Καλλιτέχνες νεκρές φύσεις με λουλούδια. Οι καλύτερες νεκρές φύσεις

I. Mashkov "Νεκρή φύση" (1930)

Η λέξη "νεκρή φύση" γαλλική γλώσσαμεταφράζεται ως «νεκρή φύση» (φρ. φύση morte).

Σχετικά με τη νεκρή φύση

Ό,τι δεν ζει πια, αναπνέει, αποκόπτεται, αποκόπτεται, αλλά συνεχίζει να ευχαριστεί έναν άνθρωπο με την ύπαρξή του - όλα αυτά είναι το θέμα μιας νεκρής φύσης.

Ως ανεξάρτητο είδος ζωγραφικής, η νεκρή φύση αρχίζει να υπάρχει τον 17ο αιώνα. στο έργο Ολλανδών και Φλαμανδών καλλιτεχνών. Και νωρίτερα ήταν μόνο ένα στολίδι και εκτελούσε μια χρηστική λειτουργία.

Οι πρώιμες νεκρές φύσεις περιείχαν συχνά κρυμμένη αλληγορία (αλληγορία), η οποία εκφραζόταν μέσω καθημερινών αντικειμένων προικισμένων με συμβολικό νόημα. Μερικές φορές ένα κρανίο απεικονιζόταν σε νεκρές φύσεις, το οποίο υποτίθεται ότι θυμίζει την παροδικότητα της ζωής και το αναπόφευκτο του θανάτου.

Η αλληγορική νεκρή φύση ονομαζόταν Βανίτας (λάτ. vanitasλιτ.: «ματαιοδοξία, ματαιοδοξία»). Το κέντρο σύνθεσης του είναι παραδοσιακά ένα ανθρώπινο κρανίο.

Βαρθολομαίος Εγκέφαλος ο Πρεσβύτερος (Α' μισό 16ου αιώνα). Βανίτας

«Ματαιότητα των ματαιοτήτων», είπε ο Εκκλησιαστής, «ματαιότητα των ματαιοτήτων, όλα είναι ματαιότητα!»

Willem Claesz Heda. Βανίτας

Το κρανίο συμβολίζει την αδυναμία ΑΝΘΡΩΠΙΝΗ ζωη. Ένας πίπας καπνίσματος είναι σύμβολο φευγαλέων και άπιαστων γήινων απολαύσεων. Το γυαλί συμβολίζει την ευθραυστότητα της ζωής. Τα κλειδιά είναι η δύναμη της νοικοκυράς που διαχειρίζεται το απόθεμα. Το μαχαίρι θυμίζει την ευαλωτότητα ενός ατόμου και τη θνησιμότητα του. Ένα φύλλο χαρτιού συνήθως με ηθικολογικό (συχνά απαισιόδοξο) ρητό. Για παράδειγμα:

Hodie mihi cras tibi - σήμερα για μένα, αύριο για σένα.

memento mori - αναμνηστικό Mori

Aeterne pungit cito volat et occidit - η δόξα των ηρωικών πράξεων θα εξαφανιστεί με τον ίδιο τρόπο όπως ένα όνειρο.

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum - όλα καταστρέφονται από τον θάνατο, τον θάνατο - τελευταίο σύνοροόλα τα πράγματα;

Nil omne - όλα δεν είναι τίποτα.

Αλλά πιο συχνά, ωστόσο, στις νεκρές φύσεις, αισθάνεται κανείς τον θαυμασμό του καλλιτέχνη για τα αντικείμενα: μαγειρικά σκεύη, λουλούδια, φρούτα, είδη σπιτιού - τέτοιους πίνακες αγόραζαν οι πελάτες για να διακοσμήσουν τους εσωτερικούς χώρους των σπιτιών τους.

Από τα μέσα του XVII αιώνα. νεκρή φύση στην ολλανδική ζωγραφική έλαβε ευρεία χρήσηήδη ως ανεξάρτητο είδος. Και ένα από τα πρώτα ήταν η floral νεκρή φύση, ειδικά στα έργα του Ambrosius Bosschaert του Πρεσβύτερου και του Balthasar van der Ast, και στη συνέχεια συνέχισε την ανάπτυξή της στις πολυτελείς νεκρές φύσεις του Jan Davidsz de Heem στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα. . Η floral νεκρή φύση είναι επίσης δημοφιλής μεταξύ των καλλιτεχνών της εποχής μας.

Το θέμα των νεκρών φύσεων είναι εκτενές: πρόκειται για τις ήδη αναφερθείσες νεκρές φύσεις λουλουδιών, την εικόνα πρωινού, σερβιρισμένα τραπέζια, νεκρές φύσεις επιστημόνων, που απεικόνιζαν βιβλία και άλλα αντικείμενα ανθρώπινης δραστηριότητας, μουσικά όργανακαι τα λοιπά.

Εξετάστε μερικές από τις πιο διάσημες νεκρές φύσεις.

Willem Claesz Heda (1594-1682) «Νεκρή φύση με ζαμπόν και ασημικά» (1649)

Willem Claesz Heda «Νεκρή φύση με ζαμπόν και ασημικά» (1649)

Σε αυτή την εικόνα, είναι αξιοσημείωτη η δεξιοτεχνία του καλλιτέχνη στη μεταφορά συνηθισμένων, καθημερινών ειδών οικιακής χρήσης. Ο Kheda τα απεικονίζει με τέτοιο τρόπο που είναι φανερό ότι ο ίδιος τα θαυμάζει: δημιουργείται μια αίσθηση απτού καθενός από τα αντικείμενα.

Σε ένα μικρό τραπέζι καλυμμένο με ένα πλούσιο βαρύ τραπεζομάντιλο, βλέπουμε ένα λεμόνι και θαυμάζουμε την κεχριμπαρένια απαλότητά του, μυρίζουμε φρέσκο ​​ζαμπόν και ακούμε τον ήχο του αστραφτερού ασημιού. Το πρωινό τελείωσε, επομένως τα αντικείμενα στο τραπέζι είναι σε φυσική αταξία.

Ασημικά σημαίνει επίγειος πλούτος, ζαμπόν - αισθησιακές χαρές, λεμόνι - εξωτερική ομορφιάμέσα στο οποίο κρύβεται η πικρία. Η εικόνα ολοκληρώνει έναν προβληματισμό σχετικά με την ανάγκη φροντίδας όχι μόνο του σώματος, αλλά και της ψυχής.

Η νεκρή φύση είναι σχεδιασμένη σε έναν μόνο καφέ-γκρι τόνο, χαρακτηριστικό όλων των ολλανδικών ζωγραφικών της εποχής. Ο καμβάς δεν είναι μόνο όμορφος, αλλά λέει και για την κρυμμένη «ήσυχη ζωή» των αντικειμένων, που φαίνεται από το προσεκτικό βλέμμα του καλλιτέχνη.

Η νεκρή φύση βρίσκεται στο Κρατικό Μουσείο καλές τέχνεςτους. A. S. Pushkin στη Μόσχα.

Paul Cezanne (1830-1906) Peaches and Pears (1895)

Paul Cezanne "Ροδάκινα και αχλάδια" (1895)

Ο Πωλ Σεζάν ήταν ο μεγαλύτερος Γάλλος ζωγράφος τέλη XIXσε. Έχοντας βιώσει την επιρροή του ιμπρεσιονισμού, ο Σεζάν τους εναντιώθηκε με τη δική του μέθοδο. Μίλησε ενάντια στην επιθυμία τους να ακολουθήσουν στην τέχνη μόνο την οπτική τους εντύπωση - ήταν υπέρ μιας αντικειμενικής μετάδοσης της πραγματικότητας, βασισμένης σε μοτίβα στη φύση. Ήθελε να βλέπει όχι μεταβλητές, αλλά σταθερές ιδιότητες. Ο Σεζάν είπε: «Θέλω να επαναφέρω την αιωνιότητα στη φύση». Ο καλλιτέχνης πραγματοποίησε τις δημιουργικές του αναζητήσεις μέσα από τη σύνθεση μορφής και χρώματος, μορφής και χώρου. Ειδικά αυτή η αναζήτηση μπορεί να εντοπιστεί στις νεκρές φύσεις του.

Κάθε ένα από τα αντικείμενα αυτής της νεκρής φύσης απεικονίζεται από διαφορετική οπτική γωνία. Βλέπουμε το τραπέζι από πάνω, το τραπεζομάντιλο και τα φρούτα από το πλάι, το τραπέζι από κάτω και την κανάτα ταυτόχρονα. διαφορετικά σημείαόραμα. Ο Σεζάν προσπαθεί να δείξει όσο το δυνατόν πληρέστερα το σχήμα και τον όγκο που χαρακτηρίζουν τα ροδάκινα και τα αχλάδια. Η τεχνική του βασίζεται σε έναν οπτικό νόμο: τα ζεστά χρώματα (κόκκινο, ροζ, κίτρινο, χρυσό) μας φαίνονται να προεξέχουν και τα κρύα χρώματα (μπλε, κυανό, πράσινο) υποχωρούν στα βάθη του καμβά.

Η μορφή των αντικειμένων στις νεκρές φύσεις του Σεζάν δεν εξαρτάται από τον τυχαίο φωτισμό, αλλά γίνεται σταθερή, εγγενής σε κάθε αντικείμενο. Επομένως, οι νεκρές φύσεις του Σεζάν φαίνονται μνημειώδεις.

Ο πίνακας βρίσκεται στο Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών. A. S. Pushkin στη Μόσχα.

Henri Matisse (1869-1954) Μπλε τραπεζομάντιλο (1909)

Henri Matisse «Το μπλε τραπεζομάντιλο» (1909)

Ο διάσημος Γάλλος καλλιτέχνης Henri Matisse στην ξένη τέχνη του XX αιώνα. καταλαμβάνει μία από τις ηγετικές θέσεις. Αλλά αυτό το μέρος είναι ξεχωριστό.

Στις αρχές κιόλας του 20ού αιώνα. Ο Matisse έγινε ο επικεφαλής της πρώτης νέας ομάδας στην ευρωπαϊκή ζωγραφική, η οποία ονομάστηκε Φωβισμός(από τα γαλλικά «άγρια»). Ένα χαρακτηριστικό αυτής της τάσης ήταν η ελευθερία χρήσης οποιουδήποτε χρώματος αυθαίρετα επιλεγμένο από τον καλλιτέχνη, η επιθυμία για διακοσμητική χρωματικότητα. Αυτό ήταν μια αμφισβήτηση των καθιερωμένων κανόνων της επίσημης τέχνης.

Αλλά μετά από λίγο αυτή η ομάδα διαλύθηκε και ο Matisse δεν ανήκε πλέον σε καμία κατεύθυνση, αλλά διάλεξε το δικό του μονοπάτι. Με τη σαφή, χαρούμενη τέχνη του, ο Matisse προσπάθησε να δώσει γαλήνη στις βασανισμένες ψυχές των ανθρώπων στη συναισθηματική ατμόσφαιρα του 20ού αιώνα.

Στη Νεκρή φύση Μπλε Τραπεζομάντηλο, ο Ματίς χρησιμοποιεί την αγαπημένη του τεχνική σύνθεσης: το ύφασμα που κατεβαίνει από ψηλά. Η ύλη στο προσκήνιο, όπως λες, κλείνει το χώρο του καμβά, καθιστώντας τον ρηχό. Ο θεατής θαυμάζει το ιδιότροπο παιχνίδι του μπλε στολιδιού στο τιρκουάζ φόντο του τραπεζομάντιλου, τις γραμμές των αντικειμένων νεκρής φύσης. Ο καλλιτέχνης γενίκευσε τις μορφές μιας χρυσής καφετιέρας, μιας πράσινης καράφας και των κατακόκκινων μήλων σε ένα βάζο, έχασαν τον όγκο τους και τα μικρά αντικείμενα υπάκουαν στο ρυθμό του υφάσματος, συμπληρώνουν την πολύχρωμη προφορά της εικόνας.

Νεκρή φύση στη ρωσική ζωγραφική

Η νεκρή φύση ως ανεξάρτητο είδος ζωγραφικής εμφανίστηκε στη Ρωσία στις αρχές του 18ου αιώνα, αλλά αρχικά θεωρήθηκε ως «κατώτερο» είδος. Τις περισσότερες φορές χρησιμοποιήθηκε ως εκπαιδευτικό περιβάλλονκαι επιτρεπόταν μόνο με περιορισμένη έννοια ως ζωγραφική λουλουδιών και φρούτων.

Αλλά στις αρχές του εικοστού αιώνα. Η νεκρή φύση στη ρωσική ζωγραφική άκμασε και για πρώτη φορά έγινε ισότιμο είδος. Οι καλλιτέχνες αναζητούσαν νέες ευκαιρίες στον τομέα του χρώματος, της φόρμας, της σύνθεσης νεκρής φύσης. Μεταξύ των Ρώσων φυσιολόγων μπορεί να ονομαστεί ο I.F. Khrutsky, I.E. Grabar, P.P. Konchalovsky, I. Levitan, A. Osmerkin, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, V. Nesterenko κ.ά.

κατά το πολύ διάσημη νεκρή φύσηΟ Π. Κοντσαλόφσκι είναι η «πασχαλιά» του.

P. Konchalovsky "Lilac" (1939)

P. Konchalovsky "Lilac" (1939)

Ο P. Konchalovsky στη ζωγραφική ήταν οπαδός του Cezanne, προσπάθησε να εκφράσει τη γιορτή του χρώματος που είναι εγγενής στα ρωσικά παραδοσιακή τέχνη, με τη βοήθεια της χρωματικής κατασκευαστικότητας του Paul Cezanne. Ο καλλιτέχνης κέρδισε τη φήμη ακριβώς χάρη στις νεκρές φύσεις του, που συχνά εκτελούνται με στυλ κοντά στον κυβισμό και τον φωβισμό.

Η νεκρή φύση του «Lilac» είναι γεμάτη από αυτό το γιορτινό χρώμα, ευχάριστο στο μάτι και τη φαντασία. Φαίνεται ότι το ανοιξιάτικο άρωμα της πασχαλιάς προέρχεται από τον καμβά.

Οι συστάδες των πασχαλιών απεικονίζονται με γενικευμένο τρόπο, αλλά η εσωτερική μνήμη μας λέει τα περιγράμματα κάθε λουλουδιού στη συστάδα, και ως εκ τούτου η ζωγραφική του Konchalovsky φαίνεται ρεαλιστική.

Ο I. Mashkov, σύγχρονος του Konchalovsky, δεν ήταν λιγότερο γενναιόδωρος στην απεικόνιση της υλικότητας του κόσμου, της πολυχρωμίας της παλέτας.

I. Mashkov "Μούρα με φόντο έναν κόκκινο δίσκο" (1910)

Υπάρχει επίσης μια ταραχή χρωμάτων σε αυτή τη νεκρή φύση, η ικανότητα να απολαμβάνεις κάθε στιγμή που δίνει η ζωή, γιατί κάθε στιγμή είναι όμορφη.

Όλα τα θέματα της νεκρής φύσης είναι γνωστά σε εμάς, αλλά νιώθουμε ότι ο καλλιτέχνης θαυμάζει τη γενναιοδωρία της φύσης, τον πλούτο του γύρω κόσμου και μας καλεί να μοιραστούμε αυτή τη χαρά μαζί του.

V. Nesterenko "Ο Πατέρας της Πατρίδας" (1997)

Πρόκειται για μια νεκρή φύση του σύγχρονου καλλιτέχνη V. Nesterenko. Το θέμα του πίνακα εκφράζεται στον τίτλο του και το περιεχόμενο αποκαλύπτεται στην εικόνα αντικειμένων νεκρής φύσης - σύμβολα της αυτοκρατορικής εξουσίας του Πέτρου Α. Το πορτρέτο του αυτοκράτορα βρίσκεται με φόντο μια σκηνή μάχης, από την οποία υπήρχαν πολλά στη ζωή του. Δεν έχει νόημα να ξαναλέμε όλες εκείνες τις πράξεις για τις οποίες ο Πέτρος Α ονομάζεται πατέρας της Πατρίδας. Μπορείτε να ακούσετε διαφορετικές απόψεις για τις δραστηριότητες του πρώτου Ρώσου αυτοκράτορα, αλλά μέσα αυτή η υπόθεσηο καλλιτέχνης εκφράζει την άποψή του και αυτή η γνώμη εκφράζεται από τον ίδιο πολύ πειστικά.

Η νεκρή φύση είναι στο Κρεμλίνο, στην αίθουσα υποδοχής του Προέδρου της Ρωσικής Ομοσπονδίας.

Η στάση απέναντι στη νεκρή φύση άλλαξε σε διαφορετικές εποχές, μερικές φορές ήταν σχεδόν ξεχασμένη και μερικές φορές ήταν το πιο δημοφιλές είδος ζωγραφικής. Ως ανεξάρτητο είδος ζωγραφικής, εμφανίστηκε στο έργο Ολλανδών καλλιτεχνών τον 17ο αιώνα. Στη Ρωσία, για μεγάλο χρονικό διάστημα, η νεκρή φύση αντιμετωπίζονταν ως κατώτερο είδος και μόνο στις αρχές του 20ου αιώνα έγινε ένα πλήρες είδος. Κατά τη διάρκεια μιας ιστορίας τεσσάρων αιώνων, οι καλλιτέχνες έχουν δημιουργήσει ένα πολύ ένας μεγάλος αριθμός απόνεκρές φύσεις, αλλά ακόμη και ανάμεσα σε αυτόν τον αριθμό μπορεί κανείς να ξεχωρίσει τα πιο διάσημα και σημαντικά έργα για το είδος.

«Νεκρή φύση με ζαμπόν και ασημικά» (1649) Willem Claesz Heda (1594-1682).

Ο Ολλανδός καλλιτέχνης ήταν αναγνωρισμένος δεξιοτέχνης της νεκρής φύσης, αλλά είναι αυτός ο πίνακας που ξεχωρίζει στο έργο του. Εδώ, η δεξιοτεχνία της Kheda στη μεταφορά καθημερινών ειδών οικιακής χρήσης είναι αισθητή - δημιουργείται μια αίσθηση της πραγματικότητας καθενός από αυτά. Σε ένα τραπέζι σκεπασμένο με ένα πλούσιο τραπεζομάντιλο, υπάρχει ένα κεχριμπαρένιο λεμόνι, ένα κομμάτι φρέσκο ​​ζαμπόν και ασημικά. Το αύριο μόλις τελείωσε, οπότε υπάρχει ένα μικρό χάος στο τραπέζι, που κάνει την εικόνα ακόμα πιο αληθινή. Όπως οι περισσότερες ολλανδικές νεκρές φύσεις αυτής της περιόδου, εδώ κάθε αντικείμενο φέρει κάποιου είδους σημασιολογικό φορτίο. Έτσι, τα ασημικά μιλούν για επίγειο πλούτο, το ζαμπόν υποδηλώνει αισθησιακές χαρές και το λεμόνι - εξωτερική ομορφιά που κρύβει την εσωτερική πικρία. Μέσα από αυτά τα σύμβολα, ο καλλιτέχνης μας υπενθυμίζει ότι πρέπει να σκεφτόμαστε περισσότερο την ψυχή και όχι μόνο το σώμα. Η εικόνα είναι φτιαγμένη σε μια ενιαία καφέ-γκρι κλίμακα, χαρακτηριστική για όλη την ολλανδική ζωγραφική αυτής της εποχής. Εκτός από την προφανή διακοσμητικότητα, αυτή η νεκρή φύση λέει και για την δυσδιάκριτη «ήσυχη ζωή» των αντικειμένων, η οποία παρατηρήθηκε από το προσεκτικό βλέμμα του καλλιτέχνη.

«Ροδάκινα και αχλάδια» (1895) Πωλ Σεζάν (1830-1906).

Το είδος της νεκρής φύσης ήταν πάντα πολύ συντηρητικό. Ως εκ τούτου, σχεδόν μέχρι τις αρχές του 20ου αιώνα, έμοιαζε το ίδιο με τον 17ο αιώνα. Μέχρι που ανέλαβε ο Πολ Σεζάν. Πίστευε ότι η ζωγραφική πρέπει να μεταφέρει αντικειμενικά την πραγματικότητα και οι πίνακες πρέπει να βασίζονται στους νόμους της φύσης. Ο Σεζάν προσπάθησε να μεταφέρει όχι τις μεταβλητές, αλλά τις σταθερές ιδιότητες του θέματος, μέσα από τη σύνθεση μορφής και χρώματος, την ενοποίηση μορφής και χώρου. Και το είδος της νεκρής φύσης έχει γίνει ένα εξαιρετικό αντικείμενο για αυτά τα πειράματα. Καθένα από τα αντικείμενα της νεκρής φύσης Peaches and Pears απεικονίζεται από διαφορετικές οπτικές γωνίες. Βλέπουμε λοιπόν το τραπέζι από πάνω, τα φρούτα και το τραπεζομάντιλο -από το πλάι, το τραπεζάκι- από κάτω και την κανάτα γενικά ταυτόχρονα με διαφορετικές πλευρές. Ο Σεζάν προσπαθεί να μεταφέρει το σχήμα και τον όγκο των ροδάκινων και των αχλαδιών όσο το δυνατόν ακριβέστερα. Για να το κάνει αυτό, χρησιμοποιεί οπτικούς νόμους, έτσι οι ζεστές αποχρώσεις (κόκκινο, ροζ, κίτρινο, χρυσό) γίνονται αντιληπτές από εμάς ως ηχεία και οι ψυχρές (μπλε, μπλε, πράσινο) υποχωρούν στα βάθη. Επομένως, η μορφή των αντικειμένων στις νεκρές φύσεις του δεν εξαρτάται από το φωτισμό, αλλά γίνεται σταθερή. Γι' αυτό ο Σεζάν φαίνεται μνημειώδης.

Το μπλε τραπεζομάντιλο (1909) Henri Matisse (1869-1954).

Λοιπόν, ας δούμε μερικές ακόμα φωτογραφίες, έτσι;
Απροσδόκητες νεκρές φύσεις - αυτό συμβαίνει γιατί συνήθως περιμένουμε εντελώς διαφορετικά θέματα από τους συγγραφείς τους. Παραδοσιακά, αυτοί οι καλλιτέχνες εργάζονταν σε εντελώς διαφορετικά είδη, προτιμώντας το τοπίο, το πορτρέτο ή τη ζωγραφική. Μόνο περιστασιακά τους έμπαινε κάτι στο κεφάλι και αναφώνησαν: "Και θα ζωγραφίσω αυτό το βάζο με τουμπερόζα!" Είναι αλήθεια ότι αυτό συνέβαινε πολύ σπάνια. Τόσο σπάνιο που χρειάστηκε να ψαχουλέψω τις πηγές για μισή μέρα για να βρω τις νεκρές φύσεις τους.

ΑΣ ΞΕΚΙΝΗΣΟΥΜΕ ΑΠΟ ΤΑ ΔΙΚΑ ΜΑΣ:

Marc Chagall «Λευκά λουλούδια σε κόκκινο φόντο». 1970. Ο Mark έχει ήδη ζωγραφίσει μόνο μερικές νεκρές φύσεις ενηλικιότητα, και μετά εκείνος, συνηθισμένος στην απεικόνιση φαντασμαγοριών ανθρώπου-ζώου, δεν μπόρεσε να αντισταθεί σε καμία από αυτές – έστω και σε ένα κομμάτι ανθρώπινης φυσιογνωμίας, τουλάχιστον κάπου με ένα κομμάτι ψωμί, ας το βάλει.

Εγώ, για παράδειγμα, αγαπώ πολύ τις νεκρές φύσεις, αλλά οι περισσότεροι καλλιτέχνες όχι. Κατά κάποιο τρόπο αυτό δεν είναι σταθερό για έναν αξιοσέβαστο δημιουργό, όλοι οι μαθητές μαθαίνουν τα βασικά του σχεδίου από σκηνοθετημένες νεκρές φύσεις.

Η νεκρή φύση ήταν ιδιαίτερα μη δημοφιλής στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, στο μέγιστο βαθμό - μεταξύ των ιμπρεσιονιστών, οι περιπλανώμενοι μας την αντιπαθούσαν επίσης. Μερικά από αυτά δεν βρήκα ούτε μια νεκρή φύση. Δεν υπάρχουν τέτοια έργα και, για παράδειγμα, οι Nesterov, Kuindzhi, Aivazovsky, Perov, Grigory Myasoedov (όποιος βρει, πες μου, θα προσθέσω).

Viktor Vasnetsov "Μπουκέτο". Μια υπέροχη ή επική ιστορία - παρακαλώ, ο καθεδρικός ναός του Βλαντιμίρ του Κιέβου είναι εύκολο να ζωγραφίσει, αλλά ο καλλιτέχνης δεν έχει πολλές νεκρές φύσεις. Ωστόσο, είναι!

Φυσικά, υπάρχουν εξαιρέσεις μεταξύ των ιμπρεσιονιστών - ο Σεζάν αγαπούσε πολύ τις νεκρές φύσεις, αν και δεν θεωρούσε τον εαυτό του ιμπρεσιονιστή. Οι μετα-ιμπρεσιονιστές Βαν Γκογκ και Ματίς «ξεκόλλησαν» σε νεκρές φύσεις (δεν θα καλύψω τις παρατιθέμενες εδώ - κυνηγάμε σπάνια έργα «αντιπαθειών» νεκρών φύσεων). Αλλά, βασικά, στους εκπροσώπους αυτών των τάσεων δεν άρεσε αυτή η επιχείρηση λουλουδιών-φρούτων - αστική και πατριαρχική, χωρίς αγαπημένο plein air - πλήξη! Ακόμη και η Berthe Morisot είναι η μόνη κοπέλα μεταξύ των ιμπρεσιονιστών και δεν της άρεσε αυτό το ελαφρώς «κοριτσίστικο» είδος.

Ilya Repin "Μήλα και φύλλα", 1879 . Νεκρή φύση - όχι τυπική για τον Ρέπιν. Ακόμη και εδώ, η σύνθεση δεν μοιάζει με κλασική παραγωγή - όλα αυτά μπορεί να βρίσκονται κάπου στο έδαφος κάτω από ένα δέντρο, χωρίς γυαλιά και κουρτίνες.

Η νεκρή φύση δεν περνούσε πάντα άσχημες στιγμές. Άρχισε να εμφανίζεται τον 16ο αιώνα, ενώ ως μέρος της ζωγραφικής του είδους, και τον 17ο αιώνα, χάρη στους Ολλανδούς, εξελίχθηκε σε ανεξάρτητο είδος ζωγραφικής. Ήταν πολύ δημοφιλές τον 18ο και το πρώτο μισό του 19ου αιώνα, και στη συνέχεια, χάρη σε καινοτόμα κινήματα στην τέχνη, η δημοτικότητά του άρχισε να πέφτει. Η αναβίωση της μόδας για νεκρή φύση ξεκίνησε γύρω στη δεκαετία του 20 του 20ου αιώνα. Πολλοί εκπρόσωποι καλλιτεχνών σύγχρονη τέχνηπάλι πήραν βάζα και ροδάκινα, αλλά αυτά ήταν ήδη νέες μορφές. Φυσικά, το είδος δεν έσβησε ποτέ εντελώς, και υπήρχε (και εξακολουθεί να υπάρχει) ένας ολόκληρος γαλαξίας ζωγράφων νεκρής φύσης. Θα μιλήσουμε για αυτό αργότερα, αλλά προς το παρόν θα σιωπήσω, θα σχολιάσω μόνο κάτι, και απλά κοιτάξτε τις σπάνιες νεκρές φύσεις των συγγραφέων που τις έγραψαν μόνο περιστασιακά:

Βαλεντίν Σερόφ «Λιλά σε βάζο», 1887.
Στα διάσημα έργα του, μπορείτε να δείτε μόνο ένα κομμάτι νεκρής φύσης - ροδάκινα μπροστά σε ένα κορίτσι. Ο πιο διεισδυτικός ζωγράφος πορτρέτων, προφανώς, είχε βαρεθεί να ζωγραφίζει λουλούδια και πτώματα πουλιών.

Ισαάκ Λεβιτάν. "Forest violets and lost-me-nots", 1889.Η ιδιοφυΐα του ρωσικού τοπίου μερικές φορές ζωγράφιζε υπέροχες νεκρές φύσεις. Αλλά πολύ σπάνια! Υπάρχει επίσης μια κανάτα με πικραλίδες - υπέροχη!

Vasily Surikov "Μπουκέτο".
Ο συγγραφέας του The Morning of the Streltsy Execution αγαπούσε την έκταση και το δράμα. Αλλά και αυτό διατηρείται - λίγο αφελές και γοητευτικά τριαντάφυλλα.

Μπόρις Κουστόντιεφ. «Νεκρή φύση με φασιανούς", 1915 . Συχνά στα έργα του υπάρχουν τεράστιες νεκρές φύσεις - ζωγράφιζε εμπόρους και κατακόκκινους αγρότες σε τραπέζια που κυριολεκτικά ξεσπούν από φαγητό. Και γενικά, οι χαρούμενοι φωτεινοί καμβάδες του μοιάζουν με νεκρή φύση, ακόμα κι αν είναι πορτρέτο, αλλά υπάρχουν λίγες μεμονωμένες εικόνες όχι της γυναίκας ενός εμπόρου, αλλά του πρωινού της.

Victor Borisov-Musatov "Lilac", 1902.
Μου αρέσει πολύ το αρχικό του πυκνό, κανένας άλλος παρόμοιος. Μπορείτε πάντα να τον αναγνωρίσετε, και σε αυτή τη νεκρή φύση - επίσης.

Mikhail Vrubel "Λουλούδια σε ένα μπλε βάζο", 1886
Τι ταλέντο! Πόσο προσβλητικά λίγος χρόνος! Τα λουλούδια είναι επίσης πανέμορφα, όπως και οι δαίμονες.

Βασίλι Τροπινίν "Μπεκάτσα και Μπουλφίνς", 1820.
Ο δουλοπάροικος καλλιτέχνης φαίνεται ότι αντιμετώπισε το είδος της νεκρής φύσης χωρίς ιδιαίτερη ευλάβεια, και ως εκ τούτου σχεδόν ποτέ δεν το ζωγράφισε. Αυτό που βλέπετε δεν είναι καν ένας πλήρης καμβάς, αλλά ένα σκίτσο.

Καζιμίρ Μάλεβιτς. "Νεκρή φύση". Και νόμιζες ότι τα μήλα του ήταν τετράγωνα;

Ivan Kramskoy "Μπουκέτο λουλούδια. Phloxes", 1884
Ήθελα να πάω κατευθείαν στη ντάκα - είχα και φλοξ εκεί το καλοκαίρι.

Βασίλι Καντίνσκι «Ψάρι σε μπλε πιάτο» Δεν είναι ακόμα όλα εντελώς στριμωγμένα, τα μάτια, ακόμη και ένα στόμα εντοπίζονται στην εικόνα, και είναι ακόμη και κοντά!

Nathan Altman "Mimosa", 1927
Μου αρέσει. Υπάρχει κάτι σε αυτό.

Ivan Shishkin, 1855.
Και πού είναι οι αρκούδες και το δάσος;!

Ήθελα επίσης να βάλω τον Petrov-Vodkin, αλλά είχε πολλές νεκρές φύσεις, όπως φαινόταν. Και οι Mashkov, Lentulov, Konchalovsky, επομένως δεν είναι κατάλληλοι για αυτήν τη θέση.

ΞΕΝΟ:

Έγκον Σίλε «Νεκρή φύση», 1918
Και νομίζατε ότι ήξερε να σχεδιάζει μόνο γυμνά ανήλικα;

Άλφρεντ Σίσλεϊ. "Νεκρή φύση με έναν ερωδιό". Νεκρά πουλιά - δράμα στην καθημερινή ζωή.

Περισσότερο Σίσλεϋ. Λοιπόν, τον αγαπώ!

Γκουστάβ Κουρμπέ. Μήλα και ρόδια σε πιατέλα. 1871

Edgar Degas "Γυναίκα καθισμένη σε ένα βάζο με λουλούδια", 1865
Παρά το όνομα, η γυναίκα καταλαμβάνει το 30 τοις εκατό της επιφάνειας του καμβά, οπότε θεώρησε ότι ήταν νεκρή φύση. Γενικά, στον Ντεγκά άρεσε να ζωγραφίζει ανθρώπους πολύ περισσότερο από λουλούδια. Ειδικά οι μπαλαρίνες.

Ευγένιος Ντελακρουά. "Μπουκέτο".
Λοιπόν, δόξα τω Θεώ, κανείς δεν τρώει κανέναν και κανείς δεν πυροβολεί!

Theodore Géricault "Νεκρή φύση με τρία κρανία"
Γενικά, ο Gericault λάτρευε κατά κάποιο τρόπο ύποπτα τα μπλε πτώματα και κάθε είδους «διαμελισμό». Και η νεκρή φύση του ταιριάζει.

Camille Pissarro, Νεκρή φύση με μήλα και κανάτα, 1872

Claude Monet "Νεκρή φύση με αχλάδια και σταφύλια", 1867.
Είχε νεκρές φύσεις, ήταν, αλλά σχετικά λίγες.

Auguste Renoir, Νεκρή φύση με μεγάλο βάζο λουλουδιών, 1866
Αυτός, σε σύγκριση με τους άλλους που παρουσιάζονται εδώ, έχει πολλές νεκρές φύσεις. Και τι! Ένας από τους σύγχρονούς του είπε ότι δεν έχει θλιβερά έργα, και τον λατρεύω, οπότε τα έσπρωξα εδώ. Και επίσης επειδή οι νεκρές φύσεις του είναι ακόμα ελάχιστα γνωστές, πολύ λιγότερο από όλους αυτούς τους λουόμενους κ.λπ.

Και ξέρεις ποιος; Πάμπλο Πικάσο! 1919

Ο Πάμπλο ήταν εκπληκτικά παραγωγικός! Τεράστιος αριθμός εικόνων! Και μεταξύ αυτών, οι νεκρές φύσεις καταλαμβάνουν πολύ μικρότερο ποσοστό από όλα τα άλλα, και ακόμη και τότε ήταν κυρίως «κυβιστικές». Γι' αυτό συμπεριλήφθηκε στην επιλογή. Για να σας δώσουμε μια ιδέα του πόσο τρελός (αλλά σίγουρα ταλαντούχος!) και άστατος ήταν, ρίξτε μια ματιά στην παρακάτω εικόνα. Είναι κι αυτός, και την ίδια χρονιά!

Πάμπλο Πικάσο «Νεκρή φύση σε μια συρταριέρα», 1919

Paul Gauguin "Ζαμπόν", 1889.
Πήγαν αργότερα οι Ταϊτές, έφυγε για Ταϊτή μετά από 2 χρόνια (τώρα θα προσθέσω και θα πάω να σκάψω στο ψυγείο).

Edouard Manet, Carnations and Clematis in a Crystal Vase, 1882
Υπάρχουν και υπέροχα έργα, όπως το «Τριαντάφυλλα σε ένα ποτήρι σαμπάνιας», αλλά οι νεκρές φύσεις του Μανέ στην κληρονομιά του είναι πάντα στο βάθος. Και μάταια, σωστά;

Φρανσουά Μιλέ, δεκαετία του 1860.
Μόνο ένα δείπνο για όλους τους αγρότες και τους θεριστές του.

Berthe Morisot "Μπλε βάζο", 1888
Ακόμα δεν μπόρεσε να αντισταθεί!

Φρειδερίκος Βασίλειος. «Νεκρή φύση με ψάρια», 1866
Απλό και μάλιστα αγενές, αλλά νομίζω ότι μυρίζω κιόλας το ψάρι! Να πάω να βγάλω τα σκουπίδια;

Henri "Τελωνείος" Rousseau, "Bouquet of Flowers", 1910

Απροσδόκητο στο είδος, αλλά πάντα στο στυλ. Ο απλός τελώνης ήταν πάντα πιστός στον εαυτό του.

Όλοι, σας ευχαριστώ για την προσοχή σας!
Πώς είσαι;

ΥΣΤΕΡΟΓΡΑΦΟ. Και όμως ο Kuzma Petrov-Vodkin, γιατί είναι όμορφος!:

Kuzma Petrov-Vodkin "Βιολί σε μια θήκη", 1916, Μουσείο Τέχνης της Οδησσού
Έχει αρκετές νεκρές φύσεις. Υπέροχο, απλά υπέροχο! Τέτοια φωτεινά, καλοκαιρινά - φροντίστε να κοιτάξετε στο Διαδίκτυο, παραμερίστε το κόκκινο άλογο και άλλα επαναστατικά σύνεργα! Αλλά, επειδή έχουμε μια ανάρτηση για ασυνήθιστες νεκρές φύσεις, επέλεξα την πιο άτυπη για αυτόν τον συγγραφέα.

Ευχαριστώ και πάλι για την προσοχή σας!

Ας περάσουμε στο τελικό στάδιο αυτής της σειράς αναρτήσεων για το είδος της νεκρής φύσης. Θα είναι αφιερωμένο στο έργο Ρώσων καλλιτεχνών.

Ας ξεκινήσουμε με τον Φιοντόρ Πέτροβιτς Τολστόι (1783-1873). Γραφικά νεκρής φύσης από τον F.P. Ο Τολστόι, διάσημος Ρώσος γλύπτης, μετάλλιο, σχεδιαστής και ζωγράφος, ίσως το πιο σημαντικό και πολύτιμο κομμάτι του δημιουργική κληρονομιά, αν και ο ίδιος ο καλλιτέχνης είπε ότι δημιούργησε αυτά τα έργα «τον ελεύθερο χρόνο του από σοβαρές σπουδές».

Η κύρια ιδιότητα των σχεδίων νεκρής φύσης του Τολστόι είναι η απατηλή φύση τους. Ο καλλιτέχνης αντέγραψε προσεκτικά τη φύση. Προσπάθησε, σύμφωνα με τον ίδιο δικά τους λόγια, "με αυστηρή σαφήνεια, μεταφέρετε το αντιγραμμένο λουλούδι από τη ζωή στο χαρτί όπως είναι, με όλες τις πιο μικρές λεπτομέρειες που ανήκουν σε αυτό το λουλούδι." Για να παραπλανήσει τον θεατή, ο Τολστόι χρησιμοποίησε τέτοιες ψευδαισθησιακές τεχνικές όπως η εικόνα σταγόνων δροσιάς ή ημιδιαφανούς χαρτιού που καλύπτουν το σχέδιο και βοηθούν στην εξαπάτηση του ματιού.

Ο Ilya Efimofich Repin (1844-1930) στράφηκε επίσης επανειλημμένα σε ένα τέτοιο μοτίβο νεκρής φύσης όπως τα λουλούδια. Αυτά τα έργα περιλαμβάνουν τον πίνακα "Ανθοδέσμη του φθινοπώρου" (1892, Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα), όπου ο καλλιτέχνης απεικονίζει ένα φθινοπωρινό τοπίο με την ίδια προσοχή, μια νεαρή γυναίκα που στέκεται με φόντο χρυσά δέντρα και ένα λιτό μπουκέτο με κίτρινα και λευκά λουλούδια. τα χέρια της.

Ι. Ρέπιν. Φθινοπωρινό μπουκέτο. Πορτρέτο της Βέρα Ρεπίνα. 1892, Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Η ιστορία του πίνακα "Μήλα και φύλλα" είναι κάπως ασυνήθιστη. Η νεκρή φύση, που συνδυάζει φρούτα και φύλλα, ανέβηκε για τον μαθητή του Repin, V.A. Serov. Η θεματική σύνθεση άρεσε τόσο πολύ στον δάσκαλο που αποφάσισε να γράψει ο ίδιος μια τέτοια νεκρή φύση. Τα λουλούδια και τα φρούτα προσέλκυσαν πολλούς καλλιτέχνες, οι οποίοι προτίμησαν, μεταξύ άλλων, να δείξουν τον κόσμο της φύσης πιο ποιητικά και όμορφα. Ακόμη και σε. Ο Kramskoy, ο οποίος ήταν απορριπτικός για αυτό το είδος, απέτισε φόρο τιμής στη νεκρή φύση, δημιουργώντας έναν εντυπωσιακό πίνακα "Μπουκέτο λουλουδιών. Phloxes» (1884, Γκαλερί Τρετιακόφ, Μόσχα).

Ο Βαλεντίν Αλεξάντροβιτς Σερόφ (1865-1911) είναι γνωστός στους περισσότερους από εμάς ως καλλιτέχνης που έδωσε προσοχή στη δουλειά του στο τοπίο, το πορτρέτο και την ιστορική ζωγραφική. Ωστόσο, πρέπει να σημειωθεί ότι το θέμα στη δουλειά του έπαιζε πάντα σημαντικός ρόλοςκαι συχνά κατείχε την ίδια ίση θέση με άλλα στοιχεία της σύνθεσης. Λίγο πιο πάνω, ήδη ανέφερα το μαθητικό του έργο «Apples on the Leaves», 1879, που φτιάχτηκε υπό τη διεύθυνση του Repin. Αν συγκρίνουμε αυτό το έργο με ένα έργο που γράφτηκε με το ίδιο θέμα από τον Ρέπιν, μπορούμε να δούμε ότι η νεκρή φύση του Σερόφ είναι περισσότερο etude από τον καμβά του δασκάλου του. Χρησιμοποιείται αρχάριος καλλιτέχνης χαμηλό σημείοπροβολή, έτσι το πρώτο και το δεύτερο σχέδιο συνδυάζονται και το φόντο μειώνεται.

Γνωστός σε όλους από την παιδική ηλικία, ο πίνακας "Κορίτσι με Ροδάκινα" ξεπερνά το είδος του πορτρέτου και δεν είναι τυχαίο ότι ονομάζεται "Κορίτσι με Ροδάκινα", και όχι "Πορτρέτο της Βέρα Μαμόντοβα". Μπορούμε να δούμε ότι εδώ συνδυάζονται τα χαρακτηριστικά ενός πορτρέτου, του εσωτερικού και της νεκρής φύσης. Ο καλλιτέχνης δίνει την ίδια προσοχή στην εικόνα ενός κοριτσιού με μια ροζ μπλούζα και μερικά, αλλά επιδέξια ομαδοποιημένα αντικείμενα. Απαλό κίτρινα ροδάκινα, φύλλα σφενδάμου και ένα γυαλιστερό μαχαίρι βρίσκονται σε ένα λευκό τραπεζομάντιλο. Άλλα πράγματα στο βάθος είναι επίσης σχεδιασμένα με αγάπη: καρέκλες, ένα μεγάλο πορσελάνινο πιάτο που διακοσμεί τον τοίχο, ένα ειδώλιο ενός στρατιώτη, ένα κηροπήγιο στο περβάζι. Το φως του ήλιου που πέφτει από το παράθυρο και πέφτει πάνω σε αντικείμενα με φωτεινές ανταύγειες προσδίδει στην εικόνα μια ποιητική γοητεία.

Ο Μιχαήλ Αλεξάντροβιτς Βρούμπελ (1856-1910) έγραψε: «Και πάλι με χτυπάει, όχι, δεν με χτυπάει, αλλά ακούω αυτή την οικεία εθνική νότα που θέλω τόσο πολύ να πιάσω σε καμβά και στολίδι. Αυτή είναι η μουσική ενός ολόκληρου ανθρώπου, που δεν αναλύεται από τους περισπασμούς μιας τακτοποιημένης, διαφοροποιημένης και χλωμής Δύσης».

Στην Ακαδημία Τεχνών, ο αγαπημένος δάσκαλος του Vrubel ήταν ο Pavel Chistyakov, ο οποίος δίδαξε στον νεαρό ζωγράφο να «σχεδιάζει με τη μορφή» και υποστήριξε ότι τρισδιάστατες φόρμες δεν πρέπει να δημιουργούνται σε χώρο με σκίαση και περιγράμματα, πρέπει να χτίζονται με γραμμές. Χάρη σε αυτόν, ο Vrubel έμαθε όχι μόνο να δείχνει τη φύση, αλλά σαν να έχει μια ειλικρινή, σχεδόν στοργική συζήτηση μαζί της. Με αυτό το πνεύμα, φτιάχτηκε η υπέροχη νεκρή φύση του μάστερ «Wild Rose» (1884).

Με φόντο την εξαιρετική κουρτίνα με φυτικά μοτίβα, ο καλλιτέχνης τοποθέτησε ένα κομψό στρογγυλεμένο βάζο ζωγραφισμένο με ανατολίτικα σχέδια. Λεπτός λευκό λουλούδιτριανταφυλλιές, βαμμένες με γαλαζοπράσινο ύφασμα, και τα φύλλα του φυτού σχεδόν συγχωνεύονται με τον αμυδρά αστραφτερό μαύρο λαιμό του αγγείου. Αυτή η σύνθεση είναι γεμάτη ανέκφραστη γοητεία και φρεσκάδα, στην οποία ο θεατής απλά δεν μπορεί παρά να υποκύψει.

Κατά την περίοδο της ασθένειας, ο Vrubel άρχισε να ζωγραφίζει περισσότερο από τη φύση και τα σχέδιά του διακρίνονται όχι μόνο από την κυνηγημένη μορφή, αλλά και από μια πολύ ιδιαίτερη πνευματικότητα. Φαίνεται ότι κάθε κίνηση του χεριού του καλλιτέχνη προδίδει τον πόνο και το πάθος του.

Ιδιαίτερα αξιοσημείωτο από αυτή την άποψη είναι το σχέδιο «Νεκρή φύση. Κηροπήγιο, καράφα, ποτήρι”. Είναι ένας συντριπτικός θρίαμβος άγριας αντικειμενικότητας. Κάθε κομμάτι νεκρής φύσης φέρει μια κρυμμένη εκρηκτική δύναμη. Το υλικό από το οποίο είναι φτιαγμένα τα πράγματα, είτε είναι ο μπρούτζος ενός κηροπήγιου, το ποτήρι μιας καράφας ή η ματ αντανάκλαση ενός κεριού, τρέμει αισθητά από το κολοσσιαίο εσωτερικό άγχος. Ο παλμός μεταφέρεται από τον καλλιτέχνη με μικρές διασταυρούμενες πινελιές, γεγονός που κάνει την υφή εκρηκτική και τεταμένη. Έτσι, τα αντικείμενα αποκτούν απίστευτη ευκρίνεια, η οποία είναι αληθινή ουσίατων πραγμάτων.

Γ.Ν. Teplov και T. Ulyanov. Τις περισσότερες φορές απεικόνιζαν έναν τοίχο σανίδας, στον οποίο σχεδιάζονταν κόμποι και φλέβες ενός δέντρου. Διάφορα αντικείμενα είναι κρεμασμένα στους τοίχους ή βουλωμένα πίσω από καρφωμένες κορδέλες: ψαλίδι, χτένες, γράμματα, βιβλία, τετράδια μουσικής. Ρολόγια, μελανοδοχεία, μπουκάλια, κηροπήγια, πιάτα και άλλα μικροπράγματα τοποθετούνται σε στενά ράφια. Φαίνεται ότι ένα τέτοιο σύνολο αντικειμένων είναι εντελώς τυχαίο, αλλά στην πραγματικότητα αυτό απέχει πολύ από την περίπτωση. Κοιτάζοντας τέτοιες νεκρές φύσεις, μπορεί κανείς να μαντέψει για τα ενδιαφέροντα των καλλιτεχνών που ασχολούνταν με την αναπαραγωγή μουσικής, την ανάγνωση και που αγαπούσαν την τέχνη. Οι Δάσκαλοι απεικόνιζαν με αγάπη και επιμέλεια πράγματα αγαπητά τους. Αυτοί οι πίνακες αγγίζουν την ειλικρίνεια και την αμεσότητα της αντίληψης της φύσης.

Ο Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) αφιέρωσε επίσης μεγάλο μέρος του έργου του στο είδος της νεκρής φύσης. Στους χαρούμενους καμβάδες του μπορεί κανείς να δει λαμπερά σατέν υφάσματα, αστραφτερά χάλκινα σαμοβάρια, τη λάμψη της φαγεντιανής και της πορσελάνης, κόκκινες φέτες καρπούζι, συστάδες σταφυλιού, μήλα, λαχταριστά μάφιν. Ένας από τους αξιόλογους πίνακές του είναι «Ο έμπορος για το τσάι», 1918. Είναι αδύνατο να μην θαυμάσετε τη λαμπερή λαμπρότητα των αντικειμένων που φαίνονται στον καμβά. Ένα λαμπερό σαμοβάρι, έντονο κόκκινο πολτό από καρπούζια, γυαλιστερά μήλα και διαφανή σταφύλια, ένα γυάλινο βάζο με μαρμελάδα, ένα επιχρυσωμένο μπολ ζάχαρης και ένα φλιτζάνι μπροστά στη γυναίκα του εμπόρου - όλα αυτά φέρνουν μια εορταστική διάθεση στην εικόνα.

Στο είδος της νεκρής φύσης μεγάλη προσοχήδόθηκε στο λεγόμενο «νεκρή φύση-ομοίωμα». Πολλές νεκρές φύσεις είναι «κόλπα», παρά το γεγονός ότι κύρια δραστηριότηταήταν η παραπλάνηση του θεατή, έχουν αναμφισβήτητη καλλιτεχνική αξία, ιδιαίτερα αισθητή στα μουσεία, όπου, κρεμασμένα στους τοίχους, τέτοιες συνθέσεις, φυσικά, δεν μπορούν να εξαπατήσουν το κοινό. Υπάρχουν όμως και εξαιρέσεις. Για παράδειγμα, η «Νεκρή φύση με βιβλία», που έγινε από τον Π.Γ. Ο Bogomolov, εισάγεται σε μια απατηλή «βιβλιοθήκη», και οι επισκέπτες δεν αντιλαμβάνονται αμέσως ότι αυτή είναι απλώς μια εικόνα.

Πολύ καλό το “Still Life with a Parrot” (1737) Γ.Ν. Teplov. Με τη βοήθεια καθαρών, ακριβών γραμμών, που μετατρέπονται σε απαλά, λεία περιγράμματα, ελαφριές, διαφανείς σκιές, λεπτές χρωματικές αποχρώσεις, ο καλλιτέχνης δείχνει μια ποικιλία αντικειμένων κρεμασμένα σε έναν τοίχο σανίδας. Το αριστοτεχνικά αποδοθέν ξύλο, οι γαλαζωπές, ροζ, κιτρινωπές αποχρώσεις βοηθούν στη δημιουργία μιας σχεδόν πραγματικής αίσθησης. φρέσκια μυρωδιάφρεσκοκομμένο ξύλο.

Γ.Ν. Teplov. "Νεκρή φύση με έναν παπαγάλο", 1737, Κρατικό Μουσείοκεραμικά, κτήμα Kuskovo

Οι ρωσικές νεκρές φύσεις-«κόλπα» του 18ου αιώνα μαρτυρούν το γεγονός ότι οι καλλιτέχνες ακόμα δεν μεταφέρουν επιδέξια τον χώρο και τους όγκους. Είναι πιο σημαντικό για αυτούς να δείχνουν την υφή των αντικειμένων, σαν να μεταφέρονται στον καμβά από την πραγματικότητα. Σε αντίθεση με τις ολλανδικές νεκρές φύσεις, όπου τα πράγματα που απορροφώνται από το φωτεινό περιβάλλον απεικονίζονται σε ενότητα με αυτό, στους πίνακες των Ρώσων δασκάλων, τα αντικείμενα ζωγραφισμένα πολύ προσεκτικά, ακόμη και ασήμαντα, φαίνονται να ζουν μόνα τους, ανεξάρτητα από τον περιβάλλοντα χώρο.

ΣΤΟ αρχές XIXαιώνα, μεγάλο ρόλο στην περαιτέρω ανάπτυξη της νεκρής φύσης έπαιξε η σχολή του Α.Γ. Βενετσιάνοφ, ο οποίος αντιτάχθηκε στην αυστηρή οριοθέτηση των ειδών και προσπάθησε να διδάξει στους μαθητές του ένα ολιστικό όραμα της φύσης.

A.G. Venetsianov. Barnyard, 1821-23

Το βενετσιάνικο σχολείο άνοιξε ένα νέο είδος για τη ρωσική τέχνη - το εσωτερικό. Οι καλλιτέχνες έδειξαν διάφορα δωμάτια του αρχοντικού οίκου: σαλόνια, υπνοδωμάτια, μελέτες, κουζίνες, αίθουσες διδασκαλίας, δωμάτια ανθρώπων κ.λπ. Στα έργα αυτά, σημαντική θέση δόθηκε στην απεικόνιση διαφόρων αντικειμένων, αν και η ίδια η νεκρή φύση ελάχιστα ενδιέφερε τους εκπροσώπους του κύκλου Βενετσιάνοφ (σε κάθε περίπτωση, ελάχιστες νεκρές φύσεις που έγιναν από μαθητές του διάσημου ζωγράφου έχουν διασωθεί). Ωστόσο, ο Βενετσιάνοφ προέτρεψε τους μαθητές του να μελετήσουν προσεκτικά όχι μόνο τα πρόσωπα και τις φιγούρες των ανθρώπων, αλλά και τα πράγματα γύρω τους.

Το αντικείμενο στον πίνακα του Βενετσιάνοφ δεν είναι αξεσουάρ, είναι άρρηκτα συνδεδεμένο με τις υπόλοιπες λεπτομέρειες της εικόνας και συχνά είναι το κλειδί για την κατανόηση της εικόνας. Για παράδειγμα, τα δρεπάνια στον πίνακα "The Reapers" (δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1820, Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη) επιτελούν παρόμοια λειτουργία. Τα πράγματα στη βενετική τέχνη φαίνεται να εμπλέκονται στην αβίαστη και γαλήνια ζωή των χαρακτήρων.

Αν και ο Βενετσιάνοφ, κατά πάσα πιθανότητα, δεν ζωγράφιζε πραγματικά νεκρές φύσεις, συμπεριέλαβε αυτό το είδος στο διδακτικό του σύστημα. Ο καλλιτέχνης έγραψε: Τα άψυχα πράγματα δεν υπόκεινται σε αυτές τις διάφορες αλλαγές που είναι χαρακτηριστικές των έμψυχων αντικειμένων, στέκονται, συγκρατούνται ήρεμα, ακίνητα μπροστά σε έναν άπειρο καλλιτέχνη και του δίνουν χρόνο να διεισδύσει με μεγαλύτερη ακρίβεια και σύνεση, να κοιτάξει στη σχέση του ενός μέρους με το άλλο. τόσο σε γραμμές, όσο και σε φως και σκιά από το ίδιο το χρώμα. , που εξαρτώνται από τη θέση που καταλαμβάνουν τα αντικείμενα”.

Φυσικά, μεγάλο ρόλο έπαιξε η νεκρή φύση παιδαγωγικό σύστημαΑκαδημία Τεχνών στους αιώνες XVIII-XIX (στον ΑΙΘΟΥΣΕΣ διδασκαλιαςοι μαθητές έκαναν αντίγραφα από τις νεκρές φύσεις των Ολλανδών δασκάλων), αλλά ήταν ο Βενετσιάνοφ, που ενθάρρυνε τους νέους καλλιτέχνες να στραφούν στη φύση, ο οποίος εισήγαγε μια νεκρή φύση στο πρώτο έτος σπουδών του, που αποτελείται από πράγματα όπως γύψινες φιγούρες, πιάτα , κηροπήγια, πολύχρωμες κορδέλες, φρούτα και λουλούδια. Ο Βενετσιάνοφ επέλεξε θέματα για εκπαιδευτικές νεκρές φύσεις, έτσι ώστε να ενδιαφέρουν τους αρχάριους ζωγράφους, κατανοητά στη μορφή, όμορφα στο χρώμα.

Στους πίνακες που δημιουργήθηκαν από ταλαντούχους μαθητές του Βενετσιάνοφ, τα πράγματα μεταφέρονται αληθινά και φρέσκα. Αυτές είναι οι νεκρές φύσεις του K. Zelentsov, P.E. Κορνίλοφ. Στα έργα των Ενετών υπάρχουν και έργα που δεν είναι ουσιαστικά νεκρές φύσεις, αλλά, παρόλα αυτά, ο ρόλος των πραγμάτων σε αυτές είναι τεράστιος. Μπορείτε να ονομάσετε, για παράδειγμα, τους καμβάδες "Μελέτη στο Ostrovki" και "Reflection in the Mirror" του G.V. Κίσσες που φυλάσσονται στη συλλογή του Ρωσικού Μουσείου στην Αγία Πετρούπολη.

G.V. Καρακάξα. «Γραφείο στο Οστρόβκι». Fragment, 1844, Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Οι νεκρές φύσεις σε αυτά τα έργα δεν λειτουργούν ανεξάρτητα, αλλά ως μέρη του εσωτερικού διατεταγμένα με έναν περίεργο τρόπο από τον πλοίαρχο, που αντιστοιχεί στη γενική συνθετική και συναισθηματική δομή της εικόνας. Το κύριο στοιχείο σύνδεσης εδώ είναι το φως, που περνά απαλά από το ένα αντικείμενο στο άλλο. Κοιτάζοντας τους καμβάδες, καταλαβαίνεις πόσο ενδιαφέρον ο κόσμοςένας καλλιτέχνης που απεικόνιζε με αγάπη κάθε αντικείμενο, κάθε μικρό πράγμα.

Η νεκρή φύση που παρουσιάζεται στη «Μελέτη στο Ostrovki», αν και κατέχει μια μικρή θέση στη συνολική σύνθεση, φαίνεται ασυνήθιστα σημαντική, τονισμένη λόγω του γεγονότος ότι ο συγγραφέας την περιφράχθηκε από τον υπόλοιπο χώρο με ψηλή πλάτη καναπέ, και κόψτε τον αριστερά και δεξιά με ένα πλαίσιο. Φαίνεται ότι ο Magpie παρασύρθηκε τόσο πολύ από τα αντικείμενα που κείτονταν στο τραπέζι που σχεδόν ξεχάστηκε τις υπόλοιπες λεπτομέρειες της εικόνας. Ο πλοίαρχος έγραψε προσεκτικά τα πάντα: ένα στυλό, ένα μολύβι, μια πυξίδα, ένα μοιρογνωμόνιο, ένα μαχαίρι, έναν άβακα, φύλλα χαρτιού, ένα κερί σε ένα κηροπήγιο. Η οπτική γωνία από πάνω σου επιτρέπει να βλέπεις όλα τα πράγματα, κανένα από αυτά δεν συσκοτίζει το άλλο. Χαρακτηριστικά όπως ένα κρανίο, ένα ρολόι, καθώς και σύμβολα της «γήινης ματαιοδοξίας» (ειδώλιο, χαρτιά, άβακας) επιτρέπουν σε ορισμένους ερευνητές να ταξινομήσουν τη νεκρή φύση ως vanitas, αν και αυτή η σύμπτωση είναι καθαρά συμπτωματική, πιθανότατα ο δουλοπάροικος Ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε αυτό που ήταν στο τραπέζι ο αφέντης του.

Ο διάσημος μάστερ των θεματικών συνθέσεων του πρώτου μισό του XIXαιώνα ήταν ο καλλιτέχνης I.F. Khrutsky, ο οποίος ζωγράφισε πολλούς όμορφους πίνακες στο πνεύμα των Ολλανδών νεκρή φύση XVIIαιώνας. Μεταξύ των καλύτερων έργων του είναι τα «Λουλούδια και Φρούτα» (1836, Γκαλερί Τρετιακόφ, Μόσχα), «Πορτρέτο μιας γυναίκας με λουλούδια και φρούτα» (1838, Μουσείο Τέχνης Λευκορωσίας, Μινσκ), «Νεκρή φύση» (1839, Μουσείο της Ακαδημία Τεχνών, Αγία Πετρούπολη).

Στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα στη Ρωσία, η «βοτανική νεκρή φύση», από την οποία μας ήρθε Δυτική Ευρώπη. Στη Γαλλία, εκείνη την εποχή, εκδόθηκαν έργα βοτανολόγων με ωραία εικονογράφηση. Μεγαλύτερη φήμη σε πολλούς ΕΥΡΩΠΑΙΚΕΣ ΧΩΡΕΣπαρέλαβε ο καλλιτέχνης P.Zh. Ο Redoubt, ο οποίος θεωρήθηκε «ο πιο διάσημος ζωγράφος λουλουδιών της εποχής του». Το «βοτανικό σχέδιο» ήταν ένα σημαντικό φαινόμενο όχι μόνο για την επιστήμη, αλλά και για την τέχνη και τον πολιτισμό. Τέτοια σχέδια παρουσιάστηκαν ως δώρο, διακοσμημένα άλμπουμ, τα οποία έτσι τα έφεραν στο ίδιο επίπεδο με άλλα έργα ζωγραφικής και γραφικών.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, ο Π.Α. Ο Φεντότοφ. Αν και στην πραγματικότητα δεν ζωγράφισε νεκρές φύσεις, ο κόσμος των πραγμάτων που δημιούργησε απολαμβάνει με την ομορφιά και την ειλικρίνειά του.

Τα αντικείμενα στα έργα του Fedotov είναι αχώριστα από τις ζωές των ανθρώπων, εμπλέκονται άμεσα στα δραματικά γεγονότα που απεικονίζει ο καλλιτέχνης.

Κοιτάζοντας τον πίνακα «The Fresh Cavalier» («Πρωί μετά τη γιορτή», 1846), μένει κανείς έκπληκτος με την αφθονία των αντικειμένων που ζωγράφισε προσεκτικά ο πλοίαρχος. Μια πραγματική νεκρή φύση, που εκπλήσσει με τη λακωνικότητά της, παρουσιάζεται στον περίφημο πίνακα του Φεντότοφ «Συνδικία ενός Ταγματάρχη» (1848). Το ποτήρι είναι αισθητά αληθινό: ποτήρια κρασιού στα ψηλά πόδια, ένα μπουκάλι, μια καράφα. Το πιο λεπτό και διαφανές, φαίνεται να εκπέμπει ένα απαλό κρυστάλλινο κουδούνισμα.

Fedotov P.A. Ο γάμος του Ταγματάρχη. 1848-1849. GTG

Ο Fedotov δεν διαχωρίζει αντικείμενα από το εσωτερικό, επομένως τα πράγματα εμφανίζονται όχι μόνο αξιόπιστα, αλλά και γραφικά διακριτικά. Κάθε πιο συνηθισμένο ή όχι πολύ ελκυστικό αντικείμενο που παίρνει τη θέση του στον κοινόχρηστο χώρο φαίνεται εκπληκτικό και όμορφο.

Αν και ο Fedotov δεν ζωγράφιζε νεκρές φύσεις, έδειξε αναμφισβήτητο ενδιαφέρον για αυτό το είδος. Η διαίσθηση τον ώθησε πώς να τακτοποιήσει αυτό ή εκείνο το αντικείμενο, από ποια οπτική γωνία να το παρουσιάσει, ποια θα ήταν τα πράγματα στη συνέχεια όχι μόνο δικαιολογημένα, αλλά και εκφραστικά.

Ο κόσμος των πραγμάτων, που βοηθά να δείξει τη ζωή ενός ατόμου σε όλες τις εκφάνσεις του, προικίζει τα έργα του Fedotov με μια ιδιαίτερη μουσικότητα. Τέτοιοι είναι οι πίνακες «Άγκυρα, πιο άγκυρα» (1851-1852), «Η χήρα» (1852) και πολλοί άλλοι.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, το είδος νεκρής φύσης ουσιαστικά έπαψε να ενδιαφέρει τους καλλιτέχνες, αν και πολλοί ζωγράφοι του είδους συμπεριέλαβαν πρόθυμα στοιχεία νεκρής φύσης στις συνθέσεις τους. Τα πράγματα στους πίνακες του V.G. Perov ("Tea drinking in Mytishchi", 1862, Tretyakov Gallery, Μόσχα), L.I. Solomatkin ("Slavilshchiki-gorodovye", 1846, Πολιτεία ιστορικό Μουσείο, Μόσχα).

Οι νεκρές φύσεις παρουσιάζονται σε σκηνές είδους από τον A.L. Yushanova ("Seeing off the Chief", 1864), M.K. Klodt («The Sick Musician», 1855), V.I. Jacobi (“Pedlar”, 1858), A.I. Korzukhin («Πριν εξομολόγηση», 1877· «Στο ξενοδοχείο του μοναστηριού», 1882), Κ.Ε. Μακόφσκι («Alekseich», 1882). Όλοι αυτοί οι καμβάδες φυλάσσονται τώρα στη συλλογή της Πινακοθήκης Τρετιακόφ.

Κ.Ε. Μακόφσκι. «Alekseich», 1882, Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα

Στις δεκαετίες 1870-1880, η καθημερινή ζωή παρέμεινε το κορυφαίο είδος στη ρωσική ζωγραφική, αν και το τοπίο και το πορτρέτο κατείχαν επίσης σημαντική θέση. τεράστιο ρόλοΓια περαιτέρω ανάπτυξηΗ ρωσική τέχνη έπαιζε οι Περιπλανώμενοι, οι οποίοι προσπαθούσαν να δείξουν την αλήθεια της ζωής στα έργα τους. Οι καλλιτέχνες άρχισαν να δίνουν μεγάλης σημασίαςδουλεύοντας από τη φύση και ως εκ τούτου στρέφονταν όλο και περισσότερο στο τοπίο και τη νεκρή φύση, αν και πολλοί από αυτούς θεωρούσαν ότι το τελευταίο ήταν χάσιμο χρόνου, ένα παράλογο πάθος για τη μορφή, χωρίς εσωτερικό περιεχόμενο. Έτσι λοιπόν ο Ι.Ν. Ο Kramskoy ανέφερε τον διάσημο Γάλλο ζωγράφο, ο οποίος δεν παραμέλησε τις νεκρές φύσεις, σε επιστολή του προς τον V.M. Vasnetsov: "Ένας ταλαντούχος άνθρωπος δεν θα χάσει χρόνο στην εικόνα, για παράδειγμα, λεκάνες, ψάρια κ.λπ. Είναι καλό να το κάνουμε αυτό για ανθρώπους που έχουν ήδη τα πάντα, αλλά έχουμε πολλή δουλειά να κάνουμε."

Παρ 'όλα αυτά, πολλοί Ρώσοι καλλιτέχνες που δεν ζωγράφισαν νεκρές φύσεις τους θαύμασαν, κοιτάζοντας τους καμβάδες δυτικών δασκάλων. Για παράδειγμα, ο V.D. Ο Πολένοφ, που βρισκόταν στη Γαλλία, έγραψε στον Ι.Ν. Kramskoy: «Κοίτα πώς πάνε τα πράγματα εδώ, όπως το ρολόι, ο καθένας λειτουργεί με τον δικό του τρόπο, προς διάφορες κατευθύνσεις, αυτό που αρέσει σε οποιονδήποτε, και όλα αυτά εκτιμώνται και πληρώνονται. Σε εμάς, αυτό που έχει μεγαλύτερη σημασία είναι τι γίνεται, αλλά εδώ είναι πώς γίνεται. Για παράδειγμα, για μια χάλκινη λεκάνη με δύο ψάρια πληρώνουν είκοσι χιλιάδες φράγκα, και επιπλέον θεωρούν αυτόν τον τεχνίτη του χαλκού τον πρώτο ζωγράφο και, ίσως, όχι χωρίς λόγο.

Επισκέφτηκε το 1883 σε μια έκθεση στο Παρίσι V.I. Ο Σουρίκοφ θαύμαζε τοπία, νεκρές φύσεις και πίνακες που απεικονίζουν λουλούδια. Έγραψε: «Τα ψάρια του Gibert είναι καλά. Η γλίτσα ψαριού μεταφέρεται αριστοτεχνικά, πολύχρωμα, ζυμωμένο τόνο σε τόνο». Υπάρχει στην επιστολή του προς τον Π.Μ. Tretyakov και τέτοια λόγια: «Και τα ψάρια του Gilbert είναι ένα θαύμα. Λοιπόν, μπορείς να το πάρεις εντελώς στα χέρια σου, είναι γραμμένο με δόλο».

Τόσο ο Polenov όσο και ο Surikov θα μπορούσαν να γίνουν εξαιρετικοί δάσκαλοι της νεκρής φύσης, όπως αποδεικνύεται από τα αριστοτεχνικά ζωγραφισμένα αντικείμενα στις συνθέσεις τους («Sick» της Polenova, «Menshikov in Berezov» του Surikov).

V.D. Πολένοφ. "Sick", 1886, Tretyakov Gallery

Οι περισσότερες από τις νεκρές φύσεις που δημιουργήθηκαν από διάσημους Ρώσους καλλιτέχνες στις δεκαετίες του 1870 και του 1880 είναι έργα σκιαγραφικού χαρακτήρα, που δείχνουν την επιθυμία των συγγραφέων να μεταδώσουν τα χαρακτηριστικά των πραγμάτων. Ορισμένα από αυτά τα έργα απεικονίζουν ασυνήθιστα, σπάνια αντικείμενα (για παράδειγμα, μια μελέτη με νεκρή φύση για τον πίνακα του I.E. Repin "Οι Κοζάκοι γράφουν ένα γράμμα στον Τούρκο Σουλτάνο", 1891). Αυτοεκτίμησητέτοια έργα δεν υπήρχαν.

Νεκρές φύσεις του A.D. Litovchenko, που έγιναν ως προπαρασκευαστικά σκίτσα για τον μεγάλο καμβά «Ivan the Terrible Shows His Treasures to Ambassador Horsey» (1875, Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη). Ο καλλιτέχνης έδειξε πολυτελή υφάσματα μπροκάρ, ένθετα όπλα πολύτιμοι λίθοι, χρυσά και ασημένια αντικείμενα αποθηκευμένα στα βασιλικά θησαυροφυλάκια.

Πιο σπάνιες εκείνη την εποχή ήταν οι νεκρές φύσεις etude, που αντιπροσώπευαν τα συνηθισμένα είδη οικιακής χρήσης. Τέτοια έργα δημιουργήθηκαν με στόχο τη μελέτη της δομής των πραγμάτων, και ήταν επίσης αποτέλεσμα άσκησης στην τεχνική της ζωγραφικής.

Η νεκρή φύση έπαιξε σημαντικό ρόλο όχι μόνο στη ζωγραφική του είδους, αλλά και στην προσωπογραφία. Για παράδειγμα, στην εικόνα ο Ι.Ν. Kramskoy "Nekrasov in the period of the Last Songs" (1877-1878, Tretyakov Gallery, Μόσχα), αντικείμενα χρησιμεύουν ως αξεσουάρ. Σ.Ν. Ο Goldstein, ο οποίος μελέτησε το έργο του Kramskoy, γράφει: «Αναζητώντας τη συνολική σύνθεση του έργου, προσπαθεί να διασφαλίσει ότι το εσωτερικό που αναδημιουργεί, παρά τον δικό του καθημερινό χαρακτήρα, συμβάλλει πρωτίστως στην επίγνωση της πνευματικής εικόνας του ποιητή. αμείωτη σημασία της ποίησής του. Και πράγματι, τα επιμέρους αξεσουάρ αυτού του εσωτερικού - οι τόμοι του Sovremennik, στοιβαγμένοι τυχαία σε ένα τραπέζι δίπλα στο κρεβάτι του ασθενούς, ένα φύλλο χαρτιού και ένα μολύβι στα εξασθενημένα χέρια του, μια προτομή του Μπελίνσκι, ένα πορτρέτο του Ντομπρολιούμποφ κρεμασμένο στον τοίχο - απέκτησε σε αυτό το έργο ένα νόημα σε καμία περίπτωση εξωτερικά σημάδιακαταστάσεις, αλλά λείψανα στενά συνδεδεμένα με την εικόνα ενός ατόμου.

Ανάμεσα στις λίγες νεκρές φύσεις των Wanderers, την κύρια θέση καταλαμβάνουν οι «μπουκέτα». Ένα ενδιαφέρον «Μπουκέτο» του V.D. Polenov (1880, Abramtsevo Estate Museum), με τον τρόπο εκτέλεσης που θυμίζει λίγο τις νεκρές φύσεις του I.E. Repin. Ανεπιτήδευτος στο κίνητρό του (μικρά αγριολούλουδα σε ένα απλό γυάλινο βάζο), ωστόσο απολαμβάνει την ελεύθερη ζωγραφική του. Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1880, παρόμοιες ανθοδέσμες εμφανίστηκαν στους πίνακες του I.I. Λεβιτάν.

Με διαφορετικό τρόπο επιδεικνύει τα λουλούδια στον θεατή ο Ι.Ν. Kramskoy. Πολλοί ερευνητές πιστεύουν ότι δύο πίνακες είναι «Bouquet of Flowers. Phloxes» (1884, Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα) και «Roses» (1884, συλλογή της R.K. Viktorova, Μόσχα) δημιουργήθηκαν από τον πλοίαρχο ενώ εργαζόταν στον καμβά «Inconsolable Sorrow».

Ο Kramskoy παρουσίασε δύο "μπουκέτα" στην XII Traveling Exhibition. Θεαματικές, φωτεινές συνθέσεις που απεικονίζουν λουλούδια κήπου σε σκούρο φόντο βρήκαν αγοραστές ακόμη και πριν από τα εγκαίνια της έκθεσης. Οι ιδιοκτήτες αυτών των έργων ήταν ο Baron G.O. Gunzburg και η αυτοκράτειρα.

Στην ΙΧ Περιοδευτική Έκθεση του 1881-1882, την προσοχή του κοινού τράβηξε ο πίνακας της Κ.Ε. Makovsky, που ονομάζεται στον κατάλογο "Nature morte" (τώρα βρίσκεται στην Πινακοθήκη Tretyakov με το όνομα "Στο στούντιο του καλλιτέχνη"). Ο μεγάλος καμβάς απεικονίζει έναν τεράστιο σκύλο ξαπλωμένο σε ένα χαλί και ένα παιδί που απλώνει το χέρι του από μια πολυθρόνα μέχρι τα φρούτα στο τραπέζι. Αλλά αυτές οι φιγούρες είναι απλώς οι λεπτομέρειες που χρειάζεται ο συγγραφέας για να αναβιώσει τη νεκρή φύση - πολλά πολυτελή πράγματα στο στούντιο του καλλιτέχνη. Γραμμένο στις παραδόσεις της φλαμανδικής τέχνης, ο πίνακας του Μακόφσκι εξακολουθεί να αγγίζει την ψυχή του θεατή. Ο καλλιτέχνης, παρασυρμένος από τη μεταφορά της ομορφιάς των ακριβών πραγμάτων, δεν κατάφερε να δείξει την ατομικότητά του και δημιούργησε ένα έργο, ο κύριος στόχοςπου είναι μια επίδειξη πλούτου και πολυτέλειας.

Όλα τα αντικείμενα της εικόνας φαίνεται να είναι μαζεμένα για να καταπλήξουν τον θεατή με το μεγαλείο τους. Στο τραπέζι υπάρχει μια παραδοσιακή νεκρή φύση σετ φρούτων - μεγάλα μήλα, αχλάδια και σταφύλια σε ένα μεγάλο όμορφο πιάτο. Υπάρχει επίσης μια μεγάλη ασημένια κούπα, διακοσμημένη με στολίδια. Σε κοντινή απόσταση βρίσκεται ένα άσπρο-μπλε σκάφος από φαγεντιανή, δίπλα στο οποίο βρίσκεται ένα πλούσια διακοσμημένο αρχαίο όπλο. Το ότι πρόκειται για εργαστήριο καλλιτέχνη θυμίζει πινέλα τοποθετημένα σε μια φαρδιά κανάτα στο πάτωμα. Η επίχρυση πολυθρόνα έχει ένα σπαθί σε ένα πολυτελές θηκάρι. Το δάπεδο καλύπτεται με μοκέτα με φωτεινό στολίδι. Τα ακριβά υφάσματα χρησιμεύουν επίσης ως διακόσμηση - μπροκάρ διακοσμημένο με χοντρή γούνα και βελούδο από το οποίο είναι ραμμένη η κουρτίνα. Το χρώμα του καμβά διατηρείται σε κορεσμένες αποχρώσεις με κυριαρχία του κόκκινου, του μπλε, του χρυσού.

Από όλα τα παραπάνω, είναι σαφές ότι στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, η νεκρή φύση δεν έπαιζε σημαντικό ρόλο στη ρωσική ζωγραφική. Διανεμήθηκε μόνο ως μελέτη για ζωγραφική ή εκπαιδευτική μελέτη. Πολλοί καλλιτέχνες που ζωγράφισαν νεκρές φύσεις μέσα τους ακαδημαϊκό πρόγραμμα, σε ανεξάρτητη δουλειά, δεν επέστρεψαν πια σε αυτό το είδος. Οι νεκρές φύσεις ζωγραφίστηκαν κυρίως από μη επαγγελματίες που δημιούργησαν ακουαρέλες με λουλούδια, μούρα, φρούτα, μανιτάρια. Οι μεγάλοι δάσκαλοι δεν θεώρησαν τη νεκρή φύση άξια προσοχής και χρησιμοποίησαν αντικείμενα μόνο για να δείξουν πειστικά το σκηνικό και να διακοσμήσουν την εικόνα.

Οι πρώτες απαρχές μιας νέας νεκρής φύσης βρίσκονται στους πίνακες των καλλιτεχνών που εργάστηκαν στο γύρισμα του 19ου-20ου αιώνα: I.I. Λεβιτάν, Ι.Ε. Grabar, V.E. Μπορίσοφ-Μουσάτοφ, Μ.Φ. Larionova, K.A. Κοροβίν. Ήταν εκείνη την εποχή που η νεκρή φύση εμφανίστηκε στη ρωσική τέχνη ως ανεξάρτητο είδος.

Αλλά ήταν μια πολύ περίεργη νεκρή φύση, κατανοητή από καλλιτέχνες που δούλευαν με ιμπρεσιονιστικό τρόπο, όχι ως μια συνηθισμένη κλειστή θεματική σύνθεση. Οι δάσκαλοι απεικόνιζαν τις λεπτομέρειες μιας νεκρής φύσης σε ένα τοπίο ή εσωτερικό, και δεν ήταν τόσο σημαντικό για αυτούς η ζωή των πραγμάτων, αλλά ο ίδιος ο χώρος, μια ομίχλη φωτός που διαλύει τα περιγράμματα των αντικειμένων. Μεγάλο ενδιαφέρον παρουσιάζουν και οι γραφικές νεκρές φύσεις του M.A. Vrubel, που διακρίνονται για τη μοναδική τους πρωτοτυπία.

Στις αρχές του 20ου αιώνα, καλλιτέχνες όπως ο A.Ya. Golovin, S.Yu. Sudeikin, A.F. Gaush, Β.Ι. Anisfeld, I.S. Μαθητής. Μια νέα λέξη σε αυτό το είδος είπε και ο Ν.Ν. Σαπούνοφ, που δημιούργησε ολόκληρη γραμμήπίνακες ζωγραφικής με μπουκέτα λουλούδια.

Στη δεκαετία του 1900, πολλοί καλλιτέχνες διαφόρων κατευθύνσεων στράφηκαν στη νεκρή φύση. Ανάμεσά τους ήταν τα λεγόμενα. Σεζαννιστές της Μόσχας, συμβολιστές (P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin) κ.λπ. σημαντικό μέροςθεματικές συνθέσεις που απασχολούνται στο έργο τέτοιων διάσημων δασκάλων όπως ο M.F. Larionov, N.S. Goncharova, A.V. Lentulov, R.R. Falk, P.P. Konchalovsky, A.V. Shevchenko, D.P. Shterenberg, ο οποίος έκανε τη νεκρή φύση ολοκληρωμένη μεταξύ άλλων ειδών στη ρωσική ζωγραφική του 20ού αιώνα.

Ένας κατάλογος Ρώσων καλλιτεχνών που χρησιμοποίησαν στοιχεία νεκρής φύσης στο έργο τους θα καταλάμβανε πολύ χώρο. Επομένως, περιοριζόμαστε στο υλικό που παρουσιάζεται εδώ. Οι ενδιαφερόμενοι μπορούν να μάθουν περισσότερα για τους συνδέσμους που παρέχονται στο πρώτο μέρος αυτής της σειράς αναρτήσεων σχετικά με το είδος της νεκρής φύσης.

Προηγούμενες δημοσιεύσεις: Μέρος 1 -
Μέρος 2ο -
Μέρος 3 -
Μέρος 4 -
Μέρος 5 -

Σχετικά με μερικούς εμβληματικούς καλλιτέχνες που δημιούργησαν πίνακες νεκρής φύσης.

Εισαγωγή

Ο όρος «νεκρή φύση» χρησιμοποιείται για να ορίσει πίνακες που απεικονίζουν άψυχα αντικείμενα (από το λατινικό «νεκρή φύση»). Επιπλέον, τα αντικείμενα μπορούν να είναι φυσικής προέλευσης(φρούτα, λουλούδια, νεκρά ζώα και έντομα, κρανία κ.λπ.), και τεχνητές (διάφορα σκεύη, ρολόγια, βιβλία και ειλητάρια από χαρτί, Κοσμήματακαι ούτω καθεξής). Συχνά, μια νεκρή φύση περιλαμβάνει κάποιο κρυφό υποκείμενο, που μεταφέρεται μέσω μιας συμβολικής εικόνας. Τα έργα αλληγορικού χαρακτήρα ανήκουν στο υποείδος «vanitas».

Η νεκρή φύση ως είδος αναπτύχθηκε περισσότερο στην Ολλανδία τον 17ο αιώνα ως τρόπος διαμαρτυρίας ενάντια στην καθιερωμένη εκκλησία και την επιβολή της θρησκευτικής τέχνης. ΣΤΟ περαιτέρω ιστορίαπίνακες των Ολλανδών εκείνης της εποχής (Ουτρέχη, Λέιντεν, Ντελφτ και άλλοι) τεράστιο αντίκτυπογια την ανάπτυξη της τέχνης: σύνθεση, προοπτική, χρήση του συμβολισμού ως στοιχείου της αφήγησης. Παρά τη σημασία και το ενδιαφέρον της από το κοινό, σύμφωνα με τις ακαδημίες τεχνών, η νεκρή φύση κατείχε την τελευταία θέση στη γενική ιεραρχία των ειδών.

Rachel Ruysch

Ο Ruysch είναι ένας από τους πιο διάσημους Ολλανδούς ρεαλιστές και ζωγράφους νεκρής φύσης. Οι συνθέσεις αυτού του καλλιτέχνη περιέχουν πολλούς συμβολισμούς, διάφορα ηθικά και θρησκευτικά μηνύματα. Το χαρακτηριστικό στυλ της είναι ένας συνδυασμός σκούρου φόντου, σχολαστικής προσοχής στη λεπτομέρεια, λεπτού χρωματισμού και εικόνας πρόσθετων στοιχείων που προσθέτουν ενδιαφέρον (έντομα, πουλιά, ερπετά, κρυστάλλινα βάζα).

Harmen van Stenwijk

Το έργο αυτού του Ολλανδού ρεαλιστή δείχνει τέλεια τις νεκρές φύσεις σε στυλ vanitas, απεικονίζοντας τη φασαρία και τη φασαρία της επίγειας ζωής. Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες είναι η «Αλληγορία της ματαιοδοξίας της ανθρώπινης ζωής», που δείχνει ένα ανθρώπινο κρανίο στις ακτίνες ηλιακό φως. Διάφορα είδηοι συνθέσεις αναφέρονται στις ιδέες του αναπόφευκτου του σωματικού θανάτου. Η λεπτομέρεια και το επίπεδο ρεαλισμού στους πίνακες του Stenwijk επιτυγχάνονται με τη χρήση λεπτών πινέλων και τεχνικών εφαρμογής βαφής.

Πωλ Σεζάν

Γνωστός για τα τοπία, τα πορτρέτα και τα έργα του, ο Σεζάν συνέβαλε επίσης στην ανάπτυξη της νεκρής φύσης. Αφού έσβησε το ενδιαφέρον για τον ιμπρεσιονισμό, ο καλλιτέχνης άρχισε να εξερευνά τα φρούτα και φυσικά αντικείμενα, πειραματιστείτε με τρισδιάστατες φιγούρες. Αυτές οι μελέτες βοήθησαν στη δημιουργία προοπτικής και διάστασης σε πίνακες νεκρής φύσης, όχι μόνο μέσω κλασικών τεχνικών, αλλά και μέσω της αριστοτεχνικής χρήσης του χρώματος. Όλες οι κατευθύνσεις που εξέτασε ο Σεζάν μελετήθηκαν περαιτέρω από τον Ζωρζ Μπρακ και τον Πικάσο στην ανάπτυξη του αναλυτικού κυβισμού. Επιδιώκοντας τον στόχο να δημιουργήσει κάτι «μόνιμο», ο καλλιτέχνης προτίμησε να ζωγραφίσει τα ίδια αντικείμενα και η απίστευτα μακρά διαδικασία δημιουργίας μιας νεκρής φύσης οδήγησε στο γεγονός ότι τα φρούτα και τα λαχανικά άρχισαν να σαπίζουν και να αποσυντίθενται πολύ πριν ολοκληρωθεί ο πίνακας .

Khem

Μαθητής του David Bailly, ο Ολλανδός ρεαλιστής Hem είναι γνωστός για τις υπέροχες νεκρές φύσεις του με πολλές λεπτομέρειες, γεμάτες συνθέσεις, πληθώρα εντόμων και άλλα διακοσμητικά και συμβολικά στοιχεία. Συχνά ο καλλιτέχνης χρησιμοποιούσε θρησκευτικά μοτίβα στα έργα του, όπως ο Jan Brueghel και ο Federico Borromeo.

Ζαν Μπατίστ Σαρντέν

Ο γιος του ξυλουργού Ζαν Σαρντέν απέκτησε την εργατικότητα και τη λαχτάρα του για τάξη ακριβώς χάρη στον πατέρα του. Οι πίνακες του πλοιάρχου είναι συχνά ήρεμοι και νηφάλιοι, γιατί προσπάθησε για την αρμονία του τόνου, του χρώματος και της μορφής, που επιτεύχθηκε σε μεγάλο βαθμό μέσω της εργασίας με τον φωτισμό και τις αντιθέσεις. Η επιθυμία για αγνότητα και τάξη εκφράζεται και με την απουσία αλληγοριών στις συνθέσεις.

Φρανς Σνάιντερς

Ο συγγραφέας μπαρόκ νεκρών φύσεων και σκηνών ζώων ήταν ένας απίστευτα παραγωγικός δεξιοτέχνης και η ικανότητά του να απεικονίζει την υφή του δέρματος, της γούνας, του γυαλιού, του μετάλλου και άλλων υλικών ήταν αξεπέραστη. Ο Snyders ήταν επίσης ένας εξέχων ζωγράφος ζώων, που συχνά απεικόνιζε νεκρά ζώα στις νεκρές φύσεις του. Αργότερα, γίνεται ο επίσημος ζωγράφος του Αρχιδούκα Αλβέρτου της Αυστρίας, που είχε ως αποτέλεσμα τη δημιουργία ενός άλλου περισσότεροαριστουργήματα.

Francisco de Zurbaran

Ζουρμπαράν - διάσημος συγγραφέαςπίνακες με θρησκευτικό θέμα - είναι ένας από τους μεγαλύτερους δημιουργούς νεκρών φύσεων. Ζωγραφισμένο στην αυστηρή ισπανική παράδοση, το έργο του έχει διαχρονική ποιότητα και άψογη απλότητα. Κατά κανόνα, αντιπροσωπεύουν έναν μικρό αριθμό αντικειμένων σε σκούρο φόντο.

Κόνορ Γουόλτον

Από σύγχρονους συγγραφείςΑξιοσημείωτος ο Conor Walton. Η συμβολή του Ιρλανδού καλλιτέχνη στην ανάπτυξη της νεκρής φύσης φαίνεται ξεκάθαρα στα έργα «Hidden: Oranges and Lemons» (2008), «Still Life with Large Orchids» (2004). Το έργο του τεχνίτη είναι ακριβές και εκτελεσμένο με εξαιρετική χρήση φωτός για να βοηθήσει στη μεταφορά των υφών διαφόρων επιφανειών.

Οι καλύτερες νεκρές φύσειςενημερώθηκε: 4 Ιουνίου 2017 από: Gleb