Художники натюрморти з квітами. Найкращі натюрморти

І. Машков "Натюрморт" (1930)

Слово «натюрморт» з французької мовиперекладається як "мертва природа" (фр. природа morte).

Про натюрморт

Все, що вже не живе, не дихає, що зірвано, зрізано, але продовжує тішити людину своїм існуванням – все це предмет натюрморту.

Як самостійний жанр живопису натюрморт починає існувати XVII в. у творчості голландських та фламандських художників. А раніше він був лише прикрасою та виконував утилітарну функцію.

Ранні натюрморти часто містили приховану алегорію (іносказання), яка виражалася через звичайні предмети, наділені символічним значенням. Іноді в натюрмортах зображували череп, який мав нагадувати про швидкоплинність життя та неминучість смерті.

Алегоричний натюрморт називався Ванітас (Лат. vanitas, Бук.: «Суєта, марнославство»). Його композиційним центром зазвичай є людський череп.

Бартоломеус Брейн Старший (I пол. XVI ст.). Ванітас

«Суєта суєт, - сказав Еклезіаст, - суєта суєт, - все суєта!».

Віллем Клас Хеда. Ванітас

Череп символізує тлінність людського життя. Курильна трубка – символ швидкоплинних та невловимих земних насолод. Скло символізує крихкість життя. Ключі - влада домашньої господині, яка управляє запасами. Ніж нагадує про вразливість людини та її смертність. Аркуш паперу зазвичай з повчальним (часто песимістичним) висловом. Наприклад:

Hodie mihi cras tibi сьогодні мені, завтра тобі;

Memento mori - Пам'ятай про смерть;

Aeterne pungit cito volat et occidit – слава про геройські вчинки розвіється так само, як і сон;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum – все руйнується смертю, смерть – останній кордонвсіх речей;

Nil omne – все це нічого.

Але найчастіше все-таки в натюрмортах відчувається милування митця предметами: кухонним начинням, квітами, фруктами, предметами побуту – такі картини замовники купували для прикраси інтер'єрів своїх будинків.

Із середини XVII ст. натюрморт у нідерландському живописі отримав широке розповсюдженнявже як самостійний жанр. І одним із найперших виділився квітковий натюрморт, особливо у творах Амброзіуса Босхарта Старшого та Бальтасара ван дер Аста, а далі продовжував свій розвиток у розкішних натюрмортах Яна Давідса де Хема у другій половині XVII ст. Популярний квітковий натюрморт у художників нашого часу.

Тематика натюрмортів велика: це вже згадані квіткові натюрморти, зображення сніданків, сервірованих столів, вчених натюрмортів, на яких зображалися книги та інші предмети людської діяльності, музичні інструментита ін.

Розглянемо деякі найвідоміші натюрморти.

Віллем Клас Хеда (1594-1682) «Натюрморт з шинкою та срібним посудом» (1649)

Віллем Клас Хеда «Натюрморт з шинкою та срібним посудом» (1649)

У цій картині помітна віртуозна майстерність художника у передачі звичайних повсякденних предметів побуту. Хеда так зображує їх, очевидно, що він сам милується ними: створюється відчуття відчутності кожного з предметів.

На невеликому столі, вкритому багатою важкою скатертиною, ми бачимо лимон і милуємося його янтарною м'якістю, відчуваємо аромат свіжої шинки і чуємо брязкіт срібла. Сніданок закінчено, тому предмети на столі – у природному безладді.

Срібний посуд означає земне багатство, шинка – чуттєві радості, лимон – зовнішню красу, всередині якої ховається гіркота. Картина укладає міркування про те, що слід подбати не лише про тіло, а й про душу.

Натюрморт витриманий у єдиному коричнево-сірому тоні, характерному для всієї голландської живопису на той час. Полотно не тільки красиве, воно ще й розповідає про приховане «тихе життя» предметів, побачене уважним поглядом художника.

Натюрморт знаходиться у Державному музеї образотворчих мистецтвім. А. С. Пушкіна у Москві.

Поль Сезанн (1830-1906) «Персики та груші» (1895)

Поль Сезанн "Персики та груші" (1895)

Поль Сезанн був найбільшим французьким художником кінця XIXв. Зазнавши впливу імпресіонізму, Сезанн протиставив їм свій метод. Він виступив проти їхнього прагнення слідувати у мистецтві лише своєму зоровому враженню – він був за об'єктивну передачу дійсності, засновану на закономірності у природі. Він хотів бачити не мінливі, а постійні її якості. Сезанн говорив: "Я хочу повернути природі вічність". Художник вів свої творчі пошуки через синтез форми та кольору, форми та простору. Особливо цей пошук простежується у його натюрмортах.

Кожен із предметів у цьому натюрморті зображений з різної точки зору. Ми бачимо стіл зверху, скатертину та фрукти – збоку, столик – знизу, а глечик – одночасно з різних точокзору. Сезанн прагне максимально повно показати форму та обсяг, властиві персикам та грушам. Його прийом заснований на оптичному законі: теплі кольори (червоний, рожевий, жовтий, золотистий) здаються нам виступаючими, а холодні (синій, блакитний, зелений) - відступають у глиб полотна.

Форма предметів у натюрмортах Сезанна залежить від випадкового освітлення, а стає постійної, властивої кожному предмету. Тому натюрморти Сезанна здаються монументальними.

Картина знаходиться у Державному музеї образотворчих мистецтв ім. А. С. Пушкіна у Москві.

Анрі Матісс (1869-1954) «Блакитна скатертина» (1909)

Анрі Матісс «Блакитна скатертина» (1909)

Знаменитий французький художник Анрі Матісс у зарубіжному мистецтві XX ст. займає одне із провідних місць. Але місце це особливе.

На самому початку XX ст. Матісс став головою першої нової групи в європейському живописі, яку назвали фовізм(Від французького «дикий»). Особливістю цього напряму була свобода використання будь-якого кольору, довільно обраного художником, прагнення декоративної барвистості. У цьому відчувався виклик усталеним нормам офіційного мистецтва.

Але через деякий час ця група розпалася, і Матіс більше вже не примикав до жодного напрямку, але обрав свій шлях. Своїм ясним, життєрадісним мистецтвом Матіс прагнув дати спокій змученим душам людей емоційної атмосфері XX в.

У натюрморті «Блакитна скатертина» Матіс використовує свій улюблений композиційний прийом: тканину, що спускається зверху. Матерія на передньому плані ніби замикає простір полотна, робить його неглибоким. Глядач милується вибагливою грою синього орнаменту на бірюзовому тлі скатертини, лініями предметів натюрморту. Форми золотистого кавника, зеленого графину та рум'яних яблук у вазі художник узагальнив, вони втратили свою об'ємність, а маленькі предмети підкорилися ритму тканини, вони доповнюють яскравий акцент картини.

Натюрморт у російському живописі

Натюрморт як самостійний жанр живопису виник Росії на початку XVIII в., але спочатку він розглядався як «нижчий» жанр. Найчастіше він використовувався як навчальна постановкаі допускався лише обмеженому розумінні як живопис квітів і фруктів.

Але на початку ХХ ст. Натюрморт у російському живописі отримав розквіт і вперше став рівноправним жанром. Художники шукали нові можливості у сфері кольору, форми, композиції натюрморту. Серед російських натюрмористів можна назвати І.Ф. Хруцького, І.Е. Грабаря, П.П. Кончаловського, І. Левітана, О. Осмьоркіна, К. Петрова-Водкіна, М. Сар'яна, В. Нестеренка та ін.

Самим відомим натюрмортомП. Кончаловського є його Бузок.

П. Кончаловський Бузок (1939)

П. Кончаловський Бузок (1939)

П. Кончаловський у живопису був послідовником Сезанна, він прагнув висловити святковість кольору, властиву російській народної творчості, за допомогою конструктивності кольору Поля Сезанна Популярність художник отримав саме завдяки своїм натюрмортам, часто виконаним у стилі, близькому кубізму та фовізму.

Його натюрморт «Блакитка» сповнена цим святковим кольором, що тішить око та уяву. Здається, що весняний аромат бузку доноситься з полотна.

Грона бузку зображені узагальнено, але внутрішня пам'ять підказує нам обриси кожної квіточки в гронку і тому живопис Кончаловського видається реалістичним.

Не менш щедрим у зображенні матеріальності світу, барвистості палітри був і сучасник Кончаловського – І. Машков.

І. Машков «Ягоди і натомість червоного підносу» (1910)

У цьому натюрморті також буйство фарб, вміння радіти кожній миті, яка дарує життя, бо кожна мить – чудова.

Всі предмети натюрморту знайомі нам, але відчувається, що митець милується щедрістю природи, багатством навколишнього світу та запрошує нас розділити з ним цю радість.

В. Нестеренко «Батько Вітчизни» (1997)

Це натюрморт сучасного художника В. Нестеренка. Тема картини виражена її назві, а зміст розкривається у зображенні предметів натюрморту – символів імператорської влади Петра I . Портрет імператора розташований на тлі батальної сцени, яких було багато в житті. Немає сенсу переказувати всі ті справи, які Петра I називають батьком Вітчизни. Можна чути різні думки про діяльність першого російського імператора, але в даному випадкухудожник висловлює свою думку, і ця думка висловлена ​​їм дуже переконливо.

Натюрморт знаходиться у Кремлі, у приймальні Президента РФ.

Ставлення до натюрморту у різні епохи змінювалося, іноді про нього практично забували, інколи ж він був найпопулярнішим жанром живопису. Як самостійний жанр живопису він з'явився у творчості голландських художників у 17 столітті. У Росії її довгий час до натюрморту ставилися як до нижчого жанру, і лише на початку 20 століття став повноцінним жанром. За чотиристолітню історію митцями було створено дуже велика кількістьнатюрмортів, а й серед цієї кількості можна назвати найвідоміші і значні роботи для жанру.

"Натюрморт з шинкою і срібним посудом" (1649) Віллем Клас Хеда (1594-1682).

Голландський художник був визнаним майстром натюрморту, але саме ця картина вирізняється у його творчості. Тут помітна віртуозна майстерність Хеди у передачі повсякденних предметів побуту – створюється відчуття реальності кожного з них. На столі, вкритому багатою скатертиною, стоїть бурштиновий лимон, шматок свіжої шинки та столове срібло. Завтра щойно закінчено, тому на столі помітне невелике безладдя, що робить картину ще реальнішою. Як і більшість голландських натюрмортів цього періоду, тут кожен предмет несе якесь смислове навантаження. Так, срібний посуд говорить про земне багатство, шинка позначає чуттєві радості, а лимон - зовнішню красу, що приховує внутрішню гіркоту. Через ці символи художник нагадує нам, що слід думати більше про душу, а не лише про тіло. Картина виконана в єдиній коричнево-сірій гамі, характерній для всього голландського живопису цієї епохи. Крім очевидної декоративності, цей натюрморт також розповідає про непомітне «тихе життя» предметів, яке помітив уважний погляд художника.

"Персики та груші" (1895) Поль Сезанн (1830-1906).

Жанр натюрморту завжди був дуже консервативним. Тому практично до початку 20-го століття він виглядав так само, як і в 17-му столітті. Поки за нього не взявся Поль Сезанн. Він вважав, що живопис повинен об'єктивно передавати дійсність, а картини мають бути засновані на закономірності природи. Сезанн прагнув передати не мінливі, а постійні якості предмета, через синтез форми та кольору, поєднання форми та простору. І жанр натюрморту став чудовим об'єктом для цих експериментів. Кожен із предметів на натюрморті «Персики та груші» зображений з різних кутів зору. Так стіл ми бачимо зверху, фрукти і скатертина - збоку, маленький столик - знизу, а глечик взагалі одночасно з різних сторін. Сезанн намагається максимально точно передати форму та обсяг персиків та груш. І тому він використовує оптичні закони, так теплі відтінки (червоний, рожевий, жовтий, золотистий) сприймаються нами виступаючими, а холодні (блакитний, синій, зелений) - відступають углиб. Тому форма предметів з його натюрмортах залежить від висвітлення, а робиться постійної. Саме тому Сезанна виглядають монументальними.

«Блакитна скатертина» (1909) Анрі Матісс (1869-1954).

Ну, що ще картиночки подивимося?
Несподівані натюрморти – це тому, що ми очікуємо зазвичай зовсім інших сюжетів від їхніх авторів. Традиційно ці художники працювали в зовсім інших жанрах, віддаючи перевагу краєвиду, портрету або жанровому живопису. Лише зрідка їм щось спадало на думку і вони вигукували: "А рисану я цю вазу з туберозою!". Щоправда, це траплялося вкрай рідко. Так рідко, що мені довелося півдня ритися в джерелах, щоб знайти їхні натюрморти.

ПОЧНЕМО З НАШИХ:

Марк Шагал "Білі квіти на червоному тлі". 1970. У Марка всього пара-трійка натюрмортів, написаних уже зрілому віці, і то він, звиклий до зображення людсько-тваринних фантасмагорій, в жодному з них не втримався - хоч шматочок людської фізіономії, хоч десь з краю, та вставить.

Я ось, наприклад, дуже люблю натюрморти, а більшість митців – ні. Якось не солідно це маститому творцю, всі студенти вивчають ази малювання з постановочних натюрмортів.

Особливо непопулярним був натюрморт у другій половині 19 століття, найбільше - у імпресіоністів, ще його недолюблювали наші передвижники. У деяких із них я не знайшла жодного натюрморту. Немає таких робіт і, наприклад, у Нестерова, Куїнджі, Айвазовського, Перова, Григорія М'ясоїдова (хто знайде, підкажіть, додам).

Віктор Васнєцов "Букет". Казковий чи билинний сюжет – будь ласка, Київський Володимирський собор розписати легко, а от із натюрмортами у художника не густо. Однак вони є!

Звичайно, і серед імпресіоністів є винятки – дуже любив натюрморти Сезанн, хоч він і не вважав себе імпресіоністом. "Відірвалися" на натюрмортах постімпресіоністи - Ван-Гог і Матісс (перерахованих я не буду тут висвітлювати - ми полюють за рідкісними роботами "нелюбителів" натюрморту). Але, в основному, представники цих напрямків цю квітково-фруктову справу недолюблювали – буржуазно та патріархально, без улюбленого пленеру – нудьга! Навіть Берта Морізо - єдине дівчисько серед імпресіоністів, і те не любило цей трохи "дівчачий" жанр.

Ілля Рєпін "Яблука та листя", 1879 . Натюрморт – не типово для Рєпіна. Навіть тут композиція не схожа на класичну постановку – все це може валятися десь на землі під деревом, жодних келихів та драпірувань.

Не завжди натюрморт переживав погані часи. Він почав з'являтися у 16 ​​столітті, поки що як частина жанрових живописних полотен, а в 17 столітті, завдяки голландцям, переріс у самостійний жанр живопису. Дуже популярний був у 18 і в першій половині 19 століття, а потім завдяки новаторським рухам у мистецтві популярність стала падати. Відродження моди на натюрморт розпочалося приблизно у 20-х роках 20 століття. Багато художників-представників сучасного мистецтвазнову взялися за вази та персики, але це вже були нові форми. Звичайно, повністю жанр ніколи не вмирав, і була (і зараз існує) ціла плеяда художників-натюрмортистів. Ми будемо балакати про це потім, а поки я замовкаю, тільки дещо коментуватиму, а ви просто подивіться рідкісні натюрморти авторів, які писали їх лише зрідка:

Валентин Сєров "Бэз у вазі", 1887.
На його відомих роботах можна побачити лише шматочок натюрморту – персики перед дівчинкою. Проникливому портретисту, видно, нудно було писати квіти та трупи пташок.

Ісаак Левітан. "Лісові фіалки та незабудки", 1889.Геній російського пейзажу іноді писав чудові натюрморти. Але вкрай рідко! Є ще глечик з кульбабами – чарівний!

Василь Суріков "Букет".
Автор "Ранку стрілецької страти" любив розмах та драматизм. Але збереглося і це – трохи наївні та чарівні трояндочки.

Борис Кустодієв. "Натюрморт із фазанами", 1915 . Нерідко в його роботах присутні величезні натюрморти - він малював купчих і рум'яних мужичків за столами, що буквально ломилися від страв. Та й взагалі його життєрадісні яскраві полотна схожі на натюрморт, навіть якщо це портрет, але окремих зображень не купчихи, а її сніданку, зустрічається небагато.

Віктор Борисов-Мусатов "Бэз", 1902.
Мені дуже подобаються його самобутні щільні, ні на чиї більше не схожі. Його завжди можна дізнатися, і в цьому натюрморті – теж.

Михайло Врубель "Квіти у синій вазі", 1886
Який талант! Як до образливого мало встиг! Квіти також шикарні, як і демони.

Василь Тропінін "Дупель та снігир", 1820-ті.
Кріпосний художник, схоже, ставився до жанру натюрморту без особливої ​​поваги, і тому майже його не малював. Те, що ви бачите – навіть не повноцінне полотно, а етюд.

Казимир Малевич. "Натюрморт". А ви думали, і яблука у нього квадратні?

Іван Крамський "Букет квітів. Флокси", 1884
Прямо на дачу захотілося – у мене там теж улітку були флокси.

Василь Кандинський "Риба на блакитній тарілці". Ще не повністю все в закорючках, на картині простежуються очі і навіть рота, і вони навіть поруч!

Натан Альтман "Мімоза", 1927
Мені подобається. Щось у цьому є.

Іван Шишкін, 1855.
А де ж ведмедики та ліс?!

Ще хотіла Петрова-Водкіна вставити, але в нього чимало натюрмортів, здавалося. І у Машкова, Лентулова, Кончаловського, тож вони для цієї посади не підходять.

Закордонні:

Егон Шіле "Натюрморт", 1918
А ви думали, він лише голих неповнолітніх малювати вмів?

Альфред Сіслей. "Натюрморт із чаплею". Мертві пташки - драма у побуті.

Ще Сислей. Ну, я люблю його!

Гюстав Курбе. Яблука та гранати на блюді. 1871

Едгар Дега "Жінка, що сидить біля вази з квітами", 1865
Незважаючи на назву, жінка займає 30 відсотків площі полотна, тому вважала це за натюрморт. А взагалі, Дега набагато більше кольорів любив малювати людей. Особливо балерин.

Ежен Делакруа. Букет.
Ну, слава тобі Господи, ніхто нікого не їсть і ні в кого не стріляє!

Теодор Жерико "Натюрморт із трьома черепами"
Взагалі, Жерико якось підозріло любив сині трупи та усіляку "розчленовку". І натюрморт у нього відповідний.

Каміль Пісарро "Натюрморт з яблуками та глечиком", 1872

Клод Моне "Натюрморт з грушами та виноградом", 1867.
Були в нього натюрморти, були, але небагато.

Огюст Ренуар "Натюрморт з великою квітковою вазою", 1866
У нього, порівняно з іншими, представленими тут, досить багато натюрмортів. І яких! Хтось із його сучасників сказав, що у нього відсутні сумні роботи, і я його обожнюю, тому сюди впхнула. А ще тому, що його натюрморти таки мало відомі, набагато менше, ніж усі ці купальниці тощо.

А це знаєте хто? Пабло Пікассо! 1919 рік.

Пабло був напрочуд продуктивний! Величезна кількість картин! І серед них натюрморти займають набагато менший відсоток, ніж решта, та й то вони були в основному "кубістичні". Саме тому він потрапив у добірку. Щоб ви зрозуміли, наскільки це була чокнута (але, безумовно, талановита!) та непостійна людина, подивіться на картину нижче. Це теж він, і того ж року!

Пабло Пікассо "Натюрморт на комоді", 1919

Поль Гоген "Окіст", 1889.
Таїтянки пізніше пішли, він поїхав на Таїті через 2 роки (зараз допишу і піду в холодильнику).

Едуард Мане "Гвоздики та клематис у кришталевій вазі", 1882
Є ще чудові роботи, наприклад "Троянди в келиху шампанського", але натюрморти Мане у його спадщині завжди на задньому плані. А дарма, правда?

Франсуа Мілле, 1860-ті.
Просто обід усіх його селян та женців.

Берта Морізо "Блакитна ваза", 1888
Все ж таки не втрималася!

Фредерік Базіль. "Натюрморт з рибою", 1866
Просто і навіть брутально, але я, здається, навіть запах риби відчуваю! Піти, чи викинути сміття?

Анрі "Митник" Руссо, "Букет квітів", 1910

Несподівано за жанром, але незмінно за стилем. Простодушний митник завжди був вірний собі.

Все, дякую за увагу!
Як вам?

ПС. І все-таки Кузьма Петров-Водкін, бо він прекрасний!

Кузьма Петров-Водкін "Скрипка у футлярі", 1916, Одеський музей Мистецтв
У нього чимало натюрмортів. Прекрасних, чудових! Таких світлих, літніх – обов'язково подивіться в Мережі, відсуньте у бік червоного коня та іншу революційну атрибутику! Але, коли вже в нас пост про незвичайні натюрморти, я обрала найнетиповіший для цього автора.

Ще раз дякую за увагу!

Переходимо до заключної стадії цієї серії постів про жанр натюрморту. Він буде присвячений творчості художників Росії.

Почнемо мабуть із Федора Петровича Толстого (1783-1873). Натюрмортна графіка Ф.П. Толстого, відомого російського скульптора, медальєра, малювальника та живописця, напевно, найвидатніша і найцінніша частина його творчої спадщини, хоча сам художник говорив, що створював ці твори "у вільний від серйозних занять час".

Головна властивість натюрмортних малюнків Толстого – їхня ілюзорність. Художник ретельно копіював натуру. Він намагався, на його власним словам, “З чіткою чіткістю передати з натури на папір копіювана квітка так, як вона є, з усіма найменшими подробицями, що належать цій квітці”. Щоб ввести глядача в оману, Толстой використовував такі ілюзіоністські прийоми, як зображення крапель роси або напівпрозорий папір, що прикриває малюнок і допомагає обдурити зір.

Ілля Єфимофіч Рєпін (1844-1930) також неодноразово звертався до такого мотиву натюрморту, як квіти. До таких творів можна віднести картину "Осінній букет" (1892, Третьяковська галерея, Москва), де художник з рівною увагою зображує осінній пейзаж, молоду жінку, що стоїть на тлі золотистих дерев, та скромний букет із жовтих та білих квітів у її руках.

І. Рєпін. Осінній букет. Портрет Віри Рєпіної. 1892, Третьяковська галерея

Історія картини “Яблука та листя” дещо незвичайна. Натюрморт, що поєднував фрукти та листя, був поставлений для учня Рєпіна, В.А. Сєрова. Предметна композиція настільки сподобалася вчителю, що вирішив сам написати такий натюрморт. Квіти і плоди приваблювали багатьох художників, які віддавали перевагу з інших речей саме тим, що найбільш поетично і красиво показують світ природи. Навіть І.М. Крамський, який зневажливо ставився до такого жанру, також віддав данину натюрморту, створивши ефектну картину “Букет квітів. Флокси” (1884, Третьяковська галерея, Москва).

Валентин Олександрович Сєров (1865-1911) відомий більшості з нас як художник, який приділяв у своїй творчості увагу в галузі пейзажу, портрета та історичного живопису. Однак, слід зауважити, що предмет у його творчості завжди грав важливу рольі нерідко займав таке саме рівноправне становище, як і інші елементи композиції. Трохи вище я вже згадав його учнівську роботу "Яблука на листі", 1879 року, виконаний під керівництвом Рєпіна. Якщо порівняти цю роботу з твором, написаним на ту саму тему Рєпіним, можна побачити, що натюрморт Сєрова відрізняється більшою етюдністю, ніж полотно його вчителя. Початківець художник використовував низьку точкузору, тому перший і другий плани поєднані, а тло зменшено.

Відома всім з дитинства картина "Дівчинка з персиками" виходить за межі портретного жанру і не випадково названа вона "Дівчинка з персиками", а не "Портрет Віри Мамонтової". Ми можемо бачити, що тут поєдналися риси портрета, інтер'єру та натюрморту. Художник приділяє рівну увагу зображенню дівчинки в рожевій кофтині і нечисленним, але вміло згрупованим предметам. На білій скатертині лежать ніжно-жовті персики, кленове листя та блискучий ніж. Любовно виписані й інші речі, що знаходяться на дальньому плані: стільці, велика порцелянова тарілка, що прикрашає стіну, фігурка іграшкового солдата, свічник на підвіконні. Сонячне світло, що ллється з вікна і лягає на предмети яскравими відблисками, надає зображенню поетичної чарівності.

Михайло Олександрович Врубель (1856-1910) писав: “І знову мене обдає, ні, не обдає, а чується мені та інтимна національна нотка, яку так хочеться спіймати на полотні й у орнаменті. Це музика цілісної людини, не розчленованої відволіканнями впорядкованого, диференційованого та блідого Заходу”.

В Академії мистецтв улюбленим викладачем Врубеля був Павло Чистяков, який навчав молодого живописця "малювати формою" і стверджував, що об'ємні форми не слід створювати у просторі тушовкою та контурами, їх слід будувати лініями. Завдяки йому Врубель навчився не просто показувати натуру, а ніби вести з нею щиру, майже любовну розмову. У такому дусі виконано чудовий натюрморт майстра "Шипшина" (1884).

На тлі вишуканого драпірування з квітковими мотивами митець розмістив витончену округлу вазу, розписану східними візерунками. Виразно виділяється ніжний Біла квіткашипшини, відтінений синьо-зеленою тканиною, а листя рослини майже зливаються з тьмяно мерехтливим чорним шийкою вази. Ця композиція виконана невимовною красою і свіжістю, якій глядач просто не може не піддатися.

У період хвороби Врубель став більше писати з натури, причому його малюнки відрізняються не тільки карбуванням форми, але й особливою одухотвореністю. Здається, що кожен рух руки художника видає його страждання та пристрасті.

Особливо примітний щодо цього малюнок “Натюрморт. Свічник, графін, склянка”. Це нищівний тріумф запеклої об'єктивності. Кожен предмет натюрморту несе у собі приховану вибухову силу. Матеріал, з якого виготовлені речі, будь то бронза свічника, скло графіна або матовий відблиск свічки, відчутно тремтить від колосального внутрішньої напруги. Пульсація передається художником короткими штрихами, що перехрещуються, через що фактура набуває вибуховості і напруженості. Таким чином, предмети набувають неймовірної загостреності, в якій і полягає справжня сутьречей.

Великої майстерності у створенні натюрмортів-обманок досягли Г.М. Теплов та Т. Ульянов. Найчастіше вони зображували дощату стінку, де були промальовані сучки і прожилки дерева. На стінах розвішані або заткнуті за прибиті цвяхами тасьми різноманітні предмети: ножиці, гребінці, листи, книги, нотні зошити. На вузьких поличках розставлені годинники, чорнильниці, флакони, свічники, посуд та інші дрібні дрібниці. Здається, що подібний набір предметів є цілком випадковим, але насправді це далеко не так. Дивлячись на такі натюрморти, можна здогадатися про інтереси художників, які займалися музикуванням, читанням, захоплювалися мистецтвом. Майстри любовно та старанно зображували дорогі їм речі. Ці картини торкаються своєю щирістю та безпосередністю сприйняття натури.

Борис Михайлович Кустодієв (1878–1927) також багато приділяв у своїй творчості жанру натюрморту. На його життєрадісних полотнах можна побачити яскраві атласні тканини, блискучі міддю самовари, блиск фаянсу та порцеляни червоні скибки кавуна, виноградні грона, яблука, апетитні кекси. Однією з його чудових картин є "Купчиха за чаєм", 1918 р. Неможливо не захоплюватися яскравою пишністю показаних на полотні предметів. Яскравий самовар, яскраво-червона м'якоть кавунів, глянсові яблука і прозорий виноград, скляна ваза з варенням, позолочена цукорниця і чашка, що стоять перед купчихою, — всі ці речі вносять у зображення святковий настрій.

У жанрі натюрморту велика увагаприділялося так званим "натюрмортам-обманкам". Багато натюрмортів-“обманок”, незважаючи на те, що їх головним завданнямбуло введення глядача в оману, мають безперечні художні достоїнства, особливо помітні в музеях, де, розвішані по стінах, такі композиції, звичайно ж, не можуть обдурити публіку. Але є тут винятки. Наприклад, "Натюрморт з книгами", виконаний П.Г. Богомоловим, вставлений в ілюзорну “книжкову шафу”, і відвідувачі не відразу здогадуються, що це лише картина.

Дуже гарний "Натюрморт з папугою" (1737) Г.М. Теплова. За допомогою ясних, чітких ліній, що переходять у м'які, плавні контури, легких, прозорих тіней, тонких кольорових нюансів, художник показує різноманітні предмети, розвішані на дощаній стіні. Віртуозно передана деревина, блакитні, рожеві, жовті відтінки якої допомагають створити майже реальне відчуття. свіжого запахущойно вистругане дерево.

Г.М. Теплів. "Натюрморт з папугою", 1737, Державний музейкераміки, садиба Кусково

Російські натюрморти-"обманки" XVIII століття свідчать про те, що художники ще недостатньо вміло передають простір та обсяги. Більш важливо для них показати фактуру предметів, наче перенесених на полотно із реальної дійсності. На відміну від голландських натюрмортів, де речі, поглинені світловим середовищем, зображені у єдності з нею, у картинах російських майстрів предмети, виписані дуже ретельно, навіть дріб'язково, живуть хіба що самі собою, незалежно від навколишнього простору.

У початку XIXстоліття велику роль подальшому розвитку натюрморту зіграла школа А.Г. Венеціанова, який виступав проти суворого розмежування жанрів і прагнув навчити своїх вихованців цілісному баченню натури.

А.Г.Венеціанов. Гумно, 1821-23 р.

Венеціанівська школа відкрила новий для російського мистецтва жанр – інтер'єр. Художники показували різні приміщення дворянського будинку: вітальні, спальні, кабінети, кухні, класні кімнати, людські тощо. У цих творах важливе місце приділялося зображенню різних предметів, хоча сам по собі натюрморт майже не цікавив представників кола Венеціанова (принаймні, збереглося трохи натюрмортів, виконаних учнями знаменитого живописця). Тим не менш, Венеціанов закликав своїх вихованців ретельно опрацьовувати не тільки особи і постаті людей, а й речі, що їх оточують.

Предмет живопису Венеціанова перестав бути аксесуаром, він нерозривно пов'язані з іншими деталями картини і часто є ключем до розуміння образу. Наприклад, подібну функцію виконують серпи у картині "Жнеці" (друга половина 1820-х, Російський музей, Санкт-Петербург). Речі у венеціанівському мистецтві здаються залученими до неспішного і безтурботного життя персонажів.

Хоча Венеціанів, ймовірно, не писав власне натюрмортів, він включав цей жанр у свою навчальну систему. Художник писав: “ Неживі речі не підлягають тим різноманітним змінам, які властиві предметам одухотвореним, вони стоять, тримаються перед недосвідченим художником смирно, нерухомо і дають йому час точніше і розважливіше вникнути, придивитись у відносини однієї частини до іншої як у лініях, так у світлі та тіні самим кольором. які залежать від місця, займаного предметами”.

Звичайно, натюрморт грав велику роль і в педагогічній системіАкадемії мистецтв у XVIII-XIX століттях (у навчальних класахвихованці робили копії з натюрмортів (голландських майстрів), але саме Венеціанов, який закликав молодих художників звертатися до натури, ввів у свою програму першого року навчання натюрморт, складений з таких речей, як гіпсові фігури, посуд, свічники, різнокольорові стрічки, фрукти та квіти. Предмети для навчальних натюрмортів Венеціанов підбирав так, щоб вони були цікаві живописцям-початківцям, зрозумілі за формою, красиві за кольором.

У картинах, створених талановитими учнями Венеціанова, речі передані правдиво та свіжо. Такими є натюрморти К. Зеленцова, П.Є. Корнілова. У творчості венеціанівців є й роботи, які за своєю суттю не є натюрмортами, проте роль речей у них величезна. Можна назвати, наприклад, полотна "Кабінет в Острівцях" та "Відображення в дзеркалі" Г.В. Сороки, що зберігаються у зборах Російського музею в Санкт-Петербурзі.

Г.В. Сорока. "Кабінет в Острівцях". Фрагмент, 1844, Російський музей, Санкт-Петербург

Натюрморти в цих творах виступають не самостійно, а як своєрідно скомпоновані майстром частини інтер'єру, що відповідають загальному композиційному та емоційному устрою картини. Головним сполучним елементом тут є світло, що м'яко переходить від одного предмета до іншого. Дивлячись на полотна, розумієш, наскільки цікавим навколишній світхудожнику, який любовно зобразив кожен предмет, кожну найдрібнішу річ.

Натюрморт, представлений у “Кабінеті в Острівцях”, хоч і займає невелике місце у загальній композиції, здається надзвичайно значним, виділеним завдяки тому, що автор відгородив його від решти простору високою спинкою дивана, а ліворуч і праворуч обрізав рамою. Здається, що Сорока настільки захопився предметами, що лежали на столі, що майже забув про інші деталі картини. Майстер ретельно виписав усе: гусяче перо, олівець, циркуль, транспортир, складаний ножик, рахунки, аркуші паперу, свічку у свічнику. Позиція зверху дозволяє розглянути всі речі, жодна з них не загороджує інший. Такі атрибути, як череп, годинник, а також символи “земної метушні” (статуетка, папери, рахунки), дозволяють деяким дослідникам зарахувати натюрморт до типу vanitas, хоча такий збіг суто випадковий, швидше за все, кріпак художник скористався тим, що лежало на столі. його господаря.

Відомим майстром предметних композицій першої половини XIXстоліття був митець І.Ф. Хруцький, який написав безліч прекрасних картин на кшталт голландського натюрморту XVIIстоліття. Серед найкращих його робіт - "Квіти і плоди" (1836, Третьяковська галерея, Москва), "Портрет дружини з квітами та фруктами" (1838, Художній музей Білорусії, Мінськ), "Натюрморт" (1839, Музей Академії мистецтв, Санкт- Петербург).

У першій половині XIX століття в Росії велику популярність користувався "ботанічний натюрморт", що прийшов до нас з Західної Європи. У Франції в цей час виходили твори ботаніків із чудовими ілюстраціями. Велику популярність у багатьох європейських країнахотримав художник П.Ж. Редуті, який вважався "найславнішим живописцем квітів свого часу". "Ботанічний малюнок" був значним явищем не тільки для науки, але і для мистецтва та культури. Подібні малюнки подавалися в подарунок, прикрашали альбоми, що таким чином ставило їх в один ряд з іншими творами живопису та графіки.

У другій половині XIX століття велику увагу зображення предметів приділяв П.А. Федотов. Хоча він не писав власне натюрмортів, світ речей, створений ним, захоплює своєю красою та правдивістю.

Предмети у творах Федотова невіддільні життя людей, вони беруть безпосередню участь у драматичних подіях, зображених художником.

Дивлячись на картину "Свіжий кавалер" ("Ранок після гулянки", 1846), дивуєшся безлічі предметів, ретельно виписаних майстром. Справжній натюрморт, який дивує своєю небагатослівністю, представлений на знаменитій картині Федотова "Сватання майора" (1848). Відчутно реально передано скло: фужери на високих ніжках, пляшка, графин. Найтонше і прозоріше, воно ніби видає ніжний кришталевий дзвін.

Федотов П.А. Сватання майора. 1848-1849. ГТГ

Федотов не відокремлює предмети від інтер'єру, тому речі показані як достовірно, а й мальовничо тонко. Кожен звичайнісінький або не дуже привабливий предмет, що займає своє місце в загальному просторі, здається дивовижним і красивим.

Хоча Федотов не писав натюрмортів, він виявляв безперечний інтерес до цього жанру. Чуття підказувало йому, як розмістити той чи інший предмет, з якого погляду його уявити, які речі виглядатимуть поруч не лише логічно обґрунтовано, а й виразно.

Світ речей, що допомагає показувати життя людини у всіх її проявах, наділяє твори Федотова особливою музичністю. Такі картини "Анкор, ще анкор" (1851-1852), "Вдова" (1852) та багато інших.

У другій половині XIX століття жанр натюрморту практично перестав цікавити художників, хоча багато жанристів охоче включали елементи натюрморту до своїх композицій. Велике значення набувають речі у картинах В.Г. Перова ("Чаювання в Митищах", 1862, Третьяковська галерея, Москва), Л.І. Соломаткіна (“Словильники-міські”, 1846, Державний історичний музей, Москва).

Натюрморти представлені у жанрових сценах А.Л. Юшанова ("Проводи начальника", 1864), М.К. Клодта (“Хворий музикант”, 1855), В.І. Якобі (“Рознесник”, 1858), А.І. Корзухіна (“Перед сповіддю”, 1877; “У монастирському готелі”, 1882), К.Є. Маковського (“Олексій”, 1882). Усі ці полотна нині зберігаються у зборах Третьяковської галереї.

К.Є. Маковський. "Олексій", 1882, Третьяковська галерея, Москва

У 1870-1880-х роках провідним жанром у російському живописі залишався побутовий, хоча пейзаж і портрет також займали важливе місце. Величезну рольдля подальшого розвиткуРосійського мистецтва зіграли передвижники, які прагнули показати у своїх творах правду життя. Художники почали надавати велике значенняроботі з натури і тому все частіше зверталися до пейзажу та натюрморту, хоча багато хто з них вважав останній марною тратою часу, безглуздим захопленням формою, позбавленою внутрішнього змісту. Так, І.М. Крамський згадував про відомого французького живописця, який не зневажав натюрмортами, у листі до В.М. Васнецову: “Не стане ж талановита людина витрачати час на зображення, припустимо, тазів, риб та ін. Це добре робити людям, які вже мають усе, а в нас справи непочатий кут”.

Тим не менш, багато російських художників, які не писали натюрмортів, захоплювалися ними, дивлячись на полотна західних майстрів. Наприклад, В.Д. Поленов, що у Франції, писав І.Н. Крамському: “Подивишся, як тут справа йде, немов по маслу, працює кожен у своєму роді, у різних напрямках, що кому до душі, і все це цінується і оплачується. У нас головним чином значення має, що зроблено, а тут як зроблено. Наприклад, за мідний таз із двома рибами платять по двадцять тисяч франків, та ще й на додачу вважають цього мідних справ майстри першим живописцем, і, мабуть, не без резону”.

Який побував у 1883 році на виставці в Парижі В.І. Суріков захоплювався пейзажами, натюрмортами та картинами із зображенням квітів. Він писав: “Гарні риби Гіберта. Риб'яча склизь передана майстерно, колоритно, тон у тон замішував”. Є у його листі до П.М. Третьякову і такі слова: “А риби Жільберта – диво що таке. Ну, зовсім у руки взяти можна, до обману написано”.

І Поленов, і Суриков могли стати прекрасними майстрами натюрморту, що свідчать віртуозно написані предмети у тому композиціях (“Хвора” Поленова, “Меншиков в Березові” Сурикова).

В.Д. Польонов. "Хвора", 1886, Третьяковська галерея

Більшість натюрмортів, створених відомими російськими художниками в 1870-1880-х роках, є творами етюдного характеру, що показують прагнення авторів передати особливості речей. Деякі подібні роботи зображують незвичайні, рідкісні предмети (наприклад, етюд із натюрмортом для картини І.Є. Рєпіна "Запорожці пишуть лист турецькому султану", 1891). Самостійного значеннятакі твори не мали.

Цікаві натюрморти А.Д. Литовченко, виконані як підготовчі етюди до великого полотна Іван Грозний показує свої скарби послу Горсею (1875, Російський музей, Санкт-Петербург). Художник показав розкішні тканини з парчі, зброю, інкрустовану дорогоцінним камінням, золоті та срібні вироби, що зберігаються в царських скарбницях.

Більш рідкісними на той час були етюдні натюрморти, що становлять звичайні побутові предмети. Такі твори створювалися з метою вивчення будови речей, а також були результатом вправи в мальовничій техніці.

Важливу роль натюрморт грав у жанрової, а й у портретної живопису. Наприклад, у картині І.М. Крамського "Некрасов у період "Останніх пісень" (1877-1878, Третьяковська галерея, Москва) предмети виконують функцію аксесуарів. С.М. Гольдштейн, який займався дослідженням творчості Крамського, пише: “У пошуках загальної композиції твори він прагне до того, щоб відтворюваний ним інтер'єр, незважаючи на його власне побутовий характер, сприяв насамперед усвідомленню духовного образу поета, нев'янучого значення його поезії. Окремі аксесуари цього інтер'єру — томи “Современника”, безладно покладені на столику біля ліжка хворого, аркуш паперу і олівець у його ослаблих руках, погруддя Бєлінського, що висить на стіні портрет Добролюбова — набули в цьому творі значення аж ніяк не зовнішніх ознакситуації, але реліквій, тісно пов'язаних із образом людини”.

Серед нечисленних натюрмортів передвижників чільне місце посідають "букети". Цікавий "Букет" В.Д. Поленова (1880, Музей-садиба Абрамцева), за манерою виконання трохи нагадує натюрморти І.Є. Рєпіна. Невибагливий за своїм мотивом (дрібні польові квіти у простій скляній вазі), тим не менш, захоплює своїм вільним живописом. У другій половині 1880-х років схожі букети з'являться у живописі І.І. Левітана.

Інакше демонструє глядачеві квіти І.М. Крамській. Багато дослідників вважають, що дві картини - Букет квітів. Флокси” (1884, Третьяковська галерея, Москва) та “Троянди” (1884, збори Р.К. Вікторової, Москва) – були створені майстром під час роботи над полотном “Неутішне горе”.

Два “букети” Крамської продемонстрував на XII Пересувній виставці. Ефектні, яскраві композиції, що зображують квіти на темному тлі, знайшли покупців ще до відкриття виставки. Власниками цих творів стали барон Г.О. Гінцбург та імператриця.

На ІХ Пересувній виставці 1881-1882 років увагу публіки привернула картина К.Є. Маковського, названа в каталозі "Nature morte" (тепер вона знаходиться в Третьяковській галереї під назвою "У майстерні художника"). На великому полотні зображені величезний собака і дитина, що лежить на килимі, тягнеться з крісла до фруктів на столі. Але ці постаті — лише деталі, потрібні автору для того, щоб оживити натюрморт — безліч розкішних речей у майстерні художника. Написана в традиціях фламандського мистецтва, картина Маковського все ж таки торкається душі глядача. Художник, який захопився передачею краси дорогих речей, не зумів показати їхню індивідуальність і створив твір, Головна метаякого — демонстрація багатства та розкоші.

Всі предмети на картині немов зібрані для того, щоб вразити глядача своєю пишністю. На столі лежить традиційний для натюрморту набір фруктів – великі яблука, груші та виноград на великій гарній страві. Тут же великий срібний кухоль, прикрашений орнаментом. Поруч стоїть біло-синя фаянсова посудина, біля якої розташовується багато прикрашена старовинна зброя. Про те, що це майстерня художника, нагадують пензлі, поміщені у широкий глечик на підлозі. Біля позолоченого крісла — шпага в розкішних піхвах. Підлога встеляє килим із яскравим орнаментом. Окрасою служать і дорогі тканини — парча, облямована густим хутром, і оксамит, з якого пошитий завісу. Колорит полотна витриманий у насичених відтінках з переважанням червоного, блакитного, золотистого.

З усього вищесказаного ясно, що у другій половині ХІХ століття натюрморт не грав значної ролі російської живопису. Він був поширений лише як етюд до картини чи навчальна студія. Багато художників, які виконували натюрморти в рамках академічної програмиУ самостійній творчості більше до цього жанру не поверталися. Натюрморти писали переважно непрофесіонали, які створювали акварелі з квітами, ягодами, фруктами, грибами. Великі майстри не вважали натюрморт гідним уваги і використовували предмети лише у тому, щоб переконливо показати обстановку і прикрасити зображення.

Перші зачатки нового натюрморту можна знайти у живопису художників, котрі працювали межі XIX-XX століть: І.І. Левітана, І.Е. Грабаря, В.Е. Борисова-Мусатова, М.Ф. Ларіонова, К.А. Коровіна. Саме тоді у російському мистецтві натюрморт виник як самостійний жанр.

Але це був дуже своєрідний натюрморт, який розуміли художники, які працювали в імпресіоністичній манері, не як звичайна замкнута предметна композиція. Майстри зображали деталі натюрморту у пейзажі чи інтер'єрі, і їм було важливе не стільки життя речей, скільки саме простір, світлова серпанок, що розчиняє контури предметів. Великий інтерес становлять також графічні натюрморти М.А. Врубеля, що відрізняються неповторною самобутністю.

На початку ХХ століття велику роль розвитку російського натюрморту зіграли такі художники, як А.Я. Головін, С.Ю. Судейкін, А.Ф. Гауш, Б.І. Анісфельд, І.С. Школяр. Нове слово у цьому жанрі сказав і М.М. Сапунов, який створив цілий рядкартин-панно з букетами квітів.

У 1900-х роках до натюрморту звернулося безліч художників різних напрямків. У тому числі були т.зв. московські сезаністи, символісти (П.В. Кузнєцов, К.С. Петров-Водкін) та ін. Важливе місцепредметні композиції займали у творчості таких відомих майстрів, як М.Ф. Ларіонов, Н.С. Гончарова, А.В. Лентулів, Р.Р. Фальк, П.П. Кончаловський, А.В. Шевченка, Д.П. Штеренберг, які зробили натюрморт повноправним серед інших жанрів у російському живописі XX століття.

Одне перерахування російських художників, які у творчості використовували елементи натюрморту зайняло чимало місця. Тому обмежимося наведеним тут матеріалом. Охочі можуть ознайомитися докладніше за посиланнями, наведеними у першій частині цієї серії постів про жанр натюрморту.

Попередні повідомлення: Частина 1 –
Частина 2 -
Частина 3 –
Частина 4 –
Частина 5 –

Про деяких знакових художників, які створювали картини у жанрі натюрморту.

Вступ

Термін «натюрморт» використовується для визначення картин, що зображують неживі об'єкти (від латинського «мертва природа»). Причому об'єкти можуть бути як природного походження(плоди, квіти, мертві тварини та комахи, черепи та інше), так і створені людиною (різне начиння, годинник, книги та сувої паперу, ювелірні прикрасиі так далі). Найчастіше натюрморт включається деякий прихований підтекст, переданий через символічне зображення. Роботи алегоричного характеру відносяться до поджанру «ванітас».

Натюрморт як жанр отримав найбільший розвиток у Голландії в 17 столітті як спосіб протесту проти офіційної церкви та нав'язування релігійного мистецтва. У подальшої історіїживопису роботи голландців на той час (Утрех, Лейден, Делфт та інших) надали великий впливна розвиток мистецтва: композицію, перспективу, використання символіки як елемент оповідання. Незважаючи на свою значущість та інтерес з боку публіки, на думку академій мистецтв, натюрморт займав у загальній ієрархії жанрів останнє місце.

Рейчел Рюйш

Рюйш – один із найвідоміших голландських реалістів та авторів натюрморту. Композиції цієї художниці містять масу символіки, різноманітних моральних та релігійних посилань. Її фірмовий стиль є комбінацією темного фону, скрупульозного опрацювання деталей, ніжного забарвлення і зображенні додаткових, що надають інтерес, елементів (комах, птахів, рептилій, кришталевих ваз).

Хармен ван Стенвейк

Роботи цього голландського реаліста чудово демонструють натюрморти у стилі ванітас, що ілюструють суєту земного життя. Однією з найзнаменитіших картин є «Алегорія марнославства людського життя», в якій показаний людський череп у променях сонячного світла. Різні предметикомпозиції відсилають до ідей невідворотності фізичної смерті Деталізація та рівень реалізму картин Стенвейка досягається за рахунок використання тонких пензлів та техніки нанесення фарби.

Поль Сезанн

Відомий своїми пейзажами, портретами та жанровими творами, Сезан вніс внесок і в розвиток натюрморту. Після того, як інтерес до імпресіонізму зник, художник почав досліджувати фрукти та природні об'єктиекспериментувати з об'ємними фігурами. Ці дослідження допомогли створити перспективу та обсяг у натюрмортах не лише за допомогою класичних методів, а й шляхом майстерного використання кольорів. Усі розглянуті Сезанном напрями надалі були додатково вивчені Жоржем Шлюбом та Пікассо при розробці аналітичного кубізму. У гонитві за метою створити щось «постійне», художник вважав за краще писати ті самі об'єкти, а неймовірно тривалий процес створення натюрморту приводив до того, що фрукти та овочі починали гнити і розкладатися задовго до завершення картини.

Хем

Учень Давида Байї, голландський реаліст Хем відомий чудовими натюрмортами з великою кількістю деталей, навантаженими композиціями, безліччю комах та інших декоративних та символічних елементів. Нерідко художник використовував у роботах релігійні мотиви, подібно до Ян Брейгеля і Федеріко Борромео.

Жан Батіст Шарден

Син теслі Жан Шарден придбав свою працьовитість і потяг до порядку саме завдяки батькові. Картини майстра найчастіше спокійні й тверезі, адже він прагнув гармонії тону, кольору та форми, що багато в чому досягається завдяки роботі з освітленням та контрастами. Бажання чистоти та порядку виражається також у відсутності алегорій у композиціях.

Франс Снейдерс

Автор натюрмортів та сцен з тваринами епохи бароко був неймовірно плідним майстром, а його здатність зобразити текстуру шкіри, хутра, скла, металу та інших матеріалів була неперевершеною. Снайдерс був також видатним анімалістом, часто зображуючи у своїх натюрмортах мертвих тварин. Пізніше він стає офіційним живописцем ерцгерцога Альберта Австрії, що вилилося у створення ще більшого числашедеврів.

Франсіско де Сурбаран

Сурбаран - відомий авторкартин на релігійну тему є одним з найбільших творців натюрмортів. Забарвлені в суворих іспанських традиціях, його роботи мають якість, що не залежить від часу, і бездоганну простоту. Як правило, вони становлять невелику кількість об'єктів на затемненому тлі.

Конор Волтон

З сучасних авторівна увагу заслуговує Конор Уолтон. Внесок ірландського художника у розвиток натюрморту можна чітко побачити у роботах «Приховане: апельсини та лимони» (2008), «Натюрморт з великими орхідеями»(2004). Праці майстра точні та виконані з винятковим використанням світла, що допомагає передати текстури різних поверхонь.

Найкращі натюрмортионовлено: Червень 4, 2017 автором: Гліб