Nghệ sĩ vẫn sống với hoa. Những bức ảnh tĩnh vật đẹp nhất

I. Mashkov "Tĩnh vật" (1930)

Từ "tĩnh vật" người Phápđược dịch là "bản chất chết" (fr. tự nhiên chết).

Về tĩnh vật

Mọi thứ không còn sống, không còn thở, bị xé nát, bị cắt đứt nhưng vẫn tiếp tục làm hài lòng một người với sự tồn tại của nó - tất cả những điều này là chủ đề của tĩnh vật.

Là một thể loại hội họa độc lập, tĩnh vật bắt đầu tồn tại từ thế kỷ 17. trong tác phẩm của các nghệ sĩ Hà Lan và Flemish. Và trước đó nó chỉ là một vật trang trí và thực hiện một chức năng thực dụng.

Tranh tĩnh vật thời kỳ đầu thường ẩn chứa ẩn dụ ngụ ngôn (allegory), được thể hiện qua những đồ vật hàng ngày được phú cho ý nghĩa tượng trưng. Đôi khi một chiếc đầu lâu được miêu tả trong tĩnh vật, thứ được cho là để nhắc nhở về sự ngắn ngủi của cuộc sống và cái chết không thể tránh khỏi.

Cuộc sống tĩnh lặng ngụ ngôn được gọi là Vanitas (vĩ độ. vanita lit.: "sự phù phiếm, sự phù phiếm"). Trung tâm cấu tạo của nó theo truyền thống là hộp sọ người.

Bartholomeus Brain the Elder (I nửa thế kỷ 16). Vanitas

“Sự phù phiếm của những sự phù phiếm,” Giáo sĩ nói, “sự phù phiếm của những sự phù phiếm, tất cả chỉ là sự phù phiếm!”

Willem Claesz Heda. Vanitas

Hộp sọ tượng trưng cho sự yếu đuối cuộc sống con người. Tẩu hút thuốc là biểu tượng của những thú vui trần thế thoáng qua và khó nắm bắt. Thủy tinh tượng trưng cho sự mong manh của cuộc sống. Chìa khóa là sức mạnh của bà nội trợ quản lý hàng tồn kho. Con dao gợi nhớ đến sự tổn thương của một người và cái chết của anh ta. Một tờ giấy thường có một câu nói mang tính đạo đức (thường là bi quan). Ví dụ:

Hodie mihi cras tibi - hôm nay cho tôi, ngày mai cho bạn;

kỷ niệm mori - vật lưu niệm Mori;

Aeterne pungit cito volat et occidit - vinh quang của những hành động anh hùng sẽ tan biến giống như một giấc mơ;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum - mọi thứ đều bị hủy diệt bởi cái chết, cái chết - biên giới cuối cùng vạn vật;

Nil omne - mọi thứ chẳng là gì cả.

Nhưng thường xuyên hơn, tuy nhiên, trong tĩnh vật, người ta cảm nhận được sự ngưỡng mộ của nghệ sĩ đối với các đồ vật: Dụng cụ nhà bếp, hoa, trái cây, đồ gia dụng - những bức tranh như vậy được khách hàng mua để trang trí nội thất trong nhà của họ.

Từ giữa thế kỷ XVII. cuộc sống vẫn còn trong bức tranh Hà Lan nhận được sử dụng rộng rãiđã là một thể loại độc lập. Và một trong những tác phẩm đầu tiên là tĩnh vật có hoa, đặc biệt là trong các tác phẩm của Ambrosius Bosschaert the Elder và Balthasar van der Ast, sau đó tiếp tục phát triển trong tĩnh vật sang trọng của Jan Davidsz de Heem vào nửa sau của thế kỷ 17 . Tranh tĩnh vật hoa cũng rất phổ biến trong giới nghệ sĩ thời đại chúng ta.

Chủ đề của tĩnh vật rất phong phú: đó là tĩnh vật hoa đã được đề cập, hình ảnh bữa sáng, bàn phục vụ, tĩnh vật của các nhà khoa học, mô tả sách và các đồ vật khác của hoạt động con người, nhạc cụ và vân vân.

Hãy xem xét một số bức tĩnh vật nổi tiếng nhất.

Willem Claesz Heda (1594-1682) "Tĩnh vật với giăm bông và đồ bạc" (1649)

Willem Claesz Heda "Tĩnh vật với giăm bông và đồ dùng bằng bạc" (1649)

Trong bức ảnh này, kỹ năng điêu luyện của nghệ sĩ trong việc chuyển các vật dụng gia đình thông thường, hàng ngày là điều đáng chú ý. Kheda mô tả chúng theo cách rõ ràng là chính anh ấy cũng ngưỡng mộ chúng: cảm giác hữu hình của từng đồ vật được tạo ra.

Trên một chiếc bàn nhỏ được phủ một chiếc khăn trải bàn nặng nề, chúng tôi nhìn thấy một quả chanh và chiêm ngưỡng sự mềm mại màu hổ phách của nó, ngửi thấy mùi giăm bông tươi và nghe thấy tiếng bạc lấp lánh. Bữa sáng đã xong, đồ đạc trên bàn tự nhiên lộn xộn.

Đồ bạc có nghĩa là của cải trần gian, ham - niềm vui nhục dục, chanh - vẻ đẹp bên ngoài trong đó nằm cay đắng. Bức ảnh kết thúc một sự phản ánh về sự cần thiết phải chăm sóc không chỉ cơ thể, mà cả tâm hồn.

Bức tranh tĩnh vật được thiết kế với một tông màu nâu xám duy nhất, đặc trưng của tất cả các bức tranh Hà Lan thời bấy giờ. Bức tranh không chỉ đẹp mà nó còn kể về “cuộc sống thầm lặng” tiềm ẩn của những đồ vật được người nghệ sĩ nhìn chăm chú bằng cái nhìn chăm chú.

Cuộc sống vẫn còn trong Bảo tàng Nhà nước Mỹ thuật họ. A. S. Pushkin ở Mátxcơva.

Paul Cezanne (1830-1906) Đào và lê (1895)

Paul Cezanne "Đào và lê" (1895)

Paul Cezanne là họa sĩ vĩ đại nhất của Pháp cuối thế kỷ XIX Trong. Trải qua ảnh hưởng của chủ nghĩa ấn tượng, Cezanne đã phản đối chúng bằng phương pháp của riêng mình. Anh ấy lên tiếng phản đối mong muốn chỉ theo dõi ấn tượng thị giác của họ trong nghệ thuật - anh ấy ủng hộ việc truyền tải thực tế một cách khách quan, dựa trên các khuôn mẫu trong tự nhiên. Anh ấy muốn nhìn thấy những phẩm chất không thể thay đổi, nhưng không đổi. Cezanne nói: "Tôi muốn khôi phục lại sự vĩnh hằng cho thiên nhiên." Người nghệ sĩ đã tiến hành tìm kiếm sáng tạo của mình thông qua sự tổng hợp của hình thức và màu sắc, hình thức và không gian. Đặc biệt là tìm kiếm này có thể được truy tìm trong tĩnh vật của anh ấy.

Mỗi đối tượng trong cuộc sống tĩnh lặng này được mô tả từ một quan điểm khác nhau. Chúng tôi nhìn thấy cái bàn từ phía trên, khăn trải bàn và trái cây từ bên cạnh, cái bàn từ bên dưới và cái bình cùng một lúc. điểm khác nhau tầm nhìn. Cezanne cố gắng thể hiện đầy đủ nhất có thể hình dạng và khối lượng đặc trưng của quả đào và quả lê. Kỹ thuật của anh ấy dựa trên một định luật quang học: các màu ấm (đỏ, hồng, vàng, vàng) đối với chúng ta dường như nhô ra và các màu lạnh (xanh dương, lục lam, lục lam) lùi vào sâu trong khung vẽ.

Hình thức của các vật thể trong tranh tĩnh vật của Cezanne không phụ thuộc vào ánh sáng ngẫu nhiên mà trở nên cố định, cố hữu trong mỗi vật thể. Do đó, những bức tranh tĩnh vật của Cezanne có vẻ hoành tráng.

Bức tranh nằm trong Bảo tàng Mỹ thuật Nhà nước. A. S. Pushkin ở Mátxcơva.

Henri Matisse (1869-1954) Khăn trải bàn màu xanh (1909)

Henri Matisse "Chiếc khăn trải bàn màu xanh" (1909)

Nghệ sĩ người Pháp nổi tiếng Henri Matisse trong nghệ thuật nước ngoài của thế kỷ XX. chiếm một trong những vị trí hàng đầu. Nhưng nơi này là đặc biệt.

Vào đầu thế kỷ 20. Matisse trở thành người đứng đầu nhóm mới đầu tiên trong hội họa châu Âu, được gọi là dã thú(từ tiếng Pháp "hoang dã"). Một đặc điểm của xu hướng này là quyền tự do sử dụng bất kỳ màu nào do nghệ sĩ tùy ý lựa chọn, mong muốn có nhiều màu sắc trang trí. Đây là một thách thức đối với các tiêu chuẩn nghệ thuật chính thức đã được thiết lập.

Nhưng sau một thời gian, nhóm này tan rã và Matisse không còn thuộc về bất kỳ hướng nào nữa mà chọn con đường của riêng mình. Với nghệ thuật vui vẻ, rõ ràng của mình, Matisse đã tìm cách mang lại sự bình yên cho những tâm hồn đau khổ của con người trong bầu không khí đầy cảm xúc của thế kỷ 20.

Trong bức tranh tĩnh vật Khăn trải bàn màu xanh, Matisse sử dụng kỹ thuật sáng tác yêu thích của mình: vải rủ từ trên xuống. Có thể nói, vật chất ở tiền cảnh sẽ đóng không gian của canvas, làm cho nó trở nên nông hơn. Người xem được chiêm ngưỡng cách chơi hay thay đổi của vật trang trí màu xanh lam trên nền màu ngọc lam của khăn trải bàn, đường nét của các tĩnh vật. Người nghệ sĩ đã khái quát hóa các hình thức của bình cà phê vàng, bình màu xanh lá cây và những quả táo hồng hào trong bình, chúng bị mất thể tích và các đồ vật nhỏ tuân theo nhịp điệu của vải, chúng bổ sung cho điểm nhấn đầy màu sắc của bức tranh.

Tĩnh vật trong hội họa Nga

Tĩnh vật như một thể loại hội họa độc lập xuất hiện ở Nga vào đầu thế kỷ 18, nhưng ban đầu nó được coi là một thể loại “thấp hơn”. Thông thường nó được sử dụng như Thiết lập giáo dục và chỉ được phép trong một nghĩa hạn chế như vẽ hoa và trái cây.

Nhưng vào đầu thế kỷ XX. tĩnh vật trong hội họa Nga phát triển mạnh mẽ và lần đầu tiên trở thành một thể loại bình đẳng. Các nghệ sĩ đang tìm kiếm những cơ hội mới trong lĩnh vực màu sắc, hình thức, bố cục tĩnh vật. Trong số những người theo chủ nghĩa tự nhiên người Nga có thể kể đến I.F. Khrutsky, I.E. Grabar, P.P. Konchalovsky, I. Levitan, A. Osmerkin, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, V. Nesterenko và những người khác.

nhiều nhất tĩnh vật nổi tiếng P. Konchalovsky là "Tử đinh hương" của anh ấy.

P. Konchalovsky "Tử đinh hương" (1939)

P. Konchalovsky trong hội họa là một tín đồ của Cezanne, ông đã tìm cách thể hiện sự lễ hội của màu sắc vốn có trong tiếng Nga nghệ thuật dân gian, với sự trợ giúp của khả năng tạo màu của Paul Cezanne. Người nghệ sĩ nổi tiếng chính xác nhờ những bức tĩnh vật, thường được thực hiện theo phong cách gần với trường phái lập thể và trường phái dã thú.

Bức tranh tĩnh vật "Lilac" của anh ấy tràn ngập màu sắc lễ hội này, làm hài lòng mắt và trí tưởng tượng. Dường như hương thơm mùa xuân của tử đinh hương tỏa ra từ tấm bạt.

Các cụm tử đinh hương được miêu tả một cách khái quát, nhưng ký ức bên trong cho chúng ta biết đường nét của từng bông hoa trong cụm, và do đó bức tranh của Konchalovsky có vẻ chân thực.

I. Mashkov, một người cùng thời với Konchalovsky, cũng không kém phần hào phóng khi miêu tả tính vật chất của thế giới, sự sặc sỡ của bảng màu.

I. Mashkov "Quả mọng trên nền khay đỏ" (1910)

Ngoài ra còn có sự hỗn loạn của màu sắc trong cuộc sống tĩnh lặng này, khả năng tận hưởng từng khoảnh khắc mà cuộc sống mang lại, bởi vì mọi khoảnh khắc đều đẹp.

Tất cả các chủ đề của tĩnh vật đều quen thuộc với chúng ta, nhưng có cảm giác rằng người nghệ sĩ ngưỡng mộ sự hào phóng của thiên nhiên, sự phong phú của thế giới xung quanh và mời chúng ta chia sẻ niềm vui này với anh ta.

V. Nesterenko "Người cha của Tổ quốc" (1997)

Đây là một bức tranh tĩnh vật của nghệ sĩ đương đại V. Nesterenko. Chủ đề của bức tranh được thể hiện trong tiêu đề của nó, và nội dung được bộc lộ qua hình ảnh tĩnh vật - biểu tượng của quyền lực đế quốc của Peter I. Bức chân dung của hoàng đế nằm trong bối cảnh của một trận chiến, trong đó có rất nhiều cảnh trong cuộc đời ông. Thật vô nghĩa khi kể lại tất cả những việc làm mà Peter I được gọi là cha đẻ của Tổ quốc. Bạn có thể nghe những ý kiến khác nhau về các hoạt động của vị hoàng đế đầu tiên của Nga, nhưng trong trường hợp này nghệ sĩ bày tỏ ý kiến của mình, và ý kiến \u200b\u200bnày được anh ta bày tỏ rất thuyết phục.

Cuộc sống vẫn còn ở Điện Kremlin, trong phòng tiếp tân của Tổng thống Liên bang Nga.

Thái độ đối với cuộc sống tĩnh lặng đã thay đổi trong các thời đại khác nhau, đôi khi nó gần như bị lãng quên, và đôi khi nó là thể loại hội họa phổ biến nhất. Là một thể loại hội họa độc lập, nó xuất hiện trong tác phẩm của các nghệ sĩ Hà Lan vào thế kỷ 17. Ở Nga, trong một thời gian dài, tĩnh vật được coi là một thể loại thấp hơn, và chỉ đến đầu thế kỷ 20, nó mới trở thành một thể loại chính thức. Trong lịch sử bốn thế kỷ, các nghệ sĩ đã tạo ra một một số lượng lớn tĩnh vật, nhưng ngay cả trong số này, người ta có thể chọn ra những tác phẩm nổi tiếng và quan trọng nhất cho thể loại này.

"Tĩnh vật với giăm bông và đồ bạc" (1649) Willem Claesz Heda (1594-1682).

Nghệ sĩ người Hà Lan là một bậc thầy về tĩnh vật được công nhận, nhưng chính bức tranh này mới nổi bật trong tác phẩm của ông. Ở đây, khả năng thành thạo điêu luyện của Kheda trong việc chuyển các vật dụng gia đình hàng ngày là điều đáng chú ý - cảm giác chân thực của từng vật dụng được tạo ra. Trên một chiếc bàn phủ khăn trải bàn phong phú, có một quả chanh màu hổ phách, một miếng giăm bông tươi và đồ dùng bằng bạc. Mai mới làm xong nên có chút lộn xộn trên bàn cho bức tranh thêm thật. Giống như hầu hết các tĩnh vật của Hà Lan trong thời kỳ này, ở đây mỗi đối tượng đều mang một loại tải trọng ngữ nghĩa nào đó. Vì vậy, đồ bạc nói lên sự giàu có trần gian, giăm bông biểu thị niềm vui nhục dục và chanh - vẻ đẹp bên ngoài ẩn chứa sự cay đắng bên trong. Qua những biểu tượng này, người nghệ sĩ nhắc nhở chúng ta nên nghĩ nhiều hơn về tâm hồn chứ không chỉ về thể xác. Bức tranh được làm theo một tỷ lệ màu xám nâu duy nhất, đặc trưng của tất cả các bức tranh Hà Lan thời kỳ này. Ngoài tính chất trang trí rõ ràng, bức tranh tĩnh vật này còn kể về “cuộc sống thầm lặng” kín đáo của các đồ vật, được chú ý bởi cái nhìn chăm chú của người nghệ sĩ.

"Đào và lê" (1895) Paul Cezanne (1830-1906).

Thể loại tĩnh vật luôn rất bảo thủ. Do đó, gần như cho đến đầu thế kỷ 20, nó trông giống như thế kỷ 17. Cho đến khi Paul Cezanne tiếp quản. Ông tin rằng hội họa nên truyền đạt hiện thực một cách khách quan và hội họa phải dựa trên các quy luật tự nhiên. Cezanne tìm cách truyền tải không phải những gì có thể thay đổi mà là những phẩm chất không đổi của chủ thể, thông qua sự tổng hợp của hình thức và màu sắc, sự thống nhất của hình thức và không gian. Và thể loại tĩnh vật đã trở thành một đối tượng tuyệt vời cho những thí nghiệm này. Mỗi đồ vật trong tĩnh vật Quả đào và quả lê được miêu tả từ các góc độ khác nhau. Vì vậy, chúng ta nhìn thấy cái bàn từ trên cao, trái cây và khăn trải bàn - từ bên cạnh, chiếc bàn nhỏ - từ bên dưới, và cái bình nói chung cùng lúc với các mặt khác nhau. Cezanne cố gắng truyền tải hình dạng và khối lượng của quả đào và quả lê một cách chính xác nhất có thể. Để làm được điều này, anh ấy sử dụng các định luật quang học, do đó, các sắc thái ấm (đỏ, hồng, vàng, vàng) được chúng ta coi là loa và các sắc thái lạnh (xanh dương, xanh dương, xanh lục) lùi sâu vào trong. Do đó, hình thức của các vật thể trong tĩnh vật của anh ta không phụ thuộc vào ánh sáng, mà trở nên không đổi. Đó là lý do tại sao Cezanne trông hoành tráng.

Chiếc khăn trải bàn màu xanh (1909) Henri Matisse (1869-1954).

Vâng, chúng ta hãy xem thêm một số hình ảnh, phải không?
Những bức tĩnh vật bất ngờ - điều này là do chúng ta thường mong đợi những chủ đề hoàn toàn khác với tác giả của chúng. Theo truyền thống, những nghệ sĩ này làm việc ở các thể loại hoàn toàn khác nhau, thích vẽ phong cảnh, chân dung hoặc thể loại. Chỉ thỉnh thoảng có điều gì đó nảy ra trong đầu họ và họ thốt lên: "Và tôi sẽ vẽ chiếc bình này bằng hoa huệ!" Đúng, điều này rất hiếm khi xảy ra. Hiếm đến nỗi tôi phải lục tung các nguồn trong nửa ngày để tìm ra tĩnh vật của chúng.

HÃY BẮT ĐẦU VỚI CHÚNG TÔI:

Marc Chagall "Hoa trắng trên nền đỏ". 1970. Mark chỉ có một vài tĩnh vật được vẽ sẵn trưởng thành, và sau đó anh ta, đã quen với việc miêu tả ảo ảnh người-động vật, không thể cưỡng lại bất kỳ thứ gì trong số chúng - ngay cả một mảnh hình dáng con người, ít nhất là ở đâu đó với một mẩu bánh mì, hãy để anh ta nhét vào.

Ví dụ, tôi rất yêu tranh tĩnh vật, nhưng hầu hết các nghệ sĩ thì không. Bằng cách nào đó, điều này không vững chắc đối với một người sáng tạo đáng kính, tất cả học sinh đều học những điều cơ bản về vẽ từ tĩnh vật được dàn dựng.

Tĩnh vật đặc biệt không được ưa chuộng vào nửa sau của thế kỷ 19, ở mức độ lớn nhất - trong số những người theo trường phái Ấn tượng, những kẻ lang thang của chúng ta cũng không thích nó. Một số trong số họ tôi không tìm thấy một tĩnh vật nào. Không có tác phẩm nào như vậy và, ví dụ, Nesterov, Kuindzhi, Aivazovsky, Perov, Grigory Myasoedov (ai tìm thấy, hãy nói với tôi, tôi sẽ bổ sung).

Viktor Vasnetsov "Bó hoa". Một câu chuyện cổ tích hoặc sử thi - xin vui lòng, Nhà thờ Kyiv Vladimir rất dễ vẽ, nhưng họa sĩ không có nhiều tĩnh vật. Tuy nhiên, họ là!

Tất nhiên, có những trường hợp ngoại lệ trong số những người theo trường phái Ấn tượng - Cezanne rất thích tranh tĩnh vật, mặc dù ông không coi mình là một người theo trường phái Ấn tượng. Những người theo trường phái hậu ấn tượng Van Gogh và Matisse đã "xuất hiện" trên tranh tĩnh vật (Tôi sẽ không đề cập đến những tác phẩm được liệt kê ở đây - chúng tôi đang săn lùng những tác phẩm hiếm hoi của những người "không thích" tĩnh vật). Nhưng, về cơ bản, những người đại diện cho những xu hướng này không thích kiểu kinh doanh hoa quả này - tư sản và gia trưởng, không có một bầu không khí yêu thích - sự nhàm chán! Ngay cả Berthe Morisot là cô gái duy nhất trong số những người theo trường phái Ấn tượng cũng không thích thể loại hơi "nữ tính" này.

Ilya Repin "Táo và lá", 1879 . Cuộc sống tĩnh lặng - không điển hình cho Repin. Ngay cả ở đây, bố cục trông không giống như một tác phẩm cổ điển - tất cả những thứ này có thể nằm ở đâu đó trên mặt đất dưới gốc cây, không có kính và rèm cửa.

Tuy nhiên, cuộc sống không phải lúc nào cũng trải qua thời kỳ tồi tệ. Nó bắt đầu xuất hiện vào thế kỷ 16, khi là một phần của thể loại tranh vẽ, và vào thế kỷ 17, nhờ người Hà Lan, nó đã phát triển thành một thể loại hội họa độc lập. Nó rất phổ biến vào thế kỷ 18 và nửa đầu thế kỷ 19, sau đó, nhờ những phong trào đổi mới trong nghệ thuật, mức độ phổ biến của nó bắt đầu giảm. Sự hồi sinh của thời trang tĩnh vật bắt đầu vào khoảng những năm 20 của thế kỷ 20. Nhiều đại diện nghệ sĩ nghệ thuật đương đại một lần nữa họ lấy bình hoa và quả đào, nhưng đây đã là những hình thức mới. Tất nhiên, thể loại này không bao giờ biến mất hoàn toàn, và đã có (và vẫn còn) cả một thiên hà của các họa sĩ tĩnh vật. Chúng ta sẽ nói về điều này sau, nhưng bây giờ tôi sẽ im lặng, tôi sẽ chỉ bình luận về điều gì đó, và bạn chỉ cần nhìn vào những tĩnh vật hiếm hoi của các tác giả chỉ thỉnh thoảng viết chúng:

Valentin Serov "Tử đinh hương trong bình", 1887.
Trong các tác phẩm nổi tiếng của ông, bạn chỉ có thể thấy một mảnh tĩnh vật - những quả đào trước mặt một cô gái. Họa sĩ vẽ chân dung sâu sắc nhất, rõ ràng, đã chán vẽ hoa và xác chim.

Issac Levitan. "Những bông hoa violet rừng và những điều không thể quên", 1889.Thiên tài của phong cảnh Nga đôi khi vẽ tĩnh vật tuyệt vời. Nhưng rất hiếm! Ngoài ra còn có một lọ bồ công anh - đáng yêu!

Vasily Surikov "Bó hoa".
Tác giả của Buổi sáng của cuộc hành quyết căng thẳng yêu thích phạm vi và sự kịch tính. Nhưng điều này cũng được bảo tồn - một bông hồng nhỏ ngây thơ và quyến rũ.

Boris Kustodiev. "Tĩnh vật với chim trĩ", 1915 . Thông thường trong các tác phẩm của anh ấy có những bức tranh tĩnh vật khổng lồ - anh ấy vẽ những thương nhân và những người nông dân hồng hào bên những chiếc bàn đầy ắp thức ăn theo đúng nghĩa đen. Và nói chung, những bức tranh sơn dầu tươi sáng vui vẻ của anh ấy trông giống như một bức tĩnh vật, ngay cả khi đó là một bức chân dung, nhưng có rất ít hình ảnh riêng lẻ không phải là vợ của một thương gia mà là bữa sáng của cô ấy.

Victor Borisov-Musatov "Tử đinh hương", 1902.
Tôi thực sự thích dày đặc ban đầu của mình, không có ai khác tương tự. Bạn luôn có thể nhận ra anh ấy, và trong cuộc sống tĩnh lặng này - cũng vậy.

Mikhail Vrubel "Những bông hoa trong chiếc bình xanh", 1886
Thật là một tài năng! Làm thế nào xúc phạm ít thời gian! Những bông hoa cũng tuyệt đẹp, như những con quỷ.

Vasily Tropinin "Snipe và Bullfinch", những năm 1820.
Nghệ sĩ nông nô dường như không mấy tôn trọng thể loại tĩnh vật, và do đó hầu như không bao giờ vẽ nó. Những gì bạn nhìn thấy thậm chí không phải là một bức vẽ hoàn chỉnh, mà là một bản phác thảo.

Kazimir Malevich. "Tĩnh vật". Và bạn nghĩ táo của mình là hình vuông?

Ivan Kramskoy "Bó hoa. Phloxes", 1884
Tôi muốn đi thẳng đến dacha - tôi cũng có những bông hoa phlox ở đó vào mùa hè.

Wassily Kandinsky "Cá trên đĩa xanh" Không phải mọi thứ đều hoàn toàn ở dạng nguệch ngoạc, mắt và thậm chí cả miệng đều được vẽ trong bức tranh, và chúng thậm chí còn ở gần đó!

Nathan Altman "Mimosa", 1927
Tôi thích. Có một cái gì đó về nó.

Ivan Shishkin, 1855.
Và những con gấu và khu rừng ở đâu?!

Tôi cũng muốn chèn Petrov-Vodkin, nhưng có vẻ như anh ấy có khá nhiều tĩnh vật. Và Mashkov, Lentulov, Konchalovsky, vì vậy họ không phù hợp với vị trí này.

NGOẠI QUỐC:

Egon Schiele "Tĩnh vật", 1918
Và bạn nghĩ rằng anh ấy chỉ biết vẽ trẻ vị thành niên khỏa thân?

Alfred Sisley. "Tĩnh vật với một con diệc". Những con chim chết - kịch trong cuộc sống hàng ngày.

Hơn Sisley. Chà, tôi yêu anh ấy!

Gustave Courbet. Táo và lựu trên đĩa. 1871

Edgar Degas "Người phụ nữ ngồi bên bình hoa", 1865
Bất chấp cái tên, người phụ nữ chiếm 30% diện tích của bức tranh, vì vậy cô ấy coi đó là tĩnh vật. Nói chung, Degas thích vẽ người hơn vẽ hoa. Đặc biệt là vũ công ba lê.

Eugène Delacroix. "Bó hoa".
Chà, cảm ơn Chúa, không ai ăn thịt ai và không ai bắn!

Theodore Géricault "Tĩnh vật với ba hộp sọ"
Nói chung, Gericault bằng cách nào đó yêu thích những xác chết màu xanh và tất cả các loại "phân mảnh" một cách đáng ngờ. Và cuộc sống tĩnh lặng của anh ấy là phù hợp.

Camille Pissarro, Tĩnh vật với táo và bình, 1872

Claude Monet "Tĩnh vật với lê và nho", 1867.
Anh ấy có tĩnh vật, chúng có, nhưng tương đối ít.

Auguste Renoir, Tĩnh vật với bình hoa lớn, 1866
Anh ấy, so với những người khác được trình bày ở đây, có khá nhiều tĩnh vật. Vậy thì sao! Một trong những người cùng thời với anh ấy nói rằng anh ấy không có những tác phẩm buồn, và tôi ngưỡng mộ anh ấy, vì vậy tôi đã đẩy chúng vào đây. Và cũng bởi vì tĩnh vật của anh ta vẫn còn ít được biết đến, ít hơn nhiều so với tất cả những người tắm này, v.v.

Và bạn biết ai không? Pablo Picasso! 1919

Pablo đã làm việc hiệu quả một cách đáng kinh ngạc! Số lượng lớn các hình ảnh! Và trong số đó, tĩnh vật chiếm một tỷ lệ nhỏ hơn nhiều so với mọi thứ khác, và thậm chí sau đó chúng chủ yếu là "Lập thể". Đó là lý do tại sao anh ấy được đưa vào lựa chọn. Để bạn hình dung được anh ấy điên rồ (nhưng chắc chắn là tài năng!) và hay thay đổi như thế nào, hãy xem bức ảnh dưới đây. Đây cũng là hắn, cùng năm đó!

Pablo Picasso "Tĩnh vật trên một ngăn tủ", 1919

Paul Gauguin "Giăm bông", 1889.
Phụ nữ Tahiti sau đó đã đi, anh ấy rời đến Tahiti sau 2 năm (bây giờ tôi sẽ thêm và đi đào trong tủ lạnh).

Edouard Manet, Hoa cẩm chướng và cây ông lao trong bình pha lê, 1882
Ngoài ra còn có những tác phẩm tuyệt vời, chẳng hạn như "Hoa hồng trong ly sâm panh", nhưng những bức tranh tĩnh vật của Manet trong di sản của ông luôn ở phía sau. Và vô ích, phải không?

François Millet, thập niên 1860.
Chỉ là một bữa ăn tối cho tất cả nông dân và thợ gặt của mình.

Berthe Morisot "Cái bình xanh", 1888
Vẫn không cưỡng lại được!

Frederic húng quế. "Tĩnh vật với cá", 1866
Đơn giản và thậm chí thô lỗ, nhưng tôi nghĩ rằng tôi thậm chí còn ngửi thấy mùi cá! Tôi có nên đi đổ rác không?

Henri "Nhân viên hải quan" Rousseau, "Bó hoa", 1910

Bất ngờ về thể loại, nhưng luôn thay đổi về phong cách. Người nhân viên hải quan có đầu óc đơn giản luôn sống thật với chính mình.

Mọi người, cảm ơn vì sự quan tâm của bạn!
Bạn khỏe không?

tái bút Chưa hết Kuzma Petrov-Vodkin, vì anh ấy đẹp!:

Kuzma Petrov-Vodkin "Vĩ cầm trong hộp", 1916, Bảo tàng Nghệ thuật Odessa
Anh ấy có khá nhiều tĩnh vật. Tuyệt vời, chỉ là tuyệt vời! Những mùa hè tươi sáng như vậy - hãy nhớ xem trên Web, bỏ con ngựa đỏ và các vật dụng mang tính cách mạng khác sang một bên! Nhưng, vì chúng tôi có một bài viết về tĩnh vật khác thường, nên tôi đã chọn bức tĩnh vật không điển hình nhất cho tác giả này.

Một lần nữa cảm ơn sự chú ý của các bạn!

Chúng ta hãy chuyển sang giai đoạn cuối cùng của loạt bài viết về thể loại tĩnh vật này. Nó sẽ được dành riêng cho công việc của các nghệ sĩ Nga.

Hãy bắt đầu với Fyodor Petrovich Tolstoy (1783-1873). Đồ họa tĩnh vật của F.P. Tolstoy, một nhà điêu khắc, người được trao huy chương, người vẽ phác thảo và họa sĩ nổi tiếng người Nga, có lẽ là phần nổi bật và giá trị nhất trong sự nghiệp của ông. di sản sáng tạo, mặc dù bản thân nghệ sĩ nói rằng ông đã tạo ra những tác phẩm này "trong thời gian rảnh rỗi sau những nghiên cứu nghiêm túc."

Tài sản chính của các bức vẽ tĩnh vật của Tolstoy là bản chất ảo tưởng của chúng. Các nghệ sĩ cẩn thận sao chép thiên nhiên. Anh ấy đã cố gắng, theo anh ấy lời nói của chính mình, “với sự rõ ràng nghiêm ngặt, hãy chuyển bông hoa đã sao chép từ cuộc sống sang giấy như vốn có, với tất cả các chi tiết nhỏ nhất thuộc về bông hoa này.” Để đánh lừa người xem, Tolstoy đã sử dụng các kỹ thuật ảo giác như hình ảnh giọt sương hoặc tờ giấy trong mờ che phủ bức vẽ và giúp đánh lừa thị giác.

Ilya Efimofich Repin (1844-1930) cũng nhiều lần chuyển sang họa tiết tĩnh vật như hoa. Những tác phẩm này bao gồm bức tranh "Bó hoa mùa thu" (1892, Phòng trưng bày Tretyakov, Mátxcơva), trong đó họa sĩ miêu tả phong cảnh mùa thu với sự chú ý ngang nhau, một phụ nữ trẻ đứng trên phông nền của những cây vàng và một bó hoa màu vàng và trắng khiêm tốn trong đôi bàn tay của cô.

I. Repin. Bó hoa mùa thu. Chân dung Vera Repina. 1892, Phòng trưng bày Tretyakov

Lịch sử của bức tranh "Táo và Lá" hơi khác thường. Bức tranh tĩnh vật kết hợp giữa trái cây và lá cây được dàn dựng cho học trò của Repin, V.A. Serov. Giáo viên thích thành phần chủ đề đến nỗi ông quyết định tự mình viết một bức tranh tĩnh vật như vậy. Hoa và trái cây đã thu hút nhiều nghệ sĩ, những người ưa thích những thứ này, trong số những thứ khác, để thể hiện thế giới thiên nhiên một cách thơ mộng và đẹp đẽ nhất. Thậm chí ở. Kramskoy, người đã bác bỏ thể loại này, cũng bày tỏ sự ngưỡng mộ đối với tĩnh vật, tạo ra một bức tranh ngoạn mục “Bó hoa. Phloxes” (1884, Phòng trưng bày Tretyakov, Moscow).

Hầu hết chúng ta đều biết đến Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911) với tư cách là một nghệ sĩ chú ý đến phong cảnh, chân dung và tranh lịch sử trong tác phẩm của mình. Tuy nhiên, cần lưu ý rằng chủ đề trong tác phẩm của ông luôn chơi vai trò quan trọng và thường chiếm vị trí bình đẳng như các yếu tố khác của bố cục. Cao hơn một chút, tôi đã đề cập đến tác phẩm sinh viên của anh ấy "Những quả táo trên lá", 1879, được thực hiện dưới sự chỉ đạo của Repin. Nếu chúng ta so sánh tác phẩm này với một tác phẩm viết về cùng chủ đề của Repin, chúng ta có thể thấy rằng tĩnh vật của Serov khắc nghiệt hơn so với bức tranh của giáo viên của anh ấy. Nghệ sĩ mới bắt đầu sử dụng điểm thấp chế độ xem, do đó, kế hoạch thứ nhất và kế hoạch thứ hai được kết hợp và nền được giảm bớt.

Được mọi người biết đến từ thời thơ ấu, bức tranh "Cô gái với những trái đào" vượt ra ngoài thể loại chân dung và không phải ngẫu nhiên mà nó được gọi là "Cô gái với những trái đào" chứ không phải "Chân dung của Vera Mamontova". Chúng ta có thể thấy rằng các đặc điểm của chân dung, nội thất và tĩnh vật được kết hợp ở đây. Người nghệ sĩ cũng chú ý không kém đến hình ảnh cô gái mặc áo hồng và một vài đồ vật được nhóm lại một cách khéo léo. Những quả đào vàng nhạt, lá phong và một con dao sáng bóng nằm trên khăn trải bàn màu trắng. Những thứ khác ở hậu cảnh cũng được vẽ ra một cách đáng yêu: những chiếc ghế, một chiếc đĩa sứ lớn trang trí trên tường, bức tượng nhỏ của một người lính đồ chơi, một giá nến trên bậu cửa sổ. Ánh sáng mặt trời chiếu từ cửa sổ và rơi xuống các đồ vật có điểm sáng tạo cho hình ảnh một vẻ đẹp thơ mộng.

Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) đã viết: “Và một lần nữa nó đánh tôi, không, nó không đánh tôi, nhưng tôi nghe thấy nốt nhạc dân tộc thân mật mà tôi rất muốn bắt gặp trên vải và trang trí. Đây là âm nhạc của cả một con người, không bị mổ xẻ bởi những phiền nhiễu của một phương Tây có trật tự, khác biệt và nhợt nhạt.”

Tại Học viện Nghệ thuật, giáo viên yêu thích của Vrubel là Pavel Chistyakov, người đã dạy họa sĩ trẻ "vẽ theo hình thức" và lập luận rằng không nên tạo ra các hình thức ba chiều trong không gian bằng bóng và đường viền, chúng nên được xây dựng bằng các đường nét. Nhờ anh ấy, Vrubel không chỉ học được cách thể hiện bản chất mà còn như thể có một cuộc trò chuyện chân thành, gần như yêu thương với cô ấy. Với tinh thần này, bức tranh tĩnh vật tuyệt vời của bậc thầy “Wild Rose” (1884) đã được tạo ra.

Trong bối cảnh xếp nếp tinh tế với các họa tiết hoa văn, nghệ sĩ đã đặt một chiếc bình tròn trang nhã được vẽ bằng các hoa văn phương Đông. Mong manh Hoa màu trắng hông hoa hồng, nhuốm màu vải xanh lam và lá của cây gần như hợp nhất với cổ bình màu đen lung linh mờ ảo. Bố cục này chứa đầy sự quyến rũ và tươi mới khó tả, khiến người xem không thể không khuất phục.

Trong thời gian bị bệnh, Vrubel bắt đầu vẽ nhiều hơn từ thiên nhiên, và những bức vẽ của anh không chỉ nổi bật bởi hình thức bị rượt đuổi mà còn bởi một tâm hồn rất đặc biệt. Dường như mọi chuyển động của bàn tay người nghệ sĩ đều phản bội lại sự đau khổ và niềm đam mê của anh ta.

Đặc biệt đáng chú ý về vấn đề này là bức tranh “Tĩnh vật. Chân nến, bình gạn, ly”. Đó là một chiến thắng nghiền nát của tính khách quan khốc liệt. Mỗi mảnh tĩnh vật đều mang một sức mạnh bùng nổ tiềm ẩn. Vật liệu làm nên mọi thứ, cho dù đó là đồng của chân đèn, thủy tinh của bình rượu hay phản chiếu mờ của ngọn nến, có thể cảm nhận được sự run rẩy từ khối lượng khổng lồ. căng thẳng bên trong. Sự rung động được nghệ sĩ truyền tải bằng những nét giao nhau ngắn, khiến kết cấu trở nên bùng nổ và căng thẳng. Do đó, các vật thể có được độ sắc nét đáng kinh ngạc, đó là bản chất thực sự của sự vật.

G.N. Teplov và T. Ulyanov. Thông thường, họ mô tả một bức tường ván, trên đó vẽ các nút và đường gân của cây. Nhiều đồ vật khác nhau được treo trên tường hoặc cắm sau những dải băng đóng đinh: kéo, lược, thư, sách, vở nhạc. Đồng hồ, lọ mực, chai lọ, chân nến, bát đĩa và những vật nhỏ khác được đặt trên những chiếc giá hẹp. Có vẻ như một tập hợp các mặt hàng như vậy là hoàn toàn ngẫu nhiên, nhưng thực tế thì điều này còn lâu mới xảy ra. Nhìn vào những tĩnh vật như vậy, người ta có thể đoán được sở thích của những nghệ sĩ chơi nhạc, đọc sách và yêu thích nghệ thuật. Các bậc thầy đã miêu tả một cách yêu thương và siêng năng những thứ thân yêu đối với họ. Những bức tranh này chạm đến sự chân thành và trực tiếp của họ về nhận thức về thiên nhiên.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) cũng dành nhiều tác phẩm của mình cho thể loại tĩnh vật. Trên những bức tranh vui vẻ của anh ấy, người ta có thể nhìn thấy những tấm vải sa tanh sáng màu, những chiếc samovar bằng đồng lấp lánh, vẻ sáng chói của đồ sứ và đồ sứ, những lát dưa hấu đỏ, chùm nho, táo, bánh nướng xốp thơm ngon. Một trong những bức tranh đáng chú ý của ông là "The Merchant for Tea", 1918. Không thể không chiêm ngưỡng vẻ lộng lẫy tươi sáng của các đồ vật được thể hiện trên canvas. Một samovar lấp lánh, cùi dưa hấu đỏ tươi, táo bóng và nho trong suốt, một lọ thủy tinh đựng mứt, một bát đường mạ vàng và một chiếc cốc đứng trước mặt vợ của thương gia - tất cả những thứ này mang lại không khí lễ hội cho bức ảnh.

Trong thể loại tĩnh vật sự chú ý lớnđã được trao cho cái gọi là "hình nộm tĩnh vật". Nhiều bức tĩnh vật là "mánh khóe", mặc dù thực tế là chúng nhiệm vụ chính là sự đánh lừa người xem, họ chắc chắn có giá trị nghệ thuật, đặc biệt đáng chú ý trong các viện bảo tàng, nơi những tác phẩm như vậy được treo trên tường, tất nhiên, không thể đánh lừa công chúng. Nhưng cũng có những trường hợp ngoại lệ. Ví dụ: “Tĩnh vật với sách”, do P.G. Bogomolov, được đưa vào một "tủ sách" ảo ảnh và du khách không nhận ra ngay rằng đây chỉ là một bức tranh.

Rất hay “Tĩnh vật với một con vẹt” (1737) G.N. Teplov. Với sự trợ giúp của các đường nét rõ ràng, chính xác, biến thành các đường viền mềm mại, uyển chuyển, bóng nhẹ, trong suốt, sắc thái màu sắc tinh tế, nghệ sĩ thể hiện nhiều đồ vật treo trên tường ván. Gỗ được hoàn thiện một cách thuần thục, các tông màu hơi xanh, hồng, hơi vàng giúp tạo cảm giác gần như thật. mùi tươi gỗ mới chặt.

G.N. Teplov. "Tĩnh vật với một con vẹt", 1737, Bảo tàng Nhà nước gốm sứ, bất động sản Kuskovo

Bức tranh tĩnh vật của Nga - "thủ thuật" của thế kỷ 18 minh chứng cho việc các nghệ sĩ vẫn chưa truyền tải được không gian và khối lượng một cách khéo léo. Điều quan trọng hơn đối với họ là hiển thị kết cấu của các đối tượng, như thể được chuyển từ thực tế sang khung vẽ. Không giống như tranh tĩnh vật của Hà Lan, nơi những thứ được môi trường ánh sáng hấp thụ được miêu tả thống nhất với nó, trong tranh của các bậc thầy người Nga, những đồ vật được vẽ rất cẩn thận, thậm chí là nhỏ nhặt, dường như tự sống, bất kể không gian xung quanh.

TẠI đầu thế kỷ XIX thế kỷ, một vai trò to lớn trong sự phát triển hơn nữa của tĩnh vật đã được đóng bởi trường A.G. Venetsianov, người phản đối việc phân định nghiêm ngặt các thể loại và tìm cách dạy cho học trò của mình một tầm nhìn tổng thể về tự nhiên.

A. G. Venetsianov. Nhà kho, 1821-23

Trường phái Venice đã mở ra một thể loại mới cho nghệ thuật Nga - nội thất. Các nghệ sĩ đã thể hiện nhiều phòng khác nhau của ngôi nhà quý tộc: phòng khách, phòng ngủ, phòng làm việc, nhà bếp, phòng học, phòng của mọi người, v.v. Trong những tác phẩm này, một vị trí quan trọng đã được trao cho việc miêu tả các đồ vật khác nhau, mặc dù bản thân tĩnh vật ít được các đại diện của vòng tròn Venetsianov quan tâm (trong mọi trường hợp, rất ít tĩnh vật do các học trò của họa sĩ nổi tiếng thực hiện còn sót lại). Tuy nhiên, Venetsianov kêu gọi học sinh của mình nghiên cứu kỹ lưỡng không chỉ khuôn mặt và dáng người mà còn cả những thứ xung quanh họ.

Đối tượng trong bức tranh của Venetsianov không phải là một phụ kiện, nó gắn bó chặt chẽ với các chi tiết còn lại của bức tranh và thường là chìa khóa để hiểu được bức tranh. Ví dụ, những chiếc liềm trong bức tranh "The Reapers" (nửa sau những năm 1820, Bảo tàng Nga, St. Petersburg) thực hiện một chức năng tương tự. Những thứ trong nghệ thuật Venice dường như dính dáng đến cuộc sống nhàn nhã và thanh thản của các nhân vật.

Mặc dù Venetsianov, rất có thể, không thực sự vẽ tĩnh vật, nhưng ông đã đưa thể loại này vào hệ thống giảng dạy của mình. Các nghệ sĩ đã viết: Những vật vô tri vô giác không phải chịu những thay đổi khác nhau vốn là đặc trưng của vật thể sinh động, chúng đứng yên, giữ mình bình tĩnh, bất động trước một nghệ sĩ thiếu kinh nghiệm và cho anh ta thời gian để thâm nhập chính xác và thận trọng hơn, để xem xét mối quan hệ của bộ phận này với bộ phận khác, cả về đường nét, ánh sáng và bóng tối theo màu sắc. , phụ thuộc vào vị trí của các vật thể”.

Tất nhiên, tĩnh vật đóng một vai trò lớn trong hệ thống sư phạm Học viện nghệ thuật trong thế kỷ XVIII-XIX (trong lớp học các học sinh đã sao chép tranh tĩnh vật của các bậc thầy Hà Lan), nhưng chính Venetsianov, người đã khuyến khích các nghệ sĩ trẻ hướng về thiên nhiên, người đã đưa tranh tĩnh vật vào năm học đầu tiên của anh ấy, được tạo thành từ những thứ như tượng thạch cao, bát đĩa , chân đèn, dây ruy băng nhiều màu, hoa quả. Venetsianov đã chọn các chủ đề cho tĩnh vật giáo dục để chúng được các họa sĩ mới bắt đầu quan tâm, dễ hiểu về hình thức, màu sắc đẹp.

Trong những bức tranh được tạo ra bởi những sinh viên tài năng của Venetsianov, mọi thứ được truyền tải một cách chân thực và mới mẻ. Đây là những tĩnh vật của K. Zelentsov, P.E. Kornilov. Trong các tác phẩm của người Venice cũng có những tác phẩm về cơ bản không phải là tranh tĩnh vật, tuy nhiên, vai trò của sự vật trong đó là rất lớn. Ví dụ, bạn có thể đặt tên cho các bức tranh sơn dầu “Học ở Ostrovki” và “Sự phản chiếu trong gương” của G.V. Chim ác là được lưu giữ trong bộ sưu tập của Bảo tàng Nga ở St. Petersburg.

G.V. chim ác là "Văn phòng ở Ostrovki". Mảnh vỡ, 1844, Bảo tàng Nga, St. Petersburg

Tĩnh vật trong các tác phẩm này không hoạt động độc lập mà như một phần của nội thất được chủ nhân sắp xếp theo một cách đặc biệt, tương ứng với cấu trúc bố cục và cảm xúc chung của bức tranh. Yếu tố kết nối chính ở đây là ánh sáng, nhẹ nhàng truyền từ vật này sang vật khác. Nhìn vào các bức tranh, bạn hiểu làm thế nào thú vị thế giới một nghệ sĩ đã miêu tả một cách đáng yêu mọi đồ vật, mọi thứ nhỏ nhặt nhất.

Tĩnh vật được trình bày trong “Nghiên cứu ở Ostrovki”, mặc dù chiếm một vị trí nhỏ trong bố cục tổng thể, nhưng lại có vẻ có ý nghĩa khác thường, được nhấn mạnh do tác giả đã rào nó với phần còn lại của không gian bằng tấm ốp lưng cao. ghế sofa và cắt nó ở bên trái và bên phải bằng một khung. Có vẻ như Magpie đã bị cuốn hút bởi những đồ vật nằm trên bàn đến nỗi anh ta gần như quên mất phần còn lại của các chi tiết của bức tranh. Ông chủ cẩn thận viết ra mọi thứ: bút lông, bút chì, compa, thước đo góc, dao bấm, bàn tính, tờ giấy, ngọn nến trong chân đèn. Điểm nhìn từ trên cao cho phép bạn nhìn thấy tất cả mọi thứ, không có cái nào che khuất cái kia. Các thuộc tính như hộp sọ, đồng hồ, cũng như các biểu tượng của "sự phù phiếm trần gian" (tượng nhỏ, giấy tờ, bàn tính) cho phép một số nhà nghiên cứu phân loại tĩnh vật là vanitas, mặc dù sự trùng hợp này hoàn toàn là ngẫu nhiên, rất có thể là nông nô nghệ sĩ đã sử dụng những gì trên bàn chủ nhân của mình.

Bậc thầy nổi tiếng của các tác phẩm chủ đề đầu tiên nửa thế kỷ XIX thế kỷ là nghệ sĩ I.F. Khrutsky, người đã vẽ nhiều bức tranh đẹp theo tinh thần của người Hà Lan tĩnh vật XVII thế kỷ. Trong số những tác phẩm hay nhất của ông là “Hoa và trái cây” (1836, Phòng trưng bày Tretyakov, Mátxcơva), “Chân dung người vợ với hoa và trái cây” (1838, Bảo tàng nghệ thuật Belarus, Minsk), “Tĩnh vật” (1839, Bảo tàng nghệ thuật Học viện Nghệ thuật, St. Petersburg).

Vào nửa đầu thế kỷ 19 ở Nga, "tĩnh vật thực vật" đã đến với chúng tôi từ Tây Âu. Ở Pháp, vào thời điểm đó, các tác phẩm của các nhà thực vật học với hình minh họa đẹp đã được xuất bản. Danh tiếng lớn hơn trong nhiều các nước châu Âuđược nghệ sĩ P.Zh. Redoubt, người được coi là "họa sĩ vẽ hoa nổi tiếng nhất trong thời đại của ông." "Bản vẽ thực vật" là một hiện tượng quan trọng không chỉ đối với khoa học, mà còn đối với nghệ thuật và văn hóa. Những bức vẽ như vậy được tặng như một món quà, những cuốn album trang trí, do đó đặt chúng ngang hàng với các tác phẩm hội họa và đồ họa khác.

Vào nửa sau của thế kỷ 19, P.A. Fedotov. Mặc dù anh ấy không thực sự vẽ tranh tĩnh vật, nhưng thế giới của những thứ anh ấy tạo ra làm say mê vẻ đẹp và sự chân thực của nó.

Các đối tượng trong các tác phẩm của Fedotov không thể tách rời khỏi cuộc sống của con người, chúng trực tiếp tham gia vào các sự kiện kịch tính được nghệ sĩ miêu tả.

Nhìn vào bức tranh "The Fresh Cavalier" ("Buổi sáng sau bữa tiệc", 1846), người ta ngạc nhiên trước sự phong phú của các đồ vật được chủ nhân vẽ cẩn thận. Một cuộc sống tĩnh lặng thực sự, đáng ngạc nhiên với chủ nghĩa ngắn gọn của nó, được thể hiện trong bức tranh nổi tiếng của Fedotov “Courtship of a Major” (1848). Cái ly có thể sờ thấy được: ly rượu trên chân cao, một cái chai, một bình gạn. Mỏng nhất và trong suốt, nó dường như phát ra tiếng chuông pha lê nhẹ nhàng.

Fedotov P.A. Hôn lễ của thiếu tá. 1848-1849. GTG

Fedotov không tách các đồ vật ra khỏi nội thất, vì vậy mọi thứ không chỉ được thể hiện một cách đáng tin cậy mà còn đẹp mắt một cách tinh tế. Mọi vật thể bình thường nhất hoặc không hấp dẫn lắm xuất hiện trong không gian chung đều có vẻ tuyệt vời và đẹp đẽ.

Mặc dù Fedotov không vẽ tranh tĩnh vật, nhưng ông đã thể hiện sự quan tâm chắc chắn đến thể loại này. Trực giác nhắc nhở anh ta cách sắp xếp đồ vật này hay đồ vật kia, trình bày nó từ quan điểm nào, đồ vật sẽ trông như thế nào tiếp theo không chỉ hợp lý về mặt logic mà còn một cách biểu cảm.

Thế giới vạn vật giúp thể hiện cuộc sống của một người trong tất cả các biểu hiện của nó, mang đến cho các tác phẩm của Fedotov một bản nhạc đặc biệt. Đó là những bức tranh "Neo, thêm neo" (1851-1852), "Góa phụ" (1852) và nhiều bức khác.

Vào nửa sau của thế kỷ 19, thể loại tĩnh vật thực tế không còn được các nghệ sĩ quan tâm, mặc dù nhiều họa sĩ thể loại này sẵn sàng đưa các yếu tố tĩnh vật vào các tác phẩm của họ. Những thứ trong tranh của V.G. Perov (“Uống trà ở Mytishchi”, 1862, Phòng trưng bày Tretyakov, Moscow), L.I. Solomatkin (“Slavilshchiki-gorodovye”, 1846, Bang bảo tàng Lịch sử, Mátxcơva).

Tĩnh vật được A.L. Yushanova (“Tiễn người đứng đầu”, 1864), M.K. Klodt (“Nhạc sĩ ốm yếu”, 1855), V.I. Jacobi (“Pedlar”, 1858), A.I. Korzukhin (“Trước khi xưng tội”, 1877; “Trong khách sạn tu viện”, 1882), K.E. Makovsky (“Alekseich”, 1882). Tất cả những bức tranh này hiện được lưu giữ trong bộ sưu tập của Phòng trưng bày Tretyakov.

K.E. Makovsky. “Alekseich”, 1882, Phòng trưng bày Tretyakov, Moscow

Trong những năm 1870-1880, cuộc sống đời thường vẫn là thể loại hàng đầu trong hội họa Nga, mặc dù phong cảnh và chân dung cũng chiếm một vị trí quan trọng. một vai trò to lớn vì phát triển hơn nữa Nghệ thuật Nga được chơi bởi những kẻ lang thang, những người tìm cách thể hiện sự thật của cuộc sống trong các tác phẩm của họ. Các nghệ sĩ bắt đầu cống hiến tầm quan trọng lớn làm việc từ thiên nhiên và do đó ngày càng chuyển sang phong cảnh và tĩnh vật, mặc dù nhiều người trong số họ coi thứ sau là lãng phí thời gian, một niềm đam mê vô nghĩa đối với hình thức, không có nội dung bên trong. Vì vậy, I.N. Kramskoy đã đề cập đến họa sĩ nổi tiếng người Pháp, người không bỏ bê tranh tĩnh vật, trong một bức thư gửi V.M. Vasnetsov: “Một người tài năng sẽ không lãng phí thời gian vào hình ảnh, chẳng hạn như chậu, cá, v.v. Thật tốt khi làm điều này cho những người đã có mọi thứ, nhưng chúng tôi còn rất nhiều việc phải làm.”

Tuy nhiên, nhiều nghệ sĩ Nga không vẽ tranh tĩnh vật đã ngưỡng mộ họ khi nhìn vào bức tranh sơn dầu của các bậc thầy phương Tây. Chẳng hạn, V.D. Polenov, lúc đó đang ở Pháp, đã viết thư cho I.N. Kramskoy: “Hãy xem mọi thứ đang diễn ra ở đây như thế nào, giống như kim đồng hồ, mọi người làm việc theo cách riêng của mình, theo nhiều hướng khác nhau, những gì mọi người thích, và tất cả những điều này đều được đánh giá cao và được trả công. Với chúng tôi, điều quan trọng nhất là những gì được thực hiện, nhưng ở đây nó được thực hiện như thế nào. Ví dụ, họ trả hai mươi nghìn franc cho một chiếc chậu đồng có hai con cá, và ngoài ra, họ coi người thợ đồng này là họa sĩ đầu tiên, và có lẽ không phải không có lý do.

Đến thăm vào năm 1883 tại một cuộc triển lãm ở Paris V.I. Surikov ngưỡng mộ phong cảnh, tĩnh vật và tranh vẽ hoa. Anh ấy viết: “Cá của Gibert rất ngon. Chất nhờn của cá được truyền tải một cách điêu luyện, đầy màu sắc, hòa quyện vào nhau.” Trong bức thư của anh ấy gửi cho P.M. Tretyakov và những lời như vậy: “Và con cá của Gilbert là một điều kỳ diệu. Chà, bạn hoàn toàn có thể cầm nó trong tay, nó được viết để lừa dối.

Cả Polenov và Surikov đều có thể trở thành những bậc thầy xuất sắc về tĩnh vật, bằng chứng là những đồ vật được vẽ một cách tinh xảo trong các tác phẩm của họ (“Sick” của Polenova, “Menshikov in Berezov” của Surikov).

V.D. Polenov. "Bệnh", 1886, Phòng trưng bày Tretyakov

Hầu hết các bức tranh tĩnh vật do các nghệ sĩ nổi tiếng của Nga tạo ra trong những năm 1870 và 1880 đều là những tác phẩm mang tính chất phác họa, thể hiện mong muốn của tác giả là truyền tải các đặc điểm của sự vật. Một số tác phẩm này mô tả những đồ vật quý hiếm, khác thường (ví dụ: nghiên cứu tĩnh vật cho bức tranh "Cossacks viết thư cho Quốc vương Thổ Nhĩ Kỳ", 1891 của I.E. Repin). giá trị bản thân những tác phẩm như vậy đã không tồn tại.

Tranh tĩnh vật của A.D. Litovchenko, được thực hiện như những bản phác thảo chuẩn bị cho bức tranh lớn “Ivan the Terrible Shows His Treasures to Ambassador Horsey” (1875, Bảo tàng Nga, St. Petersburg). Nghệ nhân thể hiện vải gấm sang trọng, khảm vũ khí đá quý, các vật phẩm bằng vàng và bạc được cất giữ trong các kho báu của hoàng gia.

Hiếm hơn vào thời điểm đó là tĩnh vật etude, đại diện cho các vật dụng gia đình thông thường. Những tác phẩm như vậy được tạo ra với mục đích nghiên cứu cấu trúc của sự vật, đồng thời cũng là kết quả của một bài tập về kỹ thuật vẽ tranh.

Tĩnh vật đóng một vai trò quan trọng không chỉ trong thể loại hội họa mà còn trong thể loại chân dung. Ví dụ, trong hình I.N. Kramskoy "Nekrasov trong thời kỳ của những bài hát cuối cùng" (1877-1878, Phòng trưng bày Tretyakov, Moscow), các đồ vật đóng vai trò là phụ kiện. S.N. Goldstein, người đã nghiên cứu tác phẩm của Kramskoy, viết: “Khi tìm kiếm bố cục chung của tác phẩm, anh ấy cố gắng đảm bảo rằng nội thất mà anh ấy tái tạo, bất chấp tính cách đời thường của chính anh ấy, chủ yếu góp phần nhận thức về hình ảnh tinh thần của nhà thơ, ý nghĩa không phai mờ của thơ ông. Và thực sự, các phụ kiện riêng lẻ của nội thất này - các tập Sovremennik, được xếp ngẫu nhiên trên bàn cạnh giường bệnh nhân, một tờ giấy và cây bút chì trên đôi tay yếu ớt của anh ta, tượng bán thân của Belinsky, bức chân dung của Dobrolyubov treo trên tường - có được trong công việc này một ý nghĩa không có nghĩa là dấu hiệu bên ngoài tình huống, nhưng di tích liên quan chặt chẽ đến hình ảnh của một người.

Trong số ít những bức tranh tĩnh vật của Lãng khách, vị trí chính bị chiếm giữ bởi những “bó hoa”. Một "Bó hoa" thú vị của V.D. Polenov (1880, Bảo tàng Bất động sản Abramtsevo), theo cách thực hiện gợi nhớ một chút về cuộc sống tĩnh lặng của I.E. ghim lại. Không phô trương trong động cơ của nó (những bông hoa dại nhỏ trong một chiếc bình thủy tinh đơn giản), tuy nhiên, anh ấy vẫn thích thú với bức tranh tự do của mình. Vào nửa sau của những năm 1880, những bó hoa tương tự xuất hiện trong tranh của I.I. Levitan.

Theo một cách khác, I.N. trưng bày những bông hoa cho người xem. Kramskoy. Nhiều nhà nghiên cứu cho rằng hai bức tranh là “Bó hoa. Phloxes” (1884, Tretyakov Gallery, Moscow) và “Roses” (1884, bộ sưu tập của R.K. Viktorova, Moscow) được tạo ra bởi bậc thầy khi làm việc trên bức tranh “Nỗi buồn khôn nguôi”.

Kramskoy đã trình diễn hai “bó hoa” tại Triển lãm Du lịch XII. Các tác phẩm ngoạn mục, tươi sáng mô tả những bông hoa trong vườn trên nền tối đã tìm thấy người mua ngay cả trước khi khai mạc triển lãm. Chủ nhân của những tác phẩm này là Nam tước G.O. Gunzburg và Hoàng hậu.

Tại Triển lãm Du lịch IX năm 1881-1882, bức tranh của K.E. Makovsky, được đặt tên trong danh mục "Nature morte" (hiện nó nằm trong Phòng trưng bày Tretyakov với tên "Trong xưởng vẽ của nghệ sĩ"). Bức tranh lớn mô tả một con chó to lớn đang nằm trên tấm thảm và một đứa trẻ vươn tay từ ghế bành để lấy trái cây trên bàn. Nhưng những con số này chỉ là những chi tiết mà tác giả cần để làm sống lại cuộc sống tĩnh lặng - rất nhiều thứ xa xỉ trong xưởng vẽ của nghệ sĩ. Được viết theo truyền thống của nghệ thuật Flemish, bức tranh của Makovsky vẫn chạm đến tâm hồn người xem. Người nghệ sĩ, bị cuốn theo vẻ đẹp của những thứ đắt tiền, đã không thể hiện được cá tính của mình và tạo ra một tác phẩm, mục tiêu chínhđó là một minh chứng của sự giàu có và sang trọng.

Tất cả các đối tượng trong bức tranh dường như được thu thập để khiến người xem kinh ngạc trước vẻ đẹp lộng lẫy của chúng. Trên bàn là một bộ trái cây tĩnh vật truyền thống - táo lớn, lê và nho trên một chiếc đĩa lớn đẹp mắt. Ngoài ra còn có một chiếc cốc lớn bằng bạc, được trang trí bằng đồ trang trí. Gần đó có một bình tiên màu trắng và xanh lam, bên cạnh là một vũ khí cổ xưa được trang trí lộng lẫy. Việc đây là xưởng của một nghệ sĩ gợi nhớ đến những chiếc bàn chải được đặt trong một chiếc bình rộng trên sàn nhà. Chiếc ghế bành mạ vàng có một thanh kiếm trong bao kiếm sang trọng. Sàn nhà được trải thảm với vật trang trí tươi sáng. Các loại vải đắt tiền cũng được dùng để trang trí - gấm được trang trí bằng lông dày và nhung để may rèm. Màu sắc của canvas được duy trì trong các sắc thái bão hòa với ưu thế là đỏ tươi, xanh lam, vàng.

Từ tất cả những điều trên, rõ ràng là vào nửa sau thế kỷ 19, tranh tĩnh vật không đóng một vai trò quan trọng nào trong hội họa Nga. Nó chỉ được phân phối dưới dạng nghiên cứu về hội họa hoặc nghiên cứu giáo dục. Nhiều nghệ sĩ đã vẽ tĩnh vật trong chương trình đào tạo, trong tác phẩm độc lập, họ không quay lại thể loại này nữa. Tĩnh vật được vẽ chủ yếu bởi những người không chuyên, những người đã tạo ra màu nước với hoa, quả mọng, trái cây, nấm. Các bậc thầy lớn đã không coi tĩnh vật đáng được chú ý và chỉ sử dụng các đồ vật để thể hiện bối cảnh và trang trí hình ảnh một cách thuyết phục.

Sự khởi đầu đầu tiên của một cuộc sống tĩnh vật mới có thể được tìm thấy trong các bức tranh của các nghệ sĩ làm việc vào đầu thế kỷ 19-20: I.I. Levitan, I.E. Grabar, V.E. Borisov-Musatov, M.F. Larionova, K.A. Korovin. Vào thời điểm đó, tĩnh vật xuất hiện trong nghệ thuật Nga như một thể loại độc lập.

Nhưng đó là một bức tranh tĩnh vật rất đặc biệt, được hiểu bởi các nghệ sĩ làm việc theo trường phái ấn tượng, chứ không phải là một tác phẩm chủ đề khép kín thông thường. Các bậc thầy đã mô tả các chi tiết của tĩnh vật trong phong cảnh hoặc nội thất, và đối với họ, cuộc sống của những thứ không quan trọng lắm, mà là chính không gian, một làn khói ánh sáng làm tan biến đường viền của các vật thể. Những bức tranh tĩnh vật đồ họa của M.A. Vrubel, được phân biệt bởi tính nguyên bản độc đáo của chúng.

Vào đầu thế kỷ 20, những nghệ sĩ như A.Ya. Golovin, S.Yu. Sudeikin, A.F. Gaush, B.I. Anisfeld, IS Cậu học sinh. Một từ mới trong thể loại này cũng được nói bởi N.N. Sapunov, người đã tạo ra toàn bộ dòng bảng điều khiển bức tranh với những bó hoa.

Vào những năm 1900, nhiều nghệ sĩ thuộc nhiều hướng khác nhau đã chuyển sang tĩnh vật. Trong số đó có cái gọi là. Những người theo chủ nghĩa sezannist, những người theo chủ nghĩa tượng trưng ở Mátxcơva (P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin), v.v. nơi quan trọng các tác phẩm theo chủ đề được chiếm giữ trong tác phẩm của những bậc thầy nổi tiếng như M.F. Larionov, N.S. Goncharova, A.V. Lentulov, R.R. Falk, P.P. Konchalovsky, A.V. Shevchenko, D.P. Shterenberg, người đã biến cuộc sống tĩnh lặng trở nên hoàn thiện giữa các thể loại khác trong hội họa Nga thế kỷ 20.

Một danh sách các nghệ sĩ Nga đã sử dụng các yếu tố tĩnh vật trong tác phẩm của họ sẽ chiếm rất nhiều không gian. Do đó, chúng tôi giới hạn bản thân trong các tài liệu được trình bày ở đây. Những người quan tâm có thể tìm hiểu thêm về các liên kết được cung cấp trong phần đầu tiên của loạt bài viết về thể loại tĩnh vật này.

Bài viết trước: Phần 1 -
Phần 2 -
Phần 3 -
Phần 4 -
Phần 5 -

Về một số nghệ sĩ mang tính biểu tượng đã tạo ra những bức tranh tĩnh vật.

Giới thiệu

Thuật ngữ "tĩnh vật" được sử dụng để xác định các bức tranh mô tả các vật thể vô tri vô giác (từ "bản chất chết" trong tiếng Latinh). Hơn nữa, các đối tượng có thể được nguồn gốc tự nhiên(trái cây, hoa, xác động vật và côn trùng, đầu lâu, v.v.) và nhân tạo (các đồ dùng khác nhau, đồng hồ, sách và cuộn giấy, Trang sức và như thế). Thông thường, một bức tranh tĩnh vật bao gồm một số ẩn ý được truyền tải thông qua một hình ảnh tượng trưng. Các tác phẩm có tính chất ngụ ngôn thuộc thể loại phụ "vanitas".

Tĩnh vật là một thể loại phát triển nhất ở Hà Lan vào thế kỷ 17 như một cách để phản đối nhà thờ đã thành lập và sự áp đặt nghệ thuật tôn giáo. TẠI lịch sử xa hơn tranh của người Hà Lan thời đó (Utrech, Leiden, Delft và những người khác) một tác động rất lớn về sự phát triển của nghệ thuật: bố cục, phối cảnh, việc sử dụng biểu tượng như một yếu tố tường thuật. Bất chấp tầm quan trọng và sự quan tâm của công chúng, theo các học viện nghệ thuật, tĩnh vật chiếm vị trí cuối cùng trong hệ thống phân cấp chung của các thể loại.

Rachel Ruysch

Ruysch là một trong những họa sĩ vẽ tranh tĩnh vật và hiện thực nổi tiếng nhất Hà Lan. Các tác phẩm của nghệ sĩ này chứa đựng rất nhiều biểu tượng, nhiều thông điệp đạo đức và tôn giáo. Phong cách đặc trưng của cô ấy là sự kết hợp của nền tối, sự chú ý tỉ mỉ đến từng chi tiết, màu sắc tinh tế và hình ảnh của các yếu tố bổ sung làm tăng thêm sự thú vị (côn trùng, chim, bò sát, lọ pha lê).

Harmen van Stenwijk

Tác phẩm của nhà hiện thực người Hà Lan này thể hiện hoàn hảo tĩnh vật theo phong cách vanitas, minh họa sự hối hả và nhộn nhịp của cuộc sống trần gian. Một trong những bức tranh nổi tiếng nhất là "Câu chuyện ngụ ngôn về sự phù phiếm của cuộc sống con người", cho thấy một hộp sọ người trong tia sáng. ánh sáng mặt trời. Nhiều loại mặt hàng đa dạng các tác phẩm đề cập đến những ý tưởng về tính tất yếu của cái chết thể xác. Độ chi tiết và mức độ hiện thực trong các bức tranh của Stenwijk đạt được thông qua việc sử dụng cọ tốt và kỹ thuật sơn.

Paul Cezanne

Được biết đến với các tác phẩm phong cảnh, chân dung và thể loại, Cezanne cũng đóng góp vào sự phát triển của tĩnh vật. Sau khi sự quan tâm đến trường phái Ấn tượng phai nhạt, nghệ sĩ bắt đầu khám phá các loại trái cây và đối tượng tự nhiên, thử nghiệm với các hình ba chiều. Những nghiên cứu này đã giúp tạo ra phối cảnh và kích thước trong các bức tranh tĩnh vật, không chỉ thông qua các kỹ thuật cổ điển mà còn thông qua việc sử dụng màu sắc một cách thuần thục. Tất cả các hướng được Cezanne xem xét đã được Georges Braque và Picasso nghiên cứu sâu hơn trong quá trình phát triển của trường phái lập thể phân tích. Để theo đuổi mục tiêu tạo ra một thứ gì đó "vĩnh viễn", họa sĩ thích vẽ những đồ vật giống nhau hơn, và quá trình tạo ra tĩnh vật lâu đến khó tin đã dẫn đến việc trái cây và rau quả bắt đầu thối rữa và phân hủy từ lâu trước khi bức tranh được hoàn thành .

Khem

Là học trò của David Bailly, nhà hiện thực người Hà Lan Hem được biết đến với những bức tĩnh vật tráng lệ với số lượng lớn chi tiết, chứa đầy bố cục, vô số côn trùng và các yếu tố trang trí và biểu tượng khác. Thông thường, nghệ sĩ đã sử dụng các họa tiết tôn giáo trong các tác phẩm của mình, như Jan Brueghel và Federico Borromeo.

Jean Baptiste Chardin

Con trai của người thợ mộc Jean Chardin có được tính cần cù và khao khát trật tự chính là nhờ cha mình. Các bức tranh của bậc thầy thường điềm tĩnh và tỉnh táo, bởi vì ông cố gắng đạt được sự hài hòa giữa tông màu, màu sắc và hình thức, phần lớn đạt được nhờ tác phẩm với ánh sáng và độ tương phản. Mong muốn về sự thuần khiết và trật tự cũng được thể hiện ở chỗ không có những câu chuyện ngụ ngôn trong các tác phẩm.

Frans Snyders

Tác giả của tĩnh vật và cảnh động vật theo phong cách baroque là một bậc thầy vô cùng sung mãn, và khả năng khắc họa kết cấu của da, lông thú, thủy tinh, kim loại và các vật liệu khác của ông là vô song. Snyders cũng là một họa sĩ động vật nổi tiếng, thường miêu tả những con vật đã chết trong tĩnh vật của mình. Sau đó, anh trở thành họa sĩ chính thức của Archduke Albert của Áo, dẫn đến việc tạo ra một bức tranh khác. hơn kiệt tác.

Francisco de Zurbarán

Zurbaran - tác giả nổi tiếng những bức tranh về chủ đề tôn giáo - là một trong những người sáng tạo tĩnh vật vĩ đại nhất. Được vẽ theo truyền thống nghiêm ngặt của Tây Ban Nha, tác phẩm của ông có chất lượng vượt thời gian và sự đơn giản hoàn hảo. Theo quy định, chúng đại diện cho một số lượng nhỏ các đối tượng trên nền tối.

Conor Walton

Từ tác giả đương đạiĐáng chú ý là Conor Walton. Có thể thấy rõ sự đóng góp của nghệ sĩ người Ireland cho sự phát triển của tĩnh vật trong các tác phẩm "Ẩn: Cam và chanh" (2008), "Tĩnh vật với hoa lan lớn" (2004). Công việc của người thợ thủ công là chính xác và được thực hiện với việc sử dụng ánh sáng đặc biệt để giúp chuyển tải kết cấu của các bề mặt khác nhau.

Những bức ảnh tĩnh vật đẹp nhất cập nhật: 04/06/2017 bởi: vui vẻ