αυτό το είδος στη νεκρή φύση. Με φόντο μια καθημερινή κομμωτική νεκρή φύση του 2ου μισού του 19ου αιώνα. Σε γενικές γραμμές ξεχωρίζουν τα παραδοσιακά έργα του Γάλλου A. Fantin-Latour και του Αμερικανού W. Harnett, που αναβίωσαν μοναδικά τον τύπο "trompel" oeil.Η άνοδος της νεκρής φύσης συνδέεται με τις επιδόσεις των δασκάλων του μετα-ιμπρεσιονισμού. , για τους οποίους ο κόσμος των πραγμάτων έγινε ένα από τα κύρια θέματα. Στα τέλη του 19ου αιώνα, οι εκφραστικές δυνατότητες της νεκρής φύσης μέχρι την οξεία δραματική έκφραση της κοινωνικής και ηθικής θέσης του καλλιτέχνη ενσωματώνονται στο έργο του Ολλανδού W. Βαν Γκογκ Η πλαστική τελειότητα της ζωγραφικής, πιστή τόσο στη φύση όσο και στα υψηλά ιδανικά της εικόνας, αναβιώνει στη νεκρή φύση από τον Γάλλο P. Cezanne. Αυτό το είδος γίνεται θεμελιώδες για μια δημιουργική του ιδέα που είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη της νεκρής φύσης (καθώς και της ζωγραφικής γενικότερα) στην τέχνη του 20ου αιώνα. Από τις αρχές του 20ου αιώνα, η νεκρή φύση ήταν ένα είδος δημιουργικού εργαστηρίου ζωγραφικής. Στη Γαλλία, οι δάσκαλοι του Φωβισμού (Α. Matisse και άλλοι) ακολουθούν το μονοπάτι της επιδεινούμενης αναγνώρισης των συναισθηματικών και διακοσμητικών-εκφραστικών ικανοτήτων του χρώματος και της υφής, και οι εκπρόσωποι του κυβισμού (J. Braque, P. Picasso, H. Gris, κ.λπ.), χρησιμοποιώντας τις αναλυτικές ικανότητες που είναι εγγενείς στο ιδιαιτερότητες της νεκρής φύσης, προσπαθούν να καθιερώσουν νέους τρόπους μεταφοράς του χώρου και της μορφής. Τα προβλήματα (ή τα κίνητρα) της νεκρής φύσης προσελκύουν επίσης δεξιοτέχνες μεταγενέστερων κινημάτων - από καλλιτέχνες που, σε διάφορους βαθμούς, συνδυάζουν τον προσανατολισμό προς την κλασική κληρονομιά με νέες ανακαλύψεις στη ζωγραφική (Πικάσο στη Γαλλία, Α. Κανόλντ στη Γερμανία, Γ. Μοράντι στην Ιταλία), στους εκπροσώπους του σουρεαλισμού και της «ποπ αρτ», των οποίων τα έργα γενικά ξεπερνούν το ιστορικά καθιερωμένο είδος της ανοησίας.Οι ρεαλιστικές παραδόσεις της ανοησίας (συχνά με έντονη κοινωνική τάση) στον 20ό αιώνα. εκπροσωπούνται από τα έργα των D. Rivera και D. Siqueiros στο Μεξικό, R. Guttuso στην Ιταλία.

Η νεκρή φύση εμφανίστηκε στη ρωσική τέχνη τον 18ο αιώνα. μαζί με την καθιέρωση της κοσμικής ζωγραφικής, που αντικατοπτρίζει το γνωστικό πάθος της εποχής και την επιθυμία να μεταδοθεί με ειλικρίνεια και ακρίβεια ο αντικειμενικός κόσμος (τα «κόλπα» των G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, κ.λπ.). Περαιτέρω ανάπτυξηΗ ρωσική νεκρή φύση έχει επεισοδιακό χαρακτήρα. Μικρή άνοδος σημειώθηκε στο 1ο μισό του 19ου αιώνα. (F. P. Tolstoy, σχολή A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) συνδέεται με την επιθυμία να δούμε την ομορφιά στα μικρά και τα συνηθισμένα. Στο 2ο μισό του 19ου αι. Ο I. N. Kramskoy, ο I. E. Repin, ο V. I. Surikov, ο V. D. Polenov, ο I. I. Levitan στρέφονται μόνο περιστασιακά σε νεκρή φύση σκιαγραφικού χαρακτήρα. Αυτή η θέση της νεκρής φύσης στο καλλιτεχνικό σύστημα των Πλανόδιων απορρέει από την ιδέα τους για τον κυρίαρχο ρόλο της θεματικής-θεματικής εικόνας. Η ανεξάρτητη σημασία του σκίτσου των νεκρών φύσεων αυξάνεται στο γύρισμα του 19ου και του 20ου αιώνα. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Η ακμή της ρωσικής νεκρής φύσης συνέβη στις αρχές του 20ου αιώνα. Σε αυτουνού τα καλύτερα παραδείγματαπεριλαμβάνουν: ιμπρεσιονιστικά στην καταγωγή τους, αλλά διαφορετικά εμπλουτισμένα με νέες καλλιτεχνικές τάσεις, τα έργα των K. A. Korovin, I. E. Grabar, M. F. Larionov. παίζοντας διακριτικά την ιστορική και καθημερινή φύση των πραγμάτων, τα έργα των καλλιτεχνών του «Κόσμου της Τέχνης» (A. Ya. Golovin και άλλοι): ρομαντικές, εξυψωμένες και έντονα διακοσμητικές εικόνες των P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu Sudeikin, M. S. Saryan και άλλοι ζωγράφοι του κύκλου Blue Rose. φωτεινοί, πλαστικοί Ν. κύριοι του «Jack of Diamonds» (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. . Goncharova) με τη λατρεία τους για την ενότητα του χρώματος και της μορφής και του μονοπατιού η ίδια η διαδικασία της ερμηνείας της φύσης[...] 2 .

Τον 17ο-18ο αιώνα. στη βόρεια Ευρώπη κατειλημμένη νεκρή φύση σημαντικό μέρος. Ο χώρος του σπιτιού ήταν οργανωμένος γύρω του, το «έλυναν», «έπαιξαν» μαζί του. Η νεκρή φύση πήρε τα περισσότερα Ενεργή συμμετοχήμέσα στην εξαίσια καθημερινή κουλτούρα του μπαρόκ, του ροκοκό και του κλασικισμού. Και μόνο με το πέρασμα της «γαλάντιας εποχής» ο ρόλος της νεκρής φύσης στην καθημερινή ζωή γίνεται όλο και πιο διακοσμητικός και διακοσμητικός.

Σε σχέση με τη ζωγραφική, πολλά βιβλία εμβλημάτων έπαιξαν ένα είδος ρόλου ως λεξικού, από το οποίο αντλήθηκαν άφθονα σύμβολα. Έτσι, μετά την εμβληματική τέχνη, αναδύεται η τέχνη της απεικόνισης απλών, καθημερινών πραγμάτων προικισμένων με ένα διαφορετικό, υπέροχο νόημα. Αναδύεται η τέχνη της νεκρής φύσης. Ο πιο ακραίος ρεαλισμός εδώ συνδυάζεται φυσικά με την πιο ακραία αλληγορία, την αλληγορία. Και όσο πιο ρεαλιστικά απεικονίζονται τα αντικείμενα, τόσο πιο ενδιαφέρον είναι το σημασιολογικό τους μυστήριο για τον θεατή. Μερικές φορές μπορείτε να ακούσετε απόψεις για οποιοδήποτε «βρώμικο» που οι Ολλανδοί δάσκαλοι νεκρής φύσης του 17ου-18ου αιώνα «έσερναν» στους πίνακές τους. Αλλά αυτό δεν είναι καθόλου «σκουπίδια». Το συμβολικό όραμα των καθημερινών αντικειμένων, καθόλου τυχαία μαζί, μας κάνει να συζητάμε υψηλή κουλτούρακατανοώντας τη ζωή στην Ολλανδία, που διχάζεται από θρησκευτικές και ιδεολογικές διαμάχες.

Τον 17ο αιώνα υπήρχαν πολλοί ζωγράφοι νεκρής φύσης στην Ολλανδία. Αλλά, αν στις αρχές του αιώνα οι πίνακες των Ολλανδών και Φλαμανδών δασκάλων είχαν περισσότερα κοινά χαρακτηριστικά, τότε μέχρι το τέλος του αιώνα άρχισε να αναδεικνύεται η πρωτοτυπία τους. Εργα Ολλανδοί καλλιτέχνεςπιο συγκρατημένα, ευθυγραμμισμένα στο χρώμα, είναι αισθητό σε αυτά μεγάλη προσοχήστις λεπτομέρειες, σε κάθε πράγμα ξεχωριστά. Τα φλαμανδικά έργα είναι πιο δυναμικά, φωτεινά και τα αντικείμενα σε αυτά σχηματίζουν μια σύνθετη σύνθεση. Και αυτό δεν είναι καθόλου «νεκρή φύση», αλλά μια ζωή που βράζει.

Διάφορα κέντρα ζωγραφικής νεκρής φύσης εμφανίστηκαν επίσης στην Ολλανδία. Στην επιχείρηση, το αστικό Χάρλεμ, γεννήθηκαν τα «πρωινά», στην αριστοκρατική Ουτρέχτη, που εδώ και πολύ καιρό φημίζεται για την καλλιέργεια λουλουδιών, - μπουκέτα λουλουδιών, στο λιμάνι της Χάγης - άφθονες συνθέσεις ψαριών, στο Λέιντεν (πανεπιστημιακή πόλη) - «επιστημονική » νεκρές φύσεις (οι λεγόμενοι «Vanitas», αφιερωμένοι στην αδυναμία της ζωής).

Σε αυτούς τους παράξενους πίνακες, αντικείμενα που αφαιρέθηκαν από τον πραγματικό περιβάλλοντα χώρο σχημάτιζαν τον δικό τους ασυνήθιστο και έντονα συμβολικό κόσμο. Και σε αυτόν τον κόσμο δεν υπάρχουν τυχαία αντικείμενα. Πίσω στο δεύτερο μισό του 16ου αιώνα στην Πράγα, στην αυλή του αυτοκράτορα Ρούντολφου Β', που αγαπούσε με πάθος την τέχνη, δημιουργήθηκε μια κοινωνία που ονομάζεται «κύκλος του Ρούντολφιν». Περιλάμβανε επιστήμονες και αστρολόγους, αλχημιστές, καλλιτέχνες και ποιητές. Ο υψηλότερος στόχος εδώ θεωρήθηκε ότι ήταν η γνώση του Σύμπαντος, των βασικών του νόμων και των αιώνιων συνδέσεων μεταξύ του κόσμου και του ανθρώπου. Πολύ σύντομα αυτή η κοινωνία γίνεται το επίκεντρο ενός νέου καλλιτεχνικού κινήματος - του «μανιερισμού». Για τους «Ρουντολφινιανούς» δεν υπάρχουν «ασήμαντα» αντικείμενα ή φαινόμενα. Η κίνηση των πλανητών, το πέταγμα ενός πουλιού, η κίνηση των βακτηρίων κάτω από ένα μικροσκόπιο (μόνο ανοιχτό εκείνη τη στιγμή) και η ανάπτυξη απλού γρασιδιού είναι σημαντικά. Και είναι ο καλλιτέχνης που πρέπει να τα συνδυάσει όλα αυτά σε μια ενιαία αρμονία στον καμβά του.

Επειδή όμως το ίδιο το αντικείμενο, η μορφή και τα χαρακτηριστικά του περιέχουν το νόημά του, τότε είναι απαραίτητο να μεταφέρουμε το αντικείμενο στον καμβά με μεγάλη προσοχή. Έτσι μπαίνει φυσικά η «κόλπα» στη ζωγραφική - μια αληθινή εικόνα ενός αντικειμένου σε σημείο ψευδαίσθησης (συνήθως ένα έντομο ή σταγόνες νερού), το οποίο στα τέλη του 18ου αιώνα είχε εκφυλιστεί σε απλή απάτη.

Ταυτόχρονα, ακόμη και η ακριβής εικόνα του αντικειμένου δεν ήταν καθόλου ευανάγνωστη. Αντίθετα, τα πράγματα, σκόπιμα αποκομμένα από το συνηθισμένο τους περιβάλλον, έδειχναν ένα εντελώς διαφορετικό, και συχνά αντίθετο, νόημα. Για παράδειγμα, νεκρές φύσεις με πολύτιμα σκεύη και εκλεκτά πιάτα, που οι σύγχρονοι τα χαρακτήρισαν ως «πολυτελή», «διαβάζονταν» συχνότερα από αυτούς ως έκκληση να αποκηρύξουν τις υπερβολές.

Αν συγκρίνουμε τη συμβολική τέχνη της νεκρής φύσης, γεμάτη με ιδιότροπα νοήματα, με τη λογοτεχνία, τότε από όλα τα λογοτεχνικά είδη, ίσως το καταλληλότερο λυρική ποίηση. Δεν είναι χωρίς λόγο ότι η ποίηση συνδέεται ήδη με τα εμβληματικά. Και δεν είναι χωρίς λόγο ότι, παράλληλα με την άνθηση της νεκρής φύσης, ήταν η λυρική ποίηση που γνώρισε την άνοδό της στις Κάτω Χώρες του 17ου αιώνα (αυτό είναι ιδιαίτερα εμφανές όταν συγκρίνουμε τη νεκρή φύση με τη λεγόμενη «ποίηση του περίσταση», όπου περιγράφονταν λεπτομερώς μικρές λεπτομέρειες της καθημερινής ζωής). Και όπως είναι αδύνατο να περιγραφεί ένα λυρικό ποίημα εντελώς ορθολογικά, έτσι δεν υπάρχει ούτε ένα περισσότερο ή λιγότερο Λεπτομερής περιγραφήσυμβολισμός μιας συγκεκριμένης νεκρής φύσης. Στον θεατή προσφέρεται ένα παιχνίδι - βασισμένο στις πραγματικές ιδιότητες του αντικειμένου, μαντέψτε το συμβολικό νόημασε μια σύνθεση που συνέταξε ο καλλιτέχνης.

Μερικές φορές, όμως, ο καλλιτέχνης βοηθούσε τον θεατή. Έτσι, στον πίνακα του Artsen «The Butcher Shop» (1551), στο πρώτο πλάνο φαίνεται ένα τραπέζι γεμάτο με διάφορα είδη κρέατος, ψαριών και λουκάνικων. Στο βάθος, στα ίδια τα βάθη, υπάρχει μια σκηνή φυγής προς την Αίγυπτο - φυγή από όλον αυτόν τον πλούτο, που φέρνει τον αναπόφευκτο θάνατο.

Συχνά ο καλλιτέχνης συμπεριλάμβανε απευθείας κείμενο στον πίνακα. Αυτό έγινε σίγουρα στις λόγιες νεκρές φύσεις του Λέιντεν «Vanitas» (Λατινικά: «κενότητα, ματαιότητα, αχρηστία, ψεύτικο, ανούσιο»). Αποσπάσματα από τη Βίβλο ή από αρχαίους συγγραφείς σχετικά με το θέμα της «ματαιοδοξίας των ματαιοδοξιών» έχουν γίνει κοινά εδώ: «Όλη η σάρκα είναι χόρτο, και όλη της η ομορφιά είναι σαν το άνθος του αγρού» (από το Βιβλίο του Προφήτη Ησαΐα). «Οι μέρες του ανθρώπου είναι σαν το χορτάρι, σαν το άνθος του αγρού.» , έτσι ανθίζει» (από το Ψαλτήρι), «Όποιος πέρασε από το τριαντάφυλλο, μην το αναζητάς πια» (από τον Οράτιο). Το κείμενο τοποθετήθηκε είτε σε ένα όμορφο καρούτσι, είτε γράφτηκε προσεκτικά σε ένα φθαρμένο φύλλο χαρτιού (η αρχαιότητα έγινε συνώνυμο της αυθεντικότητας), είτε τοποθετήθηκε στην ανοιχτή σελίδα ενός αρχαίου τόμου, είτε αποτελούσε τον τίτλο ενός βιβλίου που είχε πετάχτηκε κατά τύχη.

Και κάθε αντικείμενο στην εικόνα αντιστοιχεί στη συνέχεια στο κείμενο: ένα τριαντάφυλλο, αγριολούλουδα, έντομα - ένα παραδοσιακό σύμβολο του μικρού ανθρώπινη ύπαρξη, και οι πεταλούδες και οι λιβελλούλες είναι σύμβολο της σωτηρίας της ψυχής. Σταδιακά, επιλέχθηκαν ιδιαίτερα σημαντικά αντικείμενα για τέτοιες νεκρές φύσεις. ΚλεψύδραΜας θύμισαν την παροδικότητα της ζωής, μπουκέτα λουλούδια -του ξεθωριάσματος και της παροδικότητας, λάμπες που καπνίζουν, πίπες - μικρής διάρκειας, και βασιλικά ρέγκαλια - όλα τα πλούτη που δεν μπορείς να πάρεις μαζί σου σε μια άλλη ζωή. Ιδιαίτερα προεξέχον ήταν το ανθρώπινο κρανίο - ένα ζωντανό σύμβολο αδύναμων, άδειων (ή μισομεθυσμένων) ποτηριών, που υποδηλώνει την ευθραυστότητα της ανθρώπινης ύπαρξης και το στέλεχος ενός κεριού - σύμβολο της σβησμένης ζωής.

Συχνά στις νεκρές φύσεις του «Vanitas» υπάρχουν «τυχαίες» διασκορπίσεις παλαιών βιβλίων (μιας περασμένης εποχής), οργάνων μέτρησης (δεν χρειάζονται πια), φλάουτα και βιολιά («ο ήχος τους είναι τόσο όμορφος και φευγαλέος»). Στις γαλλικές νεκρές φύσεις, οι χαρακτήρες εμφανίζονται να φυσούν σαπουνόφουσκες - η ανθρώπινη ζωή παρομοιάζεται με τις πιο λεπτές και άπιστες φυσαλίδες. Και στην Αγγλία, μετά το 1649, πορτρέτα του εκτελεσθέντος Charles I Stuart εμφανίστηκαν σε πολλά "Vanitas" - ο θάνατος αυτού του βασιλιά επιβεβαίωσε μόνο την ιδέα της αδυναμίας της επίγειας ευτυχίας και της επισφάλειας της γήινης δύναμης.

Πολύ συχνά, τα λουλούδια και τα βότανα χρησιμεύουν ως σύμβολο θνησιμότητας. Ειδικά αν τα λουλούδια και τα βότανα είναι άγρια. Τοποθετημένα με φόντο ένα άδειο άνοιγμα παραθύρου, τονίζουν περαιτέρω την απελπισία. Μερικές φορές τα φύλλα των λουλουδιών κατατρώγονται από τα έντομα και τα άδεια κοχύλια ή οι ξηροί καρποί είναι διάσπαρτα κοντά.

Στην πραγματικότητα, οι νεκρές φύσεις λουλουδιών χωρίστηκαν σε «γιρλάντες» και «μπουκέτα». Οι «γιρλάντες» είναι ιδιαίτερα δύσκολο να κατανοηθούν. Διάσημοι δάσκαλοι έγραψαν στο είδος των "γιρλάντες" - J. Bruegel Velvetny, D. Segers, J.D. de Hem. Ο μοναχός του Τάγματος των Ιησουιτών, ο πατέρας D. Seghers, απέκτησε ιδιαίτερη φήμη σε αυτόν τον τομέα. Ως ένδειξη θαυμασμού για την ικανότητά του, εστεμμένοι Ευρωπαίοι κεφαλές του χάρισαν ακριβά δώρα - χρυσό σταυρό με αλληγορικές φιγούρες από σμάλτο, χρυσά οστά και χρυσή παλέτα κ.λπ. Ποιητές αφιέρωσαν ποιήματα στα λουλούδια που ζωγράφιζε.

Η γιρλάντα τυλιγμένη γύρω από την κεντρική εικόνα (και θα μπορούσε να είναι πολύ διαφορετική, τις περισσότερες φορές ήταν ένα πορτρέτο που έγινε από άλλους δασκάλους) έμοιαζε με το διάσημο σύμβολο της Αιωνιότητας - ένα φίδι που περιπλέκεται γύρω από ένα φτερωτό ρολόι. Γι' αυτό τέτοιες συνθέσεις είχαν δοξαστική σημασία. Λευκά κρίνα και αυτιά ψωμιού πλέκονταν στην ίδια τη γιρλάντα, που παραδοσιακά συνδέονταν με τον Χριστό ή τη Μαρία και μιλούσαν για την αγνότητα αυτού που δοξάζεται. Επιπλέον, πολλά πράγματα συμβόλιζαν εδώ τις εποχές: λουλούδια - άνοιξη, στάχυα και φρούτα - καλοκαίρι, σταφύλια και λαχανικά - φθινόπωρο, λεμόνια - χειμώνας ("όλα αλλάζουν, μόνο η καλή μνήμη παραμένει αμετάβλητη").

Η γλώσσα των λουλουδιών, που δανείστηκε η Αναγέννηση από τον μεσαιωνικό συμβολισμό, ήταν κατανοητή σε σχεδόν κάθε μορφωμένο αριστοκράτη του 17ου αιώνα. Και επομένως οι γιρλάντες «διαβάζονταν» εύκολα από το κοινό. Χιονοσταλίδες, πορτοκάλια, τριαντάφυλλα και ίριδες αφιερώθηκαν στη Μητέρα του Θεού. Η έκκλησή της στον Χριστό συμβολιζόταν με τουλίπες. ένα κλαδί γαϊδουράγκαθου - το πάθος του Χριστού. ο θρίαμβος της ουράνιας αγάπης εκφραζόταν συχνά από τον ναρκισσιστή.

Οι γιρλάντες δεν τυλίγονται μόνο γύρω από πορτρέτα. Συχνά αυτά είναι ένα ρολόι, ένα ευχαριστιακό κύπελλο, ποτήρια κρασί και ακόμη και ένα καρτούζι με κείμενο. Μερικές φορές ένα μικρό στεφάνι τοποθετείται απευθείας στο κύπελλο. Αυτή η σύνθεση ανάγεται σε ένα από τα διάσημα εμβλήματα: ένα κύπελλο με ένα φαρδύ μπολ γεμάτο με κρασί, στο οποίο επιπλέει ένα στεφάνι λουλουδιών. Η επιγραφή έγραφε: «Γιατί δεν σκέφτεσαι τη μοίρα των θνητών;» Έτσι, η επίσημη γιρλάντα με τη σημασία της συνδέεται με το «Vanitas».

Οι νεκρές φύσεις με τη μορφή ανθοδέσμων (σε βάζο, κανάτα ή απλά σε τραπέζι) αποτελούνταν συνήθως από τρία είδη. Και η κύρια έμφαση στην εικόνα έπεσε σε διάφορα αντικείμενα. Σε μια ακτινωτή σύνθεση (οι βλαστοί των λουλουδιών που ανεμίζουν από ένα σημείο), η κύρια εικόνα είναι το λουλούδι που τοποθετείται στο σημείο όπου οι μίσχοι συγκλίνουν. Συνθέσεις του δεύτερου τύπου, σαν χαλί, γεμίζουν όλο τον χώρο του καμβά. Στη συνέχεια χτίζεται μια κατακόρυφη ιεραρχία χρωμάτων και των σημασιών τους. Η τρίτη ποικιλία είναι ενσωματωμένη στη σύνθεση ενός τριγώνου. Εδώ το πιο σημαντικό λουλούδι χρησιμεύει ως κεντρικός άξονας και τα υπόλοιπα λουλούδια ομαδοποιούνται συμμετρικά γύρω του. Ωστόσο, η αυστηρή συμμετρία σπάει σύντομα και αυτή που ανέπτυξε η Ya.D. γίνεται αγαπημένη. de Hem Μπουκέτο σε σχήμα S με κομψές μπούκλες, προσδοκώντας το στυλ ροκοκό.

Υπάρχει ακόμη και ένα ιδιότυπο εικονογραφικό σχήμα με σαφή διαχωρισμό σε χωρικές ζώνες. Κάτω, κοντά στο βάζο, υπάρχουν συνήθως σημάδια αδυναμίας - σπασμένα ή μαραμένα λουλούδια, θρυμματισμένα πέταλα, άδεια κοχύλια, κάμπιες, μύγες. στο κέντρο - σύμβολα σεμνότητας και αγνότητας (μέση μετριοπάθεια), που περιβάλλονται από πλούσια βραχύβια λουλούδια (κρίνος της κοιλάδας, βιολέτες, ξεχασμοί, κυκλάμινο που περιβάλλονται από τριαντάφυλλα, γαρίφαλα, ανεμώνες κ.λπ.). Η σύνθεση στέφεται με ένα μεγάλο λουλούδι, το οποίο συχνά έχει θετικό νόημα, ένα είδος κορώνας αρετής (και περιβάλλεται ακόμη και από πεταλούδες και λιβελλούλες). Το ίδιο το αγγείο παρομοιάστηκε με ένα εύθραυστο δοχείο, αλλά θα μπορούσε επίσης να έχει μια ερμηνεία του σώματος ως «σκεύος βδελυγμίας και αμαρτίας».

Πολλά γυάλινα, κρυστάλλινα και πήλινα αγγεία, με και χωρίς λουλούδια, θεωρήθηκαν ως κάτι εύθραυστο, άπιστο, έτοιμο να σπάσει. Τα ακριβά αγγεία τόνιζαν μόνο αυτό το συναίσθημα, φέρνοντας ένα επιπλέον νόημα της ματαιότητας του πλούτου. Το περιεχόμενο των αγγείων ερμηνεύτηκε διαφορετικά. Το νερό είναι το θέμα του βαπτίσματος, ο εξαγνισμός, το κρασί είναι το θέμα της κοινωνίας. Ωστόσο, το κρασί, ειδικά το ημιτελές κρασί, θα μπορούσε να συμβολίζει τόσο μια ζωή που δεν έχει ζήσει πλήρως όσο και το απομεινάρι της άχρηστης πολυτέλειας.

Σχεδόν πάντα, οι floral νεκρές φύσεις συμπληρώνονταν από αντικείμενα διάσπαρτα στο τραπέζι. Τις περισσότερες φορές, αυτά είναι άδεια κοχύλια - ένα σημάδι κενών σαρκικών απολαύσεων. Ο καρπός ενός λεμονιού, που είναι όμορφος εξωτερικά αλλά ξινός εσωτερικά. Το αυγό είναι ένα παραδοσιακό σημάδι της Ανάστασης. Ο καρπός του ροδιού που σκάει είναι σύμβολο της γονιμότητας, του Χριστού και της εξιλεωτικής θυσίας του. Οι φράουλες είναι σημάδι κοσμικής ευχαρίστησης και πειρασμού. Και όλα αυτά μαζί (λουλούδια, αγγεία, αντικείμενα) εξυπηρετούσαν μια ενιαία ιδέα.

Στα μέσα του 17ου αιώνα, οι νεκρές φύσεις με εικόνες ερπετών και αμφιβίων έγιναν ιδιαίτερα διαδεδομένες. Η παρουσία τους στη νεκρή φύση διαψεύδει τη σημασία της ως «νεκρή φύση». Μάλλον, το ολλανδικό όνομά του ταιριάζει εδώ - "stilleven" ("ήσυχη, ακίνητη ζωή").

Τις περισσότερες φορές αποτελούνταν από Ιταλούς ζωγράφους. Αλλά οι Ολλανδοί έχουν επίσης σαύρες και φίδια που σέρνονται στο χοντρό γρασίδι. Αυτό δεν είναι καθόλου η προτίμηση του ζωγράφου για τα ερπετά. Απλώς το φίδι είναι από καιρό σύμβολο εξαπάτησης και κακίας, και το γρασίδι - η εύθραυστη ανθρώπινη ύπαρξη. Συχνά, ελκυστικά μούρα τοποθετούνταν στο γρασίδι - "η ευχαρίστηση είναι γεμάτη με κακό". Τα ποντίκια, οι βάτραχοι και οι σκαντζόχοιροι θεωρούνταν επίσης διαβολικά ζώα και συχνά απεικονίζονταν αντί για φίδια. Ένα αγαπημένο ζωώδη θέμα ήταν η εικόνα ενός φιδιού που αρπάζει μια πεταλούδα. Έτσι το κακό κατατρώει κάθε ελπίδα σωτηρίας.

Η πλειοψηφία των εκπροσώπων της πανίδας των νεκρών φύσεων είναι έντομα. Σημαντική εδώ είναι η παραδοσιακή ιδέα των τριών σταδίων ύπαρξης (γήινη ύπαρξη, θάνατος, μετά θάνατον ζωήψυχές). Η πιο εντυπωσιακή ενσάρκωση αυτών των ιδεών στις νεκρές φύσεις ήταν η εικόνα μιας κάμπιας, μιας χρυσαλλίδας και μιας πεταλούδας. Έτσι, η εικόνα μιας πεταλούδας έτοιμης να πετάξει από το καβούκι της «διαβάστηκε» ξεκάθαρα ως «μια ψυχή που φεύγει από ένα θνητό σώμα». Την ίδια αντινομία ζωής και θανάτου απεικόνιζε μια πεταλούδα δίπλα σε μια κάμπια ή ένα σαλιγκάρι. Μια μύγα ή μια αράχνη θεωρούνταν σύμβολο του κακού, του θανάτου, της αμαρτίας και της τσιγκουνιάς. Επομένως, μια μύγα που κάθεται σε ένα μήλο ή ένα ροδάκινο συνδέεται παραδοσιακά με το θέμα του Φθινοπώρου.

Από τα μεγαλύτερα ζώα, ο σκίουρος, για παράδειγμα, συμβόλιζε τη σκληρή δουλειά, χωρίς την οποία είναι αδύνατες οι γήινες ευλογίες. Αλλά μερικές φορές, θα μπορούσε επίσης να αντιπροσωπεύει την επιπολαιότητα. Ο λαγός είναι μια «ανάμνηση της ακοής, της ευαισθησίας, της αφθονίας, της δειλίας, της δειλίας, του φόβου». Οι καραβίδες ή οι αστακοί είναι οι αντιξοότητες του κόσμου, αλλά και η σοφία, η σύνεση και η βραδύτητα. Συχνά βρίσκεται μια εικόνα ενός παπαγάλου. Σε αντίθεση με τη δημοφιλή πεποίθηση, στον Μεσαίωνα αυτό το πουλί παρομοιαζόταν με το δίκαιο και συμβόλιζε την ευγλωττία, την ευγνωμοσύνη ή αντιπροσώπευε έναν πιστό. Ο πίθηκος θεωρήθηκε ως ένα ζώο που μιμούνταν τις ανθρώπινες πράξεις και συμβόλιζε διάφορες κακίες, τον αμαρτωλό, ακόμη και τον ίδιο τον διάβολο. Αυτή, δεμένη ή αλυσοδεμένη, είναι εθισμός σε κακίες και κοσμικές υποθέσεις. Αν ο πίθηκος κοιτούσε στον καθρέφτη, γινόταν αντιληπτός ως εικόνα ματαιοδοξίας.

Συχνά μια γάτα εισέρχεται στον κόσμο των νεκρών φύσεων. Πίσω θετικά χαρακτηριστικάΑυτό το ζώο - ευκινησία και πόθος για ελευθερία - ήταν συχνά αφιερωμένο στη Μητέρα του Θεού (ειδικά με μια ρίγα σε μορφή σταυρού στην πλάτη). Αλλά συνήθως αυτό το ζώο συνδέθηκε με σκοτεινές δυνάμεις και μαγεία. Ήδη από τον Μεσαίωνα, η γάτα συμβόλιζε τον διάβολο και το ποντίκι την ψυχή, συνεχώς εκτεθειμένη σε κίνδυνο. Στη σύγχρονη εποχή, μια γάτα, ειδικά αυτή που είχε μαζέψει ένα μεγάλο κομμάτι κρέας με τα νύχια της, ήταν μια συνεχής υπενθύμιση σαρκικών απολαύσεων. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο είναι τόσο χαρακτηριστικές οι εικόνες με γάτες, που ταράζονται στη θέα ενός τραπεζιού γεμάτο με ψάρια και κυνήγι (ειδικά για τον Snyders και το σχολείο του). Ένας σκύλος, αντίθετα, είναι σαν το αντίθετο της γάτας - ένας πιστός φύλακας που προσπαθεί να διώξει το κλέφτικο ζώο από το άφθονο τραπέζι.

Πολυάριθμα χρυσά και ασημένια αντικείμενα (βάζα, κύπελλα, διακοσμητικά αντικείμενα), καθώς και σύμβολα εξουσίας (βασιλικά στέμματα, σκήπτρα), ανήκουν αναμφίβολα στον κύκλο του θανάτου στις νεκρές φύσεις. Ο ειλικρινής θαυμασμός του καλλιτέχνη για τα εξαιρετικά σπάνια στοιχεία συνδυάζεται τέλεια με την ηθική. Μερικές φορές, ειδικά σε μεταγενέστερες νεκρές φύσεις, μικρά γλυπτά μπαίνουν επίσης στο οπτικό πεδίο του ζωγράφου. Πρόκειται αναμφίβολα για ένα πεδίο μυθολογικών χαρακτήρων. Ο σάτυρος που λυγίζει κάτω από το βάρος του ρολογιού είναι ο χρόνος, που κατακτά τη διαβολική, σαρκική αρχή στον άνθρωπο. Ο Ερμής βγάζοντας τα παπούτσια - ηρεμία από μάταιες γήινες ανησυχίες κ.λπ. 3 .