Umetničke mrtve prirode sa cvećem. Najbolje mrtve prirode

I. Maškov "Mrtva priroda" (1930)

Riječ "mrtva priroda" francuski prevedeno kao "mrtva priroda" (fr. priroda morte).

O mrtvoj prirodi

Sve što više ne živi, ​​diše, što je otkinuto, odsječeno, ali nastavlja ugađati čovjeku svojim postojanjem - sve je to tema mrtve prirode.

Kao samostalan žanr slikarstva, mrtva priroda počinje da postoji u 17. veku. u radu holandskih i flamanskih umjetnika. A ranije je bio samo ukras i obavljao je utilitarnu funkciju.

Rane mrtve prirode često su sadržavale skrivenu alegoriju (alegoriju), koja se izražavala kroz svakodnevne predmete obdarene simboličko značenje. Ponekad se u mrtvim prirodama prikazivala lubanja, koja je trebala podsjećati na prolaznost života i neminovnost smrti.

Zvala se alegorijska mrtva priroda Vanitas (lat. vanitas lit.: "taština, taština"). Njegov kompozicioni centar je tradicionalno ljudska lobanja.

Bartolomej Brain Stariji (I polovina 16. veka). Vanitas

"Taština nad taštinom", rekao je Propovjednik, "taština nad taštinom, sve je taština!"

Willem Claesz Heda. Vanitas

Lobanja simbolizira slabost ljudski život. Lula za pušenje simbol je prolaznih i neuhvatljivih ovozemaljskih zadovoljstava. Staklo simbolizuje krhkost života. Ključevi su moć domaćice koja upravlja inventarom. Nož podsjeća na ranjivost osobe i njenu smrtnost. List papira obično sa moralizirajućim (često pesimističnim) izrekom. Na primjer:

Hodie mihi cras tibi - danas za mene, sutra za tebe;

memento mori - memento Mori;

Aeterne pungit cito volat et occidit - slava herojskih djela će nestati na isti način kao i san;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum - sve je uništeno smrću, smrću - posljednja granica sve stvari;

Nil omne - sve je ništa.

Ali češće se, ipak, u mrtvim prirodama osjeća umjetnikovo divljenje prema predmetima: kuhinjski pribor, cvijeće, voće, predmeti za domaćinstvo - takve slike kupci su kupovali za ukrašavanje interijera svojih domova.

Od sredine XVII veka. Mrtva priroda u holandskom slikarstvu primljena široku upotrebu već kao samostalan žanr. A jedna od prvih bila je cvjetna mrtva priroda, posebno u djelima Ambrosiusa Bosschaerta starijeg i Balthasara van der Asta, a zatim je nastavila svoj razvoj u luksuznim mrtvim prirodama Jana Davidsza de Heema u drugoj polovini 17. stoljeća. . Cvjetna mrtva priroda također je popularna među umjetnicima našeg vremena.

Tema mrtve prirode je opsežna: to su već spomenute mrtve prirode cvijeća, slike doručka, posluženih stolova, mrtve prirode naučnika, koje su prikazivale knjige i druge predmete ljudske djelatnosti, muzički instrumenti i sl.

Razmotrite neke od najpoznatijih mrtvih priroda.

Willem Claesz Heda (1594-1682) "Mrtva priroda sa šunkom i srebrnim priborom" (1649)

Willem Claesz Heda "Mrtva priroda sa šunkom i srebrnim priborom" (1649.)

Na ovoj slici je uočljiva umetnikova virtuozna veština u prenošenju običnih, svakodnevnih predmeta za domaćinstvo. Kheda ih prikazuje na takav način da je očito da im se i sam divi: stvara se osjećaj opipljivosti svakog od predmeta.

Na malom stolu prekrivenom bogatim teškim stolnjakom vidimo limun i divimo se njegovoj mekoći ćilibara, mirišemo svježu šunku i čujemo zvonjavu svjetlucavog srebra. Doručak je gotov, tako da su stvari na stolu u prirodnom neredu.

Srebrno posuđe znači zemaljsko bogatstvo, šunka - senzualne radosti, limun - spoljna lepota u kome se krije gorčina. Slika zaključuje razmišljanje o potrebi brige ne samo o tijelu, već i o duši.

Mrtva priroda je dizajnirana u jednom smeđe-sivom tonu, karakterističnom za sve holandsko slikarstvo tog vremena. Platno nije samo lijepo, ono govori i o skrivenom "mirnom životu" predmeta, viđenom pažljivim pogledom umjetnika.

Mrtva priroda se nalazi u Državnom muzeju likovne umjetnosti njima. A. S. Puškina u Moskvi.

Paul Cezanne (1830-1906) Breskve i kruške (1895)

Paul Cezanne "Breskve i kruške" (1895.)

Paul Cezanne je bio najveći francuski slikar kasno XIX in. Nakon što je iskusio uticaj impresionizma, Cezanne im se suprotstavio svojom metodom. Istupio je protiv njihove želje da u umjetnosti slijede samo svoj vizuelni utisak - zalagao se za objektivno prenošenje stvarnosti, zasnovano na obrascima u prirodi. Želeo je da vidi ne promenljive, već stalne kvalitete. Sezan je rekao: "Želim da vratim večnost prirodi." Umjetnik je svoja stvaralačka traganja vodio kroz sintezu forme i boje, forme i prostora. Naročito se ova potraga može pratiti u njegovim mrtvim prirodama.

Svaki od objekata ove mrtve prirode prikazan je iz drugačijeg ugla. Vidimo sto odozgo, stolnjak i voće sa strane, sto odozdo i vrč u isto vreme. različite tačke viziju. Cezanne nastoji da što potpunije prikaže oblik i volumen karakteristične za breskve i kruške. Njegova tehnika je zasnovana na optičkom zakonu: tople boje (crvena, ružičasta, žuta, zlatna) izgledaju kao da strše, a hladne boje (plava, cijan, zelena) povlače se u dubinu platna.

Oblik predmeta u Cezanneovim mrtvim prirodama ne ovisi o nasumičnom osvjetljenju, već postaje stalan, svojstven svakom objektu. Stoga se Cezanneove mrtve prirode čine monumentalnim.

Slika se nalazi u Državnom muzeju likovnih umjetnosti. A. S. Puškina u Moskvi.

Henri Matisse (1869-1954) Plavi stolnjak (1909)

Henri Matisse "Plavi stolnjak" (1909.)

Čuveni francuski umjetnik Henri Matisse u stranoj umjetnosti XX vijeka. zauzima jednu od vodećih pozicija. Ali ovo mjesto je posebno.

Na samom početku 20. vijeka. Matisse je postao šef prve nove grupe u evropskom slikarstvu, koja je tzv Fovizam(od francuskog "divljeg"). Karakteristika ovog trenda bila je sloboda korištenja bilo koje boje koju je umjetnik proizvoljno izabrao, želja za dekorativnom šarenilom. To je bio izazov ustaljenim normama službene umjetnosti.

Ali nakon nekog vremena ova grupa se raspala, a Matisse više nije pripadao nijednom smjeru, već je izabrao svoj put. Svojom jasnom, veselom umjetnošću Matisse je nastojao da u emotivnoj atmosferi 20. vijeka da mir izmučenim dušama ljudi.

U mrtvoj prirodi Plavog stolnjaka Matisse koristi svoju omiljenu tehniku ​​kompozicije: tkaninu koja se spušta odozgo. Materija u prvom planu, takoreći, zatvara prostor platna, čineći ga plitkim. Gledalac se divi hirovitoj igri plavog ornamenta na tirkiznoj pozadini stolnjaka, linijama mrtve prirode. Umjetnik je uopćio forme zlatnog lonca za kafu, zelenog dekantera i rumenih jabuka u vazi, izgubili su na volumenu, a mali predmeti su poslušali ritam tkanine, upotpunjuju šareni akcenat slike.

Mrtva priroda u ruskom slikarstvu

Mrtva priroda kao samostalni žanr slikarstva pojavila se u Rusiji početkom 18. stoljeća, ali se u početku smatrala „nižim“ žanrom. Najčešće se koristio kao obrazovno okruženje i bilo je dozvoljeno samo u ograničenom smislu kao slikanje cvijeća i voća.

Ali početkom dvadesetog veka. mrtva priroda u ruskom slikarstvu je procvjetala i po prvi put postala ravnopravan žanr. Umjetnici su tražili nove mogućnosti u polju boje, forme, kompozicije mrtve prirode. Među ruskim naturmoristima može se nazvati I.F. Hrucki, I.E. Grabar, P.P. Konchalovsky, I. Levitan, A. Osmerkin, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, V. Nesterenko i drugi.

po najviše poznata mrtva priroda P. Končalovski je njegov "Jorgovan".

P. Končalovski "Jorgovan" (1939)

P. Končalovski "Jorgovan" (1939)

P. Konchalovsky u slikarstvu je bio sljedbenik Cezannea, nastojao je izraziti svečanost boje svojstvenu ruskom narodna umjetnost, uz pomoć konstruktivnosti boja Paula Cezannea. Umjetnik je slavu stekao upravo zahvaljujući svojim mrtvim prirodama, često izvedenim u stilu bliskom kubizmu i fovizmu.

Njegova mrtva priroda "Jorgovan" puna je ove svečane boje, ugodne oku i mašti. Čini se da sa platna dolazi proljetni miris jorgovana.

Grozdovi jorgovana prikazani su na generaliziran način, ali unutrašnje sjećanje nam govori obrise svakog cvijeta u grozdu, pa stoga slika Končalovskog djeluje realistično.

I. Maškov, savremenik Končalovskog, nije bio ništa manje velikodušan u oslikavanju materijalnosti sveta, šarenosti palete.

I. Maškov "Bobice na pozadini crvenog poslužavnika" (1910)

U ovoj mrtvoj prirodi postoji i bujica boja, mogućnost uživanja u svakom trenutku koji život daje, jer svaki trenutak je lijep.

Svi subjekti mrtve prirode su nam poznati, ali se osjeća da se umjetnik divi velikodušnosti prirode, bogatstvu okolnog svijeta i poziva nas da tu radost podijelimo s njim.

V. Nesterenko "Otac otadžbine" (1997)

Ovo je mrtva priroda savremenog umjetnika V. Nesterenka. Tema slike izražena je u njenom naslovu, a sadržaj se otkriva u slici mrtvih predmeta - simbola carske moći Petra I. Portret cara nalazi se na pozadini scene bitke, kojih je u njegovom životu bilo mnogo. Nema smisla prepričavati sva ona djela zbog kojih se Petar I naziva ocem domovine. Možete čuti različita mišljenja o aktivnostima prvog ruskog cara, ali u ovaj slučaj umjetnik iznosi svoje mišljenje, i to mišljenje on izražava vrlo uvjerljivo.

Mrtva priroda je u Kremlju, u prijemnoj sobi predsjednika Ruske Federacije.

Stavovi prema mrtvoj prirodi su se menjali u različitim epohama, ponekad je bio gotovo zaboravljen, a nekada je bio najpopularniji žanr slikarstva. Kao samostalan slikarski žanr, pojavio se u radu holandskih umetnika u 17. veku. U Rusiji je mrtva priroda dugo vremena bila tretirana kao niži žanr, a tek početkom 20. veka postala je punopravni žanr. Tokom četiri veka istorije, umetnici su stvorili veoma veliki broj mrtve prirode, ali i među ovim brojem mogu se izdvojiti najpoznatija i najznačajnija djela za ovaj žanr.

"Mrtva priroda sa šunkom i srebrnim priborom" (1649.) Willem Claesz Heda (1594.-1682.).

Holandski umjetnik je bio priznati majstor mrtve prirode, ali se upravo ova slika ističe u njegovom radu. Ovdje je primjetno Khedino virtuozno majstorstvo u prenošenju svakodnevnih kućnih predmeta - stvara se osjećaj realnosti svakog od njih. Na stolu prekrivenom bogatim stolnjakom nalazi se limun od ćilibara, komad svježe šunke i srebrni pribor. Sutra je tek završeno, tako da je na stolu mali nered, što sliku čini još realnijom. Kao i većina holandskih mrtvih priroda iz tog perioda, ovdje svaki predmet nosi neku vrstu semantičkog opterećenja. Dakle, srebrni pribor govori o zemaljskom bogatstvu, šunka označava senzualne radosti, a limun - vanjsku ljepotu koja skriva unutrašnju gorčinu. Kroz ove simbole umjetnik nas podsjeća da treba više razmišljati o duši, a ne samo o tijelu. Slika je urađena u jednoj smeđe-sivoj skali, karakterističnoj za sve holandsko slikarstvo ovog doba. Osim očigledne dekorativnosti, ova mrtva priroda govori i o neupadljivom „mirnom životu“ predmeta, što je primijetio pažljivi pogled umjetnika.

"Breskve i kruške" (1895) Paul Cezanne (1830-1906).

Žanr mrtve prirode oduvijek je bio vrlo konzervativan. Stoga je skoro do početka 20. vijeka izgledao isto kao u 17. vijeku. Sve dok Paul Cezanne nije preuzeo. Smatrao je da slika treba objektivno prenijeti stvarnost, a slike treba da budu zasnovane na zakonima prirode. Cezanne je pokušao da prenese ne promjenjive, već stalne kvalitete subjekta, kroz sintezu oblika i boje, ujedinjenje oblika i prostora. A žanr mrtve prirode postao je odličan predmet za ove eksperimente. Svaki od objekata u mrtvoj prirodi Breskve i kruške prikazan je iz različitih uglova. Tako vidimo sto odozgo, voće i stolnjak - sa strane, mali sto - odozdo, i vrč uopšte u isto vreme kao i različite strane. Cezanne pokušava što preciznije prenijeti oblik i volumen breskve i kruške. Da bi to učinio, koristi se optičkim zakonima, tako da tople nijanse (crvena, ružičasta, žuta, zlatna) percipiramo kao zvučnike, a hladne (plave, plave, zelene) se povlače u dubinu. Stoga oblik predmeta u njegovim mrtvim prirodama ne zavisi od osvjetljenja, već postaje stalan. Zbog toga Cezanne izgleda monumentalno.

Plavi stolnjak (1909) Henri Matisse (1869-1954).

Pa, da vidimo još slika, hoćemo li?
Neočekivane mrtve prirode - to je zato što od njihovih autora obično očekujemo potpuno drugačije teme. Tradicionalno, ovi umjetnici su radili u potpuno različitim žanrovima, preferirajući pejzaž, portret ili žanrovsko slikarstvo. Tek povremeno im je nešto ušlo u glavu i uzviknuli su: "A ja ću nacrtati ovu vazu sa tuberozom!" Istina, to se dešavalo veoma retko. Toliko rijetko da sam pola dana morao preturati po izvorima da bih pronašao njihove mrtve prirode.

POČNIMO SA NAŠIM:

Marc Chagall "Bijelo cvijeće na crvenoj pozadini". 1970. Mark već ima samo nekoliko slikanih mrtvih priroda odrasloj dobi, a onda on, naviknut na prikazivanje ljudsko-životinjskih fantazmagorija, nije mogao odoljeti ni jednoj - makar i komadiću ljudske fizionomije, makar negdje s komadom hljeba, neka ga ubaci.

Ja, na primjer, jako volim mrtve prirode, ali većina umjetnika ne. Nekako to nije solidno za uvaženog stvaraoca, svi učenici uče osnove crtanja iz insceniranih mrtvih priroda.

Mrtva priroda je bila posebno nepopularna u drugoj polovini 19. veka, u najvećoj meri - među impresionistima, nisu je voleli i naši lutalice. Kod nekih od njih nisam pronašao ni jednu mrtvu prirodu. Nema takvih radova i, na primjer, Nesterov, Kuindzhi, Aivazovski, Perov, Grigory Myasoedov (ko nađe, recite mi, dodaću).

Viktor Vasnjecov "Buket". Neverovatna ili epska priča - molim vas, kijevsku Vladimirsku katedralu je lako naslikati, ali umetnik nema puno mrtvih priroda. Međutim, jesu!

Naravno, među impresionistima postoje izuzeci - Cezanne je jako volio mrtve prirode, iako sebe nije smatrao impresionistom. Postimpresionisti Van Gog i Matisse su "ispali" na mrtvim prirodama (navedene neću ovdje pokrivati ​​- lovimo rijetke radove mrtve prirode "nedopadnike"). Ali, u osnovi, predstavnici ovih trendova nisu voljeli ovaj cvjetno-voćni posao - buržoaski i patrijarhalni, bez omiljenog plenera - dosade! Čak je i Berthe Morisot jedina djevojka među impresionistima, a nije joj se dopao ovaj pomalo "djevojački" žanr.

Ilja Repin "Jabuke i lišće", 1879 . Mrtva priroda - nije tipična za Repina. Ni ovdje kompozicija ne izgleda kao klasična produkcija - sve to može ležati negdje na zemlji ispod drveta, bez naočala i draperija.

Mrtva priroda nije uvijek prolazila kroz loša vremena. Počeo je da se javlja u 16. veku, dok je kao deo žanrovskog slikarstva, au 17. veku, zahvaljujući Holanđanima, prerastao u samostalan slikarski žanr. Bio je veoma popularan u 18. i u prvoj polovini 19. veka, a potom je zahvaljujući inovativnim pokretima u umetnosti počela da opada. Oživljavanje mode za mrtvu prirodu počelo je oko 20-ih godina 20. stoljeća. Mnogi predstavnici umjetnika savremena umetnost opet su uzeli vaze i breskve, ali to su već bili novi oblici. Naravno, žanr nikada nije potpuno zamro, a postojala je (i još uvijek postoji) čitava galaksija mrtvih priroda. O tome ćemo kasnije, ali za sada ću ćutati, samo ću nešto komentirati, a vi samo pogledajte rijetke mrtve prirode autora koji su ih samo povremeno pisali:

Valentin Serov "Jorgovan u vazi", 1887.
U njegovim poznatim radovima možete vidjeti samo komad mrtve prirode - breskve pred djevojkom. Najpronicljivijem slikaru portreta, izgleda, dosadilo je slikanje cvijeća i leševa ptica.

Isaac Levitan. "Šumske ljubičice i zaboravnice", 1889.Genije ruskog pejzaža ponekad je slikao divne mrtve prirode. Ali veoma retko! Tu je i bokal maslačaka - divno!

Vasilij Surikov "Buket".
Autor Jutro streljačkog pogubljenja volio je obim i dramu. Ali i ovo je sačuvano - malo naivne i šarmantne ruže.

Boris Kustodiev. „Mrtva priroda sa fazanima", 1915 . Često u njegovim radovima postoje ogromne mrtve prirode - slikao je trgovce i rumene seljake za stolovima koji bukvalno pršte od hrane. I općenito, njegova vesela svijetla platna izgledaju kao mrtva priroda, čak i ako je portret, ali malo je pojedinačnih slika ne žene trgovca, već njenog doručka.

Viktor Borisov-Musatov "Jorgovan", 1902.
Stvarno mi se sviđa njegova originalna gustina, niko drugi nije sličan. Uvek ga možete prepoznati, a u ovoj mrtvoj prirodi - takođe.

Mihail Vrubel "Cveće u plavoj vazi", 1886
Kakav talenat! Kako uvredljivo malo vremena! Cvijeće je također prekrasno, kao i demoni.

Vasilij Tropinin "Šljuka i sneg", 1820.
Čini se da se kmet prema žanru mrtve prirode odnosio bez mnogo poštovanja, pa ga stoga gotovo nikada nije ni slikao. Ono što vidite nije čak ni punopravno platno, već skica.

Kazimir Malevich. "mrtva priroda". I mislio si da su mu jabuke četvrtaste?

Ivan Kramskoy "Buket cvijeća. Phloxes", 1884
Htjela sam ići pravo na daču - tamo sam ljeti imala i floksove.

Vasilij Kandinski "Riba na plavom tanjiru" Još nije sve u potpunosti u škripcu, na slici su ucrtane oči, pa čak i usta, a čak su i u blizini!

Nathan Altman "Mimoza", 1927
Sviđa mi se. Ima nešto u tome.

Ivan Šiškin, 1855.
A gdje su medvjedi i šuma?!

Hteo sam da ubacim i Petrova-Vodkina, ali je imao dosta mrtvih priroda, kako se činilo. I Maškov, Lentulov, Končalovski, tako da nisu prikladni za ovaj post.

STRANI:

Egon Šile "Mrtva priroda", 1918
I mislili ste da zna da crta samo gole maloletne osobe?

Alfred Sisley. "Mrtva priroda sa čapljom". Mrtve ptice - drama u svakodnevnom životu.

Više Sisley. Pa, ja ga volim!

Gustave Courbet. Jabuke i šipak na tacni. 1871

Edgar Degas "Žena sedi u vazi sa cvećem", 1865
Uprkos imenu, žena zauzima 30 posto površine platna, pa je smatrala da je to mrtva priroda. Općenito, Degas je volio crtati ljude mnogo više od cvijeća. Posebno balerine.

Eugene Delacroix. "Buket".
Pa, hvala Bogu, niko nikoga ne jede i niko ne puca!

Theodore Géricault "Mrtva priroda sa tri lobanje"
Općenito, Gericault je nekako sumnjičavo volio plave leševe i sve vrste "komadanja". I njegova mrtva priroda je prikladna.

Camille Pissarro, Mrtva priroda s jabukama i vrčem, 1872

Claude Monet "Mrtva priroda s kruškama i grožđem", 1867.
Imao je mrtve prirode, jesu, ali relativno malo.

Auguste Renoir, Mrtva priroda s velikom vazom za cvijeće, 1866
On, u poređenju sa ostalima ovde predstavljenim, ima dosta mrtvih priroda. I šta! Jedan njegov savremenik je rekao da nema tužnih radova, a ja ga obožavam, pa sam ih gurnuo ovamo. I zato što su njegove mrtve prirode još uvijek malo poznate, mnogo manje od svih ovih kupača itd.

I znate ko? Pablo Picasso! 1919

Pablo je bio neverovatno produktivan! Ogroman broj slika! A među njima mrtve prirode zauzimaju mnogo manji procenat od svega ostalog, a i tada su uglavnom bile "kubističke". Zbog toga je i uvršten u selekciju. Da biste dobili predstavu o tome koliko je bio lud (ali svakako talentovan!) i prevrtljiv, pogledajte sliku ispod. Ovo je i on, i to iste godine!

Pablo Picasso "Mrtva priroda na komodi", 1919

Paul Gauguin "Šunka", 1889.
Tahićanke su kasnije otišle, on je otišao na Tahiti nakon 2 godine (sada ću dodati i otići kopati u frižider).

Edouard Manet, Karanfili i Clematis u kristalnoj vazi, 1882.
Ima i divnih radova, poput "Ruže u čaši šampanjca", ali su Maneove mrtve prirode u njegovoj zaostavštini uvijek u drugom planu. I uzalud, zar ne?

François Millet, 1860-e.
Samo večera za sve njegove seljake i kosače.

Berthe Morisot "Plava vaza", 1888
Još uvijek nisam mogao odoljeti!

Frederic Basil. "Mrtva priroda sa ribom", 1866
Jednostavno, pa čak i nepristojno, ali mislim da čak i osjetim miris ribe! Da iznesem smeće?

Henri "Carinik" Rousseau, "Buket cvijeća", 1910.

Neočekivano u žanru, ali uvijek u stilu. Prostodušni carinik je uvijek bio vjeran sebi.

Svima, hvala na pažnji!
Kako si?

PS. A ipak Kuzma Petrov-Vodkin, jer je lep!:

Kuzma Petrov-Vodkin "Violina u kutiji", 1916, Muzej umjetnosti Odesa
Ima dosta mrtvih priroda. Divno, jednostavno divno! Ovako svijetle, ljetne - svakako pogledajte na webu, odmaknite crvenog konja i ostale revolucionarne potrepštine! No, pošto imamo post o neobičnim mrtvim prirodama, odabrao sam onu ​​najnetipičniju za ovog autora.

Hvala još jednom na pažnji!

Pređimo na završnu fazu ove serije postova o žanru mrtve prirode. Biće posvećen stvaralaštvu ruskih umetnika.

Počnimo sa Fjodorom Petrovičem Tolstojem (1783-1873). Grafike mrtve prirode F.P. Tolstoj, poznati ruski vajar, osvajač medalja, crtač i slikar, vjerovatno najistaknutiji i najvredniji dio njegovog kreativno naslijeđe, iako je sam umjetnik rekao da je ove radove stvarao "u slobodno vrijeme od ozbiljnih studija".

Glavno svojstvo Tolstojevih crteža mrtve prirode je njihova iluzornost. Umjetnik je pažljivo kopirao prirodu. Po njemu je pokušao sopstvene reči, “sa strogom jasnoćom, prenesite kopirani cvijet iz života na papir kakav jeste, sa svim najsitnijim detaljima koji pripadaju ovom cvijetu.” Da bi obmanuo gledaoca, Tolstoj je koristio takve iluzionističke tehnike kao što su slika kapljica rose ili prozirnog papira koji prekriva crtež i pomaže da se zavara oko.

Ilja Efimofič Repin (1844-1930) također se više puta obraćao takvom motivu mrtve prirode kao što je cvijeće. Ova dela uključuju sliku „Jesenji buket“ (1892, Tretjakovska galerija, Moskva), gde umetnik sa jednakom pažnjom prikazuje jesenji pejzaž, mladu ženu koja stoji na pozadini zlatnih stabala i skromni buket žutog i belog cveća u njene ruke.

I. Repin. Jesenji buket. Portret Vere Repine. 1892, Tretjakovska galerija

Istorija slike "Jabuke i lišće" je pomalo neobična. Mrtva priroda, koja kombinuje voće i lišće, postavljena je za Repinovog učenika V.A. Serov. Učitelju se toliko dopao predmetni sastav da je odlučio da sam napiše takvu mrtvu prirodu. Cvijeće i voće privuklo je mnoge umjetnike, koji su, između ostalog, preferirali da na najpoetičnije i najljepše prikažu svijet prirode. Čak i I.N. Kramskoy, koji je prezirao ovaj žanr, takođe je odao počast mrtvoj prirodi, stvarajući spektakularnu sliku „Buket cveća. Phloxes” (1884, Tretjakovska galerija, Moskva).

Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911) većini nas je poznat kao umjetnik koji je u svom radu posvetio pažnju pejzažu, portretu i istorijskom slikarstvu. Međutim, treba napomenuti da se tema u njegovom radu uvijek igrala važnu ulogu i često su zauzimali istu ravnopravnu poziciju kao i ostali elementi kompozicije. Nešto više, već sam spomenuo njegov studentski rad "Jabuke na lišću", 1879, nastao pod Repinovim vodstvom. Ako uporedimo ovo djelo sa djelom na istu temu koje je napisao Repin, možemo vidjeti da je Serovljeva mrtva priroda više etida od platna njegovog učitelja. Korišteni umjetnik početnik niska tačka pogled, tako da su prvi i drugi plan kombinovani, a pozadina je smanjena.

Svima poznata od detinjstva, slika "Devojka sa breskvama" prevazilazi žanr portreta i nije slučajno što se zove "Devojka sa breskvama", a ne "Portret Vere Mamontove". Vidimo da su ovdje spojene karakteristike portreta, interijera i mrtve prirode. Umjetnik podjednako obraća pažnju na sliku djevojke u ružičastoj bluzi i nekoliko, ali vješto grupisanih predmeta. Blijedožute breskve, javorovo lišće i sjajni nož leže na bijelom stolnjaku. I druge stvari u pozadini su s ljubavlju izvučene: stolice, veliki porculanski tanjir koji ukrašava zid, figurica vojnika-igračke, svijećnjak na prozorskoj dasci. Sunčeva svjetlost koja se slijeva s prozora i pada na objekte sa svijetlim svjetlima daje slici poetski šarm.

Mihail Aleksandrovič Vrubel (1856-1910) napisao je: „I opet me pogađa, ne, ne pogađa me, ali čujem onu ​​intimnu nacionalnu notu koju toliko želim da uhvatim na platnu i u ornamentu. Ovo je muzika čitave osobe, ne raščlanjena smetnjama uređenog, diferenciranog i blijedog Zapada.”

Na Akademiji umjetnosti Vrubelov omiljeni učitelj bio je Pavel Čistjakov, koji je mladog slikara naučio "crtati formom" i zagovarao je da trodimenzionalne forme ne treba stvarati u prostoru senčenjem i konturama, već ih treba graditi linijama. Zahvaljujući njemu, Vrubel je naučio ne samo da pokaže prirodu, već kao da vodi iskren, gotovo ljubavni razgovor s njom. U tom duhu nastala je divna mrtva priroda majstora „Divlja ruža“ (1884).

Na pozadini izvrsne draperije sa cvjetnim motivima, umjetnica je postavila elegantnu zaobljenu vazu oslikanu orijentalnim uzorcima. Delicate Bijeli cvijetšipak, obojen plavo-zelenom tkaninom, a listovi biljke gotovo se spajaju sa slabo svjetlucavim crnim vratom vaze. Ova kompozicija je puna neizrecivog šarma i svježine kojoj gledalac jednostavno ne može a da ne podlegne.

U periodu bolesti, Vrubel je počeo više da slika iz prirode, a njegove crteže odlikuju ne samo jurene forme, već i sasvim posebna duhovnost. Čini se da svaki pokret umjetnikove ruke odaje njegovu patnju i strast.

Posebno je vrijedan pažnje u tom pogledu crtež „Mrtva priroda. Svijećnjak, dekanter, staklo”. To je slamajući trijumf žestoke objektivnosti. Svaki komad mrtve prirode nosi skrivenu eksplozivnu moć. Materijal od kojeg su stvari napravljene, bilo da je to bronza svijećnjaka, čaša dekantera ili mat odsjaj svijeće, osjetno podrhtava od kolosalnog unutrašnji stres. Pulsaciju umjetnik prenosi kratkim ukrštanim potezima, što teksturu čini eksplozivnom i napetom. Tako objekti dobijaju nevjerovatnu oštrinu, što jest istinska suština stvari.

G.N. Teplov i T. Uljanov. Najčešće su prikazivali zid od dasaka, na kojem su iscrtani čvorovi i žile drveta. Na zidove se kače ili zakače iza zakucanih traka razni predmeti: makaze, češljevi, slova, knjige, notne sveske. Na uskim policama postavljeni su satovi, mastionice, flaše, svijećnjaci, posuđe i druge sitnice. Čini se da je takav skup stavki potpuno nasumičan, ali u stvari to je daleko od slučaja. Gledajući takve mrtve prirode, može se naslutiti kakva su interesovanja umjetnika koji su se bavili muzikom, čitanjem i koji su bili naklonjeni umjetnosti. Majstori su s ljubavlju i marljivo prikazivali stvari koje su im drage. Ove slike dotiču svojom iskrenošću i neposrednošću percepcije prirode.

Boris Mihajlovič Kustodijev (1878-1927) takođe je dosta svog rada posvetio žanru mrtve prirode. Na njegovim veselim platnima mogu se vidjeti blistave satenske tkanine, svjetlucavi bakreni samovari, sjaj fajanse i porculana, crvene kriške lubenice, grozdovi grožđa, jabuke, mafini koji zalijevaju ukuse. Jedna od njegovih izuzetnih slika je "Trgovac za čaj", 1918. Nemoguće je ne diviti se jarkom sjaju predmeta prikazanih na platnu. Pjenušavi samovar, jarko crvena pulpa lubenica, sjajne jabuke i prozirno grožđe, staklena vaza s džemom, pozlaćena posuda za šećer i čaša koja stoji ispred supruge trgovca - sve to unosi praznično raspoloženje na sliku.

U žanru mrtve prirode velika pažnja dat je takozvanoj "mrtvoj lutki". Mnoge mrtve prirode su „trikovi“, uprkos činjenici da su glavni zadatak bilo zavaravanje gledaoca, imaju nesumnjivu umjetničku vrijednost, posebno uočljivu u muzejima, gdje, okačene na zidove, ovakve kompozicije, naravno, ne mogu zavarati javnost. Ali postoje i izuzeci. Na primjer, “Mrtva priroda s knjigama”, autora P.G. Bogomolov, umetnut je u iluzornu „policu za knjige“, a posetioci ne shvate odmah da je to samo slika.

Vrlo dobra “Mrtva priroda sa papagajem” (1737) G.N. Teplov. Uz pomoć jasnih, preciznih linija, koje se pretvaraju u meke, glatke konture, svijetle, prozirne sjene, suptilne nijanse boja, umjetnik prikazuje razne predmete okačene na zid od dasaka. Majstorski obrađeno drvo, plavičaste, ružičaste, žućkaste nijanse pomažu u stvaranju gotovo stvarnog osjećaja. svjež miris svježe rezano drvo.

G.N. Teplov. "Mrtva priroda s papagajem", 1737. Državni muzej keramika, imanje Kuskovo

Ruske mrtve prirode-"trikovi" 18. veka svedoče o tome da umetnici još uvek ne vešto prenose prostor i zapremine. Važnije im je da prikažu teksturu objekata, kao da su prebačeni na platno iz stvarnosti. Za razliku od holandskih mrtvih priroda, gdje su stvari koje apsorbira svjetlosna sredina prikazane u jedinstvu s njom, na slikama ruskih majstora, predmeti slikani vrlo pažljivo, čak i sitničavi, kao da žive sami od sebe, bez obzira na okolni prostor.

AT početkom XIX vijeka, veliku ulogu u daljem razvoju mrtve prirode odigrala je škola A.G. Venecijanov, koji se protivio strogom razgraničenju žanrova i nastojao da svoje učenike nauči holističkoj viziji prirode.

A.G. Venetsianov. Barnyard, 1821-23

Venecijanska škola otvorila je novi žanr ruske umjetnosti - interijer. Umetnici su prikazali razne prostorije plemićke kuće: dnevne sobe, spavaće sobe, radne sobe, kuhinje, učionice, narodne sobe itd. U ovim radovima značajno je mjesto dato prikazu različitih predmeta, iako je sama mrtva priroda bila malo zanimljiva predstavnicima venecijanovskog kruga (u svakom slučaju, sačuvano je vrlo malo mrtvih priroda koje su izradili učenici slavnog slikara). Ipak, Venetsianov je pozvao svoje učenike da pažljivo proučavaju ne samo lica i figure ljudi, već i stvari oko njih.

Predmet na slici Venecijanova nije dodatak, on je neraskidivo povezan s ostalim detaljima slike i često je ključ za razumijevanje slike. Na primjer, srpovi na slici "Žeteoci" (druga polovina 1820-ih, Ruski muzej, Sankt Peterburg) imaju sličnu funkciju. Čini se da su stvari u venecijanskoj umjetnosti uključene u neužurban i spokojan život likova.

Iako Venetsianov, po svoj prilici, zapravo nije slikao mrtve prirode, on je ovaj žanr uključio u svoj nastavni sistem. Umetnik je napisao: Nežive stvari nisu podložne onim raznim promjenama koje su svojstvene živim objektima, one stoje, drže se mirno, nepomično pred neiskusnim umjetnikom i daju mu vremena da tačnije i razboritije prodre, da zaviri u odnos jednog dijela prema drugom, kako u linijama, tako iu svjetlu i sjeni po samoj boji. , koje zavise od mjesta koje predmeti zauzimaju”.

Naravno, mrtva priroda je igrala veliku ulogu pedagoški sistem Akademija umjetnosti u XVIII-XIX vijeku (u učionice učenici su radili kopije iz mrtvih priroda holandskih majstora), ali upravo je Venecijanov, koji je podsticao mlade umjetnike da se okrenu prirodi, u prvu godinu studija uveo mrtvu prirodu, sastavljenu od gipsanih figura, posuđa. , svijećnjaci, raznobojne trake, voće i cvijeće. Venetsianov je odabrao predmete za obrazovne mrtve prirode tako da su bili zanimljivi slikarima početnicima, razumljivi u obliku, lijepi u boji.

Na slikama koje su stvorili talentovani studenti Venetsianova, stvari su prenesene istinito i svježe. Ovo su mrtve prirode K. Zelentsova, P.E. Kornilov. U djelima Mlečana postoje i djela koja u suštini nisu mrtve prirode, ali je, ipak, uloga stvari u njima ogromna. Možete nazvati, na primjer, platna "Studija u Ostrovki" i "Odraz u ogledalu" G.V. Svrake se čuvaju u zbirci Ruskog muzeja u Sankt Peterburgu.

G.V. Svraka. "Kancelarija u Ostrovki". Fragment, 1844, Ruski muzej, Sankt Peterburg

Mrtve prirode u ovim djelima ne djeluju samostalno, već kao dijelovi interijera koje je majstor uredio na osebujan način, u skladu s općom kompozicionom i emocionalnom strukturom slike. Glavni spojni element ovdje je svjetlost, koja lagano prelazi s jednog objekta na drugi. Gledajući platna, shvatite koliko je zanimljivo svijet umjetnik koji je s ljubavlju prikazao svaki predmet, svaku najmanju sitnicu.

Mrtva priroda predstavljena u “Studiji u Ostrovki”, iako zauzima malo mjesto u cjelokupnoj kompoziciji, djeluje neobično značajno, naglašena zbog činjenice da ju je autor ogradio od ostatka prostora visokim leđima. sofa, te ga sa lijeve i desne strane odrežite okvirom. Čini se da je Magpie bio toliko ponesen predmetima koji su ležali na stolu da je gotovo zaboravio na ostale detalje slike. Majstor je pažljivo ispisao sve: pero, olovku, šestar, kutomjer, peronož, abakus, listove papira, svijeću u svijećnjaku. Tačka gledišta odozgo vam omogućava da vidite sve stvari, nijedna od njih ne zaklanja drugu. Atributi kao što su lobanja, sat, kao i simboli "zemaljske taštine" (figurica, papiri, abakus) omogućavaju nekim istraživačima da mrtvu prirodu klasifikuju kao vanitas, iako je ova koincidencija čisto slučajna, najvjerovatnije, kmet. umjetnik je koristio ono što je bilo na stolu njegovog gospodara.

Čuveni majstor predmetnih kompozicija prvog polovina XIX vijeka bio je umjetnik I.F. Hruckog, koji je naslikao mnoge prelepe slike u duhu Holandije mrtva priroda XVII veka. Među njegovim najboljim radovima su „Cveće i voće” (1836, Tretjakovska galerija, Moskva), „Portret žene sa cvećem i voćem” (1838, Muzej umetnosti Belorusije, Minsk), „Mrtva priroda” (1839, Muzej Akademija umjetnosti, Sankt Peterburg).

U prvoj polovini 19. veka u Rusiji, „botanička mrtva priroda“, koja je došla do nas zapadna evropa. U Francuskoj su tada objavljivani radovi botaničara sa prekrasnim ilustracijama. Veća slava u mnogima evropske zemlje primio umjetnik P.Zh. Redoubt, koji je smatran "najslavnijim slikarom cvijeća svog vremena". „Botanički crtež“ je bio značajan fenomen ne samo za nauku, već i za umetnost i kulturu. Takvi crteži su poklanjani, ukrašeni albumi, čime su se svrstali u rang sa ostalim slikarskim i grafičkim djelima.

U drugoj polovini 19. veka, P.A. Fedotov. Iako zapravo nije slikao mrtve prirode, svijet stvari koje je stvorio oduševljava svojom ljepotom i istinitošću.

Predmeti u djelima Fedotova neodvojivi su od života ljudi, direktno su uključeni u dramatične događaje koje je umjetnik prikazao.

Gledajući sliku "Svježi kavalir" ("Jutro poslije gozbe", 1846.), zadivi se obilju predmeta koje je majstor pažljivo oslikao. Prava mrtva priroda, iznenađujuća svojim lakonizmom, predstavljena je na poznatoj slici Fedotova "Udvaranje majora" (1848). Čaša je opipljivo stvarna: vinske čaše na visokim nogama, flaša, dekanter. Najtanji i prozirni, čini se da emituje nježan kristalni zvon.

Fedotov P.A. Majorov brak. 1848-1849. GTG

Fedotov ne odvaja predmete od unutrašnjosti, pa su stvari prikazane ne samo pouzdano, već i slikovito suptilno. Svaki najobičniji ili ne baš atraktivan objekat koji zauzme svoje mesto u zajedničkom prostoru deluje neverovatno i lepo.

Iako Fedotov nije slikao mrtve prirode, pokazao je nesumnjivo interesovanje za ovaj žanr. Intuicija ga je podstakla kako da uredi ovaj ili onaj predmet, s koje tačke gledišta da ga predstavi, šta bi dalje izgledalo ne samo logički opravdano, već i ekspresivno.

Svijet stvari, koji pomaže da se prikaže čovjekov život u svim njegovim manifestacijama, Fedotovljevim djelima daje posebnu muzikalnost. Takve su slike “Sidro, više sidro” (1851-1852), “Udovica” (1852) i mnoge druge.

U drugoj polovini 19. stoljeća žanr mrtve prirode praktično je prestao zanimati umjetnike, iako su mnogi žanrovski slikari rado uključivali elemente mrtve prirode u svoje kompozicije. Stvari na slikama V.G. Perov („Ipijanje čaja u Mitiščiju“, 1862, Tretjakovska galerija, Moskva), L.I. Solomatkin (“Slavilshchiki-gorodovye”, 1846, država istorijski muzej, Moskva).

Mrtve prirode su predstavljene u žanrovskim scenama A.L. Jušanova („Ispraćaj poglavice“, 1864), M.K. Klodt (“Bolesni muzičar”, 1855), V.I. Jacobi (“Pedlar”, 1858), A.I. Korzukhin ("Prije ispovijesti", 1877; "U manastirskom hotelu", 1882), K.E. Makovski ("Alekseich", 1882). Sva ova platna sada se čuvaju u kolekciji Tretjakovske galerije.

K.E. Makovski. „Alekseič“, 1882, Tretjakovska galerija, Moskva

U 1870-1880-im, svakodnevni život je ostao vodeći žanr u ruskom slikarstvu, iako su pejzaž i portret također zauzimali važno mjesto. ogromnu ulogu za dalji razvoj Rusku umjetnost igrali su lutalice, koji su svojim djelima nastojali pokazati istinu života. Umetnici su počeli da daju veliki značaj radeći iz prirode i stoga su se sve više okretali pejzažu i mrtvoj prirodi, iako su mnogi od njih ovo drugo smatrali gubljenjem vremena, besmislenom strašću za formom, lišenom interni sadržaj. Dakle, I.N. Kramskoy je pomenuo poznatog francuskog slikara, koji nije zanemario mrtve prirode, u pismu V.M. Vasnjecov: „Talentovana osoba neće gubiti vrijeme na imidž, na primjer, lavore, ribu, itd. Dobro je to učiniti za ljude koji već imaju sve, ali imamo puno posla.“

Ipak, mnogi ruski umjetnici koji nisu slikali mrtve prirode divili su im se, gledajući platna zapadnih majstora. Na primjer, V.D. Polenov, koji je bio u Francuskoj, pisao je I.N. Kramskoj: „Pogledajte kako stvari idu ovde, kao sat, svako radi na svoj način, u raznim pravcima, šta ko voli, i sve se to ceni i plaća. Kod nas je najvažnije šta se radi, a evo kako se radi. Na primjer, za bakreni lavor sa dvije ribe plaćaju dvadeset hiljada franaka, a osim toga ovog bakarnog majstora smatraju prvim slikarom, i, možda, ne bez razloga.

Posjetio 1883. na izložbi u Parizu V.I. Surikov se divio pejzažima, mrtvim prirodama i slikama koje prikazuju cvijeće. Napisao je: „Gibertova riba je dobra. Riblja sluz je preneta maestralno, šareno, gnječeno ton u ton.” U njegovom pismu P.M. Tretjakov i takve riječi: „A Gilbertove ribe su čudo. Pa, možete ga potpuno uzeti u svoje ruke, napisano je za obmanu.”

I Polenov i Surikov mogli su postati odlični majstori mrtve prirode, o čemu svjedoče majstorski oslikani predmeti u njihovim kompozicijama („Bolesni“ Polenove, „Menšikov u Berezovu“ Surikova).

V.D. Polenov. „Bolesnik“, 1886, Tretjakovska galerija

Većina mrtvih priroda koje su stvorili poznati ruski umjetnici 1870-ih i 1880-ih su djela skicne prirode, koja pokazuju želju autora da prenesu karakteristike stvari. Neki od ovih radova prikazuju neobične, rijetke predmete (na primjer, studija sa mrtvom prirodom za sliku I. E. Repina "Kozaci pišu pismo turskom sultanu", 1891.). Self value takvi radovi nisu postojali.

Mrtve prirode A.D. Litovčenka, napravljena kao pripremne skice za veliko platno „Ivan Grozni pokazuje svoje blago ambasadoru Horseju“ (1875, Ruski muzej, Sankt Peterburg). Umjetnik je pokazao luksuzne brokatne tkanine, umetnuto oružje drago kamenje, zlatnih i srebrnih predmeta pohranjenih u kraljevskim riznicama.

Ređe su u to vreme bile etide mrtve prirode, koje su predstavljale obične predmete za domaćinstvo. Ovakvi radovi nastali su s ciljem proučavanja strukture stvari, a bili su i rezultat vježbe tehnike slikanja.

Mrtva priroda je igrala važnu ulogu ne samo u žanrovskom slikarstvu, već iu portretu. Na primjer, na slici I.N. Kramskoj „Nekrasov u periodu poslednjih pesama“ (1877-1878, Tretjakovska galerija, Moskva), predmeti služe kao pribor. S.N. Goldstein, koji je proučavao Kramskoyev rad, piše: „U potrazi za cjelokupnom kompozicijom djela, on nastoji osigurati da unutrašnjost koju rekreira, uprkos vlastitom svakodnevnom karakteru, prvenstveno doprinosi svijesti o duhovnoj slici pjesnika, neprolazni značaj njegove poezije. I zaista, pojedinačni dodaci ovog enterijera - tomovi Sovremennika, nasumično naslagani na stolu pored pacijentovog kreveta, list papira i olovka u njegovim oslabljenim rukama, bista Belinskog, portret Dobroljubova koji visi na zidu - dobio u ovom djelu značenje nikako spoljni znaci situacije, ali relikvije usko povezane sa slikom osobe.

Među rijetkim mrtvim prirodama lutalica, glavno mjesto zauzimaju "buketi". Zanimljiv “Buket” V.D. Polenov (1880, Muzej imanja Abramcevo), načinom izvedbe pomalo podsjeća na mrtve prirode I.E. Repin. Nepretenciozan u svom motivu (malo divlje cvijeće u jednostavnoj staklenoj vazi), on ipak oduševljava svojim slobodnim slikanjem. U drugoj polovini 1880-ih, slični buketi pojavili su se na slikama I.I. Levitan.

Na drugačiji način I.N. demonstrira cvijeće gledaocu. Kramskoy. Mnogi istraživači smatraju da su dvije slike „Buket cvijeća. Floksi“ (1884, Tretjakovska galerija, Moskva) i „Ruže“ (1884, zbirka R.K. Viktorove, Moskva) majstor je stvorio radeći na platnu „Neutešna tuga“.

Kramskoj je demonstrirao dva "buketa" na XII putujućoj izložbi. Spektakularne, svijetle kompozicije koje prikazuju vrtno cvijeće na tamnoj pozadini našle su kupce i prije otvaranja izložbe. Vlasnici ovih radova bili su baron G.O. Gunzburg i carica.

Na IX putujućoj izložbi 1881-1882, pažnju javnosti privukla je slika K.E. Makovski, nazvan u katalogu "Nature morte" (sada se nalazi u Tretjakovskoj galeriji pod nazivom "U ateljeu umetnika"). Na velikom platnu prikazan je ogroman pas koji leži na tepihu i dijete koje iz fotelje pruža plodove na stolu. Ali ove brojke su samo detalji koji su autoru potrebni kako bi oživio mrtvu prirodu - puno luksuznih stvari u ateljeu umjetnika. Napisana u tradiciji flamanske umjetnosti, slika Makovskog još uvijek dira u dušu gledatelja. Umjetnik, ponesen prenošenjem ljepote skupih stvari, nije uspio da pokaže njihovu individualnost i stvorio je djelo, glavni ciljšto je demonstracija bogatstva i luksuza.

Svi predmeti na slici kao da su sakupljeni kako bi svojim sjajem zadivili gledaoca. Na stolu je tradicionalna mrtva priroda voća - velike jabuke, kruške i grožđe na velikom lijepom jelu. Tu je i velika srebrna šolja, ukrašena ornamentima. U blizini stoji bijelo-plava posuda od fajanse, pored koje je bogato ukrašeno antičko oružje. Činjenica da se radi o umjetničkoj radionici podsjeća na četke postavljene u široki vrč na podu. Pozlaćena fotelja ima mač u luksuznim koricama. Pod je prekriven tepihom sa svijetlim ornamentom. Kao ukras služe i skupe tkanine - brokat obrubljen gustim krznom i somot od kojeg je sašivena zavjesa. Boja platna je održavana u zasićenim nijansama s prevlastom grimizne, plave, zlatne.

Iz svega navedenog jasno je da u drugoj polovini 19. veka mrtva priroda nije imala značajniju ulogu u ruskom slikarstvu. Distribuirana je samo kao studija za sliku ili kao obrazovna studija. Mnogi umjetnici koji su slikali mrtve prirode unutra akademski program, u samostalnom radu, više se nisu vraćali ovom žanru. Mrtve prirode su slikali uglavnom neprofesionalci koji su stvarali akvarele sa cvijećem, bobicama, voćem, gljivama. Veliki majstori mrtvu prirodu nisu smatrali vrijednom pažnje i koristili su predmete samo da uvjerljivo prikažu postavku i ukrase sliku.

Prvi začeci nove mrtve prirode mogu se naći u slikama umjetnika koji su djelovali na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće: I.I. Levitan, I.E. Grabar, V.E. Borisov-Musatov, M.F. Larionova, K.A. Korovin. U to vrijeme se mrtva priroda pojavila u ruskoj umjetnosti kao samostalan žanr.

Ali to je bila vrlo neobična mrtva priroda koju su shvatili umjetnici koji su radili na impresionistički način, a ne kao obična zatvorena predmetna kompozicija. Majstori su prikazivali detalje mrtve prirode u pejzažu ili interijeru, a nije im bio važan toliko život stvari, već sam prostor, izmaglica svjetlosti koja rastvara obrise predmeta. Od velikog interesa su i grafičke mrtve prirode M.A. Vrubel, odlikuju se svojom jedinstvenom originalnošću.

Početkom 20. vijeka, umjetnici poput A.Ya. Golovin, S.Yu. Sudeikin, A.F. Gaush, B.I. Anisfeld, I.S. Školar. Novu riječ u ovom žanru rekao je i N.N. Sapunov, koji je stvorio cela linija panel slike sa buketima cvijeća.

1900-ih godina mnogi umjetnici različitih pravaca okrenuli su se mrtvoj prirodi. Među njima su bili i tzv. Moskovski sezanisti, simbolisti (P.V. Kuznjecov, K.S. Petrov-Vodkin) itd. važno mjesto predmetne kompozicije okupirane u radu tako poznatih majstora kao što su M.F. Larionov, N.S. Gončarova, A.V. Lentulov, R.R. Falk, P.P. Konchalovsky, A.V. Ševčenko, D.P. Shterenberga, koji je mrtvu prirodu učinio punopravnim među ostalim žanrovima u ruskom slikarstvu 20. vijeka.

Jedan spisak ruskih umjetnika koji su u svom radu koristili elemente mrtve prirode zauzeo bi dosta prostora. Stoga se ograničavamo na ovdje predstavljeni materijal. Zainteresovani mogu saznati više o linkovima u prvom dijelu ove serije objava o žanru mrtve prirode.

Prethodni postovi: 1. dio -
Dio 2 -
dio 3 -
dio 4 -
dio 5 -

O nekim kultnim umjetnicima koji su stvarali mrtve prirode.

Uvod

Termin "mrtva priroda" koristi se za definiranje slika koje prikazuju nežive predmete (od latinskog "mrtva priroda"). Štaviše, objekti mogu biti prirodnog porekla(voće, cvijeće, mrtve životinje i insekti, lobanje, itd.) i umjetni (razno posuđe, satovi, knjige i svici papira, Nakit i tako dalje). Često mrtva priroda uključuje neki skriveni podtekst, prenošen kroz simboličku sliku. Djela alegorijske prirode pripadaju podžanru "vanitas".

Mrtva priroda kao žanr najrazvijenija je u Holandiji u 17. veku kao način protesta protiv ustaljene crkve i nametanja religiozne umetnosti. AT dalje istorije slike Holanđana tog vremena (Utrech, Leiden, Delft i dr.) ogroman uticaj o razvoju umjetnosti: kompozicija, perspektiva, upotreba simbolike kao elementa naracije. Uprkos svom značaju i interesovanju javnosti, mrtva priroda je, prema akademijama umetnosti, zauzimala poslednje mesto u opštoj hijerarhiji žanrova.

Rachel Ruysch

Ruysch je jedan od najpoznatijih holandskih realista i mrtve prirode. Kompozicije ovog umjetnika sadrže mnogo simbolike, raznih moralnih i vjerskih poruka. Njen prepoznatljiv stil je kombinacija tamne pozadine, pedantne pažnje na detalje, delikatnog kolorita i slike dodatnih elemenata koji daju interes (insekti, ptice, gmizavci, kristalne vaze).

Harmen van Stenwijk

Rad ovog holandskog realiste savršeno demonstrira mrtve prirode u stilu vanitas, ilustrujući užurbanost ovozemaljskog života. Jedna od najpoznatijih slika je "Alegorija taštine ljudskog života", koja prikazuje ljudsku lobanju u zracima sunčeva svetlost. Razni predmeti kompozicije se odnose na ideje neminovnosti fizičke smrti. Detaljnost i nivo realizma na Stenwijkovim slikama postiže se upotrebom finih kistova i tehnika nanošenja boje.

Paul Cezanne

Poznat po svojim pejzažima, portretima i žanrovskim delima, Cezanne je takođe doprineo razvoju mrtve prirode. Nakon što je interesovanje za impresionizam izbledelo, umetnik je počeo da istražuje plodove i prirodni objekti, eksperimentirajte s trodimenzionalnim figurama. Ove studije su pomogle u stvaranju perspektive i dimenzije u slikama mrtve prirode, ne samo kroz klasične tehnike, već i kroz majstorsku upotrebu boja. Sve pravce koje je Cezanne razmatrao dalje su proučavali Georges Braque i Picasso u razvoju analitičkog kubizma. U potrazi za ciljem stvaranja nečeg "trajnog", umjetnik je više volio slikati iste predmete, a nevjerovatno dug proces stvaranja mrtve prirode doveo je do toga da je voće i povrće počelo da truli i raspadalo se mnogo prije nego što je slika završena. .

Khem

Učenik Davida Baillyja, holandski realista Hem, poznat je po svojim veličanstvenim mrtvim prirodama sa velikim brojem detalja, opterećenim kompozicijama, obiljem insekata i drugih dekorativnih i simboličkih elemenata. Često je umjetnik u svojim radovima koristio religiozne motive, poput Jana Brueghela i Federica Borromea.

Jean Baptiste Chardin

Tesarov sin Jean Chardin stekao je svoju marljivost i žudnju za redom upravo zahvaljujući ocu. Majstoreve slike su često mirne i trezvene, jer je težio harmoniji tona, boje i forme, u velikoj meri ostvarenoj radom sa osvetljenjem i kontrastima. Želja za čistoćom i redom izražena je i u odsustvu alegorija u kompozicijama.

Frans Snyders

Autor baroknih mrtvih priroda i životinjskih scena bio je nevjerovatno plodan majstor, a njegova sposobnost da prikaže teksturu kože, krzna, stakla, metala i drugih materijala bila je neprevaziđena. Snyders je također bio istaknuti slikar životinja, često je prikazivao mrtve životinje u svojim mrtvim prirodama. Kasnije postaje službeni slikar nadvojvode Alberta od Austrije, što je rezultiralo stvaranjem još jednog više remek-djela.

Francisco de Zurbaran

Zurbaran - poznati autor slike na vjersku temu - jedan je od najvećih stvaralaca mrtve prirode. Slikan u strogoj španskoj tradiciji, njegov rad ima bezvremenski kvalitet i besprijekornu jednostavnost. U pravilu predstavljaju mali broj objekata na zatamnjenoj pozadini.

Conor Walton

Od savremenih autora Vrijedan pažnje je Conor Walton. Doprinos irskog umjetnika razvoju mrtve prirode jasno se može vidjeti u radovima "Skriveno: narandže i limuni" (2008), "Mrtva priroda s velikim orhidejima" (2004). Rad majstora je precizan i izveden uz izuzetnu upotrebu svjetla kako bi se prenijele teksture različitih površina.

Najbolje mrtve prirode ažurirano: 4. juna 2017. od: Gleb